캐릭터 피스는 독창적 인 아이디어 나 프로그램을 기반으로 한 광범위한 19 세기 피아노 음악에 사용 된 독일어 Charakterstück의 용어로 매우 정확하게 정의되지는 않았습니다. 이 용어는 피아노 반주와 함께 다른 악기 (결코 소리가 나지 않는)의 음악에 덜 자주 적용되지만 큰 앙상블의 경우는 거의 없습니다.

캐릭터 피스는 로맨틱 음악의 필수 요소이며 특정 기분이나 순간을 불러내는 데있어 운동의 관심에 필수적입니다. 캐릭터 조각을 구별하는 것은 그들이 말하는 아이디어의 특수성입니다. 많은 문자 조각은 삼항 형식으로 구성되어 있지만 그 형식은 장르에서 보편적이지 않습니다. 일반적인 특징은 Stephen Heller의 Voyage autour de ma chambre ( “내 방의 항해”), 장르의 초기 예 또는 Bruckner의 Abendklänge ( “Evening harmonies”)와 같이 의도 된 캐릭터를 표현한 제목입니다. 다른 캐릭터에는 Beethoven ‘s Bagatelles, Debussy ‘s Préludes 또는 캐주얼 구성과 같은 개념의 간결함과 특이성을 나타내는 제목이 있습니다. 즉, Impromptu라는 제목이 일반적입니다. 많은 19 세기 녹턴과 intermezzi는 각각 Chopin과 Brahms의 캐릭터를 포함하여 인물입니다.

역사
예를 들어, 교향곡 서곡 “Leonora”를 그런 방식으로 부른 베토벤 (Beethoven)과 같은 연극의 제목에서 캐릭터의 첫 번째 언급은 이미 18 세기에 발견됩니다. 1830 년대까지이 용어는 거의 사용되지 않았지만 피아노 음악의 발전과 함께이 형식의 점점 더 많은 지지자를 찾습니다. XIX 세기 후반에는 많은 특징주의 희곡이 등장하고 용어의 의미를 확장하려는 경향이 있습니다. 분위기를 특징 짓는 음악 외에도 장소, 사건 및 등장 인물의 음악 설명과 관련되기 시작합니다.

유래
때때로, 바로크 시대의 음악적 알레고리는 이미 인물들 사이에서 계산됩니다. 애정 이론은 음악적 양식 장치와 분위기를 결합했습니다. 확실히, 이들은 여전히 ​​매우 일반적이며 상징적 인 대응이며, 18 세기 말 이후에 요구 된 개인적인 표현이 아니며 피아노 포르테의 소리로 가능 해졌다.

바로크와 낭만주의 사이의 연결은 18 세기의 음악적 감수성이었습니다 : François Couperin이나 Jean-François Dandrieu와 같은 프랑스 Clavecinists의 일부 작품은 그의 책 Von der musikalischen Poesie에서 음악 작품을 추천 한 Christian Gottfried Krause와 같은 북 독일 작곡가에게 영감을 불어 넣었습니다 (1753) 제목을 부여했다. 그 당시 중요한 것은 바로 영향의 바로크적인 일치 였고, 아리아에게는 사실이었고, 자연을 모방하는 원리였습니다. 그는 Charles Batteuxwas가 전파했듯이 말입니다. 음악은 아직 독립적 인 예술로 간주되지 않았습니다.

1800 년경의 이론적 관심과 교육 필요
비슷한 견해가 여전히 음악 이론가 인 프리드리히 빌헬름 마르크 (Friedrich Wilhelm Marpurg)와 작곡가 요한 프리드리히 리차드 (Johann Friedrich Reichardt)였다. Christian Gottfried Körner는 1785 년에 음악의 인물 표현에 대한 그의 글을 썼습니다.

이러한 음악 작품에 대한 필요성은 무엇보다 전문 음악가보다는 연인에게서 나타났습니다. 이른바 음악 수업 용 핸드 피스로, 19 세기의 후기 (피아노) 연구의 선구자입니다.

