アジアの芸術や東洋の芸術の歴史は、様々な文化や宗教からの広範囲の影響を含んでいます。 アジアの芸術の発展は、歴史的に西洋の芸術の発展と数世紀前のものとほぼ同じです。 中国の芸術、インドの芸術、韓国の芸術、日本の芸術はそれぞれ西洋美術に大きな影響を与えました。 近東美術は西洋美術にも大きな影響を与えました。 先史時代の芸術を除いて、メソポタミアの芸術はアジアの芸術の最も古い形態を表しています。
仏教美術
仏教の芸術は、他の文化との接触やアジアや世界を通じた普及を通して進化する前に、6世紀から5世紀の歴史的なゴータマブッダの生活に続く世紀のインド亜大陸で起きた。 仏教の芸術は、各新しいホスト国で法律が広められ、適応され、進化するにつれて、信者と一緒に旅しました。 中央アジアから東アジアにかけて発展し、仏教美術の北部支柱を形成し、東南アジアまでは仏教美術の南部支店を形成しました。 インドでは、仏教の芸術が盛んで、ヒンズー教と並んでイスラムの盛んな拡大のために、10世紀頃にインドで仏教がほとんどなくなるまで、ヒンズー教の芸術の発展にも影響を与えました。
仏教美術の一般的な視覚装置は曼荼羅です。 視聴者の視点からは、理想的な宇宙を模式的に表している。 様々な精神的伝統において、神聖な空間を確立し、瞑想と幻想への援助のために、志願者と熟達者、精神的な指導ツールの注意を集中させるために、マンダラを採用することができる。 その象徴的な性質は、漸進的により深いレベルの無意識にアクセスし、究極的に宇宙があらゆる多様な形態の究極の統一性を生み出す唯一の神秘的な感覚を体験するのを助ける。 精神分析家カール・ユングは、マンダラを「無意識の自己の中心を表現するもの」と見て、マンダラの絵が感情障害を特定し、個性の全体に向かって働くことができたと信じていました。
ブータンの芸術
ブータンの芸術はチベットの芸術に似ています。 どちらも神聖な存在の神殿を持つバジラヤ仏教に基づいています。
ブータンでの仏教の主要な命令は、Drukpa KagyuとNyingmaです。 前者は甲賀学校の支部であり、仏教の巨匠と70世紀のケンポ（ブータン修道院の指導者）の系譜を描いた絵画として知られています。 Nyingmaの命令は、7世紀にブータンをブータンに導入すると信じられているPadmasambhavaのイメージで知られています。 伝説によると、Padmasambhavaは将来の仏教の巨匠、特にPema Lingpaのために神聖な宝を隠していました。 宝石発見者（tern）はニンマの芸術の題材でもあります。
カンボジアの芸術
カンボジアの芸術とカンボジアの文化は、何世紀にもわたって豊かで多様な歴史を持ち、インドの影響を強く受けています。 次に、カンボジアはタイ、ラオス、そしてその逆に大きな影響を与えた。 カンボジアの長い歴史を通して、インスピレーションの主要な源は宗教に由来していました。 カンボジア人は、約2千年にわたり、先住民族的な正教信仰とインドの仏教とヒンズー教徒の宗教の融合論から、ユニークなクメールの信念を発展させました。 その言語と芸術を含むインドの文化と文明は、西暦1世紀頃に東南アジア本土に達しました。 船乗りの船員は、中国と取引している間、タイと太平洋の湾岸にある港にインドの習慣と文化をもたらしたと一般的に信じられています。 これの恩恵を受ける最初の状態はFunanでした。 カンボジアの文化は、様々な時期に、ジャワ、中国、ラオ、タイの文化を取り入れた。
中国美術
中国の芸術（中国：中國藝術/中国艺术）は、中国の支配的な王朝と変化する技術によって時代に分けられた古代の歴史を通じて様々でした。 偉大な哲学者、教師、宗教的人物、そして政治家さえも、さまざまな形の芸術に影響を受けてきました。 中国美術には、美術、民芸、パフォーマンスアートが含まれます。 中国の芸術は、現代か古代かにかかわらず、中国で起きたか、中国で行われたか、中国の芸術家やパフォーマーによって芸術です。
