Crítica de arte é a discussão ou avaliação da arte visual. Os críticos de arte costumam criticar a arte no contexto da estética ou da teoria da beleza. Um objetivo da crítica de arte é a busca de uma base racional para a apreciação da arte, mas é questionável se tal crítica pode transcender as circunstâncias sociopolíticas prevalecentes.
A variedade de movimentos artísticos resultou em uma divisão da crítica de arte em diferentes disciplinas, que podem usar critérios diferentes para seus julgamentos. A divisão mais comum no campo da crítica é entre crítica e avaliação histórica, uma forma de história da arte e crítica contemporânea do trabalho de artistas vivos.
Apesar das percepções de que a crítica de arte é uma atividade de risco muito menor do que a arte, as opiniões da arte atual estão sempre sujeitas a correções drásticas com a passagem do tempo. Críticos do passado são frequentemente ridicularizados por favorecer artistas agora ridicularizados (como os pintores acadêmicos do final do século XIX) ou por demitir artistas agora venerados (como os primeiros trabalhos dos impressionistas). Alguns movimentos de arte foram nomeados depreciativamente pelos críticos, com o nome mais tarde adotado como uma espécie de distintivo de honra pelos artistas do estilo (por exemplo, impressionismo, cubismo), com o significado negativo original esquecido.
Artistas muitas vezes tiveram um relacionamento desconfortável com seus críticos. Os artistas geralmente precisam de opiniões positivas dos críticos para que seu trabalho seja visto e comprado; infelizmente para os artistas, somente as gerações posteriores podem entendê-lo.
A arte é uma parte importante do ser humano e pode ser encontrada em todos os aspectos de nossas vidas, independentemente da cultura ou dos tempos. Existem muitas variáveis diferentes que determinam o julgamento da arte, como estética, cognição ou percepção. A arte pode ser objetiva ou subjetiva, baseada na preferência pessoal em relação à estética e à forma. Pode basear-se nos elementos e princípios do design e na aceitação social e cultural. A arte é um instinto humano básico com uma diversidade de formas e expressões. A arte pode ser autônoma com um julgamento instantâneo ou pode ser vista com um conhecimento mais profundo e educado. As teorias estética, pragmática, expressiva, formalista, relativista, processional, imitação, ritual, cognição, mimética e pós-moderna são algumas das muitas teorias para criticar e apreciar a arte. A crítica de arte e a apreciação podem ser subjetivas com base na preferência pessoal em relação à estética e à forma, ou podem basear-se nos elementos e princípios do design e na aceitação social e cultural.
Definição
A crítica de arte tem muitos e muitas vezes pontos de vista subjetivos que são quase tão variados quanto as pessoas que a praticam. É difícil encontrar uma definição mais estável do que a atividade relacionada à discussão e interpretação da arte e seu valor. Dependendo de quem está escrevendo sobre o assunto, a “crítica de arte” em si pode ser evitada como um objetivo direto ou pode incluir a história da arte em sua estrutura. Independentemente dos problemas de definição, a crítica de arte pode se referir à história do ofício em seus ensaios e a própria história da arte pode usar implicitamente métodos críticos. Segundo o historiador de arte R. Siva Kumar, “as fronteiras entre a história da arte e a crítica de arte … não são mais tão firmemente desenhadas como costumavam ser. Talvez tenha começado com os historiadores da arte se interessando pela arte moderna”.
A crítica de artes é o processo de descrever, analisar, interpretar e julgar obras de arte. Distingue-se da crítica de arte (que se concentra nas artes visuais) devido ao seu papel mais amplo. As disciplinas da crítica de arte podem ser definidas pelo objeto considerado e não pela metodologia (através da análise de sua filosofia): edifícios (crítica de arquitetura), pinturas (crítica de arte visual), performances (crítica de dança, crítica de teatro), música (música jornalismo), mídia visual (crítica de cinema, crítica de televisão) ou textos literários (crítica literária).
