A exposição “Game Changers: Reinventando a silhueta do século 20” aborda o trabalho inovador do estilista Cristóbal Balenciaga, cujas inovações em meados do século 20 criaram uma silhueta radicalmente nova, dando ao corpo liberdade de movimento e construindo volumes arquitetônicos para criar um espaço em torno dele.

Juntamente com os pioneiros da alta-costura nas décadas de 1920 e 1930 e, mais tarde, designers das décadas de 1980 e 1990, Balenciaga provou ser uma alternativa para a silhueta construtiva da ampulheta predominante. Esses “Game Changers” analisaram a moda do século 20 sob uma nova perspectiva.

Vestimentas influentes do Japão, como o quimono, libertaram as mulheres de seus corpetes apertados no início do século XX. Designers de moda como Madeleine Vionnet, Paul Poiret e Coco Chanel moldaram essa liberdade nos anos 1920-1930 com inovações técnicas e idéias modernas sobre feminilidade. No final do século XX, os limites da silhueta feminina são mais explorados por designers japoneses e belgas, como Issey Miyake, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Ann Demeulemeester e Martin Margiela. Eles abriram o caminho para novas formas corporais e silhuetas abstratas, e deram uma nova interpretação do que poderia ser considerado moda.

A figura central da exposição é o estilista basco Cristóbal Balenciaga (1895-1972), que é visto como a figura central entre os dois períodos, o arquiteto da inovação. Seus padrões e trabalho são o eixo central da exposição. Cada um dos designers trabalhou à sua maneira em idéias inovadoras semelhantes e mudou os limites da silhueta feminina clássica.

Desta forma, a moda se torna mais do que uma sequência de tendências; a moda é uma maneira de moldar o corpo, o espaço e o movimento. A coleção SS 1997 da Ray Kawakubo “Body Meets Dress, Dress Meets Body” mostra como essas novas formas se tornaram parte do vocabulário da moda.

A exposição reúne 100 silhuetas exclusivas de alta-costura e pronto-a-vestir de Cristobal Balenciaga, Paul Poiret, Madeleine Vionet, Gabrielle Chanel, mas também Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons e Maison Martin Margiela. Com empréstimos de prestigiadas coleções do museu do Fashion Technology Institute de Nova York, o V & A, o MUDE Lisbon e o Musée Galliera.

Descubra os designers que mudam o jogo que inovaram radicalmente a silhueta do século XX.

A exposição do Game Changers aconteceu no MoMu de março de 2016 a agosto de 2016. O show consistiu em mais de 130 silhuetas de designers que mudaram o jogo, com Cristóbal Balenciaga como protagonista.

A exposição combinou peças do arquivo MoMu com empréstimos do Palais Galliera, V & A, FIT, arquivos Balenciaga em Paris, SAIC Chicago, Gemeentemuseum Den Haag, Museu Groninger, MKG Hamburgo, Kunstgewerbemuseum Berlin, Modemuseum Hasselt.

O show foi curado por Miren Arzalluz e Karen Van Godtsenhoven.

O salto de tigre
Olhando para trás em direção ao futuro

O tema introdutório da exposição chama-se “Tiger’s leap” e consiste em duas silhuetas que mudam o jogo, uma de Cristóbal Balenciaga e outra de Rei Kawakubo.

A frase “o salto do tigre” vem do conceito alemão “Tigersprung” do filósofo Walter Benjamin, que descreve a moda como algo orientado para o futuro, mas ao mesmo tempo olha para o passado como inspiração: inovação através da revitalização do futuro. O passado é um princípio orientador em toda a exposição.

A icônica silhueta “Body Meets Dress, Dress Meets Body” da Rei Kawakubo, mostra como a silhueta da ampulheta ocidental é desafiada por designers do século 20, abrindo caminho para novas formas, curvas e constelações no século XXI.

A MoMu adquiriu este vestido no leilão de alta costura Didier Ludot de julho de 2015. A MoMu coleciona desenhos belgas e designers internacionais de vanguarda como a Comme des Garçons por Rei Kawakubo.

Como você pode ver neste vestido de tafetá assimétrico da coleção Outono / Inverno 1953 de Balenciaga, o uso de formas historicistas e inovações faz de sua obra um exemplo do princípio do pulo do tigre.

