시각 예술은 도자기, 그림, 회화, 조각, 판화, 디자인, 공예, 사진, 비디오, 영화 제작 및 건축과 같은 예술 형식입니다. 많은 예술적 분야 (공연 예술, 개념 예술, 섬유 예술)는 시각 예술뿐만 아니라 다른 유형의 예술에도 관련됩니다. 또한 시각 예술에는 산업 디자인, 그래픽 디자인, 패션 디자인, 인테리어 디자인 및 장식 미술 등의 응용 예술이 포함됩니다.

“시각 예술”이라는 용어의 현재 사용법은 순수 예술뿐만 아니라 적용된 장식 예술 및 공예품을 포함하지만, 항상 그런 것은 아닙니다. 영국과 다른 곳에서 20 세기로 접어드는 예술과 공예 운동 이전에 ‘예술가’라는 용어는 수공예품, 공예품이 아닌 미술에서 일하는 사람 (예 : 회화, 조각 또는 판화)으로 제한되는 경우가 많았습니다 , 또는 적용된 예술 매체. 이 구별은 예술 작품과 공예 운동의 예술가들에 의해 강조되었으며, 예술과 공예 운동은 고급 예술 형식을 가치있게 평가했습니다. 미술 학교는 미술과 공예를 구분하여 공예가가 예술의 수련자로 간주 될 수 없다고 주장했다.

“시각 예술 작품”은 단 한 권의 사본에 존재하는 그림, 그림, 인쇄물 또는 조각품으로 저자가 서명하고 연속적으로 번호를 매기는 200 부의 사본으로 제한됩니다. 시각 예술 작품에는 포스터,지도, 지구본, 차트, 기술 도면, 모형, 응용 미술, 영화 또는 기타 시청각 작품, 책, 잡지, 신문, 정기 간행물, 데이터베이스, 전자 정보 서비스, 전자 출판물 또는 이와 유사한 출판물; 머천다이징 품목이나 광고, 판촉물, 서술, 커버링 또는 포장 재료 또는 용기를 포함하지 않아야합니다.

교육과 훈련:
시각 예술 교육은 견습생 및 워크숍 시스템의 변형을 통해 이루어졌습니다. 유럽에서 예술가의 명성을 높이기위한 르네상스 운동은 예술가 양성을위한 아카데미 체제를 이끌었고 오늘날 미술계에서 경력을 쌓은 대부분의 사람들은 3 차 수준의 예술 학교에서 훈련을합니다. 시각 예술은 이제 대부분의 교육 시스템에서 선택 과목이되었습니다. (미술 교육 참조)

그림:
그림 그리기는 다양한 도구와 기술을 사용하여 이미지를 만드는 수단입니다. 일반적으로 도구에서 압력을가하거나 그라파이트 연필, 펜 및 잉크, 잉크 브러시, 왁스 컬러 연필, 크레용, 숯, 파스텔 및 마커와 같은 건조 매체를 사용하여 표면을 가로 질러 공구를 움직여 표면에 자국을 만듭니다. 이러한 효과를 시뮬레이션하는 디지털 도구도 사용됩니다. 드로잉에 사용되는 주요 기술은 선 그리기, 해칭, 크로스 해칭, 무작위 해칭, 낙서, 점 찍기 및 혼합입니다. 그림에서 탁월한 예술가는 초안 또는 초안이라고합니다.

드로잉은 프랑스의 라스코 (Lascaux)와 스페인의 알타미라 (Altamira)와 같은 동물의 구석기 구덩이에 최소 16,000 년 전으로 거슬러 올라갑니다. 고대 이집트에서는 종종 사람들을 묘사하는 파피루스의 잉크 그림이 그림이나 조각의 모델로 사용되었습니다. 처음에는 기하학적 인 그리스 화병의 그림이 BC 7 세기에 검은 피규어 도기가있는 인간 형태로 개발되었습니다.

15 세기까지 유럽에서 종이가 보편화되면서 Sandro Botticelli, Raphael, Michelangelo, Leonardo da Vinci와 같은 주인이 그림을 그리기 시작했습니다. 회화 나 조각을위한 준비 단계가 아닌 예술로 그려 넣기도했습니다.

