Resenha do LA Art Show 2021, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
A LA Art Show, a mostra internacional de arte contemporânea mais abrangente da América, inaugurou oficialmente a temporada de arte de 2021 da cidade no Los Angeles Convention Center em 29 de julho de 2021. A maior e mais antiga feira de arte de LA retorna triunfante após seu marco 26º aniversário. LA Art Show é a experiência artística internacional incomparável com mais de 80 galerias, museus e organizações artísticas sem fins lucrativos de todo o mundo exibindo pinturas, esculturas, trabalhos em papel, instalações, fotografia, design, vídeo e performance.
Los Angeles emergiu como um epicentro global de arte e cultura, com uma influência multicultural distinta e interligada, única na cidade. A diversidade é a nossa força e a arte tem mais impacto quando inclui ou transcende todas as fronteiras. Enquanto LA surge como um destino de classe mundial para a arte, o LA Art Show continua a liderar o caminho com uma programação inovadora e experiências únicas para um público colecionador em expansão. O LA Art Show serviu como impulsionador da ascensão da cidade como capital das artes, proporcionando uma sensação de normalidade após um ano cheio de turbulências e incertezas para o mundo da arte.
O LA Art Show cria uma das maiores feiras de arte internacionais dos Estados Unidos, proporcionando uma experiência de arte empolgante, envolvente e privilegiada para patrocinadores, seus convidados selecionados e clientes VIP. A mostra atrai uma lista de elite de galerias nacionais e internacionais, artistas aclamados, curadores conceituados, arquitetos, profissionais de design, juntamente com colecionadores exigentes.
Este ambiente cultural inovador e excepcional atrai executivos e membros do conselho de empresas do sul da Califórnia, representantes do governo estadual, municipal e municipal, bem como líderes de instituições culturais da região. Os participantes são criadores de tendências, influenciadores e consumidores alfa, que buscam e exigem o que há de mais novo e melhor em todas as áreas de suas vidas – arte, design, comida, tecnologia e viagens sendo pontos de paixão específicos.
A edição 2021 de DIVERSEartLA, com curadoria de Marisa Caichiolo, centra-se na presença, contribuições, pesquisa e documentação de mulheres e artistas não binários na vanguarda do trabalho na intersecção da arte, ciência e tecnologia representada pelos Museus e Instituições convidados. Esta parte da mostra se concentra na presença, contribuições, pesquisa e documentação de mulheres e artistas não binárias na vanguarda do trabalho na interseção de arte, ciência e tecnologia, representada por museus e instituições convidados.
O LA Art Show desenvolveu uma programação única para destacar alguns dos avanços mais interessantes na arte, incluindo AR, VR e NFTs, proporcionando aos visitantes um espaço para observar, aprender e desfrutar. Essa nova programação, além do design e dos meios mais clássicos pelos quais o programa é conhecido, foi pensada pensando no espectador, expondo as pessoas a novidades e tornando a arte e a tecnologia digital mais acessíveis. Com isso, o LA Art Show foi o primeiro show AO VIVO a entrar na conversa do NFT.
Mais de 180.000 pés quadrados de espaço de exposição estão comprometidos com as galerias proeminentes de hoje. Essas galerias nacionais e internacionais, além de seus estandes, organizam exposições especiais que estão na vanguarda do crescente movimento de arte contemporânea. A feira oferece um extraordinário conjunto de trabalhos e experiências em setores especializados.
LA Art Show 2021
O LA Art Show 2021 cria uma das maiores feiras internacionais de arte dos Estados Unidos, proporcionando uma experiência de arte empolgante, envolvente e privilegiada para patrocinadores, seus convidados selecionados e clientes VIP. A mostra atrai uma lista de elite de galerias nacionais e internacionais, artistas aclamados, curadores conceituados, arquitetos, profissionais de design, juntamente com colecionadores exigentes.
Este ambiente cultural inovador e excepcional atrai executivos e membros do conselho de empresas do sul da Califórnia, representantes do governo estadual, municipal e municipal, bem como líderes de instituições culturais da região. Os participantes são criadores de tendências, influenciadores e consumidores alfa, que buscam e exigem o que há de mais novo e melhor em todas as áreas de suas vidas – arte, design, comida, tecnologia e viagens sendo pontos de paixão específicos.
