Uma hierarquia de gêneros é qualquer formalização que classifique diferentes gêneros em uma forma de arte em termos de seu prestígio e valor cultural. As hierarquias mais conhecidas são apoiadas pelas academias européias entre o século XVII e a era moderna, e a hierarquia que, para os gêneros pictóricos, realizou a Academia francesa que desempenhou um papel central na arte acadêmica.
O debate sobre a estética da pintura, que continuou a ganhar a adesão desde o Renascimento, baseou-se na importância da alegoria: elementos pictóricos como a linha e a cor foram usados para transmitir uma idéia final ou um tema unificador. Por esta razão, o idealismo foi adotado na arte, de modo que as formas naturais seriam generalizadas e, por sua vez, subordinadas à unidade da obra de arte. O objetivo era transmitir uma verdade universal através da imitação da natureza.
André Félibien, teórico do classicismo francês em um prólogo às Conferências da Academia, codifica a pintura clássica por temas pictóricos: “história, retrato, paisagem, paisagens marinhas, flores e frutos”. A pintura da história foi considerada em grande gênero e incluiu pinturas com temas religiosos, mitológicos, históricos, literários ou alegóricos. Eles incorporaram alguma interpretação da vida ou levaram uma mensagem intelectual ou moral. Os deuses e deusas das mitologias antigas representavam diferentes aspectos da psique humana, figuras religiosas representavam idéias diferentes e a história, como outras fontes, representava uma dialética ou um jogo de ideias. Durante muito tempo, especialmente durante a Revolução Francesa, a pintura da história se concentrava frequentemente na representação de um nado heróico masculino; embora isso tenha diminuído no século XIX.
Com base nessa hierarquia, os seguintes gêneros são classificados de mais para menos nobres:
Pintura de história, incluindo assuntos historicamente importantes, religiosos, mitológicos ou alegóricos.
Cenário de gênero: representação de cenas da vida cotidiana.
Pintura de retrato
Pintura de animais
Vida imóvel
De acordo com a Academia, os retratos, paisagens e naturezas morais eram inferiores porque eram simples representações de objetos externos, sem força moral ou imaginação artística. A pintura do gênero – nem ideal em estilo, nem elevada no assunto – foi admirada por sua habilidade, engenhão e até mesmo seu humor, mas nunca foi confundida com uma ótima arte. A hierarquia de gêneros também teve uma correspondência com a hierarquia de formatos: grande formato para a pintura da história, pequeno para pessoas morta.
De acordo com a Academia, o pintor deve imitar Deus, cujo trabalho mais perfeito é o homem, e mostra grupos de figuras humanas e escolheu temas de história e fábula. “Deve,” escreve Félibien, “como historiadores, representar grandes eventos, ou como poetas, assuntos que agradarão, e escalar ainda mais alto, poder esconder sob o véu da fábula as virtudes dos grandes homens e os mistérios mais exaltados .
O termo é usado principalmente no campo da pintura, e do alto Renascimento em diante, pelo qual a pintura se afirmou como a mais alta forma de arte. Isso não tinha sido o caso da arte medieval e os setores de comissionamento de arte da sociedade levaram um período considerável para aceitar plenamente essa visão. Os Desenhos animados Raphael são um exemplo claro do status contínuo da tapeçaria, a forma de arte mais cara do século XVI. No período mediano primitivo, os pedaços de trabalho de metal geralmente eram os mais conceituados, e os materiais valiosos permaneceram um ingrediente importante na apreciação da arte até ao menos no século XVII. Até o século XIX, os objéts d’art mais extravagantes ficaram mais caros, novos e no mercado da arte, do que todas as pinturas, exceto algumas. Os escritos clássicos que valorizaram as habilidades supremas dos artistas individuais foram influentes, bem como desenvolvimentos na arte que permitiram ao artista renascentista demonstrar sua habilidade e invenção em maior grau do que costumava ser possível na Idade Média.
Na literatura, o épico foi considerado a forma mais alta, pela razão expressada por Samuel Johnson em sua vida de John Milton: “Com o consentimento geral dos críticos, o primeiro louvor do gênio é devido ao escritor de um poema epílogo, como ele requer uma assembléia de todos os poderes que são suficientes para outras composições “. Abaixo disso veio poesia lírica e poesia cômica, com um ranking semelhante para o drama. A novela demorou muito para estabelecer um lugar firme na hierarquia, fazendo isso apenas quando a crença em qualquer hierarquia sistemática de formas expirou no século XIX.
Na música, as configurações de palavras receberam um status mais elevado do que apenas obras instrumentais, pelo menos até o período barroco, e a ópera manteve um status superior por muito mais tempo. O status das obras também varia com o número de jogadores e cantores envolvidos, com aqueles para grandes forças, que certamente são mais difíceis de escrever e mais caras de realizar, dado status mais alto. Qualquer elemento de comédia reduziu o status de uma obra, no entanto, como em outras formas de arte, muitas vezes aumentando sua popularidade.
Interpretação:
De acordo com o conceito acadêmico, as pinturas de “gênero” ficaram no nível mais baixo, porque eram meramente narrativas, imprimindo arte, sem qualquer tentativa de moral e edificação. Esta pintura de gênero, embora perfeita em estilo e design, se vangloriou apenas por habilidade, engenhosidade e até humor, mas nunca foi considerada de alta arte.
