A história da arte asiática ou arte oriental, inclui uma vasta gama de influências de várias culturas e religiões. Os desenvolvimentos na arte asiática historicamente são semelhantes aos da arte ocidental, em geral alguns séculos antes. Arte chinesa, arte indiana, arte coreana, arte japonesa, tiveram influência significativa na arte ocidental e vice-versa. A arte do Oriente Próximo também teve uma influência significativa na arte ocidental. Excluindo a arte pré-histórica, a arte da Mesopotâmia representa as formas mais antigas da arte asiática.
Arte budista
A arte budista originou-se no subcontinente indiano nos séculos que se seguiram à vida do Gautama Buda no século VI aC, antes de evoluir através de seu contato com outras culturas e sua difusão pelo resto da Ásia e do mundo. A arte budista viajou com os crentes como o dharma se espalhou, se adaptou e evoluiu em cada novo país anfitrião. Desenvolveu-se para o norte através da Ásia Central e para a Ásia Oriental, para formar o ramo norte da arte budista, e para o leste, até o sudeste da Ásia, para formar o ramo do sul da arte budista. Na Índia, a arte budista floresceu e até influenciou o desenvolvimento da arte hindu, até que o budismo quase desapareceu na Índia por volta do século X, devido, em parte, à vigorosa expansão do islamismo ao lado do hinduísmo.
Um dispositivo visual comum na arte budista é a mandala. Do ponto de vista do espectador, representa esquematicamente o universo ideal. Em várias tradições espirituais, mandalas podem ser empregadas para concentrar a atenção de aspirantes e adeptos, uma ferramenta de ensino espiritual, para estabelecer um espaço sagrado e como uma ajuda para a meditação e a indução ao transe. Sua natureza simbólica pode ajudar alguém a “acessar níveis progressivamente mais profundos do inconsciente, em última análise, auxiliando o meditador a experimentar um sentido místico de unidade com a unidade última da qual o cosmos surge em todas as suas formas múltiplas”. O psicanalista Carl Jung via a mandala como “uma representação do centro do eu inconsciente” e acreditava que suas pinturas de mandalas lhe permitiam identificar distúrbios emocionais e trabalhar em prol da integridade da personalidade.
Arte butanesa
A arte butanesa é semelhante à arte do Tibete. Ambos são baseados no Budismo Vajrayana, com seu panteão de seres divinos.
As principais ordens do budismo no Butão são Drukpa Kagyu e Nyingma. O primeiro é um ramo da Escola Kagyu e é conhecido por pinturas que documentam a linhagem de mestres budistas e os 70 Je Khenpo (líderes do establishment monástico butanês). A ordem Nyingma é conhecida por imagens de Padmasambhava, que é creditado com a introdução do budismo no Butão no século VII. Segundo a lenda, Padmasambhava escondeu tesouros sagrados para futuros mestres budistas, especialmente Pema Lingpa. Os descobridores de tesouros (tertön) também são temas freqüentes da arte Nyingma.
Arte cambojana
A arte cambojana e a cultura do Camboja tiveram uma história rica e variada que remonta a muitos séculos e tem sido fortemente influenciada pela Índia. Por sua vez, o Camboja influenciou muito a Tailândia, o Laos e vice-versa. Ao longo da longa história do Camboja, uma das principais fontes de inspiração veio da religião. Ao longo de quase dois milênios, os cambojanos desenvolveram uma crença única do Khmer a partir do sincretismo das crenças animistas indígenas e das religiões indianas do budismo e do hinduísmo. A cultura e a civilização indianas, incluindo sua linguagem e artes, alcançaram o continente sudeste da Ásia por volta do século I dC. Acredita-se geralmente que os comerciantes marítimos trouxeram costumes e cultura indianos para os portos ao longo do golfo da Tailândia e do Pacífico, enquanto negociavam com a China. O primeiro estado a se beneficiar disso foi Funan. Em vários momentos, a cultura do Camboja também absorveu elementos das culturas javanesa, chinesa, laosiana e tailandesa.
