Gerarchia di generi

Una gerarchia di generi è qualsiasi formalizzazione che classifica diversi generi in una forma d’arte in termini di prestigio e valore culturale. Le gerarchie più conosciute sono supportate dalle accademie europee tra il diciassettesimo secolo e l’età moderna, e di esse la gerarchia che per i generi pittorici ha tenuto l’Accademia francese che ha avuto un ruolo centrale nell’arte accademica.

Il dibattito sull’estetica della pittura, che ha continuato ad acquisire adesione fin dal Rinascimento, era basato sull’importanza dell’allegoria: elementi pittorici come la linea e il colore erano usati per trasmettere un’idea finale o un tema unificante. Per questo motivo l’idealismo fu adottato nell’arte, in modo che le forme naturali fossero generalizzate e, a loro volta, subordinate all’unità dell’opera d’arte. L’obiettivo era di trasmettere una verità universale attraverso l’imitazione della natura.

André Félibien, teorico del classicismo francese in un prologo alle Conferenze dell’Accademia, codifica la pittura classica con temi pittorici: “storia, ritratto, paesaggio, paesaggi marini, fiori e frutti”. La pittura di storia era considerata in genere di grandi dimensioni e comprendeva dipinti con temi religiosi, mitologici, storici, letterari o allegorici. Incarnavano qualche interpretazione della vita o portavano un messaggio intellettuale o morale. Gli dei e le dee delle antiche mitologie rappresentavano aspetti diversi della psiche umana, le figure religiose rappresentavano idee diverse e la storia, come altre fonti, rappresentava una dialettica o un gioco di idee. Per lungo tempo, specialmente durante la Rivoluzione Francese, la pittura di storia si è spesso focalizzata sulla rappresentazione di un eroe nudo maschile; anche se questo è diminuito nel 19 ° secolo.

Sulla base di tale gerarchia, i seguenti generi sono classificati dal più al meno nobile:
La pittura di storia, compresi soggetti storicamente importanti, religiosi, mitologici o allegorici
Scena di genere (scènes de genre o petit genere): rappresentazione di scene della vita di tutti i giorni.
Ritratto dipinto
Pittura animale
Natura morta

Secondo l’Accademia, i ritratti, i paesaggi e le nature morte erano inferiori perché rappresentavano semplici rappresentazioni di oggetti esterni, senza forza morale o immaginazione artistica. La pittura di genere – né ideale nello stile, né elevata nel soggetto – era ammirata per la sua abilità, ingegno e persino il suo umorismo, ma non fu mai confusa con la grande arte. Anche la gerarchia dei generi aveva una corrispondenza con la gerarchia dei formati: grande formato per la pittura storica, piccolo per nature morte.

Secondo l’Accademia, il pittore dovrebbe imitare Dio, la cui opera più perfetta è l’uomo, e mostra gruppi di figure umane e sceglie temi di storia e favola. “Deve”, scrive Félibien, “come gli storici, rappresentare grandi eventi, o come i poeti, i soggetti che piaceranno, e salire ancora più in alto, essere in grado di nascondere sotto il velo della favola le virtù dei grandi uomini ei misteri più sublimi .

Il termine è per lo più utilizzato nel campo della pittura, e dal Rinascimento in poi, quando la pittura si era affermata come la più alta forma d’arte. Ciò non era avvenuto nell’arte medievale e i settori della società artistici hanno impiegato un periodo considerevole per accettare pienamente questo punto di vista. Le vignette di Raffaello sono un chiaro esempio del continuo status di arazzo, la forma d’arte più costosa del XVI secolo. Nel periodo altomedievale le produzioni in metallo erano in genere le più apprezzate e i materiali preziosi rimasero un ingrediente importante nell’apprezzamento dell’arte fino almeno al XVII secolo. Fino al diciannovesimo secolo gli oggetti d’arte più stravaganti rimanevano più costosi, sia nuovi che sul mercato dell’arte, rispetto a tutti tranne alcuni dipinti. Gli scritti classici che valorizzavano le abilità supreme dei singoli artisti erano influenti, così come gli sviluppi nell’arte che permisero all’artista del Rinascimento di dimostrare la loro abilità e invenzione in misura maggiore di quanto fosse solitamente possibile nel Medioevo.

In letteratura, l’epopea era considerata la forma più alta, per la ragione espressa da Samuel Johnson nella sua Vita di John Milton: “Per il consenso generale dei critici, il primo elogio del genio è dovuto allo scrittore di un poema epico, poiché richiede un assemblaggio di tutti i poteri che sono singolarmente sufficienti per altre composizioni. ” Sotto c’era la poesia lirica e la poesia comica, con una classifica simile per il dramma. Il romanzo impiegò molto tempo per stabilire un posto fisso nella gerarchia, facendolo solo come credenza in una qualsiasi gerarchia sistematica di forme scaduta nell’Ottocento.