Algumas das galerias favoritas do LA Art Show retornam na edição de 2021, incluindo Arcadia Contemporary, Caldwell Snyder Gallery, Simard Bilodeau Contemporary e Rebecca Hossack Art Gallery de Londres para a programação de Modern + Contemporary. A mostra mais uma vez tem presença internacional com a Pigment Gallery retornando da Espanha, In The Gallery retornando da Dinamarca e trabalhos da Gallery KITAI no Japão, apenas para citar alguns.
Modern + Contemporary – A maior seção da programação no LA Art Show, Modern + Contemporary exibe o vasto espectro da pintura contemporânea, ilustração, escultura e muito mais de galerias em Los Angeles, Pacific Rim e países ao redor do mundo.
DIVERSEartLA – Capitalizando a posição da cidade na costa do Pacífico, DIVERSEartLA é uma seção de programação especial dedicada a nutrir a energia criativa de colecionadores, artistas, curadores, museus e organizações sem fins lucrativos internacionais conectando-os diretamente com o público em Los Angeles. O LA Art Show doa 50.000 pés quadrados de espaço de exposição para as organizações participantes a cada ano como nosso engajamento cívico, e o trabalho apresentado não está à venda. Curadoria geral de Marisa Caichiolo com curadores individuais de instituições de todo o mundo.
Exposições em destaque – expandindo-se além dos limites dos espaços de estandes, as exposições em destaque criam experiências imersivas para envolver o público por meio de obras de arte, performances e outras exposições instigantes oferecidas pelas galerias participantes, destacando trabalhos que foram comentados nos anos seguintes.
Roots – Honrando as vozes e movimentos anteriores, o ROOTS é um espaço de exposição dedicado para galerias que exibem obras históricas e artistas contemporâneos que seguem essas tradições.
Project Space – Vindos de todo o mundo, os expositores do Project Space apresentam uma ampla gama de ideias e talentos na forma de exposições individuais, apresentadas pelas galerias participantes.
Works On Paper – Works on Paper é um espaço de exposição dedicado à exibição de fotografias e outros trabalhos que não sejam em telas tradicionais.
Exposições
Onde as ruas não tem nome
A Arushi Arts apresenta ‘Where the Streets Have No Name’, uma coleção de obras de artistas pop emergentes de diferentes partes do mundo. Justapostas às intrincadas obras de arte do sudeste asiático, as obras são exibidas uma ao lado da outra para dar ao espectador uma sensação da natureza única das técnicas usadas, ao mesmo tempo em que compartilha a noção de “suas ruas” como o ponto crucial.
A coleção apresenta obras de arte de Riya Chandiramani, uma artista indiana de Hong Kong; uma grade de pequenas placas de metal nas ruas do artista de Los Angeles, Sellout; uma escultura de skate de cerâmica da escultora Jenna Helfman de Miami; trabalho do artista pop britânico Marty Thorton; artista de rua contemporâneo, Roger James, de Los Angeles; e o emergente artista britânico George Weait. Através das gerações, os artistas foram inspirados por seu meio e essas obras ilustram um diálogo entre os artistas e seus respectivos ambientes.
Iconoclastas: Kilduff’s Saloon
O artista que vive em Los Angeles, John Kilduff, criou uma instalação interativa na feira construída a partir de pinturas e esculturas de papelão para parecer um bar de bairro. Os participantes terão a oportunidade de entrar na instalação envolvente e pedir ‘bebidas’ pintadas à mão pelo artista. Kilduff criará novas pinturas de coquetéis e bebidas especiais diariamente. Os participantes terão a oportunidade de pedir o que está na torneira ou, quando o artista estiver dentro, pedir bebidas personalizadas fora do menu. Uma parte das receitas irá para apoiar os trabalhadores de bares e locais que estão passando por dificuldades financeiras devido à pandemia.
Morando em Los Angeles, John Kilduff, também conhecido como Mr Let’s Paint, é conhecido por sua arte performática ousada e seu programa de televisão, Let’s Paint TV. Através de seu show e trabalho, Kilduff empurra sua resistência de pintura através de uma série de desafios multitarefa e pintura para encorajar o público a abraçar a criatividade e auto-expressão através dos obstáculos da vida.
Campos de cor I Michael Loew
Michael Loew usou a estrutura de grade de Piet Mondrian como base para experimentar as possibilidades da paleta e se concentrar nas transições sutis de tons ou harmonia das relações de cores. Ele mudou os assuntos em padrões únicos de retângulos ou cores. Como um dos principais defensores do expressionismo abstrato e, posteriormente, da pintura do campo de cores, Loew produziu muitos exemplos coloridos, como Blue Edge e Yellow on Yellow.