Arte chinesa
A arte chinesa (em chinês: 中國 藝術 / 中国 艺术) tem variado ao longo de sua história antiga, dividida em períodos pelas dinastias governantes da China e pela mudança tecnológica. Diferentes formas de arte foram influenciadas por grandes filósofos, professores, figuras religiosas e até líderes políticos. Arte chinesa engloba artes plásticas, artes folclóricas e artes performáticas. A arte chinesa é arte, seja moderna ou antiga, originada ou praticada na China ou por artistas ou intérpretes chineses.
Na dinastia Song, a poesia era marcada por uma poesia lírica conhecida como Ci (詞), que expressava sentimentos de desejo, muitas vezes em uma persona adotada. Também na dinastia Song, surgiram pinturas de expressão mais sutil de paisagens, com contornos embaçados e contornos de montanhas que transmitiam distância através de um tratamento impressionista dos fenômenos naturais. Foi durante esse período que, na pintura, a ênfase foi colocada nos elementos espirituais e não emocionais, como no período anterior. Kunqu, a mais antiga forma existente de ópera chinesa desenvolvida durante a dinastia Song em Kunshan, perto da atual Xangai. Na dinastia Yuan, a pintura do pintor chinês Zhao Mengfu (趙孟頫) influenciou grandemente a pintura de paisagem posterior chinesa, e a ópera da dinastia Yuan tornou-se uma variante da ópera chinesa que continua até hoje como ópera cantonense.
Arte indiana
A arte indiana pode ser classificada em períodos específicos, cada um refletindo certos desenvolvimentos religiosos, políticos e culturais. Os primeiros exemplos são os petróglifos, como os encontrados em Bhimbetka, alguns deles datados de antes de 5500 aC. A produção dessas obras continuou por vários milênios. Exemplos posteriores incluem os pilares esculpidos de Ellora, estado de Maharashtra. Outros exemplos são os afrescos de Ajanta e Ellora Caves.
Períodos específicos:
Hinduísmo e Budismo do período antigo (3500 aC – presente)
Ascendência islâmica (712–1757 dC)
O período colonial (1757-1947)
Independência e o período pós-colonial (pós-1947)
Arte moderna e pós-moderna na Índia
Uma das formas de arte mais populares na Índia é chamada Rangoli. É uma forma de decoração de pintura de areia que usa pó branco finamente moído e cores, e é usada comumente fora de casas na Índia.
As artes visuais (escultura, pintura e arquitetura) estão intimamente inter-relacionadas com as artes não visuais. De acordo com Kapila Vatsyayan, “A arquitetura indiana clássica, escultura, pintura, literatura (kaavya), música e dança desenvolveram suas próprias regras condicionadas por suas respectivas mídias, mas eles compartilhavam uns com os outros não apenas as crenças espirituais subjacentes da religio-filosofia indiana. mente, mas também os procedimentos pelos quais as relações do símbolo e os estados espirituais foram trabalhados em detalhe “.
A percepção das qualidades únicas da arte indiana é melhor alcançada através da compreensão do pensamento filosófico, da ampla história cultural, social, religiosa e política das obras de arte.
Arte indonésia
A arte e a cultura indonésia foram moldadas pela longa interação entre os costumes indígenas originais e as múltiplas influências estrangeiras. A Indonésia é central ao longo das antigas rotas comerciais entre o Extremo Oriente e o Oriente Médio, resultando em muitas práticas culturais fortemente influenciadas por uma multidão de religiões, incluindo o hinduísmo, budismo, confucionismo e islamismo, todas fortes nas principais cidades comerciais. O resultado é uma complexa mistura cultural muito diferente das culturas indígenas originais. A Indonésia não é geralmente conhecida por pinturas, além das intricadas e expressivas pinturas balinesas, que muitas vezes expressam cenas e temas naturais das danças tradicionais.