A crítica das artes pode ser dividida em dois tipos. Há críticas acadêmicas como as encontradas em trabalhos acadêmicos e revistas especializadas, depois há críticas a uma natureza mais jornalística (muitas vezes chamada de “revisão”), que é vista por um público mais amplo por meio de jornais, televisão e rádio. A crítica acadêmica será de natureza mais vigorosa e analítica do que a jornalística, o jornalista pode até se concentrar em entreter o leitor em detrimento de detalhes sobre a arte em discussão.
Metodologia
A crítica de arte inclui um aspecto descritivo, onde a obra de arte é suficientemente traduzida em palavras, de modo a permitir que um caso seja feito. A avaliação de uma obra de arte que segue a descrição (ou é intercalada com ela) depende tanto da produção do artista quanto da experiência do crítico. Existe em uma atividade com um componente subjetivo tão acentuado uma variedade de maneiras pelas quais ele pode ser perseguido. Como extremos em um possível espectro, enquanto alguns preferem simplesmente observar as impressões imediatas causadas por um objeto artístico, outros preferem uma abordagem mais sistemática, recorrendo ao conhecimento técnico, favorecendo a teoria estética e o conhecido contexto sociocultural em que o artista está imerso para discernir sua intenção. .
História
Artigo principal: História da crítica de arte
As críticas à arte provavelmente se originaram das origens da própria arte, como evidenciam os textos encontrados nas obras de Platão, Vitrúvio ou Agostinho de Hippo, entre outros, que contêm as primeiras formas de crítica de arte. Além disso, os patronos ricos empregaram, pelo menos desde o início da Renascença, avaliadores de arte intermediários para auxiliá-los na aquisição de comissões e / ou peças acabadas.
Origens
A crítica de arte como gênero de escrita obteve sua forma moderna no século XVIII. O primeiro uso do termo crítica de arte foi o do pintor inglês Jonathan Richardson em sua publicação de 1719, An Essay on the Whole Art of Criticism. Neste trabalho, ele tentou criar um sistema objetivo para o ranking de obras de arte. Sete categorias, incluindo desenho, composição, invenção e coloração, receberam uma pontuação de 0 a 18, que foram combinadas para dar uma pontuação final. O termo que ele introduziu rapidamente pegou, especialmente quando a classe média inglesa começou a ser mais exigente em suas aquisições de arte, como símbolos de seu status social ostentado.
Na França e na Inglaterra, em meados do século XVIII, o interesse público pela arte começou a se difundir e a arte era exibida regularmente nos Salões de Paris e nas Exposições de Verão de Londres. Os primeiros escritores a adquirir uma reputação individual como críticos de arte na França do século XVIII foram Jean-Baptiste Dubos com suas Reflexões sobre a reflexão e a beleza (1718), que conquistaram a aclamação de Voltaire pela sagacidade de sua abordagem à teoria estética. ; e Étienne La Font de Saint-Yenne, com reflexões sobre as causas do presente apresentado na França, que escreveu sobre o Salão de 1746, comentando a estrutura sócio-econômica da produção do então popular estilo barroco de arte, que levou a uma percepção de sentimentos anti-monarquistas no texto.
O escritor francês do século 18 Denis Diderot avançou muito o meio da crítica de arte. O “The Salon of 1765” de Diderot foi uma das primeiras tentativas reais de captar a arte em palavras. De acordo com o historiador de arte Thomas E. Crow, “Quando Diderot assumiu a crítica de arte, foi na esteira da primeira geração de escritores profissionais que se dedicaram a oferecer descrições e julgamentos da pintura e escultura contemporâneas. A demanda por tal comentário foi um produto da instituição similarmente nova de exposições públicas regulares e gratuitas da mais recente arte “.
Enquanto isso, na Inglaterra, uma exposição da Sociedade de Artes em 1762 e, mais tarde, em 1766, provocou uma onda de panfletos críticos, embora anônimos. Jornais e periódicos do período, como o London Chronicle, começaram a carregar colunas para críticas de arte; uma forma que decolou com a fundação da Royal Academy em 1768. Na década de 1770, o Morning Chronicle se tornou o primeiro jornal a revisar sistematicamente a arte apresentada nas exposições.