Nella musica, le impostazioni delle parole erano considerate uno status più elevato delle opere puramente strumentali, almeno fino al periodo barocco, e l’opera conservava uno status superiore per molto più tempo. Lo stato delle opere varia anche con il numero di giocatori e cantanti coinvolti, con quelli per le grandi forze, che sono certamente più difficili da scrivere e più costosi da esibire, dato lo status più elevato. Comunque, qualsiasi elemento della commedia ha ridotto lo status di un’opera, come in altre forme d’arte, spesso aumentando la sua popolarità.

Interpretazione:
Secondo il concetto accademico, i dipinti di “genere” erano al livello più basso, perché erano semplicemente narrativi, imprimendo l’arte, senza alcun tentativo di moralità ed edificazione. Questo genere di pittura, seppure perfetto nello stile e nel design, vantava solo abilità, ingegno e persino umorismo, ma non era mai considerato un’arte alta.

La vita moderna – eventi, modi, vestiti, apparenze moderni – erano considerati incompatibili con lo stile elevato, e solo un passato idealizzato poteva servire da argomento adatto, nobile e pertinente. (Di conseguenza, anche il corpo ordinario non serviva come oggetto di rappresentazione: solo i corpi belli e ideali erano dipinti in un modo antico).

I teorici dell’arte accademica ritenevano che questa gerarchia fosse giustificata, poiché rifletteva la possibilità intrinseca dell’impatto morale per ciascuno dei generi. Così, per esempio, un artista realizzerà una moralità molto più efficace attraverso una tela storica, quindi un ritratto o un dipinto di genere, piuttosto che attraverso un paesaggio o una natura morta. Inoltre, i maestri dell’antichità e del Rinascimento credevano che la più alta forma d’arte fosse l’immagine di una figura umana. Quindi, un paesaggio o una natura morta, in cui una persona non è stata raffigurata, è in effetti una forma più “bassa” del genere. Infine, il sistema della gerarchia accademica riflette il valore potenziale di ciascuna delle tele: una grande pittura storica è il genere più adatto e conveniente per un ordine statale, quindi un ritratto, un genere familiare e un paesaggio – e le nature morte sono solitamente superficiale e vengono eseguiti per interni personali.

Motivi:
Andrej Aleksandrovich Karev scrive: “La consapevolezza della varietà di genere della pittura come proprietà della cultura del Nuovo Tempo nelle condizioni dell’Illuminismo era, in una certa misura, analoga alla gravitazione alla conoscenza enciclopedica, e quindi alla stessa cognizione multidimensionale del mondo.La crescita della specializzazione senza la perdita di universalismo in generale è una caratteristica preziosa di questo tempo, che ha reso possibile vedere simultaneamente il piccolo e il grande, il particolare e l’universale, e infine l’umano e il divino. Un punto di vista unico su questo o quell’oggetto non contraddiceva affatto l’immagine generale dell’universo, anche se non si riferiva direttamente ad esso, come era in epoca barocca. L’interesse per la molteplicità della molteplicità dell’essere è sostituito dall’attenzione per le sue sfaccettature separate, che hanno una bellezza indipendente e, di conseguenza, un valore. [Russian] Academy of Arts non ha potuto fare a meno di reagire a questo processo e, senza aspettare l’emergere di richieste appropriate nell’ambiente dei clienti, aperte una per una classe, in cui hanno insegnato le caratteristiche del lavoro in un particolare genere ”

impatto:
Questo sistema gerarchico, basato sulle tradizioni dell’arte greca e romana, riassunte durante il Rinascimento italiano, è stato utilizzato dalle accademie come base per l’assegnazione di premi e borse di studio, così come un sistema di frequentazione di mostre pubbliche (Saloni). Inoltre ha avuto un impatto significativo sul valore stimato delle opere d’arte.

L’accademia francese aveva gare Grand e Petits Prix rispettivamente in due direzioni. Pertanto, i premi più alti sono stati assegnati a priori a opere del genere storico – una pratica che ha causato un sacco di malcontento tra gli studenti. Questa inflessibile gerarchia provocò molto malcontento tra artisti famosi, che alla fine portarono a minare l’autorità delle accademie. Inoltre, per motivi di prestigio, alcuni pittori fecero tentativi di scrivere dipinti storici grandiosi, che risultarono non del tutto. Se l’artista avesse un ritrattista piuttosto che un pittore storico, il fallimento avrebbe potuto causargli un trauma.