Arte balinesa
A arte balinesa é uma arte de origem hindu-javanesa que se desenvolveu a partir do trabalho de artesãos do reino de Majapahit, com sua expansão para Bali no final do século XIII. Do século XVI ao XX, a aldeia de Kamasan, em Klungkung (Bali Oriental), foi o centro da arte clássica balinesa. Durante a primeira parte do século XX, novas variedades de arte balinesa foram desenvolvidas. Desde o final do século XX, Ubud e suas aldeias vizinhas estabeleceram uma reputação como o centro da arte balinesa. Ubud e Batuan são conhecidos por suas pinturas, Mas por suas esculturas em madeira, Celuk por ouro e ourives, e Batubulan por suas esculturas em pedra. Covarrubias descreve a arte balinesa como “… uma arte popular barroca altamente desenvolvida, embora informal, que combina a vivacidade camponesa com o refinamento do classicismo do Java hinduísta, mas livre do preconceito conservador e com uma nova vitalidade disparada pela exuberância do espírito demoníaco do primitivo tropical “. Eiseman apontou corretamente que a arte balinesa é realmente esculpida, pintada, tecida e preparada em objetos destinados ao uso diário, e não como objeto de arte.
Arte japonesa
A arte e a arquitetura apanese são obras de arte produzidas no Japão desde os primórdios da habitação humana, em algum momento do décimo milênio aC até o presente. A arte japonesa abrange uma ampla gama de estilos de arte e mídia, incluindo cerâmica antiga, escultura em madeira e bronze, pintura a tinta sobre seda e papel e uma miríade de outros tipos de obras de arte; desde os tempos antigos até o contemporâneo século XXI.
A forma de arte ganhou grande popularidade na cultura metropolitana de Edo (Tóquio) durante a segunda metade do século XVII, originando-se das obras de uma só cor de Hishikawa Moronobu na década de 1670. No início, apenas a tinta da Índia foi usada, então algumas impressões foram manualmente coloridas com um pincel, mas no século XVIII Suzuki Harunobu desenvolveu a técnica de impressão policromática para produzir nishiki-e.
A pintura japonesa (画 画 Kaiga) é uma das mais antigas e altamente refinadas das artes japonesas, abrangendo uma grande variedade de gêneros e estilos. Assim como na história das artes japonesas em geral, a história da pintura japonesa é uma longa história de síntese e competição entre a estética nativa japonesa e a adaptação de idéias importadas.
As origens da pintura no Japão remontam ao período pré-histórico do Japão. Figuras simples e desenhos geométricos podem ser encontrados na época de cerâmica Jōmon e no período de Yayoi (300 aC – 300 dC) dōtaku sinos de bronze. Pinturas murais com desenhos geométricos e figurativos foram encontradas em numerosos túmulos do período Kofun (300–700 dC).
Escultura japonesa antiga foi derivada principalmente da adoração de ídolos no budismo ou ritos animistas da divindade xintoísta. Em particular, a escultura entre todas as artes passou a ser mais firmemente centrada em torno do budismo. Os materiais tradicionalmente usados eram de metal – especialmente de bronze – e, mais comumente, de madeira, geralmente lacados, dourados ou pintados de cores vivas. No final do período Tokugawa, essa escultura tradicional – com exceção das obras miniaturizadas – havia desaparecido por causa da perda do patrocínio dos templos budistas e da nobreza.
Ukiyo, que significa “mundo flutuante”, refere-se à cultura jovem e impetuosa que floresceu nos centros urbanos de Edo (atual Tóquio), Osaka e Kyoto, que eram um mundo em si mesmos. É uma alusão irônica ao termo homofóbico “Mundo Doloroso” (Sorr き 世), o plano terrestre de morte e renascimento do qual os budistas buscaram a libertação.
Arte coreana
A arte coreana é conhecida por suas tradições em cerâmica, música, caligrafia, pintura, escultura e outros gêneros, muitas vezes marcados pelo uso de cores fortes, formas naturais, forma e escala precisas e decoração da superfície.
Embora existam diferenças claras e distintas entre três culturas independentes, há similaridades e interações históricas e significativas entre as artes da Coréia, da China e do Japão.