Ícones de Balenciaga
As silhuetas mais emblemáticas de Cristóbal Balenciaga

As silhuetas mais icônicas de Balenciaga romperam com o ideal da ampulheta predominante na moda do século 20: a linha do barril, a aparência semi-ajustada (1951), a túnica (1955), o vestido de saco (1957) e o vestido de quatro cantos (1968) e o boneco trapezoidal de 1958, que marcou o início de sua fase mais abstrata, onde vestes progressivamente conceituais de qualidade arquitetônica revestiam um corpo irrestrito e livre.

Em 1942, durante o período restritivo da ocupação nazista de Paris, Balenciaga embarcou em um processo de experimentação com forma com resultados sem precedentes.

No mesmo ano (1947) Christian Dior cativou o mundo com o “New Look”, Balenciaga apresentou uma nova silhueta de linhas fluidas, curvas que envolviam bastante
do que constringiu o corpo.

Este vestido gazar de quatro cantos de seda de 1967 foi uma das criações escultóricas mais abstratas de Balenciaga no final de sua carreira e continua sendo uma de suas vestimentas mais icônicas.

O vestido de saco rompeu com as silhuetas estruturadas e conscientes do corpo da costura dos anos 50 e libertou o corpo de uma maneira elegante e confortável.

A peça solta foi uma evolução chocante que anunciou a silhueta fácil e mínima dos anos 60.

Quimono
“Aprendi com o espaço entre o corpo e o tecido do quimono tradicional … não o estilo, mas o espaço.” – Issey Miyake

Este grupo analisa a adoção de princípios de quimono na moda ocidental.

Um importante elemento de mudança e inovação na moda ocidental do século 20, vem das noções orientais de vestuário e, especialmente, do japonês. O Japão abriu suas portas para o Ocidente somente na segunda metade do século 19: uma mania generalizada de artes decorativas japonesas chamada Japonismo se seguiu. Em oposição às modas européias que são intrincadas e cortadas perto do corpo, moldando as curvas de uma mulher, as noções orientais de vestido se concentram em pedaços retangulares de tecido que são enrolados ao redor do corpo, criando uma “roupa mais suave”.

A francesa Couturière Madeleine Vionnet tornou-se uma ávida colecionadora de kimonos e estampas de ukiyo-e, que influenciaram profundamente seu trabalho.

Ela disse: “O vestido não deve ficar pendurado no corpo, mas seguir suas linhas. Deve acompanhar seu portador e quando uma mulher sorri o vestido deve sorrir com ela. ”

O quimono da Vionnet inspirou a inovação técnica e a assimilação estética tiveram um impacto fundamental no trabalho de Cristóbal Balenciaga, estando no centro de sua visão alternativa da silhueta nas décadas de 50 e 60.

Os designers japoneses do final do século XX, como Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto e Issey Miyake, criam modas internacionais apresentadas em Paris.

A influência da estética japonesa, como o wabi-sabi, e o princípio do quimono, a idéia de envolver o tecido ao redor do corpo estão presentes em seu trabalho e foram adotados por muitos contemporâneos.

O fotógrafo Peter Lindbergh capturou algumas das roupas mais icônicas de Rei Kawakubo nesta série de 1983 (veja também a próxima foto).

Volumes Exagerados
As versões explosivas de roupas arquetípicas da Maison Martin Margiela feitas em um tamanho 78, desconstroem as noções de alta-costura (feito sob medida) e prêt-à-porter (pronto-a-vestir): elas não se encaixam no corpo do usuário e não vêm em tamanhos comerciais pré-definidos.

As roupas largas de Margiela desconstroem o sistema de moda, no qual peças industriais pré-fabricadas são produzidas para uma infinidade de diferentes tipos de corpo em tamanhos padrão: essas peças eliminam a idéia de um corpo padrão com a premissa de um tamanho todos’.

A linha reta
Este grupo mostra como, em diferentes épocas do século XX, nas décadas de 1920 e 1960, a silhueta curva em forma de S deu lugar a uma linha mais direta e moderna.

A silhueta sinuosa da moda do final do século 19 e início do século 20, no auge da Art Nouveau e caracterizada por uma cintura extremamente pequena e seios amplos, gradualmente deu lugar às linhas mais retas dos vestidos de reforma no início do século XX.

A garçonne usava cabelos curtos, vestidos de chemise e tinha uma figura de menino.