No final dos anos 1920, Michael Loew foi inscrito na Art Student’s League e mais tarde esteve na França, onde estudou com Fernand Leger. Loew era amigo próximo e de longa data de Willem de Kooning, que influenciou seu trabalho. Depois de Pearl Harbor, Loew entrou para a Marinha e serviu como artista do batalhão para os “Seabees” no Pacífico. Suas aquarelas foram retiradas em grande parte de seu trabalho na Marinha na Ilha Tinian. Quando voltou para casa em 1946, sua pintura mudou rapidamente para a Abstração.
Foi a década de 1950 que trouxe o pleno desenvolvimento de seu estilo maduro. Ele estudou com Hans Hoffman e cultivou sua sensibilidade para os efeitos das cores. Ao longo de sua vida, o trabalho de Loew foi exibido extensivamente em galerias e museus, incluindo: The Guggenheim e The Whitney em NY, o Museu de Arte de Dallas e o Museu de Arte da Filadélfia.
Resumo na Natureza I Paik Gannomi
O pintor abstrato coreano-americano Paik Gannomi em suas cinco pinceladas fluidas produziu Sonaggi (Rainstorm) em 1973, em Nova York. Abstendo-se de ser elaborado ou supérfluo ao expressar um fenômeno natural, Rainstorm, ele afirmou através do mínimo de linhas e cores. Em seu uso da linha, ele compartilha semelhanças com a forma coreana de arte de caligrafia Seoye, na qual uma força de toque deve ganhar vida com um movimento e ritmo inerentes. Os traços do artista Gannomi adicionam profundo dinamismo pela incorporação característica do vermelho profundo dentro do preto. O espaço subsequente criado pelas linhas é outra marca registrada de suas obras influenciadas pela arte tradicional coreana.
A arte de Paik Gannomi pode ser categorizada como um expressionismo abstrato na linha de Franz Klein e Jackson Pollack. A maior parte do trabalho de Paik Gannomi não foi criado conscientemente com um título em mente, mas uma impressão superficial emergiu das linhas e espaços. Enquanto seus contemporâneos na Coréia encontravam fascinação com o movimento monocromático na década de 1970, ele manteve seu próprio forte com o estilo único de fundo azul-marinho sobreposto com linhas vermelhas fluidas em preto. O epítome de seus trabalhos tornou-se realidade quando ele foi premiado com o Prix d’Audonne pelo “Paysage de Seine” no Grand Palais, Paris 1981. Anteriormente, em 1980, ele recebeu o prêmio do prefeito no Palais Vincennes, Paris por “l’Automne “e” Sainte Face “.
Gravidade I Andreas von Zadora-Gerlof
Zadora-Gerlof presta homenagem a MC Escher nesta obra alucinante de aço inoxidável. A peça foi inspirada na Gravitação de 1952 do artista holandês, que explorou a impossibilidade de múltiplas fontes de gravidade trabalharem juntas em um único objeto. Escher manifestou essa teoria por meio de doze tartarugas que usam a estrela como uma concha comum. Representado em seis pares de cores – vermelho, laranja, amarelo, roxo, verde e azul – cada tartaruga repousa diretamente oposta à sua contraparte.
Embora a criação de Escher seja uma impossibilidade física, ele a apresentou de uma forma visualmente confiável e lógica. Zadora torna a genialidade da criação de Escher uma realidade por meio de peças cortadas com precisão de aço inoxidável e polímero. À primeira vista, parece uma confusão absurda de cabeças e membros de tartaruga, embora uma inspeção mais detalhada revele a simetria e harmonia inerentes ao design.
“O grito da borboleta”
Esta instalação, criada a partir de 490 pétalas de cerâmica, inspira-se no facto de as borboletas terem visto o seu habitat realmente reduzido de forma alarmante durante o reino do ser humano. Fique à vontade para aproximar seu celular do código QR e estar pronto para ouvir o “grito da borboleta”, quando essas lindas criaturas exigem sua vez de governar o mundo, para trazer o benefício do equilíbrio e bem-estar para todos os seres. Nosso planeta.