宋時代には、詩はCi（詞）と呼ばれる歌詞の詩でマークされていました。 また、宋時代には、自然現象の印象派的な扱いを通して距離を伝えた輪郭や山の輪郭がぼやけて、より微妙な表情の絵が現れた。 この期間中、絵画では、以前の時期と同様に、感情的要素ではなく霊的主義に重点が置かれました。 Kunqu、現代の上海近くの昆山の宋王朝の間に開発された中国のオペラの最も古い現存する形態。 元朝、中国画家の趙孟福（趙孟頫）による絵画は、後の中国の風景画に大きく影響し、元朝のオペラは今日、広東のオペラとして続いている中国のオペラの変種となった。
インドの芸術
インドの芸術は特定の宗教的、政治的、文化的発展を反映した特定の期間に分類することができます。 最も初期の例はBhimbetkaで見つかったもののような紋章であり、そのうちのいくつかは紀元前5500年以前のものです。 そのような作品の制作は何千年も続いた。 その後の例としては、マハラシュトラ州エローラの彫刻された柱が挙げられます。 その他の例として、アジャンタとエローラの洞窟のフレスコ画があります。
特定期間：
古代時代のヒンドゥー教と仏教（現在3500年 – 現在）
イスラム覇権（712-1757 CE）
植民地時代（1757-1947）
独立性と脱植民地時代（1947年以降）
インドの現代美術とポストモダン美術
インドで最も人気のある芸術形態の1つはRangoliです。 それは、細かく粉砕された白い粉と色を使用し、インドの家の外で一般的に使用される砂のペインティングの装飾の一形態です。
視覚芸術（彫刻、絵画、建築）は、非視覚芸術と密接に関連しています。 Kapila Vatsyayanによると、「古典的なインドの建築、彫刻、絵画、文学（音楽）、音楽と踊りは、それぞれのメディアによって調整された独自のルールを進化させましたが、インドの宗教哲学シンボルと霊的な状態の関係が詳細に研究された手続きである」と述べた。
インドの芸術のユニークな特質に関する洞察は、哲学思想、幅広い文化史、社会的、宗教的、政治的背景を理解することによって最も達成されます。
インドネシアの芸術
インドネシアの芸術と文化は、元来の慣習と複数の外的影響との間の長い相互作用によって形成されてきた。 インドネシアは極東と中東の古くからの貿易ルートの中心であり、多くの文化的実践は、主要な貿易都市で強力なヒンズー教、仏教、儒教、イスラムなどの多数の宗教の影響を強く受けています。 その結果、元々の固有の文化とはまったく異なる複雑な文化的混合物が生まれています。 インドネシアは伝統的な舞踊の自然のシーンやテーマを表現する複雑で表情豊かなバリの絵画を除いて、絵画のために一般に知られていません。
バリ美術
バリの芸術は、13世紀後半にバリに拡大して、マジャパヒト王国の職人の仕事から生まれたヒンズー教のジャワの起源の芸術です。 16世紀から20世紀にかけて、Kamasanの村Klungkung（East Bali）は、伝統的なバリの芸術の中心地でした。 20世紀の初めの間、新しいバリエーションのバリ島芸術が開発されました。 20世紀後半以来、ウブドとその近隣の村はバリの芸術の中心地としての評判を確立しました。 ウブドとバトゥアンは絵画、木彫りはマス、金とシルバースミスはチェルク、石造りの彫刻はバトゥブランで知られています。 Covarrubiasは、バリの芸術を「…ヒンズー教のジャワの古典主義の洗練と農民の活気を組み合わせた、非公式のバロック様式の民俗芸術ですが、保守的な偏見や新鮮な活力がなく、熱帯原始の悪魔的な精神 “。 アイゼマンは、バリの芸術は実際には彫刻され、塗られ、織られ、オブジェクトd ‘のアートとしてではなく、日々の使用のために意図されたオブジェクトに準備されていることを正しく指摘した。
日本美術
アパネの芸術と建築は、そこに人間の居住の始まりから、10年に紀元前10年に現在、日本で生産された芸術の作品です。 日本の芸術は、古代の陶器、木と青銅の彫刻、絹と紙の墨塗り、その他数多くの芸術作品を含む幅広い芸術スタイルとメディアをカバーしています。 古代から現代の21世紀まで。