Chanel não apenas “libertou” a Nova Mulher, ela também impôs um novo ideal de beleza esbelta, do qual os ecos ainda podem ser sentidos hoje.

O vestuário esportivo influenciou a alta costura, e estilistas como Chanel, Jean Patou e Madeleine Vionnet atenderam à nova mulher liberada que era esportista e chique.

Balenciaga reinterpretou a linha reta em sua célebre silhueta “túnica” de 1955, uma simples peça na altura do joelho usada sobre uma saia longa e reta. A roupa sugere o contorno da silhueta, enquanto o espaço entre o corpo do usuário e a peça permite movimento livre. Sua simplicidade elegante garantiu sucesso e impacto instantâneos.

A reinterpretação da túnica de Balenciaga logo se tornou um novo clássico em sua obra e reapareceu em todas as coleções da Balenciaga, de fevereiro de 1955 até a última em fevereiro de 1968.

O espírito revolucionário da década de 1920 ecoa na década de 1960 com silhuetas igualmente retas, símbolos de liberdade e modernidade para a geração da Era Espacial. O ‘youthquake’ e os designers futuristas da década de 1960 eliminaram a cintura dos anos 50 e apresentaram, mais uma vez, uma silhueta gamine. André Courrèges e Paco Rabanne estiveram envolvidos com aprendizagens ou trabalharam no selo da Balenciaga e assumiram suas formas geométricas puras.

O fotógrafo francês Peter Knapp foi um colaborador próximo de André Courrèges e criou algumas das mais notáveis ​​imagens da Era Espacial nos anos 60.

Repensando o corpo
O vestido encontra o corpo, o corpo encontra o vestido, e torna-se um, Rei Kawakubo S / S 1997

O corpo, uma vez liberado do espartilho, estava pronto para assumir um novo papel em relação ao vestuário no final do século XX.

Na Primavera / Verão de 1997, Rei Kawakubo levou a ideia de “repensar o corpo” um passo à frente e lançou a sua famosa colecção ‘Lumps’ n Bumps, chamada ‘Dress Meets Body, Body Meets Dress e Become One’: uma colecção que formas orgânicas acolchoadas integradas, deformando ou reformando o corpo humano.

Kawakubo chamou simplesmente de “repensar o corpo”, enquanto a imprensa apelidou a coleção Quasimodo, ou pior “a coleção mais feia do ano”.

“Não o que foi visto antes, não o que foi repetido, em vez disso, novas descobertas que visam o futuro, que são liberadas e vivas.”
– Comunicado de imprensa Comme des Garçons 1997

O coreógrafo Merce Cunningham, que trabalhou com a coleção em sua produção de cenários, afirma simplesmente: “os caroços são formas familiares que podemos ver todos os dias, um mensageiro de bicicleta com uma sacola no ombro, um turista com pochete, um bebê na mãe braço.”

Da mesma forma, o trabalho de Georgina Godley, uma artista britânica e designer de moda, escapa à representação do corpo feminino como sexy / sem sexo: ela optou pela “terceira via”, adorando o corpo feminino, inspirado pela cultura africana.
deusas da fertilidade, bem como as mulheres de Vermeer.

Martin Margiela desconstrói a ideia ocidental da mulher como uma “boneca viva”, ou a boneca como uma versão mais perfeita da mulher: suas coleções com bonecos de alfaiataria transformados em coletes (primavera / verão 1997, outono? Inverno 1997-98), e um casaco fictício de fio de metal adaptável dos anos 50 (outono-inverno 1989-90).
Vestindo o corpo real e vivo em um manequim, que atua como uma versão fetichizada do corpo feminino, ele mostra quão estranho é o manequim padronizado para o corpo vivo real.

“Bonecas … é isso que muitos homens querem que as mulheres sejam … apenas bonecas.”
– Yohji Yamamoto

Para colocar o corpo no centro do palco da exposição, MoMu criou um vídeo holográfico, dirigido pelo fotógrafo Daniel Sannwald (graduado pela Royal Antwerp Academy of Fine Arts). Em uma coreografia de Sidi Larbi Cherkaoui (Eastman) e com uma seleção de peças de arquivo de Balenciaga selecionadas por Demna Gvasalia, atual diretora artística da casa de Balenciaga – e formada pelo departamento de moda da Royal Academy of Fine Arts.