Arte contemporânea na Coréia: O primeiro exemplo da pintura a óleo de estilo ocidental na arte coreana foi nos auto-retratos do artista coreano Ko Hu i-dong (1886-1965). Apenas três desses trabalhos ainda permanecem até hoje. esses auto-retratos transmitem uma compreensão do meio que se estende muito além da afirmação da diferença estilística e cultural. no início do século XX, a decisão de pintar usando óleo e tela na Coréia teve duas interpretações diferentes. Um deles é um senso de iluminação devido a idéias ocidentais e estilos de arte. Esta iluminação derivou de um movimento intelectual dos séculos XVII e XVIII. Ko estava pintando com esse método durante um período de anexação da Coréia ao Japão. Durante esse tempo muitos alegaram que sua arte poderia ter sido política, no entanto, ele mesmo afirmou que ele era um artista e não um político. Ko afirmou “Enquanto eu estava em Tóquio, uma coisa muito curiosa aconteceu. Naquela época, havia menos de cem estudantes coreanos em Tóquio. Todos nós estávamos bebendo o novo ar e embarcando em novos estudos, mas houve alguns que zombaram do meu escolha para estudar arte. Um amigo próximo disse que não era certo para mim estudar pintura em um tempo como este “.
Cerâmica coreana foi reconhecida já em 6000 aC. Esta cerâmica também foi referida como cerâmica com padrão de pente devido às linhas decorativas esculpidas no exterior. As primeiras sociedades coreanas dependiam principalmente da pesca. Então, eles usaram a cerâmica para armazenar peixes e outras coisas coletadas do oceano, como mariscos. A cerâmica tinha duas principais distinções regionais. Os da costa leste tendem a ter uma base plana, enquanto a cerâmica na costa sul tinha uma base redonda.
Arte do Laos
A arte do Laos inclui cerâmicas, esculturas budistas do Laos e música do Laos.
As esculturas budistas do Laos foram criadas em uma grande variedade de materiais, incluindo ouro, prata e, na maioria das vezes, bronze. Tijolo e argamassa também era um meio usado para imagens colossais, um famoso deles é a imagem de Phya Vat (século 16) em Vientiane, embora uma renovação alterou completamente a aparência da escultura, e já não se assemelha a um Buda de Laos . A madeira é popular para pequenas imagens budistas votivas que são frequentemente deixadas em cavernas. A madeira também é muito comum para grandes imagens em tamanho real do Buda. As duas esculturas mais famosas esculpidas em pedras semipreciosas são o Phra Keo (O Buda Esmeralda) e o Phra Phuttha Butsavarat. O Phra Keo, provavelmente de origem Xieng Sen (Chiang Saen), é esculpido em um bloco sólido de jade. Descansou em Vientiane por duzentos anos antes que os siameses a levassem como espólio no final do século XVIII. Hoje serve como paládio do Reino da Tailândia e reside no Grande Palácio de Bangkok. O Phra Phuttha Butsavarat, como o Phra Keo, também está consagrado em sua própria capela no Grande Palácio de Bangkok. Antes que os siameses a apreendessem no início do século XIX, essa imagem de cristal era o paládio do reino de Champassack no Laos.
Muitas belas esculturas budistas do Laos estão esculpidas nas cavernas de Pak Ou. Perto de Pak Ou (foz do rio Ou), o Tham Ting (caverna inferior) e o Tham Theung (caverna superior) estão perto de Luang Prabang, Laos. Eles são um magnífico grupo de cavernas que só são acessíveis de barco, cerca de duas horas a montante do centro de Luang Prabang, e recentemente se tornaram mais conhecidas e freqüentadas por turistas. As cavernas são conhecidas por suas impressionantes esculturas em estilo budista e do Laos. nas paredes da caverna e centenas de figuras budistas descartadas dispostas sobre o chão e as prateleiras das paredes. Eles foram colocados lá como seus donos não queriam destruí-los, então uma jornada difícil é feita para as cavernas para colocar sua estátua indesejada lá.
