때로는 비 객관적, 실험적, 개념적 또는 구체적인 사진이라고하는 추상 사진은 대상 세계와 즉각적으로 관련이없고 사진 장비, 프로세스 또는 재료를 사용하여 만들어진 시각적 이미지를 묘사하는 수단입니다. . 추상적 인 사진은 보는 사람에게서 내재 된 맥락을 제거하기 위해 자연 장면의 일부를 분리 할 수 ​​있으며, 실제 물체에서 겉보기에는 비현실적인 외관을 만들거나, 색상, 빛, 그림자, 느낌, 감각 또는 인상을 전달하기위한 질감, 모양 및 / 또는 형태. 이미지는 카메라, 암실 또는 컴퓨터와 같은 전통적인 사진 장비를 사용하여 만들거나 필름, 종이 또는 기타 사진 매체를 직접 조작하여 카메라를 사용하지 않고 만들 수 있습니다.

추상 사진 정의
“추상 사진”이라는 용어에 대해 일반적으로 사용되는 정의는 없습니다. 이 주제에 관한 책과 기사에는 Aaron Siskind의 필링 페인트 사진과 같은 추상적 인 주제의 이미지를 표현하는 것부터 Marco Breuer의 날인 된 인쇄물과 책과 같은 카메라 나 필름없이 만든 표현되지 않은 이미지까지 모든 것이 포함됩니다. 이 용어는 광범위한 시각적 표현을 포함하고 그 본질 상 명백하게 모호한 사진 유형의 분류에서 명시 적입니다.

많은 사진가, 비평가, 미술사 및 기타 사람들이 특정 의미를 공식화하지 않고 추상 사진에 대해 글을 쓰거나 이야기했습니다. 앨빈 랭던 코번 (Alvin Langdon Coburn)은 1916 년에 “Abstract Photography”라는 제목으로 전시회를 조직 할 것을 제안했는데,이 제목에는 “주제에 대한 관심이 특별한 것에 대한 감사보다 더 큰 작품은 인정되지 않을 것”이라고 명시되어 있습니다. ” 제안 된 전시회는 진행되지 않았지만, Coburn은 나중에 뚜렷하게 추상적 인 사진을 만들었습니다.

존 술러 (John Suler)의 사진가이자 심리학 교수 인 존 설러 (John Suler)는 자신의 에세이 사진 심리학 (Imagegraphic Psychology : Image and Psyche)에서 “현실적인 사진은 현실적이거나 문자적인 것에서 멀어지게합니다. 실제 세계에서는 자연스런 외관과 인식 할 수있는 주제에서 벗어납니다. 개념적인 의미와 본질적인 형태에 따라 그 목적이 콘크리트 전체와는 거리가 먼 것입니다 … 여기에 산 테스트가 있습니다 : 사진을보고 ‘무엇입니까?’라고 말하는 내면의 목소리 …… 음, 거기 간다. 그것은 추상적 인 사진이다.”

사진 작가 겸 교수 인 바바라 카 스텐 (Barbara Kasten)은 “추상적 인 사진은 현실의 객관적인 이미지로서 사진에 대한 우리의 대중적 관점에 도전한다. “매체와 학문의 혼합을위한 것입니다. 사진을 테스트하는 경기장입니다.”

독일 사진가이자 사진 이론가 인 고트 프리트 예거 (Gottfried Jäger)는 “콘크리트 아트”라는 용어를 사용하여 특정 종류의 추상 사진을 묘사하기 위해 “콘크리트 사진”이라는 용어를 사용했습니다. 그는 말했다 :

“콘크리트 사진은 실물 사진이나 다큐멘터리 사진과 같이 가시적 장면을 묘사하지 않습니다.
비가 시적 (스테이지, 묘사 사진과 같은)을 나타내지 않습니다.
이미지 분석, 개념, 실증 사진과 같은 견해에 의지하지 않습니다.
대신 가시성을 설정합니다. 눈에 보이는 유일한 것입니다.
이런 식으로 미디어의 특성을 버리고 객체 특성을 얻습니다. ”

보다 최근에 개념적 예술가 인 멜 보크 너 (Mel Bochner)는 백과 사전에서 브리타니 카 백과 사전에서 “사진은 추상적 인 아이디어를 기록 할 수 없다”고 인용했다. 메모 카드에 넣은 다음 6 가지 사진 프로세스를 사용하여 사진을 인쇄했습니다. 그는 단어, 개념 및 개념의 시각화를 예술 그 자체로 바꾸었고, 그렇게함으로써 용어 자체를 정의하지 않고 또 다른 유형의 추상 사진을 제시 한 작품을 만들었습니다.