Cartoon-Digital Panel Folding Screen: Imagined Borders I Lee Lee Nam
Lee Lee Nam (n.1969) cria amálgamas do ambiente de alta tecnologia de hoje e da cultura tradicional. Com uma delicadeza excepcional, ele cria obras digitais e em vídeo hipnotizantes que justapõem pinturas de antigos mestres europeus e a arte tradicional asiática com imagens modernas. As obras são sobrepostas e entrelaçadas como um palimpsesto, criando uma imagem tão fictícia quanto sonhos sobrepostos à realidade.
Liminal: Martian Sun I Félicie d’Estienne d’Orves
Misturando luz, escultura e novas tecnologias, a obra de Félicie d’Estienne d’Orves questiona o processo de visão e desconstrói o nosso olhar. Entrelaçando a ciência com as qualidades intangíveis da vida e suas filosofias, Félicie questiona, agita e mergulha profundamente em fatos sobre o universo, traduzindo-os em instalações de arte hipnotizantes que são surpreendentemente intelectuais, complexas e belas.
Suas instalações utilizam uma abordagem fenomenológica da realidade, ressaltando a percepção do tempo como um continuum. De performance audiovisual a land art, sua pesquisa tem se concentrado no espaço astrofísico e nos ciclos de luz natural. O artista visual trabalha com paisagens do espaço exterior por meio de um processo de ‘tele-visão’, onde a profundidade de campo está sendo aumentada por telescópios, rovers e modelagem astrofísica.
Liminal: Martian Sun é um espetáculo que decidimos construir em torno da obra focada de obras de Félicie que se cruzam em diferentes dimensões, tempo e espaço. Pairando entre opostos, as obras da artista desafiam os lugares dos intervalos como a vida e a morte, a luz e a escuridão, o próximo e o distante, a realidade e o espiritual entre tantos outros, impulsionando uma parte importante de sua prática e o cerne de nossa exposição, daí o nosso título .
Programas
Como o primeiro show ao vivo a se juntar à mania NFT, apresentando aos participantes a incrível tendência da arte digital, o LA Art Show estabeleceu uma reputação de liderar o grupo. Como tal, os visitantes podem esperar tendências de arte ainda mais atraentes.
DIVERSEartLA
A edição de 2021 de DIVERSEartLA, com curadoria de Marisa Caichiolo, enfoca a presença, contribuições, pesquisa e documentação de mulheres e artistas não binários na vanguarda do trabalho na intersecção de arte, ciência e tecnologia representada por museus, instituições e não Organizações com fins lucrativos. Ciência, arte e tecnologia são tentativas humanas de compreender e descrever o mundo que nos rodeia. Os assuntos e métodos têm tradições diferentes e os públicos-alvo são diferentes, mas acho que as motivações e objetivos são fundamentalmente os mesmos. Acho que uma das necessidades mais primitivas e inatas dos humanos é entender o mundo ao nosso redor e, então, compartilhar esse entendimento.
Essa onda começou na década de 1920, quando muitos artistas pretendiam criar obras visuais baseadas no tempo. Embora algumas das obras parecessem incorporar a tecnologia e a inovação, muitas delas, na verdade, se originaram da forma mais tangível de realidade, os ambientes naturais circundantes do artista.
No campo da arte digital nos últimos quinze anos, muitos artistas têm trabalhado na materialização da informação digital e novas práticas de mídia por meios audiovisuais (como obras de instalação, audiovisual e performances que incluem tecnologia) a fim de apreender a imaginação disso; enquanto outros artistas pretendem apresentar o conceito de ‘sinais’ na perspectiva da sinestesia: eles tentam visualizar os sinais sonoros com o auxílio de máquinas e, portanto, transformar as imagens geométricas abstratas em sons por meio de operações computacionais.
DIVERSEartLA foi um exame e uma compilação de material, bem como uma exposição com o trabalho de mulheres e artistas não binários que desempenharam um papel central no desenvolvimento de novas práticas de mídia dentro das instituições de arte e ao longo da história. Também estamos mergulhando em um novo período em que tivemos que lidar com a quebra das relações tradicionais entre o material e o imaterial.
Tiffany Trenda, uma artista performática multidisciplinar, conhecida por explorar a relação do corpo feminino com as tecnologias em constante mudança de hoje. Ela está trabalhando com a DIVERSEartLA para trazer performances ao vivo com segurança para a feira de arte, coordenando uma experiência de visualização para os participantes por meio do código QR. Cada pessoa pode usar seu próprio smartphone para interagir com ela em tempo real por meio de gravação de vídeo volumétrica.
