Китайская живопись — одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Живопись в традиционном стиле известна сегодня на китайском языке как guóhuà (китайский: 國畫), что означает «национальная» или «родная живопись», в отличие от западных стилей искусства, которые стали популярными в Китае в XX веке. Традиционная живопись включает, по существу, те же методы, что и каллиграфия, и делается с щеткой, смоченной черными чернилами или цветными пигментами; масла не используются. Как и в случае с каллиграфией, самыми популярными материалами, на которых сделаны картины, являются бумага и шелк. Готовая работа может быть установлена ​​на свитках, таких как свисающие свитки или ручные стрелки. Традиционная живопись также может быть сделана на листах альбомов, стенах, лаках, складных экранах и других носителях.

Двумя основными приемами китайской живописи являются:

Gongbi (工筆), что означает «дотошный», использует очень подробные мазки, которые точно определяют детали. Он часто сильно окрашен и обычно изображает фигуральные или повествовательные предметы. Его часто практикуют художники, работающие на королевском дворе или в независимых мастерских.

Чернильная и промывная покраска, в китайском шуй-мо (水墨, «вода и чернила») также слабо назвали акварель или кисть, а также известную как «литературная живопись», поскольку это было одно из «четырех искусств» китайского ученого — официальный класс. Теоретически это искусство, которое практикуют джентльмены, это различие, которое начинается в писаниях по искусству династии Сун, хотя на самом деле карьера ведущих экспонентов могла бы значительно принести пользу. Этот стиль также упоминается как «xieyi» (寫意) или стиль свободной руки.

Пейзажная живопись считалась высшей формой китайской живописи и, как правило, до сих пор. Время от периода пяти династий до периода Северной песни (907-1127) известно как «Великий век китайского пейзажа». На севере художники, такие как Цзин Хао, Ли Чэн, Фань Куан и Го Си, рисовали картины с высокими горами, используя сильные черные линии, стирку чернил и резкие, пунктирные мазки, чтобы предложить грубый камень. На юге Донг Юань, Джуран и другие художники рисовали холмы и реки своей родной деревни в мирных сценах, сделанных с более мягкой, потертой мазью. Эти два вида сцен и приемов стали классическими стилями китайской пейзажной живописи.

Особенности и исследование
Китайская живопись и каллиграфия отличает искусство других культур от акцента на движении и изменениях с динамичной жизнью. Практика традиционно сначала изучается с помощью rote, в которой мастер показывает «правильный путь» для рисования предметов. Подмастерье должно копировать эти предметы строго и непрерывно, пока движения не станут инстинктивными. В современную эпоху дискуссии на границах этой традиции переписчика в современных сценах искусства, где инновация является правилом. Изменение образа жизни, инструментов и цветов также влияет на новые волны мастеров.

Ранние периоды
Самые ранние картины были не репрезентативными, а декоративными; они состояли из рисунков или рисунков, а не изображений. Ранняя керамика была окрашена спиралями, зигзагами, точками или животными. Только во время периода Воюющих царств (475-221 гг. До н.э.) художники стали представлять окружающий мир. В имперские времена (начиная с династии Восточного Цзинь) живопись и каллиграфия в Китае были одними из самых высоко оцененных искусств в суде, и их часто практикули любители-аристократы и ученые-чиновники, у которых был досуг, необходимый для совершенствования техника и чувствительность, необходимые для большой щетки. Каллиграфия и живопись считались самыми чистыми формами искусства. Инструментами были ручка для кисти из волос для животных, а черные чернила сделаны из сосновой сажи и клей для животных. В древние времена письменность, а также живопись делались на шелке. Однако после изобретения бумаги в I веке нашей эры шелк постепенно заменялся новым и более дешевым материалом. Оригинальные сочинения известных каллиграфов были высоко оценены во всей истории Китая и установлены на свитках и висели на стенах так же, как картины.

Художники из Хань (206 г. до н.э. — 220 г. н.э.) в династии Тан (618-906) в основном рисовали человеческую фигуру. Большая часть того, что мы знаем о ранней китайской картине рисунка, происходит от захоронений, где картины были сохранены на шелковых знаменах, лакированных предметах и ​​стенах с надписью. Многие ранние картины гробниц предназначались для защиты мертвых или помощи их душам добраться до рая. Другие иллюстрировали учение китайского философа Конфуция или показывали сцены повседневной жизни.