Estas peças de arquivo são acompanhadas por desenhos de mudança de jogo por Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Maison Martin Margiela, Comme des Garçons e Vêtements marca própria de Gvasalia.

Em uma evocação da fase pré-lingüística da vida humana (13 meses), na qual não há “eu” e nenhuma distinção entre o próprio corpo da criança, o corpo da mãe e o mundo externo, as vestimentas abstratas e os corpos vivos se fundem novas constelações.

Visto de trás
“Eu só posso ver uma mulher como alguém que passa, uma pessoa que desaparece. Acho que a roupa deve ser feita na parte de trás, e não na frente.” – Yohji Yamamoto

O verso da silhueta feminina tornou-se um ponto focal no trabalho de Cristóbal Balenciaga. O decote caindo graciosamente na nuca, ou mais baixo nas costas, formava uma cortina caracteristicamente fluida.

Balenciaga inspirou-se no tradicional decote do quimono, incorporando golas cortadas do pescoço que expõem gentilmente a nuca em seus ternos e conjuntos de dia.

No Japão, a nuca é considerada uma das mais belas características do corpo de uma mulher.

Portanto, a parte de trás do colarinho do quimono é mergulhada para expor a nuca e fazê-la parecer mais longa.

Em contraste com as linhas fluidas do colarinho, o quimono é preso firmemente ao redor do peito e é adornado com outros acessórios proeminentes na parte de trás, como o volumoso nó obi e o penteado chignon alto decorado com pentes.

Balenciaga também incorporaria sua interpretação pessoal desses elementos em seus desenhos mais célebres da década de 1960, como o vestido de noite rosa de sua coleção outono / inverno de 1965, também exposto nesta exposição.

O babydoll
O caminho para a abstração

O vestido chemise ou baby doll, que leva o nome da negligée solta dos anos 1950, foi introduzido pela primeira vez por Balenciaga em sua coleção Winter 1957.

Era um projeto de coquetel em forma de trapézio feito de renda e usado sobre um vestido justo que delineava a forma real do corpo do usuário, resultando em um compromisso entre uma expressão da cintura e sua negação.

Na coleção de verão de 1958, Cristóbal Balenciaga deu um passo além e exagerou o volume em vestidos cheios, onde qualquer referência ao corpo foi radicalmente eliminada.

A cintura, os quadris e os seios passaram despercebidos habitando o novo espaço vazio que mediava o corpo e a roupa.

O boneco pode ser considerado o último dos marcos na experimentação de Balenciaga com a forma durante a década de 1950.

A forma trapezoidal do babydoll é um ponto de partida grato para designers contemporâneos.

Abstração final
O estágio final

Em 1968, Cristóbal Balenciaga fechou sua casa, depois de ter dado ao mundo seus desenhos mais criativos e puros na década de 1960, o que levou a uma abstração máxima do corpo, como pode ser visto em seu Le Chou Noir ou seu icônico vestido de quatro cantos, ambos parte de sua coleção Winter 1967.

O trabalho de alta costura de Balenciaga foi dito estar “fora de sintonia” com o boom do prêt-à-porter dos anos 60, mas na verdade sua abstração progressiva do corpo e linhas puras podem ser encontradas nas criações das gerações que o seguiram, incluindo Pierre Cardin (às vezes censurado por suas formas de cogumelo e abstração), Issey Miyake e gerações posteriores de designers internacionais, incluindo Sybilla (Espanha), Hussein Chalayan (Chipre), Junya Watanabe (Japão) e os vestidos impressos em 3D de Iris van Herpen (Holanda ).

Eles empurram a moda mais adiante em uma tradição de inovação, assim como seus predecessores. Desta forma, as ideias do passado colidem com as formas do futuro num eterno Salto do Tigre.

A silhueta final vem de “Horn of Plenty” de Alexander McQueen, esta coleção é a última coleção que McQueen criou “antes que ele estivesse pronto”, em suas próprias palavras, “lidando com a história da moda e poderia começar como um designer maduro”.

Ele evoca designers emblemáticos do século 20, como Chanel, Dior e Balenciaga, e coloca sua própria marca neles. Os motivos típicos de Houndstooth de Chanel e Dior transformam este vestido em uma impressão de pássaro, assinatura de McQueen.

O vestido parecido com uma lagarta de Balenciaga se transforma em um volume dramático.