Arte nepalesa
A cultura tradicional antiga e refinada de Katmandu, em todo o Nepal, é um encontro ininterrupto e excepcional do ethos hindu e budista praticado por seus povos altamente religiosos. Também abraçou em seu rebanho a diversidade cultural proporcionada pelas outras religiões, como o jainismo, o islamismo e o cristianismo.
Arte tailandesa
Arte tailandesa e arte visual era tradicional e principalmente budista e arte real. A escultura era quase exclusivamente de imagens de Buda, enquanto a pintura se limitava à ilustração de livros e decoração de edifícios, principalmente palácios e templos. Imagens de Buda tailandês de diferentes períodos têm vários estilos distintos. A arte tailandesa contemporânea combina elementos tradicionais tailandeses com técnicas modernas.
Pinturas tradicionais tailandesas mostraram temas em duas dimensões sem perspectiva. O tamanho de cada elemento na imagem refletia seu grau de importância. A principal técnica de composição é a de repartir áreas: os principais elementos são isolados uns dos outros por transformadores espaciais. Isso eliminou o solo intermediário, que de outra forma implicaria perspectiva. Perspectiva foi introduzida apenas como resultado da influência ocidental em meados do século XIX.
Os assuntos narrativos mais frequentes para as pinturas foram ou são: as histórias de Jataka, episódios da vida de Buda, os céus e infernos budistas e cenas da vida cotidiana.
O período de Sukhothai começou no século XIV no reino de Sukhothai. As imagens de Buda do período de Sukhothai são elegantes, com corpos sinuosos e rostos esguios e ovais. Esse estilo enfatizava o aspecto espiritual do Buda, omitindo muitos pequenos detalhes anatômicos. O efeito foi reforçado pela prática comum de moldar imagens em metal em vez de esculpir. Este período viu a introdução da pose de “andar de Buda”.
Os artistas de Sukhothai tentaram seguir as marcas definidoras canônicas de um Buda, como elas são expostas em antigos textos em Pali:
Pele tão macia que a poeira não pode se ater a ela;
Pernas como um cervo;
Coxas como uma figueira;
Ombros tão maciços quanto a cabeça de um elefante;
Braços redondos como o tronco de um elefante e longos o bastante para tocar os joelhos;
Mãos como lótus prestes a florescer;
Pontas dos dedos voltaram como pétalas;
cabeça como um ovo;
Cabelo como ferrão de escorpião;
Queixo como uma pedra de manga;
Nariz como o bico de um papagaio;
Earlobes alongado pelos brincos da realeza;
Pestanas como as de uma vaca;
Sobrancelhas como arcos desenhados.
Sukhothai também produziu uma grande quantidade de cerâmica vidrada no estilo Sawankhalok, que foram comercializados em todo o sudeste da Ásia.
Arte tibetana
A arte tibetana refere-se à arte do Tibete e de outros reinos atuais e antigos do Himalaia (Butão, Ladakh, Nepal e Sikkim). A arte tibetana é, antes de tudo, uma forma de arte sacra, refletindo a influência predominante do budismo tibetano nessas culturas. A Mandala da Areia (Tib: kilkhor) é uma tradição budista tibetana que simboliza a natureza transitória das coisas. Como parte do cânon budista, todas as coisas materiais são vistas como transitórias. Uma mandala de areia é um exemplo disso, sendo que uma vez que tenha sido construída e as cerimônias e exibições que a acompanham estão terminadas, ela é sistematicamente destruída.