В период Шесть династий (220-589) люди стали ценить живопись за свою красоту и писать об искусстве. С этого времени мы начинаем узнавать об отдельных художниках, таких как Гу Кайчжи. Даже когда эти художники иллюстрировали конфуцианские нравственные темы, такие как правильное поведение жены с мужем или детей с родителями, они пытались сделать цифры грациозными.

Шесть принципов
«Шесть принципов китайской живописи» были созданы Xie He, писателем, искусствоведом и критиком в Китае V века в «Шесть пунктов, которые следует учитывать при оценке картины» (繪畫 六法), взятые из предисловия к его книге » «Запись о классификации старых художников» (古畫 品 錄). Имейте в виду, что это было написано около 550 CE и относится к «старым» и «древним» методам. Шесть элементов, которые определяют картину:

«Резонанс Духа», или жизненность, которая относится к потоку энергии, который охватывает тему, работу и художника. Се Он сказал, что без Резонанса Духа не нужно было смотреть дальше.

«Метод кости» или способ использования кисти относится не только к текстуре и кисти, но и к тесной связи между почерком и личностью. В свое время искусство каллиграфии неотделимо от живописи.

«Соответствие объекту» или изображению формы, которая будет включать в себя форму и линию.

«Пригодность к типу» или применение цвета, включая слои, значение и тон.

«Отдел и планирование», или размещение и компоновка, соответствующие составу, пространству и глубине.

«Передача путем копирования» или копирование моделей, а не только из жизни, но и из произведений античности.

Династии Суй и Тан (581-907)
Во время династии Тан фигуристая картина процветала на королевском дворе. Художники, такие как Чжоу Фанг, изображали великолепие придворной жизни в картинах императоров, дворцовых дам и имперских лошадей. Живопись рисунка достигла высоты элегантного реализма в искусстве суда Южного Танга (937-975).

Большинство художников Тан изображали фигуры с черными черными линиями и использовали яркий цвет и детализированные детали. Тем не менее, один художник Тан, мастер Ву Даози, использовал только черные чернила и свободно нарисовал мазки, чтобы создать картины с чернилами, которые были настолько захватывающими, что толпы собрались, чтобы наблюдать за его работой. С его времени картины с чернилами уже не считались предварительными эскизами или контурами, которые должны быть заполнены цветом. Вместо этого они были оценены как готовые произведения искусства.

Начиная с династии Тан, многие картины были пейзажами, часто картин Шаньшуй (山水, «горная вода»). В этих ландшафтах, монохромных и редких (стиль, который все вместе называется shuimohua), цель заключалась не в том, чтобы воспроизвести внешний вид природы в точности (реализм), а скорее для восприятия эмоций или атмосферы, как бы улавливая «ритм» природы.

Ляо, Сун, Джин и Юань (907-1368)
Картина во время династии Сун (960-1279) достигла дальнейшего развития пейзажной живописи; неизмеримые расстояния были переданы с помощью размытых очертаний, контуров горных пород, исчезающих в тумане, и импрессионистского лечения природных явлений. Шейн-шуйский стиль — «шань», означающий гору, и «шуй», то есть река, стал заметным в китайском пейзажном искусстве. Упор, наложенный на ландшафт, был основан на китайской философии; Даосизм подчеркивал, что люди были крошечными пятнами в огромном и большем космосе, в то время как неоконфуцианские писатели часто преследовали открытие закономерностей и принципов, которые, по их мнению, вызвали все социальные и природные явления. Картина портретов и близко рассматриваемых объектов, таких как птицы на ветках, была высоко оценена, но пейзажная живопись имела первостепенное значение. К началу династии Сун возник особый ландшафтный стиль. Художники овладели формулой сложных и реалистичных сцен, размещенных на переднем плане, в то время как фон сохранил качества огромного и бесконечного пространства. Дистанционные горные вершины поднимаются из высоких облаков и тумана, а потоковые реки бегут издалека на передний план.