Ritratto:
Curiosamente, il posto oppresso del ritratto in questa gerarchia. Nella recensione del Salon del 1791 era possibile leggere: “Il pittore storico, che deve imitare la natura in tutti i suoi aspetti, deve essere in grado di scrivere ritratti, tuttavia un ritratto non può essere considerato un genere indipendente”.

Kathrmer de Kensi, uno dei più autorevoli teorici del classicismo, considera il genere dei ritratti così basso da non prestargli nemmeno un’attenzione particolare: “Non c’è niente di più limitato del piacere che si prova dal contemplare un ritratto. a parte l’interesse che dà al ritratto l’affetto personale e pubblico e il talento dell’artista, allora è ovvio che la mente e l’immaginazione non sono quasi coinvolte in questo tipo di imitazione. “Il piacere ottenuto dal ritratto non può essere paragonato al piacere estetico , il cui raggiungimento è l’obiettivo delle belle arti. Il ritratto mostra ciò che esiste realmente, mentre “la grande arte, con l’aiuto di ciò che è, deve ritrarre ciò che non esiste realmente, dovrebbe mostrare l’ideale”.

I critici, tuttavia, ammisero l’inevitabilità dell’esistenza di un ritratto storico, che, nella loro profonda convinzione, può essere creato solo da un pittore storico. “Sono loro, i pittori storici, che possono scrivere un vero ritratto”. A proposito di ritratti storici sono spesso scritti nelle recensioni di mostre, a volte sono considerati immediatamente dopo il quadro storico. I ritratti di individui (che ogni anno diventano sempre di più) preferiscono non menzionarli o semplicemente elencarli con il loro nome, senza commentare affatto. Capire il ritratto come una sorta di supplemento al quadro storico era molto comune. Questo è stato scritto non solo dai ben noti aderenti al classicismo di Kathrmer de Kensi, Delescluze, ma anche dai critici della prossima generazione, le cui vedute estetiche erano più flessibili

Arte rinascimentale:
La gerarchia nacque dalla lotta per ottenere l’accettazione della pittura come una delle arti liberali, e poi le polemiche per stabilire uno status uguale o superiore all’interno di esse con l’architettura e la scultura. Questi argomenti erano considerati di grande importanza da teorici d’artista come Leon Battista Alberti, Leonardo da Vinci e Giorgio Vasari. Contro gli scultori, Leonardo sostenne che lo sforzo intellettuale necessario per creare un’illusione della tridimensionalità rendeva l’arte dei pittori superiore a quella dello scultore, che poteva farlo semplicemente registrando le apparenze. Nel suo De Pictura (“Sulla pittura”) del 1441, Alberti sosteneva che la pittura di storia a più figure era la più nobile forma d’arte, essendo la più difficile, che richiedeva la padronanza di tutti gli altri, perché era una forma visiva della storia e perché aveva il maggior potenziale per spostare l’osservatore. Ha posto l’accento sulla capacità di rappresentare le interazioni tra le figure tramite il gesto e l’espressione.

I teorici del primo e dell’alto Rinascimento accettarono l’importanza di rappresentare la natura da vicino, almeno fino agli ultimi scritti di Michelangelo, che fu fortemente influenzato dal neoplatonismo. All’epoca dei teorici manieristi come Gian Paolo Lomazzo e Federico Zuccari (entrambi pittori) ciò era molto meno importante. Entrambi enfatizzavano la bellezza come “qualcosa che era direttamente infuso nella mente dell’uomo dalla mente di Dio, ed esisteva lì indipendentemente da qualsiasi impressione sensoriale”, una visione destinata a ridurre ulteriormente lo stato delle opere a seconda del realismo. In pratica la gerarchia rappresentava una piccola rottura con il pensiero medievale e classico, se non per collocare la pittura storica secolare nella stessa classe dell’arte religiosa, e per distinguere (non sempre chiaramente) tra soggetti iconici religiosi e scene di figure narrative, dando a questi un stato più alto. Anche le idee di decoro si nutrivano nella gerarchia; argomenti o trattamenti comici, sordidi o semplicemente frivoli si collocavano al di sotto di quelli elevati e morali.