Como o budismo Mahayana emergiu como uma escola separada no século IV aC, enfatizou o papel dos bodhisattvas, seres compassivos que renunciam à sua fuga pessoal para o Nirvana para ajudar os outros. Desde cedo, vários bodhisattvas também eram objetos de arte estatuária. O budismo tibetano, como uma descendência do budismo mahayana, herdou essa tradição. Mas a presença dominante adicional do Vajrayana (ou tantra budista) pode ter tido uma importância primordial na cultura artística. Um bodhisattva comum retratado na arte tibetana é a divindade Chenrezig (Avalokitesvara), muitas vezes retratada como um santo de mil braços com um olho no meio de cada mão, representando o compassivo que tudo vê, que ouve nossos pedidos. Essa divindade também pode ser entendida como um Yidam, ou “Buda da meditação” para a prática do Vajrayana.
O budismo tibetano contém o budismo tântrico, também conhecido como budismo vajrayana, por seu simbolismo comum do vajra, o raio do diamante (conhecido no tibetano como dorje). A maior parte da arte budista tibetana típica pode ser vista como parte da prática do tantra. As técnicas do Vajrayana incorporam muitas visualizações / imaginações durante a meditação, e a maior parte da elaborada arte tântrica pode ser vista como ajuda para essas visualizações; de representações de deidades meditacionais (yidams) a mandalas e todos os tipos de instrumentos rituais.
Um aspecto visual do budismo tântrico é a representação comum de divindades iradas, muitas vezes retratadas com rostos irados, círculos de fogo ou com os crânios dos mortos. Essas imagens representam os Protetores (Skt. Dharmapala) e seu porte temível desmente sua verdadeira natureza compassiva. Na verdade, sua ira representa sua dedicação à proteção do ensinamento do dharma, bem como à proteção das práticas tântricas específicas para impedir a corrupção ou a interrupção da prática. Eles são mais usados como aspectos psicológicos irados que podem ser usados para conquistar as atitudes negativas do praticante.
Os historiadores observam que a pintura chinesa teve uma profunda influência na pintura tibetana em geral. A partir do século XIV e XV, a pintura tibetana incorporou muitos elementos dos chineses e, durante o século XVIII, a pintura chinesa teve um impacto profundo e profundo na arte visual tibetana. De acordo com Giuseppe Tucci, na época da Dinastia Qing, “uma nova arte tibetana foi então desenvolvida, que em certo sentido foi um eco provinciano da preciosidade precária da China do século XVIII”.
Arte vietnamita
A arte vietnamita é uma das mais antigas dessas culturas na região do Sudeste Asiático. Uma rica herança artística que remonta aos tempos pré-históricos e inclui: pintura de seda, escultura, cerâmica, cerâmica, xilogravura, arquitetura, música, dança e teatro.
A arte tradicional vietnamita é arte praticada no Vietnã ou por artistas vietnamitas, desde a antiguidade (incluindo os elaborados tambores Đông Sơn) até a arte de dominação pós-chinesa que foi fortemente influenciada pela arte budista chinesa, entre outras filosofias como o taoísmo e o confucionismo. A arte de Champa e da arte francesa também desempenhou um papel menor mais tarde.
A influência chinesa na arte vietnamita se estende à olaria e cerâmica vietnamitas, caligrafia e arquitetura tradicional. Atualmente, as pinturas vietnamitas da laca provaram ser completamente populares.
A dinastia Nguyễn, a última dinastia governante do Vietnã (c. 1802-1945), viu um interesse renovado em cerâmica e arte de porcelana. Tribunais imperiais em toda a Ásia importavam cerâmicas vietnamitas.
Apesar de quão altamente desenvolvidas as artes cênicas (como música e dança da corte imperial) se tornaram durante a dinastia Nguyễn, alguns vêem outros campos das artes começarem a declinar durante a última parte da dinastia Nguyễn.
A partir do século XIX, a arte moderna e as influências artísticas francesas se espalharam pelo Vietnã. No início do século 20, a École Supérieure des Beaux Arts de l’Indochine (Faculdade de Artes da Indochina) foi fundada para ensinar métodos europeus e exerceu influência principalmente nas grandes cidades, como Hanói e Ho Chi Minh City.