1784 년 Gottlieb Christian Füger는 12 개의 영향을 표현하기 위해 독특한 피아노 작품을 발표했습니다. Johann Abraham Peter Schulz ( “6 개의 다양한 피어스”, 1778/79)의 캐릭터 조각은 더 이상 주기적으로 연결되지 않습니다. 단일 운동의 해방은 작곡가가 인물을 쓰는 동기였다. 그러나 낭만주의의 시작은 새로운 조건을 창출했다. 이시기에 중요한 것은 피아노 소나타가 더 이상 피아노 음악의 대표 장르로 간주되지 않는다는 것입니다. 오히려 노래와 같은 서정적 인 디자인의 원칙은 음악 시대의 새로운 기초가되었습니다. 시적인 성향을 지닌 인물이 이제 결실을 맺게되었습니다.

19 세기의 음악시
가장 현대적인 성격의 작품 중 첫 번째 대표자 인 Johann Wenzel Tomaschek은 1807 년부터 1807 년까지 총 10 개의 앨범을 썼습니다. 1810/1811 년 이후 발간 된 eclogues에는 나중에 rhapsodies가 뒤를이었다. 바로크 식 감정 표현의 후반 변종으로서 Ignaz Moscheles가 피아노 포르테 (1836)의 특성 연구를 여전히 이해할 수있다. 그들은 “분노, 모순, 부드러움, 공포”와 같은 헤드 라인을 가지고 있습니다.

“핸드 피스”는 시간이지나면서 기술적으로 더 까다로워졌습니다. 펠릭스 멘델스존 바르 톨디 (Felix Mendelssohn Bartholdy)의 Lieder ohne Worte, 일곱 개 특집 작품 (Seven Characteristic Pieces)을 포함한 최신 아티스트 작품의 출발점이됩니다. 7 (1827). 이들은 선배 루드비히 버거 (Ludwig Berger)와 모스크바 (Moscheles)의 상징입니다. Mendelssohn과 달리 Franz Schubert는 주로 보컬 음악에서 자신의 음악 모델을 발견했습니다.

Robert Schumann의 시적 요소는 종종 헤드 라인 (숲 장면, 어린이 장면, Nachtstück, 환상곡, 앨범 페이지 …)에 의해 확인됩니다. 18 Davidsbündlertänze op. 6 (1837)은 1850/51의 두 번째 판에서만 문자 조각으로 언급됩니다.

대중화 및 명성 손실
대중 음악에 등장하는 인물의 대중화와 프로그램 교향곡, 교향곡시 및 로맨틱 발레에서의 음악의 출현으로 인해 더 큰 규모의 대규모 앙상블에 대한 모든 활동이 뮤지컬로 제공됨에 따라 인물의 중요성이 사라졌습니다. 파노라마와 디오라마와 같은 시간의 시각적 감각이나 인기있는 연극에서의 삶의 이미지와 더 자주 결합되었습니다. 그 대가로 절대 음악의 이상이 형성되었는데, 이것은 외적 의미의 “정화”되어야한다.

슈만의 후계자에는 스티븐 헬러 (Stephen Heller), 테오도르 키르 츠너 (Theodor Kirchner, 1872 년작 Neue Davidsbündlertänze op. 61, 1882) 및 아돌프 젠슨 (Adolf Jensen) 캐릭터 조각이 점점 더 일종의 템플릿이되었습니다. 나중에 에드워드 그 리그 (Edvard Grieg)와 같은 작곡가들은 자신 만의 스타일을 개발했다 (1897 년 트롤 호겐 [Bryllupsdag på Troldhaugen] 결혼 날).