Существовала значительная разница в тенденциях живописи между периодом Северной Песни (960-1127) и периодом Южной Песни (1127-1279). На картинах представителей Северной песни влияли их политические идеалы наведения порядка в мире и решения самых больших проблем, затрагивающих все общество; их картины часто изображали огромные, широкие пейзажи. С другой стороны, представители Southern Song больше интересовались реформированием общества снизу вверх и в гораздо меньших масштабах, метод, который, по их мнению, имел больше шансов на конечный успех; их картины часто фокусировались на более мелких, визуально близких и более интимных сценах, в то время как фон часто изображался как лишенный деталей как сферы, не заботящейся о художнике или зрителе. Это изменение отношения от одной эпохи к другой в значительной степени связано с растущим влиянием неоконфуцианской философии. Сторонники неоконфуцианизма сосредоточились на реформировании общества снизу вверх, а не сверху вниз, что можно увидеть в их усилиях по продвижению небольших частных академий во время южной песни вместо крупных государственных академий, замеченных в эпоху Северной песни.

С тех пор, как южные и северные династии (420-589), живопись стала искусством высокой утонченности, которая была связана с классом дворянства как с одним из их главных художественных игр, а другие — каллиграфией и поэзией. Во время династии Сун были жадные коллекционеры, которые часто встречались в группах, чтобы обсуждать свои собственные картины, а также оценивать их коллег и друзей. Поэт и государственный деятель Су Ши (1037-1101) и его сообщник Ми Фу (1051-1107) часто принимали участие в этих делах, заимствуя произведения искусства для изучения и копирования, или, если они действительно восхищались пьесой, тогда часто предлагался обмен. Они создали новый вид искусства, основанный на трех совершенствах, в которых они использовали свои навыки в каллиграфии (искусство прекрасного письма), чтобы сделать чернильные картины. С тех пор многие художники стремились свободно выражать свои чувства и захватывать внутренний дух своего субъекта, а не описывать его внешний вид. Маленькие круглые картины, популярные в Южной Песне, часто собирались в альбомы, поскольку поэты писали стихи вдоль стороны, чтобы соответствовать теме и настроению картины.

Несмотря на то, что они были настоящими коллекционерами произведений искусства, некоторые исследователи песен не очень хорошо оценивали произведения искусства, заказанные теми художниками, которые были найдены в магазинах или на общих торговых площадках, а некоторые из ученых даже критиковали художников из известных школ и академий. Энтони Дж. Барбьери-Лоу, профессор ранней китайской истории в Калифорнийском университете, Санта-Барбара, указывает, что оценка учеными песен писателей, созданная их сверстниками, не была распространена на тех, кто зарабатывал на жизнь просто как профессиональные художники:

Во время Северной Песни (960-1126 гг. Н. Э.) Появился новый класс ученых-художников, которые не обладали тромп-л-навыками академических художников и даже профессионализмом обычных художников на рынке. Живопись литераторов была проще и временами совершенно необучена, но они критиковали бы эти две другие группы как простые профессионалы, поскольку они полагались на оплачиваемые комиссии за средства к существованию и не рисовали просто для удовольствия или самовыражения. Ученые-художники считали, что художники, которые сосредоточились на реалистичных изображениях, которые использовали красочную палитру, или, что хуже всего, приняли денежный платеж за свою работу, не лучше, чем мясники или возители на рынке. Их нельзя было считать настоящими художниками.

Однако во время периода Песни было много знаменитых придворных живописцев, и они были высоко оценены императорами и королевской семьей. Одним из величайших пейзажистов, получивших патронаж в суде Песни, был Чжан Цзедуан (1085-1145), который написал оригинал вдоль реки во время свитка Фестиваля Цинмин, одного из самых известных шедевров китайского изобразительного искусства. Император Gaozong of Song (1127-1162) однажды заказал художественный проект многочисленных картин для Восемнадцатых Песней Фантазии Кочевников, основанный на женщине-поэта Цай Вэньцзи (177-250 гг.) Ранней династии Хань. Yi Yuanji достиг высокой степени реализма живописи животных, в частности, обезьян и гиббонов. В период южной Песни (1127-1279) придворные художники, такие как Ма Юань и Ся Гуй, использовали сильные черные мазки, чтобы нарисовать деревья и скалы и бледные мочи, чтобы предложить туманное пространство.