Fashion Museum Antwerp, Bélgica

MoMu (Mode Museum) é o museu da moda da província de Antuérpia, na Bélgica. Fundado em 21 de setembro de 2002, o museu coleta, conserva, estuda e exibe moda belga. O museu está focado especificamente em designers de moda contemporâneos belgas devido ao surgimento de um grupo de estilistas treinados em Antuérpia durante os anos 80 e 90 (Martin Margiela, Dries Van Noten, Ann Demeulemeester, Walter Van Beirendonck, Dirk Van Saene, AF Vandevorst, etc). A primeira diretora do museu foi Linda Loppa, que também foi fundadora e diretora da Escola de Moda da Academia Real de Belas Artes (Antuérpia). O atual diretor é Kaat Debo.

Coleção
MoMu tem uma coleção de mais de 33.000 itens: roupas, calçados, têxteis, acessórios, rendas, …. Roupas e acessórios formam o núcleo da coleção que surgiu através de compras, mas também através de doações de particulares, designers e moda casas e através de uma série de empréstimos a longo prazo. Por exemplo, os primeiros presentes de Linda Loppa e Christine Matthijs deram início à coleção de estilistas de MoMu. Esta sub-coleção foi enriquecida com doações generosas de, entre outros, Dries Van Noten e Bernhard Willhelm. Mas também com empréstimos de longo prazo, incluindo 100 silhuetas de Walter Van Beirendonckin 2012, algumas dezenas de sapatos de grife e mais de 100 chapéus do designer britânico Stephen Jones por colecionadores e fundadores da loja de calçados Antwerp Coccodrillo Geert Bruloot e Eddy Michiels. A coleção do museu foi ampliada em algumas centenas de peças em 2012, através da doação e da compra parcial da coleção de moda histórica dos colecionadores holandeses Jacoba de Jonge. Juntamente com as antigas coleções do antigo Museu Têxtil e de Traje Vrieselhof, MoMu hoje administra uma coleção de cerca de 33.000 objetos que são mantidos em grande parte em casa.

A coleção é composta por roupas, acessórios e tecidos, além de peças mais inesperadas, como ferramentas, máquinas para produção de tecidos, padrões e convites para desfiles de moda.

A política de cobrança do MoMu concentra-se no trabalho de designers belgas e ex-alunos do Departamento de Moda da Academia Real de Belas Artes de Antuérpia. Nomes proeminentes do mundo da moda internacional contemporânea também estão representados na coleção.

A coleção cresce a cada ano por meio de aquisições, empréstimos e inúmeras doações, e agora consiste em mais de 33.000 peças. Isso faz da coleção MoMu a maior e mais importante coleção de moda belga contemporânea do mundo. O museu recebe continuamente pedidos de empréstimo internacional para peças de sua coleção de estilistas.

A coleção histórica de trajes e tecidos da Europa Ocidental de MoMu é uma continuação da coleção do antigo Museu de Traje e Têxtil de Vrieselhof.

Em 2011, a coleção histórica foi ampliada com uma importante aquisição. Mais de 2.000 objetos da 18ª, 19ª e primeira metade do século XX foram adquiridos da coleção particular de Jacoba de Jonge, complementando a coleção MoMu existente.

Além da coleção de moda e fantasias, o museu também abriga uma vasta coleção de bibliotecas. A biblioteca MoMu é uma biblioteca acadêmica de moda histórica e contemporânea, têxteis e trajes étnicos. Com mais de 15.000 livros, um arquivo repleto de valiosas obras de referência, centenas de revistas contemporâneas e históricas e um banco de dados digital de rápido crescimento de imagens, a biblioteca MoMu é uma das principais em sua área em todo o mundo.

Em 2017, a coleção de estudos foi adicionada à coleção do museu. A coleção de estudo é uma coleção separada destinada a ensinar os visitantes sobre moda, permitindo que eles estudem objetos de perto. A coleção de estudos pode ser usada para pesquisa acadêmica, como material didático ou como inspiração. Poderá ser consultado a partir do outono de 2018.

A coleção de estudo compreende roupas históricas, contemporâneas e étnicas, fragmentos e amostras. Esta coleção mais acessível consiste em uma doação feita pela Sra. Jacoba de Jonge, um empréstimo de longo prazo do Departamento de Conservação-Restauração da Universidade de Antuérpia e peças do MoMu.