그림:
말 그대로 찍은 그림은 종이, 캔버스 또는 벽과 같은 표면 (지지대)에 담체 (또는 매체)와 결합제 (접착제)에 현탁 된 안료를 적용하는 관행입니다. 그러나 예술적 의미에서 사용되는 경우, 이는 개업의 표현적이고 개념적인 의도를 나타 내기 위해 그림, 구성 또는 다른 미적 고려 사항과 함께이 활동을 사용함을 의미합니다. 회화는 또한 영적 모티브와 사상을 표현하는 데 사용됩니다. 이런 종류의 그림은 도자기에서 신화 인물을 묘사 한 작품에서부터 시스 티나 예배당 (Sistine Chapel), 인체 자체에 이르기까지 다양합니다.

기원과 초기 역사 :
그림과 마찬가지로 그림은 동굴과 암석면에 그 기원이 기록되어 있습니다. 일부는 32,000 년 된 것으로 여겨지는 가장 훌륭한 사례는 프랑스 남부의 Chauvet 및 Lascaux 동굴에 있습니다. 빨강, 갈색, 노란색 및 검은 색 음영으로 벽과 천장의 그림은 들소, 소, 말 및 사슴입니다.

인간 형상의 그림은 고대 이집트의 무덤에서 발견 할 수 있습니다. 람 세스 2 세의 위대한 사원에서, 그의 여왕 인 네페르 타리 (Nefertari)는 이시스 (Isis)가 이끌었다. 그리스인들은 회화에 기여했지만 그들의 작품 대부분이 사라졌습니다. 가장 남아있는 대표적인 표현 중 하나는 무시 무시한 Fayum mummy 초상화입니다. 또 다른 예는 폼페이 (Pompeii)에서의 Issus 전투 (battle of Issus)의 모자이크로, 그리스 그림에 근거했을 가능성이 큽니다. 그리스와 로마의 예술은 기원전 4 세기에 비잔틴 미술에 기여했으며, 이는 아이콘 그림에서 전통을 시작했습니다.

르네상스:
중세 시대에 수도사들이 제작 한 조명 원고와는 별도로 유럽 예술에 대한 다음 중요한 공헌은 이탈리아의 르네상스 화가가했다. 13 세기의 조토 (Giotto)에서부터 16 세기 초의 레오나르도 다빈치 (Leonardo da Vinci)와 라파엘 (Raphael)에 이르기까지 이탈리아 미술에서 가장 풍부한시기였습니다.

북유럽의 화가들 역시 이탈리아 학교의 영향을 받았다. 벨기에 출신의 얀 반 아이크 (Jan van Eyck), 네덜란드 출신의 피터 브루겔 (Pieter Bruegel), 독일의 한스 홀 베인 (Hans Holbein the Younger)은 시대의 가장 성공적인 화가 중 한 명입니다. 그들은 깊이와 광도를 얻기 위해 기름으로 유약 기술을 사용했습니다.

네덜란드 마스터 :
17 세기에는 초상화와 성서 장면으로 유명했던 렘브란트 (Rembrandt)와 네덜란드 생활의 실내 장면을 전문으로 다루는 베르메르 (Vermeer)와 같은 위대한 네덜란드 인의 출현을 목격했습니다.

바로크:
바로크 시대는 르네상스 시대 이후 16 세기 후반부터 17 세기 후반에 시작되었습니다. 바로크 양식의 주요 예술가들은 카네기 섬을 많이 사용하는 카라 바지오 (Caravaggio)를 포함했습니다. 피터 폴 루벤스 (Peter Paul Rubens)는 이탈리아에서 공부하고 앤트워프에서 지역 교회를 위해 일했던 플랑드르 화가였으며 마리 데 메디치 (Marie de ‘Medici)의 시리즈를 그렸다. Annibale Carracci는 시스틴 성당 (Sistine Chapel)에서 영향을 받아 환상적 천장 그림의 장르를 창안했습니다. 바로크 시대에 발생한 많은 발전은 개신교 개혁과 그에 따른 반혁명으로 인한 것이 었습니다. 바로크를 정의하는 대부분은 극적인 조명과 전반적인 비주얼입니다.