Museu de Arte das Américas
O Museu de Arte das Américas (AMA) se juntou a um projeto especial com curadoria de Fabian Goncálves, que apresenta uma compilação de material e trabalho de mulheres artistas que desempenharam um papel central no desenvolvimento de novas práticas de mídia ao longo da história, bem como por mulheres e pessoas não binárias cujas práticas com visão de futuro estão atualmente remodelando o campo. O artista venezuelano Luis Cobelo (PILAR) fez parte da AMA com uma performance, Yolanda Leal do México apresentou a performance Gorilla Nature e uma performance especial também apresentada por María Veroónica San Martin.
Dignidad
Dignidad é uma instalação artística do Arquivo Nacional do Chile baseada em documentos telefônicos secretos sobre Colonia Dignidad. Encontrados em 2012 pelo ex-colono e ativista Winfried Hempel, os áudios revelam pela primeira vez ao público conversas entre Paul Schäfer e outros agentes nazistas em 1978. Por meio de escultura, som, performance, texto e uma seleção de arquivos históricos , a instalação revela um complexo sistema de códigos e ações transcontinentais que culminaram em crimes contra menores e oponentes da ditadura cívico-militar chilena (1973-1990).
DATA | ergo sum | RELOADED
DATA | ergo sum | RELOADED é uma instalação de arte interativa que visualiza a capacidade de visualização de máquinas utilizando Inteligência Artificial para extrair dados por uma simples observação de visitantes, criada pela artista Ana Marcos. Ana Marcos é licenciada em Belas Artes pela Universidade de Madrid e Engenheira Industrial pela Universidade Politécnica de Madrid. Como artista multidisciplinar, ela combina diferentes formas de arte como instalações interativas, vídeo e fotografia, trabalhando em novas formas de experimentação no campo das artes. É líder e cofundadora do 3Dinteractive, grupo de engenheiros e artistas que busca, por meio da pesquisa, um entendimento mais profundo da relação arte-ciência-tecnologia e o público. Toda tecnologia produz uma mudança em nossa maneira de viver e entender a realidade.
Hoje, temos ao nosso dispor ambientes tecnológicos complexos e inovadores, trabalhos baseados na experimentação e estudos de Universidades de todo o mundo e todo esse conhecimento disponível na rede para ser partilhado não só por tecnólogos, mas também por artistas. É claro que o ímpeto e a relevância dessa tecnologia em geral, e da Inteligência Artificial em particular, estão ganhando em nossa sociedade e, como artista, ela acredita que o trabalho artístico tem a obrigação de explorar e experimentar no campo da IA. A arte sempre entra no pensamento e, portanto, também na tecnologia, e pode fornecer outras perspectivas para os desenvolvimentos mais inovadores. Quer a IA seja uma ferramenta ou uma disciplina, é – e foi – um tema de trabalho para artistas. Esperançosamente, a arte também será capaz de influenciar os desenvolvimentos em IA.
A Sinfonia do Agora
O Museu de Arte San Marcos (MASM) de Lima, Peru traz um projeto de novas mídias de realidade aumentada da artista peruana Angie Bonino, intitulado “A SINFONIA DE AGORA, que consiste em uma videoinstalação e uma instalação sonora interativa com foco no techno andino xamanismo descolonial. Este mundo em que vivemos hoje, que se tornou uma tela universal envolvente que prende e subjuga nossos olhos, mas que não nos deixa ver. Por causa de sua visibilidade extrema e extraordinariamente intensa – repetitiva, hipnotizante, alienante – as redes de poder e seus objetivos de dominação tornam-se invisíveis. E assim, despercebida, sua dominação torna-se inescrutável e totalmente irreversível.
A artista, Angie Bonino, nasceu em Lima (Peru), em 1974, e tem viajado continuamente por todo o mundo – ela até morou e trabalhou em Barcelona, na Espanha, durante onze anos. Não é de se estranhar, então, que o principal meio de suas propostas artísticas sejam justamente o cinema, especificamente as vídeo e as videoinstalações. No entanto, isso não significa que sejam suas únicas formas de expressão.
