Light and Space denota un movimento artistico liberamente affiliato relativo all’op art, al minimalismo e all’astrazione geometrica originati nella California meridionale negli anni ’60 e influenzati da John McLaughlin. È stato caratterizzato da un focus sui fenomeni percettivi, come la luce, il volume e la scala, e l’uso di materiali come vetro, neon, luci fluorescenti, resina e acrilico colato, spesso formando installazioni condizionate dai dintorni del lavoro. Sia dirigendo il flusso della luce naturale, incorporando la luce artificiale all’interno di oggetti o architettura, o giocando con la luce attraverso l’uso di materiali trasparenti, traslucidi o riflettenti, gli artisti di Luce e Spazio hanno fatto l’esperienza dello spettatore di luce e altri fenomeni sensoriali in condizioni specifiche il focus del loro lavoro. Stavano incorporando nel loro lavoro le ultime tecnologie delle industrie ingegneristiche e aerospaziali della California meridionale per sviluppare oggetti sensuali e pieni di luce. Turrell, che ha diffuso il movimento in tutto il mondo, ha riassunto la sua filosofia dicendo “Mangiamo la luce, beviamola attraverso le nostre pelli”.

artisti
La natura delle opere è stata riflessa nel titolo della mostra dell’UCLA che ha introdotto il movimento emergente nel 1971: “Trasparenza, riflessione, luce, spazio: quattro artisti”. Lo spettacolo ha presentato il lavoro di Peter Alexander, Larry Bell, Robert Irwin e Craig Kauffman. Altri artisti associati al movimento sono Ron Cooper, Mary Corse, Fred Eversley, John McCracken, Bruce Nauman, Maria Nordman, Eric Orr, Helen Pashgian, James Turrell, DeWain Valentine, Doug Wheeler ed Elyn Zimmerman. Un famoso gruppo di astratti artisti della teoria del colore è stato influenzato dal Movimento della Luce e dello Spazio, in particolare: Frederick Spratt, Phil Sims, Anne Appleby e David Simpson. L’eredità del movimento Light and Space può essere vista nel lavoro di importanti artisti contemporanei, come Casper Brindle, Olafur Eliasson, Ann Veronica Janssens, Jennifer Steinkamp, ​​Kaloust Guedel, Phillip K. Smith III e Gisela Colon.

Temi
Irwin e Turrell, ad esempio, hanno studiato il fenomeno della deprivazione sensoriale (che ha influenzato lo sviluppo delle loro simili opere di luce) come parte del programma di arte e tecnologia avviato dal Museo d’Arte della contea di Los Angeles nel 1967. Wheeler’s RM 669 (1969) comprende pareti bianche curve racchiuse da un pavimento e un soffitto che sembrano recedere ad ogni passo che si fa verso il quadrato di luce posizionato sulla parete di fondo, rendendo gli spettatori incapaci di fissare gli occhi su qualsiasi superficie. Per la sua serie di lavori sul tema dell’alchimia, Eric Orr ha usato la luce naturale oltre che sangue e fuoco nei suoi ambienti che producono risposte retiniche estreme. Le grandi tele di vetro bianche su fondo di Mary Corse hanno microsfere di vetro incastonate nella vernice acrilica per creare una superficie che si sposta drammaticamente con la luce. Helen Pashgian creò sfere acriliche, globi con una luce irreale, apparentemente illuminati dall’interno. Più recentemente, Gisela Colon, che è stata riconosciuta in ArtForum come artista della luce e dello spazio di nuova generazione, ha creato “orbite acriliche montate a forma irregolare … oggetti scarabei raggiungono la loro iridescenza attraverso il gioco della luce naturale, eppure le sculture sembra cambiare colore quando ci si muove intorno, come se fossero illuminati da lampadine a più colori “.

McCracken afferma quanto segue. “Sono sempre stato interessato principalmente alla forma da solo, ma poi per creare una forma, devi farlo fuori da qualcosa, quindi il colore sembrava un materiale naturale da usare, perché il colore è astratto, se crei una forma che sembra composta di colore, quindi hai qualcosa, un oggetto, che è piuttosto astratto, solo la forma da sola sarebbe più astratta, ovviamente, perché è solo un’idea mentale, ma non hai nulla per le tue percezioni con cui cimentarti, a meno che tu non faccia Tuttavia, se lo fai fuori dal metallo, dalla pietra, dal legno o da qualsiasi altra cosa, allora hai qualcosa che a mio parere potrebbe enfatizzare eccessivamente l’aspetto fisico e quindi essere difficile da percepire come puramente mentale. il pensiero dietro questo è che tutte le cose sono essenzialmente mentali – quella materia, mentre è piuttosto reale da un lato, è d’altra parte composta di energia, e, a sua volta, di puro pensiero. ”

Esposizioni
L’arte leggera e spaziale californiana è stata esposta nell’influente mostra sull’arte ambientale di Germano Celant alla Biennale di Venezia del 1976, “Ambiente / arte dal futurismo alla body art”. Il movimento è stato raramente mostrato insieme, poiché Wheeler ha rifiutato di essere incluso nelle principali mostre del museo, a causa dei suoi dubbi sul fatto che i lavori sarebbero stati mostrati nel modo in cui erano previsti, e Nordman si rifiuta di partecipare a spettacoli collettivi su Luce e Spazio. Nel 2010, la David Zwirner Gallery di New York ha presentato una mostra storica intitolata “Primary Atmospheres”, un termine coniato dal critico d’arte Dave Hickey per descrivere i contributi degli artisti della California meridionale al movimento Light & Space. Nell’ambito di una serie di mostre finanziate dalla J. Paul Getty Foundation durante l’iniziativa Pacific Standard Time del 2011, il Museo di Arte Contemporanea di San Diego ha tenuto la più significativa rassegna d’arte percettiva intitolata “Fenomenale: California Light, Space, Surface, “organizzato dal curatore del museo, Robin Clark.