Во время династии Монгольского Юань (1271-1368) художники присоединились к искусству живописи, поэзии и каллиграфии, вписав стихи в свои картины. Эти три искусства работали вместе, чтобы выразить чувства художника более полно, чем одно искусство могло сделать в одиночку. Император Юань Туг Темур (т. 1328, 1329-1332) любил китайскую живопись и стал похвальным художником.

Поздний императорский Китай (1368-1895)
Начиная с XIII века сложилась традиция рисования простых предметов — ветки с фруктами, нескольких цветов или одной или двух лошадей. Повествовательная живопись с более широким цветовым диапазоном и гораздо более занятой композицией, чем картины Песни, была чрезвычайно популярна во время периода Мин (1368-1644).

В это время появились первые книги, иллюстрированные цветными гравюрами на дереве; по мере совершенствования технологий цветной печати были опубликованы иллюстрированные руководства по искусству живописи. Jieziyuan Huazhuan (Руководство по горчичному садовому саду), пятитомная работа, впервые опубликованная в 1679 году, с тех пор используется в качестве технического учебника для художников и учеников.

Некоторые художники династии Мин (1368-1644) продолжали традиции юанских ученых-художников. Эта группа художников, известная как школа Ву, возглавила художник Шэнь Чжоу. Другая группа художников, известная как Школа Чжэ, возродила и трансформировала стили суда Песни.

Во время ранней династии Цин (1644-1911) художники, известные как индивидуалисты, восстали против многих традиционных правил живописи и нашли способы выразить себя более непосредственно через свободную мазку. В 18 и 19 веках крупные коммерческие города, такие как Янчжоу и Шанхай, стали центрами искусства, где богатые торговцы-покровители поощряли художников создавать смелые новые работы.

В конце 19-го и 20-го веков китайские художники все чаще подвергались воздействию западного искусства. Некоторые художники, которые учились в Европе, отвергли китайскую живопись; другие пытались совместить лучшее из обеих традиций. Среди самых любимых современных художников был Ци Байши, который начал жизнь как бедный крестьянин и стал великим мастером. Его самые известные работы изображают цветы и мелких животных.

Современная живопись
Начиная с Движения Новой Культуры, китайские художники начали применять западные методы. Выдающиеся китайские художники, которые изучали западную живопись, включают Ли Тифе, Янь Вэньлян, Сюй Бэйхун, Линь Фэнмиан, Фан Ганмин и Лю Хайсу.

В первые годы Китайской Народной Республики художникам было предложено использовать социалистический реализм. Социалистический реализм Советского Союза был импортирован без изменений, а художникам были назначены предметы и ожидается массовое производство картин. Этот режим был значительно ослаблен в 1953 году, а после Сто цветной кампании 1956-57 годов традиционная китайская живопись пережила значительное возрождение. Наряду с этими событиями в профессиональных кругах искусства было распространено крестьянское искусство, изображающее повседневную жизнь в сельских районах на настенных росписях и на выставках под открытым небом.

С 1978 года
После Культурной революции были восстановлены художественные школы и профессиональные организации. Биржи были созданы группами иностранных художников, а китайские художники начали экспериментировать с новыми темами и приемами. Один конкретный случай стиля от руки (xieyi hua) можно отметить в творчестве вундеркинда Ван Яни (1975 года рождения), который начал рисовать в возрасте 3 лет и с тех пор значительно способствовал осуществлению стиля в современном искусстве.

После китайской экономической реформы все больше и больше художников смело проводили инновации в китайской живописи. Среди нововведений: разработка новых навыков кисти, таких как вода и чернила с вертикальным направлением, с представителем художника Tiancheng Xie, создание нового стиля путем интеграции традиционных китайских и западных методов рисования, таких как Heaven Style Painting, с представительным художником Шаоцян Ченом и новые стили, которые выражают современную тему и типичную сцену природы определенных регионов, таких как стиль лицзянской живописи, с представителем художника Гешенгом Хуаном. В 2008 году картина Цай Цзинь, наиболее известная из-за ее использования психоделических цветов, показала влияние как западных, так и традиционных китайских источников, хотя картины были органическими абстракциями.