Angie Bonino é uma artista do nosso tempo em todos os sentidos, uma artista multimídia com foco no cruzamento da arte com a tecnologia. Afinal, além do vídeo, seus trabalhos também se expressam em animação, técnicas digitais, gravuras gráficas, desenhos, pinturas e esculturas. No entanto, em toda essa pluralidade de mídias, permanece em todos os momentos a mesma intenção estética predominante: questionar a imagem. Na obra de Angie Bonino, esse questionamento da imagem por meio das obras de arte sempre tem um intuito moral e político. Seu objetivo é revelar, em todas as redes de produção e transmissão de imagens hipermídia, a disseminação das esferas e sistemas invisíveis, ocultos, de poder que determinam a configuração do que ela chama de mundo da imagem.
Distanciamento Imersivo
Esses artistas abordam nosso atual momento cultural e político em relação ao corpo, à memória, aos vestígios de arquivo e à paisagem urbana. A imigração, como experiência pessoal e realidade sociopolítica, informa seu corpo mais amplo de trabalho. Esses artistas já trabalharam em instalações e esculturas, baseando-se fortemente em artefatos e arquivos familiares, bem como em explorações do espaço arquitetônico. Aqui, eles abordam a mídia como uma tecnologia de visualização que traz seus trabalhos baseados em sites em uma narrativa envolvente, enquanto também envolvem, adaptam e desafiam a abstração inerente à ciência, mas especialmente à ciência digital.
A produção, as características formais e o conteúdo dessas obras de mídia foram impactados diretamente pelas restrições da Covid-19, levando cada artista a desenvolver modos remotos de trabalho que confundiam a linha entre a produção e a pós-produção. Ambos os artistas recorreram a múltiplas fontes digitais: vídeo, fotografia e gravações de áudio. Em Last Light, Argote usa as imagens e sons de suas caminhadas por Los Angeles durante a pandemia como base para uma meditação sobre doença e destruição. Ela se volta para o alicerce de toda ciência – a medição – se propondo a medir seu corpo em relação à escala da cidade e do mundo, mas usa o alicerce de toda arte – a mão – como base para estabelecer a escala.
Em Memory Place, Abes explora três momentos de sua “certeza esfacelada” sobre Istambul, à medida que ela se torna mais uma ideia do que um lugar, visualizando esse processo por meio de dados de nuvem de pontos e fotogrametria que transformam vídeos e fotografias em ambientes 3D que se distanciam do observador. Esses ambientes são impressionistas e parciais – com lacunas aqui e ali nas cenas retratadas e com partes das imagens ficando mais nítidas à medida que se movem em direção ao ponto de fuga. Em ambas as obras, a natureza fragmentária das imagens é tornada imersiva pelo design de som.
Água
Agua oferece ao público um espaço, um oásis de cura e compreensão. A obra é site specific e arquitetonicamente integrada para promover uma consciência poética da água como um recurso sagrado para a humanidade, criando um momento de reflexão para os participantes. Agua é uma obra de arte multicanal que combina vídeos de água coletados ao longo de anos na exploração da natureza ao redor do mundo. Os tons de cores em mudança vistos expressam vários estados mentais e emocionais, harmonizando a experiência interativa fisicamente com uma interna.
Agora a Art LA e a Building Bridges Art Exchange se uniram como organizações locais sem fins lucrativos para apresentar a obra Agua, da artista Luciana Abait, uma projeção de vídeo inspirada no mito do dilúvio que ocorre em muitas culturas nas quais a água atua como cura e re- ferramenta de nascimento, muitas vezes referenciando idéias de criação, purificação e sustentação da vida. Agua, conforme exibido no centro de Los Angeles, apóia um apelo à ação e destaca a importância da água como um componente-chave para nossa sobrevivência futura. Pretendo com este trabalho participar da conscientização e ações em torno das iniciativas ambientais com profundidade, beleza, graça e deslumbramento.
Vozes de meninas agora
Women’s Voices Now (WVN) é uma organização sem fins lucrativos 501 (c) 3 sediada em Los Angeles que usa o poder do filme para impulsionar uma mudança social positiva que avança os direitos de mulheres e meninas em todo o mundo. Procuramos desafiar a má e a sub-representação das mulheres, promovendo filmes feitos por mulheres, sobre mulheres, para todos.