인상주의:
인상주의는 19 세기 프랑스에서 Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir 및 Paul Cézanne와 같은 느슨한 협회를 시작으로 그림에 새로운 자유로운 브러시 스타일을 도입했으며 종종 스튜디오가 아닌 현대 생활의 현실적인 장면을 페인트하기로 선택했습니다. . 이것은 브러쉬 스트로크와 현실의 인상에 의해 증명 된 미적 특징의 새로운 표현을 통해 달성되었습니다. 순수하고 혼합되지 않은 색상과 짧은 브러쉬 스트로크를 사용하여 강렬한 색상 진동을 실현했습니다. 이 움직임은 예술이 역동적이고 시간을 거치며 새로운 발견 된 기법과 예술에 대한 인식에 적응하도록 영향을주었습니다. 풍경에 대한 편향된 견해와 예술가의 시선을 탐구하는 동안 세부 사항에 대한주의가 덜 중요하게되었습니다.

포스트 인상파 :
19 세기 말 무렵, 몇몇 젊은 화가들은 기하학적 형태와 부 자연스러운 색을 사용하여 깊은 상징주의를 위해 노력하면서 감동을 표현하기 위해 인상주의를 한 단계 더 발전 시켰습니다. 특히 주목할만한 것은 아시아, 아프리카, 일본 예술에 강하게 영향을받은 폴 고갱 (Paul Gauguin), 빈센트 반 고흐 (Vincent van Gogh, 프랑스로 이주한 네덜란드 인, 남부의 강한 햇살을 그린 곳)와 툴루즈 – 로트렉 (Toulouse-Lautrec)은 생생한 그림으로 기억했다 몽마르뜨의 파리 지구에서의 밤 생활

상징주의, 표현주의 및 입체파 :
노르웨이 예술가 인 에드워드 뭉크 (Edvard Munch)는 19 세기말 프랑스 인상파 마네 (Manet)의 영향을 받아 상징주의적인 접근 방식을 개발했다. 그의 가장 유명한 작품 인 Scream (1893)은 현대인의 보편적 불안을 대표하는 것으로 널리 해석됩니다. 부분적으로 뭉크의 영향의 결과로 독일 표현주의 운동은 독일에서 시작되어 20 세기 초 Ernst Kirschner와 Erich Heckel 같은 예술가들이 감정적 인 효과로 현실을 왜곡하기 시작했다. 병렬 적으로 큐비즘 (cism)으로 알려진 스타일은 프랑스에서 컴포지션 내의 예리한 구조의 볼륨과 공간에 중점을 둔 예술가로서 발전했습니다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 조르주 브라케 (Georges Braque)는이 운동의 주창자였습니다. 객체는 분리되어 분석되고 다시 추출됩니다. 1920 년대까지이 스타일은 달리와 마그리트와 함께 초현실주의로 발전했습니다.

판화 :
판화는 예술적 목적을 위해 매트릭스에 이미지를 생성 한 다음 잉크 (또는 다른 형태의 색소)를 사용하여 2 차원 (평면) 표면으로 전송합니다. 모노 타입 (monotype)의 경우를 제외하고, 동일한 행렬을 사용하여 많은 인쇄 예제를 생성 할 수 있습니다.

역사적으로, 목판 절단, 라인 조각, 에칭, 리소그래피, 스크린 프린팅 (세리 그래피, 실크 스크리닝)과 관련된 주요 기술 (미디어라고도 함)이 있지만 현대 디지털 기술을 비롯한 많은 기술이 있습니다. 일반적으로 인쇄물은 종이에 인쇄되지만 다른 매체는 천과 모조 피대에서보다 현대적인 재료에 이르기까지 다양합니다. 주요 판화 전통에는 일본 (우키요에)이 포함됩니다.

유럽사 :
1830 년경에 제작 된 서양 전통의 인쇄본은 오래된 마스터 지문으로 알려져 있습니다. 유럽에서는 약 1400 년부터 AD 목판화까지 비잔틴과 이슬람 세계에서 개발 된 인쇄 기술을 사용하여 종이에 마스터 인쇄물로 사용되었습니다. Michael Wolgemut은 약 1475 년부터 독일 목판화를 개선했으며 네덜란드 인 Erhard Reuwich는 처음으로 교차 해치를 사용했습니다. 세기 후반에 Albrecht Dürer는 서풍 목판화를 결코 능가하지 못한 무대로 끌어 들여 단일 판 목판화의 지위를 높였습니다.