芸術形態は、1770年代後半の江戸（東京）の首都圏文化において、1670年代の雛川茂信の単色作品から始まりました。 最初はインドのインキのみを使用し、いくつかのプリントは手作業でブラシで塗りつぶしましたが、18世紀には鈴木春信が多色印刷技術を開発して錦絵を作りました。
日本画（絵画）は、古くから最も洗練された日本の芸術であり、多種多様なジャンルやスタイルを取り入れています。 日本の芸術の歴史と同様に、日本の絵の歴史は、日本の美学と輸入されたアイデアの適応の長い歴史です。
日本の絵画の起源は、日本の先史時代に遡ります。 シンプルなスティックの図と幾何学的なデザインは、ジョモン時代の陶器と弥生時代（300 BC〜300 AD）の青銅の鐘で見つけることができます。 コフン期（300-700 AD）の数多くの古墳には、幾何学的および比喩的なデザインの壁画が見られる。
古代日本の彫刻は主に仏教におけるアイドル礼拝や神道の神秘主義儀式に由来していた。 特に、すべての芸術の中の彫刻は、仏教を中心にして最も堅固になってきた。 伝統的に使用された材料は、金属、特に青銅であり、より一般的には木材であり、しばしば漆塗り、金めっき、または明るく塗装されたものであった。 徳川期の終わりには、仏教寺院と貴族の後援を喪失したため、このような伝統的な彫刻は、小型化されたものを除いて大部分が消えてしまった。
「浮遊世界」を意味する浮世絵とは、江戸（現代の東京）、大阪、京都の都心に咲き誇った、自分自身の世界である華麗な若い文化を指します。 ホモフォン用語 “悲しい世界”（憂き世）への皮肉な言い訳で、仏教徒が解放しようとしていた死と再生の地上の平面。
韓国美術
韓国の芸術は、陶器、音楽、書道、絵画、彫刻などの伝統の中で、大胆な色彩、自然な形、正確な形と尺度、表面装飾を特徴としています。
3つの独立した文化の間にはっきりと顕著な違いがあるが、韓国、中国、日本の芸術の間には、著しく歴史的な類似点や相互作用がある。
韓国の現代美術：韓国芸術における西洋式油絵の最初の例は、韓国の芸術家Ko Hu-dong（1886-1965）の自己肖像画であった。 これらの作品の3つだけが今日も残っています。 これらの自己肖像画は、文体的および文化的差異の肯定をはるかに超えた媒体の理解を与える。 20世紀初頭までに、韓国に油彩とキャンバスを使ってペイントするという決定には、2つの異なる解釈がありました。 一つは西洋のアイデアや芸術のスタイルによる啓蒙感です。 この啓蒙は、17世紀と18世紀の知的運動に由来しています。 コパはジャパンの韓国合併時にこの方法で絵を描いていた。 この間、多くの人が芸術は政治的であると主張したが、彼は自分自身が政治家ではなくアーティストであると述べた。 「私が東京にいる間、非常に不思議なことが起きました。その当時、東京には100人以下の韓国人学生がいました。私たち全員が新しい空気を飲んで、新しい研究に着手しましたが、私を嘲笑した人もいました親しい友人は、このような時間に絵を勉強するのは適切ではないと言いました。
韓国の陶器は、紀元前6000年前に認識されました。 この陶器は、外側に飾られた装飾的な線のために、くし形の陶器とも呼ばれていました。 初期の韓国社会は主に漁業に依存していた。 そこで、彼らは陶器を使って、貝などの海から集めた魚などを保管しました。 陶器には2つの主要な地域差がありました。 東海岸の人々は平らな土台を持っているのに対して、南の海岸の土器は丸い土台を持っていました。
ラオスの芸術
ラオスの芸術には、陶器、ラオス仏教彫刻、ラオス音楽があります。