França
Não foi até as exposições públicas da Académie royale de peinture et de sculpture no Salon de Paris dos séculos 17 e 18 que uma crítica de arte profissional de não artistas (a chamada crítica leiga) prevaleceu sobre o monopólio da avaliação reivindicada por os membros da academia. Entre os primeiros críticos de arte estavam os escritores Étienne La Font de Saint-Yenne e Denis Diderot. La Font des Saint-Yenne escreveu uma revisão detalhada da programação do salão de beleza de 1746, que apareceu como um livreto independente anonimamente em Haia, um ano depois. Diderot escreveu entre 1759 e 1781 um total de nove reportagens de salão para o Correspondance littéraire, um de seu amigo Friedrich Melchior Grimm em um periódico manuscrito bi-semanal editado, obtido em particular de círculos aristocráticos.
Cem anos depois, o poeta de vanguarda Charles Baudelaire escreveu como um jovem escritor de 1845 também várias resenhas dos salões de Paris com claro partidarismo para a pintura romântica e rejeição da pintura a ar realista e plein.
Alemanha
Na Alemanha, a crítica de arte surgiu na Era do Iluminismo como uma transferência cultural do discurso da arte francesa, em particular promovida pelos jornais de Johann Christoph Gottsched, na edição de livros e no comércio de livros de Leipzig. Em Gottscheds revistas de revisão (a partir de 1747), a literatura tomou Embora a ênfase, mas foram neles cada vez mais as artes visuais, sob a forma de comentários de arte-teóricas e traduções de palestras da Academia Real de Paris Inscrições e Belles-Lettres cada vez mais endereçado; mas apenas em casos excepcionais eles se relacionam diretamente com obras de arte.
século 19
A partir do século XIX, a crítica de arte tornou-se uma vocação mais comum e até mesmo uma profissão, desenvolvendo, por vezes, métodos formalizados baseados em teorias estéticas particulares. Na França, uma fenda surgiu na década de 1820 entre os proponentes das formas neoclássicas tradicionais de arte e a nova moda romântica. Os neoclássicos, sob Étienne-Jean Delécluze, defenderam o ideal clássico e preferiram a forma cuidadosamente acabada nas pinturas. Românticos, como Stendhal, criticaram os velhos estilos como excessivamente estereotipados e desprovidos de qualquer sentimento. Em vez disso, eles defenderam as novas nuances expressivas, idealistas e emocionais da arte romântica. Um debate similar, embora mais moderado, também ocorreu na Inglaterra.
Um dos críticos proeminentes na Inglaterra na época era William Hazlitt, pintor e ensaísta. Ele escreveu sobre seu profundo prazer na arte e sua crença de que as artes poderiam ser usadas para melhorar a generosidade da humanidade de espírito e conhecimento do mundo ao seu redor. Ele era uma das crescentes ondas de críticos ingleses que começaram a ficar inquietos com a direção cada vez mais abstrata da arte da paisagem de JMW Turner.
Um dos grandes críticos do século XIX foi John Ruskin. Em 1843 ele publicou Modern Painters, no qual ele defendeu de maneira robusta o trabalho de JMW Turner de seus críticos, que acusaram Turner de ser infiel à natureza. Através de uma análise minuciosa e atenção aos detalhes, Ruskin conseguiu demonstrar exatamente o oposto, no que o historiador da arte EH Gombrich chamou de “o mais ambicioso trabalho de crítica científica já tentado”. Ruskin tornou-se famoso por sua prosa rica e fluida, e mais tarde na vida ele se ramificou para se tornar um crítico ativo e abrangente, publicando obras sobre arquitetura e arte renascentista, incluindo as Pedras de Veneza.