중국 기원과 실천 :
중국에서는 약 1,100 년 전에 인쇄물 제작 기술이 개발되었는데 종이에 인쇄하기 위해 목판에 자른 텍스트와 함께 삽화로 사용됩니다. 처음에는 이미지가 주로 종교적 이었지만 송나라 시대에는 예술가들이 풍경을 자르기 시작했습니다. 명나라 (1368-1644)와 청 (1616-1911)의 왕조 동안, 기술은 종교적 예술적 조각 작업에 완벽하게 적용되었습니다.

일본에서의 발전 1603-1867 :
일본의 목판화 (木 版画, 木竹 漢)는 우키요에의 예술적 장르로 가장 잘 알려진 기법이다. 그러나, 그것은 또한 동일한 기간에있는 책 인쇄를 위해 아주 넓게 이용되었다. 목판 인쇄는 중국에서 수세기 동안 이동식의 출현 이전에 책을 인쇄하는 데 사용되었지만,에도 시대 (1603-1867)에 놀랍도록 늦게 일본에서 널리 채택되었습니다. 어떤 점에서 서양 판화의 목 판화와 유사하지만, 수계 잉크는 유성 잉크를 사용하는 서구 목판과는 달리 크게 다른데, 다양한 생생한 색상, 유약 및 색상을 허용합니다 투명도.

사진술
사진은 빛의 작용으로 사진을 만드는 과정입니다. 물체에서 반사되거나 방출되는 빛의 패턴은 시간에 따른 노출을 통해 민감한 매체 또는 저장 칩에 기록됩니다. 이 프로세스는 기계 셔터 또는 전자 공학적으로 시간이 지정된 광자를 화학 처리 또는 카메라라고하는 디지털화 장치로 노출시킴으로써 수행됩니다.

이 단어는 헬라어 단어 φως phos ( “light”)와 γραφις graphis ( “stylus”, “paintbrush”) 또는 γραφη graphê에서 나온 것으로 “빛으로 그림 그리기”또는 “선으로 표현하기”또는 “그림으로”의미합니다. ” 전통적으로 사진의 산물은 사진이라고 불 렸습니다. 사진이라는 용어는 약어입니다. 많은 사람들이 사진이라고도합니다. 디지털 사진에서 이미지라는 용어는 사진을 대체하기 시작했습니다. (이미지라는 용어는 기하학적 인 광학에서 전통적입니다.)

영화 제작:
영화 제작은 초기 착상과 연구, 대본 작성, 촬영 및 녹음, 애니메이션 또는 기타 특수 효과, 편집, 사운드 및 음악 작업, 그리고 최종적으로 관객에게의 배포를 통해 모션 픽쳐를 만드는 과정입니다. 그것은 모든 종류의 영화 제작, 다큐멘터리, 영화와 문학 작품의 변형, 시적 또는 실험적 관행을 포괄적으로 가리키며 종종 비디오 기반 프로세스를 언급하기도합니다.

컴퓨터 아트
비주얼 아티스트는 더 이상 전통 예술 미디어에 국한되지 않습니다. 컴퓨터는 1960 년대부터 시각 예술 분야에서 가장 보편적 인 도구로 사용되어 왔습니다. 사용에는 이미지와 양식의 캡처 또는 생성, 이미지 및 양식의 편집 (여러 컴포지션 탐색 포함) 및 최종 렌더링 또는 인쇄 (3D 인쇄 포함)가 포함됩니다.

컴퓨터 아트 란 컴퓨터가 생산이나 전시에서 중요한 역할을하는 예술을 말합니다. 이러한 예술은 이미지, 사운드, 애니메이션, 비디오, CD-ROM, DVD, 비디오 게임, 웹 사이트, 알고리즘, 성능 또는 갤러리 설치가 될 수 있습니다. 많은 전통적인 분야가 이제 디지털 기술을 통합하고 있기 때문에 컴퓨터를 사용하여 만든 전통 예술 작품과 새로운 미디어 작품 사이의 경계가 흐려졌습니다. 예를 들어, 예술가는 전통 회화와 알고리즘 아트 및 기타 디지털 기술을 결합 할 수 있습니다. 결과적으로 최종 제품으로 컴퓨터 아트를 정의하는 것이 어려울 수 있습니다. 그럼에도 불구하고이 형식의 미술은 미술관 전시회에 출현하기 시작했다. 아직 형식 자체로서의 합법성을 증명하지는 못했지만이 기술은 현대 미술에서 회화와 같은 형태가 아닌 도구로 널리 사용된다.