O Girls ‘Voices Now atendeu 70 meninas de comunidades com poucos recursos e supervisionou a produção de seus 12 curtas-metragens, que foram selecionados e premiados em 48 festivais de cinema e assistidos por mais de 522.000 espectadores online graças às nossas parcerias com Here Media, Kanopy, ONU Mulheres e a Campanha #HeforShe da ONU. Este programa capacita meninas e jovens com identificação feminina de comunidades com poucos recursos a encontrar, desenvolver e usar suas vozes para uma mudança social positiva por meio da produção de filmes.
Desempenho: Não / Visto
A artista Tiffany Trenda apresenta Un / Seen, uma performance ao vivo dentro de uma experiência imersiva usando captura volumétrica. Ele se transforma em tempo real dependendo das ações do público. Com novas experiências imersivas, ficamos desencarnados. Ou seja, estamos fisicamente em um espaço enquanto nossos olhos e pensamentos estão experimentando outro mundo simultaneamente. Nossos corpos se tornam dissociados conforme mudamos entre o simulado e o real. Além disso, não estamos imediatamente na presença de outra pessoa. Nossa presença é mediada e transportada para outro espaço que realmente não existe. Em essência, somos vistos e invisíveis.
Esses novos aplicativos também confundem a função do usuário e do criador, permitindo que ambas as partes mudem a experiência. Ou seja, o espectador não é mais uma testemunha, mas um colaborador. Além disso, todas as partes são representadas como avatares e isso abre uma narrativa de “quem é este?” e “o que aconteceu?” Nossos papéis como jogadores nesses jogos são ambíguos, um reflexo perfeito de nosso tempo com a incerteza de nosso futuro.
Imagem (Documentário)
Imagraphy é um documentário no qual uma variedade de fotógrafos internacionais compartilham suas histórias sobre o artesanato, a indústria, as técnicas e suas impressões gerais do mundo visto através de suas lentes. Apresentando: Roger Ballen, James Balog, John Batho, Peter Bialobrzeski, Michel Comte, Ralph Gibson, Greg Gorman, Henry Horenstein, Graciela Iturbide, Hiroji Kubota, Sir Derry Moore, Howard Schatz, Andres Serrano, Sandy Skoglund, Paul Watson e Stephen Wilkes.
Rose River Memorial
O Rose River Memorial é uma colaboração artística da comunidade que homenageia e lamenta as muitas vidas perdidas durante a pandemia COVID-19 nos Estados Unidos. O Rose River Memorial aspira a criar uma rosa de feltro como um símbolo de tristeza por cada vida perdida. A instalação foi um espaço sagrado de cura, onde as pessoas podem se conectar com seus próprios sentimentos e sentidos para vivenciar seu próprio luto, individual ou coletivamente, além de celebrar a vida e convidar a humanidade a celebrar novos começos.
Seminários
O Citibank está de volta com o Virtual Gallerist Talks, uma série de eventos e discussões presenciais e ao vivo, destacando algumas das galerias mais populares do LA Art Show. Ao longo do fim de semana, o Citibank sediou as palestras do LA Art Show Gallerist. Essas conversas ao vivo com os galeristas incluíram um passeio pelas exposições, bem como comentários sobre obras de arte selecionadas. Em um esforço coordenado, houve uma presença presencial e uma experiência virtual, com foco em cinco galerias selecionadas. Esta série oferece aos espectadores uma visão aprofundada da curadoria de cada programa, com diálogos animados sobre cada peça.
Caridade
Nos últimos seis anos, o LA Art Show tem sido um forte e inabalável apoiador do St. Jude Children’s Research Hospital, pois ele lidera a maneira como o mundo entende, trata e derrota o câncer infantil e outras doenças fatais. Em 2021, o Hospital St. Jude Children’s Research continua sendo o beneficiário, com o LA Art Show doando 15% não apenas dos ingressos noturnos de abertura, mas todos os ingressos são arrecadados este ano para sua missão de salvar vidas.
Local
O LA Art Show está estrategicamente situado no epicentro dinâmico da cidade. O LA Convention Center é o local ecológico mais avançado do sul da Califórnia, com tetos altos e amplo espaço. Aqui fica o Grammy Awards, o Grammy Museum e um impressionante complexo de entretenimento que inclui o Nokia Theatre, o Staples Center Arena, os melhores restaurantes e o The Ritz Carlton Hotel and Residences. Os patrocinadores das artes dirigem com prazer para Downtown LA para o melhor em Música Clássica (Disney Hall), Teatro (Mark Taper e Ahmanson) e Arte Contemporânea (MOCA, Art District).