ラオス仏教の彫刻は、金、銀、そして多くの場合ブロンズを含む多種多様な素材で作られました。 レンガ造りも巨大な画像に使用された媒体で、ビエンチャンのPhya Vat（16世紀）のイメージですが、修復によって彫刻の外観が完全に変更されましたが、もはやラオ・ブッダに似ていません。 ウッドは、しばしば洞窟に残っている小さな、奉納仏像のために人気があります。 ウッドはまた、仏の大型で実物サイズの立っているイメージにとっても非常に一般的です。 準貴石で彫られた最も有名な2つの彫刻は、Phra Keo（The Emerald Buddha）とPhra Phuttha Butsavaratです。 おそらくXieng Sen（Chiang Saen）起源のPhra Keoは、玉の塊から刻まれています。 それは200年前にビエンチャンで休み、シャム人は18世紀後半に戦利品としてそれを持ち去りました。 今日、それはタイ王国のパラジウムとして機能し、バンコクのグランドパレスにあります。 Phra KeoのようなPhra Phuttha Butsavaratはまた、バンコクのGrand Palaceにある礼拝堂にも祀られています。 シャム人が19世紀初頭にそれを押収する前に、このクリスタルイメージはラオス王国チャンパサックのパラジウムでした。
多くの美しいラオス仏教の彫刻はパク・オウの洞窟に刻まれています。 Pak Ou（Ou川の口）の近くにTham Ting（下部洞窟）とTham Theung（上部洞窟）がラオスのルアンプラバンの近くにあります。 彼らはボートでのみアクセス可能な壮大なグループの洞窟で、ルアンプラバンの中心部から約2時間上流にあり、最近は観光客によってよく知られ、頻繁に訪れました。洞窟は印象的な仏教とラオスの彫刻が印象的です洞窟の壁に捨てられ、何百もの捨てられた仏教の人物が、床と壁の棚の上に置かれています。 彼らはその所有者が彼らを破壊することを望まないのでそこに置かれたので、難しい旅が洞窟の望ましくない像を置くために洞窟に作られます。
ネパールの芸術
カトマンズの古くて洗練された伝統文化は、ネパール全体で、その宗教的な人々によって練習されたヒンズー教や仏教のエトスの中断のない卓越した集会です。 ジャイナ教、イスラム教、キリスト教など、他の宗教が提供する文化的多様性をその賛美歌として捉えています。
タイの芸術
タイの芸術と視覚芸術は伝統的に、主に仏教とロイヤル・アートでした。 彫像はほとんど独占的に仏像でしたが、絵画は図書のイラストや建物、主に宮殿や寺院の装飾に限定されていました。 異なる時期のタイの仏像にはいくつかの独特のスタイルがあります。 現代タイの芸術は、しばしば伝統的なタイの要素と現代の技術を組み合わせています。
伝統的なタイの絵画は、視点のない2次元の被写体を示していました。 画像内の各要素のサイズは重要度を反映しています。 構成の主な技術は、配分領域の主な技術です。主な要素は、空間変圧器によって互いに分離されています。 これにより中間地盤がなくなり、そうでなければ遠近法を意味することになる。 パースペクティブは、19世紀半ばの西洋の影響の結果としてのみ導入された。
絵画のための最も頻繁な物語は、ジャタカの物語、仏陀の生活からのエピソード、仏教の天と地獄、そして日常生活のシーンでした。
スコータイ期は、スコータイ王国で14世紀に始まりました。 スコータイ時代の仏像は優雅で、しなやかな体と細長い楕円形の面があります。 この様式は、多くの小さな解剖学的細部を省略することによって、仏の霊的側面を強調した。 この効果は、画像を彫刻するのではなく、金属の画像を鋳造する一般的な慣行によって強化されました。 この期間は、 “歩く仏”のポーズの導入を見た。
スコータイの芸術家たちは、古代パリの文章に書かれているように、ブッダのカノニカルな定義標章に従おうとしました。
皮膚はとても滑らかで、ほこりはそれに固執できません。
脚は鹿のようです。
太ももはバンヤンツリーのようです。
象の頭のような巨大な肩。
象の胴のように丸く、膝に触れるほど長い腕。
蓮のような手は開花しようとしています。
指は花びらのように戻ってきた。
卵のような頭。
サソリのような髪。
チンはマンゴーの石のようです。