Restrições de viagem impostas aos vietnamitas durante os 80 anos de governo francês no Vietnã e o longo período de guerra pela independência nacional fizeram com que pouquíssimos artistas vietnamitas pudessem treinar ou trabalhar fora do Vietnã. Um pequeno número de artistas de origens abastadas teve a oportunidade de ir para a França e fazer suas carreiras lá na maior parte do tempo. Exemplos incluem o Le Thi Luu, o Le Pho, o Mai Trung Thu, o Le Van De, o Le Ba Dang e o Pham Tang.
Modernos artistas vietnamitas começaram a utilizar técnicas francesas com muitos meios tradicionais, como seda, laca, etc., criando assim uma mistura única de elementos orientais e ocidentais.
Caligrafia vietnamita
Caligrafia teve uma longa história no Vietnã, anteriormente usando caracteres chineses junto com chữ nôm. No entanto, a maioria das caligrafia vietnamita moderna usa o Qu Romanc Ngữ baseado em caracteres romanos, que provou ser muito popular.
No passado, com a alfabetização nos velhos sistemas de escrita baseados no caráter do Vietnã sendo restrita a eruditos e elites, a caligrafia, no entanto, ainda desempenhava um papel importante na vida vietnamita. Em ocasiões especiais, como o Ano Novo Lunar, as pessoas iam ao professor ou estudioso da aldeia para fazer uma caligrafia (muitas vezes poesia, ditos folclóricos ou até mesmo palavras isoladas). As pessoas que não sabiam ler ou escrever também frequentemente pediam aos eruditos que escrevessem orações que eles queimariam nos santuários dos templos.
Arte filipina
A identidade filipina nasceu ao mesmo tempo que a sua criação, principalmente a partir de suas culturas pré-coloniais / pré-filipinas que se fundiram com a influência dos colonizadores e comerciantes chineses que se fundiram e evoluíram para sua própria identidade filipina clássica. Antes do nascimento das Filipinas, era um conjunto dividido de nações, ilhas e tribos governadas por seus próprios reis sociais, chefes, lacaios, datus, rajás e sultões. Cada nação tem sua própria identidade e alguns são até parte de um Império maior, fora do mapa moderno do que é hoje as Filipinas, por exemplo; Manila já foi parte do Império Bruneian. Outro exemplo é que muitas partes do moderno Mindanao é teorizado para fazer parte do império Majapahit, com sua capital localizada em Java Oriental na Indonésia moderna. O advento da chegada colonial para as ilhas começou o dia moderno Filipinas, como era durante esse tempo que o que é agora uma ilhas unidas de hoje agora conhecido como as Filipinas foi criado. A influência chinesa foi sentida em todo o Sudeste Asiático através do comércio, antes mesmo da colonização da região, especificamente da dinastia Ming e de outras dinastias anteriores, no século IX. Mas foi durante a colonização espanhola que se desenvolveu a moderna assinatura filipino chinesa no que é hoje as Filipinas. Essas culturas derretidas da influência interna e externa pré-colonial são muito evidentes nas artes e nas tradições pré-modernas das Filipinas. Pinturas de José Honorato Lozano tem indicação clara da influência do Oriente e do Ocidente.
Arte da Ásia Central
A arte da Ásia Central é arte visual criada na Ásia Central pelos povos de maioria turca do Quirguistão moderno, Cazaquistão, Uzbequistão, Turquemenistão, Azerbaijão, Tadjiquistão, Mongólia, Tibete, Afeganistão, Paquistão e partes da China e Rússia. As artes dos últimos séculos são influenciadas principalmente pela arte islâmica, mas as culturas anteriores variadas foram influenciadas pela arte da China, Pérsia e Grécia, bem como o estilo Animal que se desenvolveu entre os povos nômades das estepes. A transmissão Silk Road da arte, da arte cita, da arte greco-budista, da arte serindiana e, mais recentemente, da cultura persa, faz parte dessa história complicada.