20 세기의 변종
드뷔시 클로드의 인상주의는 모리스 라벨 (Maurice Ravel), 에릭 사티 (Eric Satie), 올리비에 메시야 (Olivier Messiaen)의 캐릭터 캐릭터 (어린이 코너, Estampes, 이미지)의 프랑스 전통으로 발전했습니다.

19 세기 말부터 살롱 음악 작품을 캐릭터 조각이라고도합니다. 20 세기의 라디오 음악은 관광 기념품 (Gerhard Winkler의 Blue Adriatic) 또는 기능 음악 작품 (Boris Mersson의 Merry Alarm Clock)으로 캐릭터 조각을 사용했습니다. 용어는 그로 인해 눈부신 성격을 띄며 종종 경멸 적으로 사용됩니다. 이 시대의 캐릭터에서 놀라운 음악적 효과가 전경에 있습니다. 예를 들면 상트 페테르부르크 썰매 (채찍 뱅 및 개 짖는 소리가있는 장면)와 검은 숲 (새소리가있는 녹음)의 리차드 아일 렌 버그 (Albert Ketèlbey)의 페르시아 시장 (서커스 음악은 동양의 축도)와 하인 젤맨의 가드 퍼레이드 (Kurt Noack)가있다.

프로그램 경계
캐릭터를 프로그램 음악과 구분하는 것이 항상 쉬운 것은 아닙니다. 음악 학자 휴고 리만 (Hugo Riemann)은 “단편 효과로 작곡가의 즐거움”(Handbuch der Musikgeschichte, 1913)을 성격의 특징으로 간주했다. 반대로, 프로그램 음악은 전체 음모를 묘사합니다. 캐릭터와 액션의 차이는 아리스토텔레스의시에서 가장 잘 활용 될 수 있습니다. 프로그램 음악은 일종의 드라마 또는 서사시를 묘사하는 반면, 캐릭터는 정적 인 상태로 유지되며 대개는 대조적으로 (중간 섹션에서와 같이) 보여줍니다.

도형
캐릭터 조각은 Albumblatt, Pièce détachée 또는 Moment musical과 같은 소나타 또는 슈트의 움직임과는 달리 혼자하는 경우가 많습니다. 여러 서정 시조 작품이 서로 주기적으로 결합하는 경우가 있습니다 (예 : Schumann의 Kinderszenen과 같은 주제). 춤, 노래 및 Rondoformen을 제공하는 템플릿으로서, 로맨스가 주로 노래 형식 이었기 때문에.

성격의 조각들은 낭만주의의 음악에서 필수적이며, 특정 모드 나 순간의 환기가 관심을 끄는 운동에 필수적입니다. 인물의 특징을 구별하는 것은 그들이 말하는 아이디어의 특수성입니다. 문자의 많은 부분은 삼항 형태로 구성되어 있지만 보편적 인 특성은 아닙니다. 일반적인 특징은 장르의 초기 예인 스티븐 헬러 (Stephen Heller)가 제작 한 Voyage autour de ma chambre ( “내 방의 여행”)과 같이 표현력이 풍부한 제목을 부여하려는 의도입니다. 다른 캐릭터에는 Beethoven이나 Preludesof Debussy와 같은 컨셉의 간결함과 특이성을 암시하는 제목이 있습니다. 즉, Impromptu라는 제목이 일반적입니다. 많은 녹턴과 intermezzi는 또한 성격의 조각이다, 그 (것)들의 사이에서 각각 쇼팽 그리고 Brahms, 각각.

하나의 음악으로 연주되기 위해 의도 된 많은 개별적인 캐릭터 조각 세트는 흔하지 않았습니다. Schumann의 많은 작품 (Kreisleriana와 Carnaval 포함)이 가장 잘 알려진 예입니다. 19 세기 후반과 20 세기에 피아노 음악이 야심 차고 규모가 커지면서 인물이 언급 할 수있는 범위가 커졌습니다. New Grove는 Smetana의 “집시 농민 축제”와 Sibelius의 “The Oarsman”을 추세를 예로 들었다.