역사

19 세기
추상 사진이라고 불리는 최초의 이미지 중 일부는 공예품이 발명 된 후 10 년 이내에 나타났습니다. 1842 년에 존 윌리엄 드레이퍼 (John William Draper)는 분광기로 이미지를 만들었습니다. 그가 만든 지문은 다른 사진 작가들이 기록한 가시 세계의 현실과 관련이 없었으며, 이전에는 볼 수 없었던 것을 실체로 변형시키는 사진의 전례없는 능력을 보여주었습니다. Draper는 그의 이미지를 예술이 아닌 과학 기록으로 보았지만 오늘날의 예술적 특성은 획기적인 지위와 고유 한 개성으로 인해 높이 평가됩니다.

영국의 안나 앳킨스 (Anna Atkins)라는 또 다른 초기 사진 작가는 말린 조류를 직접 시아 노 타이프 종이 위에 올려 놓아 자체 출판 한 사진 그램을 제작했습니다. 과학적 연구로 의도 된, 청색 이미지상의 백색 백색은 부정적인 영상화 및 식물에 대한 자연적 맥락의 부족으로 인해 미묘한 추상 품질을 갖는다.

1895 년 X- 선 발견과 1896 년 방사능은 이전에는 보이지 않았거나 보이지 않은 것들에 대해 대중의 관심을 끌었습니다. 이에 대한 응답으로 사진가들은 정상적인 인간의 시각으로는 볼 수 없었던 것을 어떻게 포착 할 수 있는지 탐구하기 시작했습니다.

같은시기에 스웨덴 작가이자 예술가 인 August Strindberg는 사진 판에 식염수를 가열하여 냉기에 노출시키는 실험을했습니다. 그가이 실험들로 제작 한 이미지들은 다른 방법으로는 볼 수 없었던 것들에 대한 무기한 렌더링이었으며 그들의 프리젠 테이션에서 완전히 추상적이었습니다.

1 세기 초 프랑스의 루이스 다겟 (Louis Darget)은 노출되지 않은 판을 시터의 이마에 눌려서 마음의 이미지를 판에 투사하도록함으로써 정신적 과정의 이미지를 포착하려고 시도했습니다. 그가 제작 한 사진은 흐릿하고 무기한이지만 Darget은 자신이 “생각한 것”이라고 부르는 것이 광선과 구별 할 수 없다고 확신했습니다.

20 세기
20 세기의 첫 10 년 동안 인상파와 인상파 이후 입체파와 미래파로 회화와 조각의 전환을 촉진시킨 예술적 탐구의 물결이있었습니다. 1903 년 파리에서 열린 파리에서 열린 일련의 연례 미술 전시회 인 Salon d’ Automne은 Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka 및 Albert Gleizes와 같은 예술가들의 급진적 인 비전을 대중에게 소개했습니다. 장 메 칭거 10 년 후 뉴욕의 Armory Show는 Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay 등이 완전히 추상적 인 작품을 보여줌으로써 스캔들을 만들었습니다.

추상 예술에 대한 대중의 관심과 때로는 반발은 그 시대의 더 창의적인 사진 작가들에 의해 정당하게 언급되었습니다. 1910 년 뉴욕에서 알프레드 스티글리츠 (Alfred Stieglitz)는 291 년 미술관에서 Marsden Hartley와 Arthur Dove와 같은 추상 화가들을 보여주었습니다. Stieglitz, Paul Strand 및 Edward Steichen과 같은 사진 작가는 모두 추상적 인 구성으로 촬영 된 주제를 실험했습니다.

1914 년 쾰른에서 어윈 퀘덴 펠트 (Erwin Quedenfeldt)가 보여준 추상 사진으로 인식 된 최초의 공개 이미지는 1914 년 쾰른에서 Erwin Quedenfeldt가 보여준 시리즈입니다. 1917 년 6 주 동안 한 번에 그는 프리즘이 장착 된 카메라로 약 24 장의 사진을 찍었습니다. 결과 이미지는 그가 본 현실과 이전의 인물 사진 및 도시와 의도적으로 관련이 없었습니다. 그는 “카메라가 왜 현대적인 표현의 족쇄를 버리지 말아야합니까…? 왜, 진지하게 묻습니다. 우리는 평범한 작은 노출을 계속해야합니까…?”