Outra figura dominante na crítica de arte do século XIX foi o poeta francês Charles Baudelaire, cuja primeira obra publicada foi seu Salon de 1845, que atraiu atenção imediata por sua ousadia. Muitas de suas opiniões críticas foram novas em sua época, incluindo sua defesa de Eugène Delacroix. Quando a famosa Olympia (1865) de Édouard Manet, um retrato de uma cortesã nua, provocou um escândalo por seu realismo flagrante, Baudelaire trabalhou em particular para apoiar seu amigo. Ele afirmou que “a crítica deve ser parcial, apaixonada, política – isto é, formada de um ponto de vista exclusivo, mas também de um ponto de vista que abre o maior número de horizontes”. Ele tentou mover o debate das antigas posições binárias de décadas anteriores, declarando que “o verdadeiro pintor, será ele quem pode arrancar da vida contemporânea seu aspecto épico e nos fazer ver e entender, com cor ou desenho, quão grande e poética estamos em nossos lenços e nossas botas polidas “.
Em 1877, John Ruskin ridicularizou Nocturne em Black and Gold: The Falling Rocket, após o artista James McNeill Whistler, ter mostrado na Grosvenor Gallery: “Eu já vi e ouvi muito do descaramento de Cockney até agora; mas nunca esperei ouvir coxcomb pede duzentos guinéus para atirar uma panela de tinta no rosto do público “. Essa crítica provocou Whistler a processar o crítico por difamação. O processo judicial seguinte provou ser uma vitória de Pirro para Whistler.
Volta do século XX
No final do século XIX, um movimento em direção à abstração, em oposição ao conteúdo específico, começou a ganhar terreno na Inglaterra, especialmente defendido pelo dramaturgo Oscar Wilde. No início do século XX, essas atitudes formalmente se fundiram em uma filosofia coerente, através do trabalho dos membros do Bloomsbury Group, Roger Fry e Clive Bell. Como historiador da arte na década de 1890, Fry ficou intrigado com a nova arte modernista e sua mudança da representação tradicional. Sua exposição de 1910 do que ele chamou de arte pós-impressionista atraiu muitas críticas por sua iconoclastia. Ele se defendeu vigorosamente em uma palestra, na qual ele argumentou que a arte havia se movido para tentar descobrir a linguagem da imaginação pura, em vez da postura séria e, em sua opinião, desonesta da captura científica da paisagem. O argumento de Fry provou ser muito influente na época, especialmente entre a elite progressista. Virginia Woolf observou que: “em ou por volta de dezembro de 1910 [a data em que Fry deu sua palestra] o caráter humano mudou”.
Independentemente, e ao mesmo tempo, Clive Bell argumentou em seu livro de 1914, Art, que todo trabalho de arte tem sua “forma significativa” particular, enquanto o assunto convencional era essencialmente irrelevante. Este trabalho lançou as bases para a abordagem formalista da arte. Em 1920, Fry argumentou que “é tudo a mesma coisa para mim se eu represento um Cristo ou uma panela, já que é a forma, e não o objeto em si, que me interessa”. Além de ser um defensor do formalismo, ele argumentou que o valor da arte reside em sua capacidade de produzir uma experiência estética distinta no espectador. uma experiência que ele chamou de “emoção estética”. Ele definiu como aquela experiência que é despertada pela forma significativa. Ele também sugeriu que a razão pela qual experimentamos a emoção estética em resposta à forma significativa de uma obra de arte é que percebemos essa forma como uma expressão de uma experiência que o artista possui. A experiência do artista, por sua vez, sugeriu, era a experiência de ver objetos comuns no mundo como forma pura: a experiência que se tem quando se vê algo não como um meio para outra coisa, mas como um fim em si mesmo.
Herbert Read foi um campeão de artistas britânicos modernos, como Paul Nash, Ben Nicholson, Henry Moore e Barbara Hepworth, e tornou-se associado ao grupo de artes contemporâneas Unit One, de Nash. Ele se concentrou no modernismo de Pablo Picasso e Georges Braque e publicou um influente ensaio de 1929 sobre o significado da arte no The Listener. Ele também editou a Burlington Magazine (1933-1938) e ajudou a organizar a Exposição Internacional Surrealista de Londres em 1936.