ノックはオウムのくちばしのようです。
ロイヤルティのイヤリングによって長くされた耳たぶ。
まつげは牛のようです。
眉のように描かれた弓。
スコータイはまた、南東アジア全体で取引されていたサワンハロック様式のガラスセラミックスを大量生産しました。
チベットの芸術
チベットの芸術とは、チベットと他の現代ヒマラヤの王国（ブータン、ラダク、ネパール、シッキム）の芸術を指す。 チベットの芸術は、これらの文化に対するチベットの仏教の過度の影響を反映して、芸術の第一義です。 サンド・マンダラ（Tib：kilkhor）は、物の一時的性質を象徴するチベットの仏教の伝統です。 仏教のキヤノンの一環として、すべてのものは一時的なものと見なされます。 砂の曼荼羅は、一度それが建てられ、付随する儀式と観覧が終わったら、それが体系的に破壊されていることの一例です。
マハヤナの仏教が紀元前4世紀に別の学校として登場したとき、それは他人を援助するために涅槃に個人的に逃げ去った思いやりのある存在であるボサシバスの役割を強調しました。 初期の時代から、さまざまな菩薩も彫像芸術の科目でした。 マハヤナ仏教の子孫であるチベットの仏教はこの伝統を受け継いだ。 しかし、Vajrayana（または仏教のtantra）の支配的な存在の追加は、芸術文化において最も重要な役割を果たしているかもしれない。 チベットの芸術に描かれている一般的な菩薩は、しばしば各手の真ん中に目を向けた1000人の武装聖人として描かれた神聖なチェンレージュ（Chenrezig）（Avalokitesvara）です。 この神格は、Vidrayana練習のためのYidam、すなわち「瞑想仏」と理解することもできます。
チベットの仏教には、バジラの共通の象徴であるバジラヤ仏教、ダイヤモンド雷雲（チベット語ではドルジェと呼ばれています）として知られているタントリック仏教が含まれています。 典型的なチベット仏教芸術のほとんどは、タントラの実践の一部として見ることができます。 Vajrayana技法は、瞑想の間に多くの視覚化/想像力を組み込み、精巧な技法のほとんどは、これらの視覚化の助けと見ることができます。 瞑想の神（yidams）の表現からマンダラとすべての種類の儀式の道具に至るまで。
タントラ仏教の視覚的側面は、怒っている顔、炎の円、死人の頭蓋骨で描かれている、怒っている神々の共通の表現です。 これらの画像はプロテクター（Skt。dharmapala）とその恐ろしいベアリングを真実の思いやりのある性質で表しています。 実際には、彼らの憤りは、法律の保護と腐敗や秩序の乱れを防ぐための具体的な宗教的儀礼の保護に対する彼らの献身を表しています。 彼らは最も重要なのは、開業医の否定的な態度を克服するために使用できる怒り心理的な側面として使用されています。
歴史家は、中国の絵画は一般にチベットの絵画に大きな影響を与えていることに気付いています。 14世紀から15世紀にかけて、チベットの絵画は中国の多くの要素を取り入れ、18世紀には中国の絵画はチベットの視覚芸術に深く深い影響を与えました。 Giuseppe Tucciによると、清朝時代には、「ある意味では、中国の18世紀の地方の響きである、新しいチベットの芸術が開発されました。」
ベトナムの芸術
ベトナムの美術は、東南アジア地域で最も古くからある文化の一つです。 先史時代の遺物で、シルク・ペインティング、彫刻、陶器、陶器、木版画、建築、音楽、舞踊、演劇など豊かな芸術的遺産。
伝統的なベトナムの芸術は、仏教の芸術や道教や儒教などの哲学の影響を強く受けていた古代から中世の支配的芸術まで、ベトナムやベトナムの芸術家によって習作されたものです。 チャンパとフランスの芸術の芸術も後に小さな役割を演じた。
ベトナムの芸術に対する中国の影響は、ベトナムの陶器や陶器、書道、伝統的な建築にまで広がっています。 現在、ベトナムの漆の絵は非常に人気があることが証明されています。