Arte da Mesopotâmia
A arte da Mesopotâmia sobreviveu no registro arqueológico das primeiras sociedades de caçadores-coletores (10º milênio aC) sobre as culturas da Idade do Bronze dos impérios sumério, acadiano, babilônico e assírio. Esses impérios foram posteriormente substituídos na Idade do Ferro pelos impérios neo-assírio e neobabilônico. Amplamente considerado o berço da civilização, a Mesopotâmia trouxe significativos desenvolvimentos culturais, incluindo os exemplos mais antigos de escrita. A arte da Mesopotâmia rivalizava com a do Egito antigo como a mais grandiosa, sofisticada e elaborada da Eurásia ocidental desde o quarto milênio aC até que o império aquemênida persa conquistou a região no século 6 aC. A ênfase principal era em várias formas muito duráveis de escultura em pedra e barro; pouca pintura sobreviveu, mas o que sugere que, com algumas exceções, a pintura era usada principalmente para esquemas decorativos geométricos e vegetais, embora a maioria das esculturas também fosse pintada. Selos de cilindro sobreviveram em grande número, muitos incluindo cenas complexas e detalhadas, apesar de seu pequeno tamanho.
Arte judaica
Comparado à música ou ao teatro, há menos tradição especificamente judaica nas artes visuais. A razão mais provável e aceita é que, como já foi mostrado anteriormente na música e literatura judaica, antes da emancipação, a cultura judaica era dominada pela tradição religiosa do aniconismo. Como a maioria das autoridades rabínicas acreditava que o Segundo Mandamento proibia muitas artes visuais que se qualificariam como “imagens de escultura”, os artistas judeus eram relativamente raros até que eles vivessem em comunidades européias assimiladas a partir do final do século XVIII. Deve-se notar, no entanto, que apesar dos temores das primeiras comunidades religiosas de arte serem usadas para fins idólatras, a arte sacra judaica é registrada no Tanakh e se estende por toda a Antiguidade Judaica e a Idade Média. O Tabernáculo e os dois Templos em Jerusalém formam os primeiros exemplos conhecidos de “arte judaica”. Durante os primeiros séculos da Era Comum, a arte religiosa judaica também foi criada nas regiões do Mediterrâneo, como a Síria e a Grécia, incluindo afrescos nas paredes das sinagogas, dos quais a Sinagoga Dura Europas é a única sobrevivente, assim como as catacumbas judaicas. em Roma.
Arte islâmica
A arte islâmica engloba as artes visuais produzidas a partir do século VII por pessoas que viviam no território que era habitado ou governado por populações culturalmente islâmicas. É, portanto, uma arte muito difícil de definir porque cobre muitas terras e vários povos ao longo de 1.400 anos; não é arte especificamente de uma religião, ou de um tempo, ou de um lugar, ou de um único meio como a pintura. O imenso campo da arquitetura islâmica é o tema de um artigo separado, deixando campos tão variados quanto a caligrafia, a pintura, o vidro, a cerâmica e as artes têxteis, como tapetes e bordados.
Arte iraniana
A arte persa ou iraniana tem uma das mais ricas heranças da arte na história do mundo e tem sido forte em muitas mídias, incluindo arquitetura, pintura, tecelagem, cerâmica, caligrafia, metalurgia e escultura. Em diferentes épocas, influências da arte de civilizações vizinhas têm sido muito importantes, e ultimamente a arte persa deu e recebeu grandes influências como parte dos estilos mais amplos da arte islâmica. Este artigo cobre a arte da Pérsia até 1925 e o fim da dinastia Qajar; para arte posterior ver arte moderna e contemporânea iraniana, e para artesanato tradicional ver artes do Irã. Arte rupestre no Irã é a sua arte mais antiga sobrevivente. A arquitetura iraniana é coberta naquele artigo.
Arte nabateu
A arte nabateu é a arte dos nabateus da Arábia do Norte. Eles são conhecidos por cerâmicas pintadas em vasos finos, que se dispersaram entre o mundo greco-romano, bem como contribuições para a escultura e arquitetura nabateia. A arte nabateu é mais conhecida pelos sítios arqueológicos de Petra, especificamente monumentos como Al Khazneh e Ad Deir.