Desde 1945
Como no caso de Baudelaire no século XIX, o fenômeno do poeta-crítico apareceu mais uma vez no século XX, quando o poeta francês Apollinaire se tornou o campeão do cubismo. Mais tarde, o escritor francês e herói da Resistência André Malraux escreveu extensivamente sobre arte, indo muito além dos limites de sua Europa natal. Sua convicção de que a vanguarda na América Latina estava no muralismo mexicano (Orozco, Rivera e Siqueiros) mudou após sua viagem a Buenos Aires em 1958. Depois de visitar os estúdios de vários artistas argentinos na companhia do jovem diretor do Museu de Arte Moderna Rafael Squirru, de Buenos Aires, Malraux declarou a nova vanguarda nos novos movimentos artísticos da Argentina. Squirru, um poeta-crítico que se tornou Diretor Cultural da OEA em Washington, DC, durante a década de 1960, foi o último a entrevistar Edward Hopper antes de sua morte, contribuindo para um renascimento do interesse pelo artista americano.
Na década de 1940 havia não apenas poucas galerias (A Arte deste Século), mas também poucos críticos dispostos a seguir o trabalho da New York Vanguard. Havia também alguns artistas com formação literária, entre eles Robert Motherwell e Barnett Newman, que também atuaram como críticos.
Embora Nova York e o mundo não estivessem familiarizados com a vanguarda nova-iorquina, no final da década de 1940, a maioria dos artistas que se tornaram conhecidos hoje tinha seus críticos de patrões bem estabelecidos. Clement Greenberg defendeu Jackson Pollock e os pintores de campos de cores como Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Hans Hofmann. Harold Rosenberg parecia preferir os pintores de ação como Willem de Kooning e Franz Kline. Thomas B. Hess, editor-gerente da ARTnews, defendeu Willem de Kooning.
Os novos críticos elevaram seus protegidos ao lançar outros artistas como “seguidores” ou ignorando aqueles que não cumpriam sua meta promocional. Como exemplo, em 1958, Mark Tobey “tornou-se o primeiro pintor americano desde Whistler (1895) a ganhar o prêmio máximo na Bienal de Veneza. As duas principais revistas de arte de Nova York não estavam interessadas. As artes mencionaram o evento histórico apenas em uma coluna de notícias e Art News (editor-chefe: Thomas B. Hess) ignorou-o completamente. O New York Times e Life publicaram artigos de destaque “.
Barnett Newman, um membro tardio do Grupo Uptown, escreveu autógrafos e resenhas de catálogo e, no final da década de 1940, tornou-se expositor da Betty Parsons Gallery. Sua primeira exposição individual foi em 1948. Logo após sua primeira exposição, Barnett Newman comentou em uma das sessões dos artistas no Studio 35: “Estamos no processo de tornar o mundo, em certa medida, em nossa própria imagem”. Utilizando suas habilidades de escrita, Newman lutou a cada passo do caminho para reforçar sua imagem recém-criada como artista e promover seu trabalho. Um exemplo é a carta dele para Sidney Janis em 9 de abril de 1955:
É verdade que Rothko fala do lutador. Ele luta, no entanto, para se submeter ao mundo filisteu. Minha luta contra a sociedade burguesa envolveu a rejeição total dela.
A pessoa que mais teve a ver com a promoção desse estilo foi um trotskista de Nova York, Clement Greenberg. Há muito tempo crítico de arte da Partisan Review e The Nation, ele se tornou um dos primeiros proponentes do Expressionismo Abstrato. O artista Robert Motherwell, bem-sucedido, juntou-se a Greenberg na promoção de um estilo que se encaixasse no clima político e na rebeldia intelectual da época.
Clement Greenberg proclamou o Expressionismo Abstrato e Jackson Pollock em particular como o epítome do valor estético. Greenberg apoiou o trabalho de Pollock em terrenos formalistas simplesmente como a melhor pintura de sua época e o culminar de uma tradição artística voltada via Cubismo e Cézanne para Monet, na qual a pintura tornou-se cada vez mais “pura” e mais concentrada no que era “essencial”. , a realização de marcas em uma superfície plana.