ベトナムの最後の支配的王朝であったグーエン王朝（1802〜1945年）は、陶磁器や磁器芸術に新たな関心を示しました。 アジア全土の宮廷はベトナムの陶器を輸入した。
Nguyễn王朝の間に舞台芸術（宮廷の音楽や舞踊など）がどれほど高度に発展したのにもかかわらず、Nguyễn王朝の後半には芸術の他の分野が衰退し始めているように見える人もいます。
19世紀から、現代美術とフランスの芸術的影響がベトナムに広がった。 20世紀初頭、ヨーロッパの方法を教え、主にハノイやホーチミン市などの大都市で影響力を行使するために、インドシナ美術館（Indochina College of Arts）が設立されました。
フランスの80年のベトナム支配期間中にベトナム人に課された旅行制限と、国家の独立のための長い戦争は、ベトナム外の芸術家がベトナム外で訓練したり働くことができなかったことを意味した。 裕福なバックグラウンドを持つ少数のアーティストが、フランスに行ってほとんどの場所でキャリアを持つ機会を得ました。 Le Thi Luu、Le Pho、Mai Trung Thu、Le Van De、Le Ba Dang、Pham Tangなどがあります。
現代のベトナムの芸術家は、フランスの技法を、シルク、ラッカーなどの多くの伝統的な媒体で利用し始め、東洋と西洋の要素をユニークに融合させました。
ベトナム書道
書道は以前はベトナムで長い歴史をもち、以前は中国語の文字を使っていました。 しかし、現代のベトナムの書道のほとんどは、非常に人気があると証明されたローマ文字ベースのQuốcNg insteadを代わりに使用しています。
過去には、ベトナムの旧文字ベースの書記体系における識字率が学者やエリートに限られていたにもかかわらず、書道はベトナム人の生活において重要な役割を果たしていました。 旧正月のような特別な機会に、人々は村の先生や学者に吊り下げて書道（詩、民俗の言葉、あるいは一言まで）を作るために行くでしょう。 読むことも書くこともできなかった人々は、しばしば学者に神殿で燃える祈りを書くよう依頼しました。
フィリピン美術
フィリピンのアイデンティティーは、Colonizersと独自の古典的なフィリピンのアイデンティティーに溶け込んで発展した中国のトレーダーの影響を受けて、植民地時代/前のフィリピン文化から創造されたときと同じ時期に生まれました。 フィリピンが生まれる前は、国、島、部族が社会キングス、チーフタンズ、ラカン族、ダータス族、ラジャス族、スルタン族によって統治されていました。 すべての国は独自のアイデンティティーを持ち、一部は現在のフィリピンの現代地図の外にある大きな帝国の一部でもあります。 マニラはかつてはブルネイ帝国の一員でした。 もう一つの例は、現代のミンダナオの多くの部分が、マジャパヒト帝国の一部であると理論化されています。首都は現代インドネシアの東ジャワ州にあります。 島への植民地到着の出現が始まった今日のフィリピンとして知られている今日の統一された島が何時の中であったのか、現代のフィリピンはその時代であった。 中国の影響を受けたのは東南アジア全域で、明治時代の明治時代の王朝植民地化や9世紀初めの初期の王朝以前であっても、貿易を通じて感じられた。 しかし、フィリピンの現代中国フィリピン人の署名が開発されたのはスペインの植民地時代でした。 植民地時代の内外的影響から溶けたこれらの文化は、近代芸術とフィリピンの伝統において非常に明白です。 ジョゼ・ホノラート・ロザノの絵は、東と西の影響を明確に示しています。
中央アジアの芸術
中央アジアの芸術は、現代キルギス、カザフスタン、ウズベキスタン、トルクメニスタン、アゼルバイジャン、タジキスタン、モンゴル、チベット、アフガニスタン、パキスタン、中国とロシアの一部のトルコ人によって中央アジアで作られた視覚芸術です。 最近の世紀の芸術は主にイスラム美術の影響を受けていますが、様々な初期の文化は中国、ペルシャ、ギリシャの芸術や、遊牧民の間で生まれた動物の様式に影響を受けています。 シルクロードの伝統芸術、スティシャン芸術、グレコ・仏教芸術、セリンジアン美術、そして最近ペルシャネート文化は、この複雑な歴史の一部です。