컴퓨터 사용은 일러스트 레이터, 사진 작가, 사진 편집자, 3-D 모델러 및 수공예 작가 사이의 구별을 흐리게합니다. 정교한 렌더링 및 편집 소프트웨어는 다중 숙련 된 이미지 개발자를 이끌어 냈습니다. 사진 작가는 디지털 아티스트가 될 수 있습니다. 일러스트 레이터는 애니메이터가 될 수 있습니다. 수공예품은 컴퓨터를 사용하거나 컴퓨터 생성 이미지를 템플릿으로 사용할 수 있습니다. 컴퓨터 클립 아트를 사용하면 문서, 특히 비 숙련 된 관찰자에게 페이지 매김 과정에서 클립 아트를 쉽게 액세스하고 편집 할 수 있기 때문에 시각적 예술과 페이지 레이아웃 간의 명확한 구분이 어려워집니다.

플라스틱 예술 :
플라스틱 예술은 조각이나 도자기와 같은 몰딩이나 모델링을 통해 플라스틱 매체를 물리적으로 조작하는 것과 관련된 예술 형식을 포함하여 이제는 크게 잊혀진 용어입니다. 이 용어는 모든 시각적 (비 문학, 비 음악적) 예술에도 적용되었습니다.

돌이나 나무, 콘크리트 또는 강철과 같이 조각되거나 조각이 될 수있는 재료도 적절한 도구를 사용하여 변조 할 수 있기 때문에 좁은 정의에 포함되어 있습니다. 예술의 “플라스틱”은 Piet Mondrian의 사용이나 프랑스어와 영어로 “Neoplasticism”이라고 불리는 운동과 혼동되어서는 안됩니다.

조각:
조각은 하드 또는 플라스틱 소재, 사운드 또는 텍스트 및 / 또는 일반적으로 돌 (바위 또는 대리석), 점토, 금속, 유리 또는 목재를 형성하거나 결합하여 만든 3 차원 아트 워크입니다. 일부 조각품은 발견하거나 조각하여 직접 만들어집니다. 다른 것들은 조립되고, 조립되고, 해고되고, 용접되고, 주조되거나 주조됩니다. 조각품은 종종 칠해집니다. 조각품을 만드는 사람을 조각가라고 부릅니다.

조각은 성형되거나 변조 될 수있는 재료의 사용을 포함하기 때문에 플라스틱 예술의 하나로 간주됩니다. 공공 예술의 대부분은 조각품입니다. 정원에있는 많은 조각품들은 조각 정원으로 불릴 수 있습니다.

조각가는 항상 손으로 조각품을 만드는 것은 아닙니다. 20 세기의 기술 증가와 기술 숙달에 대한 개념 예술의 인기로 인해 더 많은 조각가들이 예술 작품을 제작하기 위해 미술 제작자에게 의지했습니다. 제작 과정에서 작가는 디자인을 만들고 제작자에게 지불합니다. 이를 통해 조각가는 시멘트, 금속 및 플라스틱과 같은 소재로보다 크고 복잡한 조각품을 손으로 만들 수 없습니다. 조각은 3 차원 인쇄 기술로도 만들 수 있습니다.

다른 예술보다 회화 특권과 작은 조각에 대한 특혜의 증가 경향은 동양 미술뿐만 아니라 서양 미술의 특징이었습니다. 두 지역에서 회화는 예술가의 상상력에 가장 많이 의존하고 육체 노동에서 가장 멀리 떨어진 것으로 간주되어왔다. 중국 회화에서 가장 가치있는 스타일은 적어도 이론적으로는 “학자 회화”의 스타일이었다. 신사 아마추어. 서양의 장르 계층은 비슷한 태도를 반영했다.