Durante il paesaggio rinascimentale, le scene di genere e le nature morte difficilmente esistevano come generi affermati, quindi la discussione sullo stato o sull’importanza dei diversi tipi di pittura riguardava principalmente i soggetti storici rispetto ai ritratti, inizialmente piccoli e senza pretese, e iconici ritratti di tipo religioso e soggetti mitologici. Per la maggior parte degli artisti era necessario un certo impegno per il realismo in un ritratto; pochi potevano prendere l’approccio altalenante di Michelangelo, che in gran parte ignorava l’aspetto reale dei Medici nelle sue sculture della Cappella Medicea, presumibilmente dicendo che in mille anni nessuno avrebbe conosciuto la differenza (si dice che abbia usato anche una replica di Gainsborough, con un intervallo di tempo più breve).

Molti ritratti erano estremamente lusinghieri, il che poteva essere giustificato da un appello all’idealismo e alla vanità del bambino; il teorico Armenini affermò nel 1587 che “i ritratti di artisti eccellenti sono considerati dipinti con uno stile migliore e una perfezione maggiore di altri, ma il più delle volte sono meno buone somiglianze”. D’altra parte, i numeri di cortigiani e i loro genitori, corteggiatori o cortigiani si sono lamentati del fatto che i pittori non sono riusciti a rendere giustizia alla realtà del soggetto.

La questione del decoro nell’arte religiosa divenne oggetto di intensi sforzi da parte della Chiesa cattolica dopo i decreti sull’arte del Concilio di Trento del 1563. I dipinti raffiguranti eventi biblici come se si verificassero nelle case dei ricchi italiani contemporanei furono attaccati, e presto cessato. Fino alla sfida di Caravaggio alla fine del secolo, l’arte religiosa divenne perfettamente ideale.

Arte del XVII e XVIII secolo:
I nuovi generi di paesaggio, pittura di genere, pittura animale e natura morta sono nati nel XVII secolo, con la cessazione virtuale della pittura religiosa nei paesi protestanti e l’espansione dell’acquisto di immagini nella prospera classe media. Anche se simili sviluppi si sono verificati in tutti i paesi europei avanzati, sono stati più evidenti nelle scuole enormemente produttive della pittura olandese dell’età dell’oro e della pittura barocca fiamminga. Tuttavia nessun teorico è emerso per sostenere i nuovi generi, e la quantità relativamente piccola di scritti teorici olandesi, di Karel van Mander, Samuel Dirksz van Hoogstraten, Gerard de Lairesse e altri, era per lo più contenuta nel ripensare le opinioni italiane, così che i loro scritti possano sembrare stranamente in disaccordo con l’arte olandese effettivamente prodotta nei loro giorni.

La gerarchia era per lo più accettata dagli artisti, e persino specialisti del genere come Jan Steen, Karel Dujardin e Vermeer hanno prodotto alcuni dipinti storici, che erano meglio pagati quando si potevano ottenere commissioni, ma in generale molto più difficili da vendere. L’infelice storia dell’ultima commissione storica di Rembrandt, The Conspiracy of Claudius Civilis (1661) illustra sia il suo impegno per la forma che le difficoltà che ha avuto nel trovare un pubblico. Nelle Fiandre, oltre a grandi quantità di opere di puro genere, c’era una tendenza verso i dipinti storici con un elemento di genere importante, che si tratti di animali, paesaggio o natura morta. Spesso i diversi elementi sono stati dipinti da diversi artisti; Rubens e Frans Snyders hanno spesso cooperato in questo modo.

La dimensione dei dipinti, e molto spesso i prezzi che realizzarono, tendevano sempre più a riflettere la loro posizione nella gerarchia in questo periodo. Fino al periodo romantico il prezzo e la vendibilità di quelli che erano essenzialmente paesaggi potevano essere aumentati aggiungendo piccole figure mitologiche o religiose, creando un paesaggio con …, una pratica che risaliva agli inizi della pittura di paesaggio nel mondo fiammingo paesaggi di Joachim Patinir nei primi anni del XVI secolo. La pittura barocca fiamminga era l’ultima scuola a dipingere spesso i generi più bassi di grandi dimensioni, ma di solito si combinava con soggetti figure.

Il pittore britannico Sir Joshua Reynolds nei suoi Discorsi degli anni 1770 e 1780, ha ribadito l’argomento della natura morta alla posizione più bassa nella gerarchia dei generi, in quanto interferiva con l’accesso del pittore alle forme centrali, quei prodotti della generalizzazione della mente poteri. Al vertice regnava la pittura storica, centrata sul corpo umano: la familiarità con le forme del corpo consentiva alla mente del pittore, confrontando innumerevoli istanze della forma umana, di astrarre da essa quelle caratteristiche tipiche o centrali che rappresentavano l’essenza del corpo o ideale.