メソポタミアの芸術
メソポタミアの芸術は、初期の狩猟採集民社会（紀元前10千年紀）から、スメリアン、アカデミー、バビロニア、アッシリアの帝国のブロンズ時代の文化までの考古学的記録に残っています。 これらの帝国は後に鉄器時代にネオ・アッシリアとネオ・バビロニアの帝国に置き換えられました。 文明の発祥地と広くみなされているメソポタミアは、文章の最も古い例を含む重要な文化的発展をもたらした。 メソポタミアの芸術は、紀元前4千年紀から西ヨーロッパのユーラシアで最も壮大で精巧で精巧な古代エジプトの芸術と紀元前6世紀にペルシャのアケメネス帝国がその地域を征服するまでライバルしていました。 主な強調点は、様々な、非常に耐久性のある、石と粘土の彫刻の形態でした。 ほとんどの彫刻は生き残っていますが、いくつかの例外を除いて、絵画は主に幾何学的および植物ベースの装飾体系に使用されていたことが示唆されています。 シリンダーシールは多数存在し、小型であるにもかかわらず複雑で詳細なシーンが多く含まれています。
ユダヤ教の芸術
音楽や劇場と比較して、視覚芸術における具体的なユダヤ人の伝統は少なくなっています。 最も可能性が高く、受け入れられた理由は、以前はユダヤ人の音楽と文学で示されていたように、解放のユダヤ人文化は、イニシアティブの宗教的伝統によって支配されていた。 ほとんどのラビの権威は、第二の戒めが「偶然の像」にふさわしい多くの視覚芸術を禁止していると信じていたので、ユダヤ人の芸術家は18世紀後半から同化したヨーロッパのコミュニティに住むまで、 しかし、初期の宗教的コミュニティが偶像崇拝目的で使用されていることへの恐怖にもかかわらず、ユダヤ教の神聖芸術はタナフに記録され、ユダヤ古代と中世にまで広がっていることに注意する必要があります。 エルサレムの幕屋と二つの寺院は、「ユダヤ教の芸術」の最初の例を形成しています。 共通の時代の最初の世紀の間にユダヤ教の宗教芸術はシリアやギリシャのような地中海を取り巻く地域にも生まれました。ユダヤ人の宗教芸術はユダヤ人のカタコンベだけでなく、Dura Europasシナゴーグもシナゴーグの壁にあるフレスコ画ローマで。
イスラム美術
イスラム美術は、文化的にイスラムの住民が住んでいた、または支配されている領土内に住んでいた人々によって、7世紀以降に作られた視覚芸術を包含する。 したがって、1,400年以上にわたって多くの土地や様々な人々をカバーしているため、定義するのは非常に難しい芸術です。 それは特に宗教、時間、場所、絵画のような単一の媒体の芸術ではありません。 巨大なイスラム建築の分野は、書道、絵画、ガラス、陶器、カーペットや刺繍などの繊維工芸品など、さまざまな分野を残した別の記事のテーマです。
イランの芸術
ペルシャ芸術またはイラン芸術は、世界史の中で最も豊かな芸術遺産の一つであり、建築、絵画、織り、陶器、書道、金属加工および彫刻を含む多くのメディアで強力です。 異なる時代には、近隣の文明の影響は非常に重要であり、後にペルシアの芸術は、イスラム美術のより広いスタイルの一環として大きな影響を与え、受けました。 この記事では、1925年までのペルシャ芸術と、カジャール王朝の終わりをカバーしています。 後のアートにはイランの現代美術と現代美術を、伝統工芸にはイランの芸術を見てください。 イランのロック・アートは、最も古く生き残った芸術です。 イランの建築はその記事でカバーされています。
ナバタン美術
Nabataean Artは北アラビアのNabataeansの芸術です。 彼らは細かく彩色された塗装されたセラミックスで知られており、グレコローマの世界に分散し、彫刻やナバタエの建築に貢献しました。 Nabataean ArtはPetraの遺跡、特にAl KhaznehやAd Deirなどの遺跡で最も有名です。