1920 년대와 1930 년대에는 추상적 이미지를 탐구 한 사진가의 수가 크게 증가했습니다. 유럽에서 프라하는 아방가르드 사진의 중심지가되었으며 프란 티섹 드르 티콜, 야로슬라프로 슬러, 요제프 수덱 및 자로 미르 펑크는 모두 입체파와 미래파의 영향을받는 사진을 만들었습니다. Rössler의 이미지는 특히 표현 추상화를 넘어 순수한 빛과 그림자 추상화로 넘어갔습니다.

독일과 후에 미국에서 바우 하우스 모더니즘 학교의 지도자 인 라 슬로 모 홀리 나기 (László Moholy-Nagy)는 사진의 추상적 인 특성을 실험했다. 그는 “가장 놀라운 가능성은 사진의 원료에서 발견되어야한다”고 사진가들은 “사진”이 아니라 전통의 미학이 아니라 이상적인 표현 수단, 자기- 교육을위한 충분한 수단입니다. ”

이 기간 동안 일부 사진가들은 초현실주의 나 미래파의 비전을 작품에 통합함으로써 기존 이미지의 경계를 넓혔습니다. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat 및 Filippo Masoero는 현실과 관점에 의문을 제기하는 놀라운 이미지를 만들어 낸 가장 유명한 예술가들입니다.

제 2 차 세계 대전 중과 그 후의 마이너 화이트, 아론 시스 킨트, 헨리 홈즈 스미스, 롯데 야 코비 등은 자연계에도 추상화 요소가 내장되어 있음을 보여주는 방식으로 발견 된 물체의 구성을 탐색했습니다.

프레 더릭 소 머는 1950 년에 의도적으로 재 배열 된 발견 된 물체를 촬영하여 새로운 해석을 시작하여 모호한 이미지를 널리 해석 할 수있었습니다. 그는 TS 엘리엇의 비평과 의미에 대한 에세이에 이어, 한 가지 특별한 수수께끼의 이미지 The Sacred Wood를 선정했습니다.

1960 년대는 Ray K. Metzker, Robert Heinecken 및 Walter Chappell과 같이 자신의 이미지를 조립 또는 재 조립하거나 이미지를 발견 한 사진가부터 시작하여 당시 사진 매체의 한계에 대한 무제한 탐색으로 표시되었습니다.

1970 년대 중반 Josef H. Neumann은 사진 처리 및 인화지에 페인팅 한 제품인 케모 그램을 개발했습니다. 컴퓨터의 보급과 이미지 처리 소프트웨어의 사용 전에 화학 분석을 생성하는 프로세스는 초기 형태의 아날로그 후반 제작으로 간주 될 수 있으며, 확대 이미지 처리 후에 원본 이미지가 변경됩니다. 디지털 후반 작업의 작품과 달리 각 케모 그램은 독특한 작품입니다.

1970 년대 후반부터 사진가들은 암실에서 개발해야했던 기존의 사진 매체에서 규모와 표면의 한계를 뛰어 넘었습니다. Moholy-Nagy의 작업에서 영감을 얻은 Susan Rankaitis는 처음으로 과학 교과서에서 찾은 이미지를 대규모 사진에 삽입하기 시작했으며, “고고 학적 발굴처럼 탐험해야 할 가장 궁지에 빠진 성가신”이라고 불 렸습니다. 나중에 그녀는 사진이 무엇인지에 대한 물리적 개념과 개념을 확장 한 거대한 대화 형 갤러리 구성을 제작했습니다. 그녀의 작품은 “현대 마음의 파편화를 모방 한”것으로 알려졌다.

1990 년대에는 새로운 사진 작가들이 컴퓨터를 사용하여 사진을 만드는 새로운 방법을 모색 할 가능성을 모색하고있었습니다. Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman 및 Carel Balth와 같은 사진 작가들은 사진, 조각, 판화 및 컴퓨터 생성 이미지를 결합한 작품을 제작했습니다.

21 세기
컴퓨터와 사진 소프트웨어가 널리 보급되면 추상 사진의 경계가 영화와 화학의 한계를 넘어 거의 무한한 차원으로 확장되었습니다. 순수 예술가와 순수 사진가 사이의 경계는 사진에서 독점적으로 일했지만 컴퓨터로 생성 된 이미지 만 제작 한 사람들에 의해 제거되었습니다. 21 세기 초 가장 잘 알려진 것 중에는 가스통 베르 틴, 페넬로페 움 브리 코, 아르 드 보데 베스, 엘렌 캐리, 니키 스테이 저, 쉬린 길, 볼프강 틸만, 하비 로이드, 아담 브룸 버그 & 올리버 카나 린이 있습니다.