Sebbene Reynolds fosse d’accordo con Félibien sull’ordine naturale dei generi, sostenne che un lavoro importante di qualsiasi genere di pittura poteva essere prodotto sotto la mano del genio: “Sia che si tratti della figura umana, di un animale o persino di oggetti inanimati, lì non è nulla, per quanto non promettente in apparenza, ma può essere elevato in dignità, trasmettere sentimenti e produrre emozioni, nelle mani di un pittore di genio.Quello che è stato detto di Virgilio, che ha gettato anche lo sterco sul terreno con un’aria di dignità, può essere applicata a Tiziano: qualunque cosa abbia toccato, per quanto naturalmente intenda, e abitualmente familiare, con una specie di magia ha investito con grandezza e importanza “.

Sebbene le accademie europee insistessero di solito su questa gerarchia, molti artisti furono in grado di inventare nuovi generi che sollevarono i soggetti inferiori all’importanza della pittura storica. Lo stesso Reynolds realizzò questo inventando lo stile di ritrattistica che si chiamava Grand Manner, dove adulava i suoi sitter paragonandoli a personaggi mitologici. Jean-Antoine Watteau ha inventato un genere che si chiamava Fêtes Galantes, dove avrebbe mostrato scene di divertimenti cortesi che si svolgono in ambiente arcadico; questi spesso avevano una qualità poetica e allegorica che si pensava li nobilitasse.

Claude Lorrain praticò un genere chiamato paesaggio ideale, dove una composizione sarebbe liberamente ispirata alla natura e punteggiata di rovine classiche come cornice di un tema biblico o storico. Combinava abilmente pittura di paesaggio e storia, legittimando in tal modo il primo. È sinonimo del termine paesaggio storico che ha ottenuto il riconoscimento ufficiale nell’Académie française quando nel 1817 è stato istituito un Prix de Rome per il genere. Infine, Jean-Baptiste-Siméon Chardin è stato in grado di creare nature morte che erano considerate fascino e bellezza da affiancare ai migliori soggetti allegorici. Tuttavia, consapevole di questa gerarchia, Chardin ha iniziato a includere figure nel suo lavoro intorno al 1730, principalmente donne e bambini.

19esimo secolo:
Il romanticismo aumentò notevolmente lo status della pittura di paesaggio, iniziando dall’arte britannica e più gradualmente dalla pittura di genere, che iniziò ad influenzare la pittura di storia nei trattamenti aneddotici del Troubadour stile in Francia e le tendenze equivalenti altrove. I paesaggi sono cresciuti di dimensioni per riflettere la loro nuova importanza, spesso abbinando dipinti storici, specialmente nella scuola americana Hudson River e nella pittura russa. Anche le tele di animali aumentarono di dimensioni e dignità, ma il ritratto a figura intera, anche di regalità, divenne per lo più riservato a grandi edifici pubblici.

Fino alla metà del diciannovesimo secolo, le donne non erano in grado di dipingere quadri storici in quanto non erano autorizzati a partecipare al processo finale di formazione artistica, quello del disegno di vita, per proteggere la loro modestia. Potevano lavorare con rilievi, stampe, calchi e dagli Old Masters, ma non con la modella nuda. Invece sono stati incoraggiati a partecipare alle forme pittoriche inferiori come ritrattistica, paesaggio e genere. Questi sono stati considerati più femminili in quanto hanno attratto l’occhio piuttosto che la mente.

Verso la fine del 19 ° secolo, pittori e critici iniziarono a ribellarsi alle molte regole dell’Académie française, incluso lo status attribuito alla pittura storica, che cominciava ad essere acquistato principalmente da enti pubblici di un tipo o di un altro, come compratori privati argomenti preferiti da più in basso nella gerarchia. In Gran Bretagna il movimento preraffaellita cercò di rivitalizzare la pittura storica, con un successo misto; altri movimenti hanno fatto sforzi simili. Molti preraffaelliti hanno concluso la loro carriera principalmente dipingendo altre materie. I nuovi movimenti artistici includevano i realisti e gli impressionisti, che cercavano ciascuno di rappresentare il momento presente e la vita quotidiana osservati dall’occhio e non attaccati dal significato storico; i realisti spesso sceglievano la pittura di genere e la natura morta, mentre gli impressionisti si concentravano più spesso sui paesaggi.

Al momento i discendenti valorizzano le tele di basso genere, in particolare i ritratti e le scene della vita, mentre la pittura storica accademica nella maggior parte dei casi sembra noiosa e poco invitante. Le nuove tendenze artistiche emerse – il realismo e il successivo impressionismo erano interessati a rappresentare la vita quotidiana e il momento attuale.