O trabalho de Jackson Pollock sempre polarizou os críticos. Harold Rosenberg falou da transformação da pintura em um drama existencial na obra de Pollock, em que “o que deveria ser colocado na tela não era uma figura, mas um evento”. “O grande momento veio quando foi decidido pintar ‘só para pintar’. O gesto na tela foi um gesto de libertação do valor – político, estético, moral”.
Um dos críticos mais expressivos do expressionismo abstrato na época era o crítico de arte do New York Times, John Canaday. Meyer Schapiro e Leo Steinberg também foram importantes historiadores de arte do pós-guerra que expressaram apoio ao Expressionismo Abstrato. Durante o início dos anos 60, os jovens críticos de arte Michael Fried, Rosalind Krauss e Robert Hughes acrescentaram insights consideráveis sobre a dialética crítica que continua a crescer em torno do Expressionismo Abstrato.
Crítico de arte
O crítico de arte, ou crítico de arte e cultura, é um profissional que pode ser técnico ou graduado, professor, professor ou mestre, ou autodidata (conhecedor), nas principais áreas da história da arte, crítica de arte, e tudo relacionado à ambiente artístico-plástico e cultural de um país ou região. Edgar Allan Poe e Charles Baudelaire são considerados alguns dos primeiros críticos de arte. O crítico de arte tem um perfil treinado para analisar tudo relacionado à arte e cultura, por isso inclui uma análise das obras de arte no espaço, tempo e tendência, daí o nome de ‘crítica’ da arte, pelas descrições que devem fazer as duas coisas. oralmente e por escrito. É geralmente considerado o mais subjetivo de todas as disciplinas relacionadas ao estudo da arte porque é avaliativo; isto é, emite um julgamento de natureza pessoal em relação a um trabalho.
Algumas questões muito gerais que o crítico procura responder são:
Qual é o motivo e tema de uma obra de arte específica?
Como as ilusões espaciais e de volume foram criadas?
Quais idéias e / ou emoções são expressas?
O crítico de arte pode ampliar ainda mais seu conhecimento ou deduções, e ser um escritor de arte, estudar fragmentos literários de outros críticos de arte e historiadores da cultura. É por isso que o crítico de arte e cultura pode ser um animador visionário, literário e cultural, responsável pelas rotas que as tendências e os movimentos artísticos podem seguir.
Crítica da arte jornalística
Há o crítico de arte jornalístico que, diferentemente do crítico de arte, começou em Comunicação ou Jornalismo e acabou fazendo críticas artísticas na mídia. Embora isso tenha surgido recentemente no século XXI, não limita que possa ser incluído no crítico de arte cultural e vice-versa. Isto é possível no presente devido às grandes mudanças de personalidade da crítica de arte, o avanço e desenvolvimento da mídia, e as novas tecnologias na Idade Contemporânea. A crítica de arte jornalística está incluída em uma ampla variedade de disciplinas artísticas adicionais e muito diferentes daquelas do crítico de arte cultural, como cinema, entretenimento, TV, rádio, etc.
Crítica de arte feminista
A crítica de arte feminista emergiu na década de 1970 do movimento feminista mais amplo como exame crítico de ambas as representações visuais de mulheres na arte e na arte produzidas por mulheres. Continua a ser um campo importante de crítica de arte.
Hoje
Os críticos de arte hoje trabalham não apenas em mídia impressa e em revistas de arte especializadas, bem como em jornais. Críticos de arte também aparecem na internet, na TV e no rádio, assim como em museus e galerias. Muitos também são empregados em universidades ou como educadores de arte para museus. Críticos de arte curam exposições e são freqüentemente empregados para escrever catálogos de exposições. Críticos de arte têm sua própria organização, uma organização não-governamental da UNESCO, chamada Associação Internacional de Críticos de Arte, que tem cerca de 76 seções nacionais e uma seção política não-alinhada para refugiados e exilados.
Blogs de arte
Desde o início do século XXI, sites de arte crítica on-line e blogs de arte surgiram em todo o mundo para adicionar suas vozes ao mundo da arte. Muitos desses escritores usam recursos de mídia social como Facebook, Twitter, Tumblr e Google+ para apresentar aos leitores suas opiniões sobre críticas de arte.