A vida moderna – eventos modernos, maneiras, roupas, aparência – era considerada incompatível com o estilo alto, e apenas um passado idealizado poderia servir como um tema adequado, nobre e relevante. (Assim, o corpo comum, também, não serviu como objeto de representação – apenas belos, os corpos ideais foram pintados de uma maneira antiga).
Os teóricos da arte acadêmica acreditavam que esta hierarquia era justificada, pois refletia a possibilidade inerente de impacto moral para cada um dos gêneros. Assim, por exemplo, um artista entregará uma moralidade muito mais efetiva através de uma tela histórica, então um retrato ou pintura de gênero, do que através de uma paisagem ou ainda-vida. Além disso, os mestres da antiguidade e do Renascimento acreditavam que a forma mais alta de arte é a imagem de uma figura humana. Assim, uma paisagem ou ainda, onde uma pessoa não foi retratada, é de fato uma forma mais “baixa” do gênero. Finalmente, o sistema da hierarquia acadêmica reflete o valor potencial de cada uma das telas: uma grande pintura histórica é o gênero mais adequado e conveniente para uma ordem estatal, então um retrato, um gênero doméstico e uma paisagem – e as vidas mortas costumam ser rasas e são realizadas para interiores pessoais.
Razões:
Andrei Aleksandrovich Karev escreve: “A consciência da variedade gênica da pintura como propriedade da cultura do Novo Tempo nas condições do Iluminismo foi, até certo ponto, análoga à gravitação ao conhecimento enciclopédico e, portanto, à mesma cognição multidimensional do mundo. O crescimento da especialização sem a perda do universalismo em geral é uma característica preciosa desta época, o que permitiu ver simultaneamente o pequeno e o grande, o particular, o universal e, finalmente, o humano e o divino. O ponto de vista único sobre esse ou aquele objeto não contradizia totalmente a imagem geral do universo, embora não o chamasse diretamente, como era na época barroca. O interesse pela multiplicidade da multiplicidade do ser é substituído por atenção a são facetas separadas, que têm uma beleza independente e, consequentemente, valor. [Russian] Academy of Arts não pode deixar de reagir a este processo e, sem esperar pelo surgimento de pedidos adequados no ambiente de clientes, abriram uma a uma das aulas, nas quais eles ensinaram as características do trabalho em um gênero específico ”
Impacto:
Este sistema hierárquico, baseado nas tradições da arte grega e romana, resumido durante o Renascimento italiano, foi usado pelas academias como base para a concessão de prêmios e bolsas de estudo, bem como um sistema de suspensão em exposições públicas (Salões). Também teve um impacto significativo no valor estimado das obras de arte.
A academia francesa teve competições Grand e Petits Prix, respectivamente, em duas direções. Assim, os prêmios mais altos receberam a priori trabalhos no gênero histórico – uma prática que causou muito descontentamento entre estudantes. Esta hierarquia inflexível causou muito descontentamento entre os artistas famosos, o que acabou por levar a minar a autoridade das academias. Além disso, por causa do prestígio, alguns pintores fizeram tentativas de escrever pinturas históricas grandiosas, o que não resultou em nada. Se o artista tivesse um retratista e não um pintor histórico, o fracasso poderia ter causado um trauma.
Retrato:
Curiosamente, o lugar oprimido do retrato nesta hierarquia. Na revisão do Salão de 1791, foi possível ler: “O pintor histórico, que deve imitar a natureza em todos os seus aspectos, deve poder escrever retratos. No entanto, um retrato não pode ser considerado um gênero independente”.
Kathrmer de Kensi, um dos mais influentes teóricos do classicismo, considerou o gênero de retrato tão baixo que nem sequer lhe prestou atenção especial: “Não há nada mais limitado do que o prazer que você consegue de contemplar um retrato. Se você jogar de lado o interesse que dá ao retrato carinho pessoal e público e talento do artista, então é óbvio que a mente e a imaginação quase não estão envolvidas neste tipo de imitação “. O prazer obtido no retrato não pode ser comparado com o prazer estético , cuja conquista é o objetivo das artes finas. O retrato mostra o que realmente existe, enquanto “a arte excelente, com a ajuda do que é, deve retratar o que realmente não existe, deve mostrar o ideal”.
Os críticos, no entanto, admitiram a inevitabilidade da existência de um retrato histórico, que, na sua profunda convicção, só pode ser criado por um pintor histórico. “São eles, os pintores históricos, que podem escrever um retrato real”. Sobre os retratos históricos muitas vezes são escritos nas revisões de exposições, às vezes são considerados imediatamente após a imagem histórica. Sobre os retratos de indivíduos (que cada ano se tornam cada vez mais) preferem não mencionar ou simplesmente listá-los por seus nomes, sem comentar de modo algum. Compreender o retrato como uma espécie de suplemento ao quadro histórico era muito comum. Isto foi escrito não apenas pelos adeptos bem conhecidos do classicismo de Kathrmer de Kensi, Delescluze, mas também pela crítica da próxima geração, cujas visões estéticas eram mais flexíveis
Arte renascentista
A hierarquia surgiu da luta para obter aceitação da pintura como uma das artes liberais e, em seguida, controvérsias para estabelecer um status igual ou superior dentro delas com arquitetura e escultura. Esses assuntos foram considerados de grande importância por artistas-teóricos como Leon Battista Alberti, Leonardo da Vinci e Giorgio Vasari. Contra os escultores, Leonardo argumentou que o esforço intelectual necessário para criar uma ilusão de tridimensionalidade tornou a arte dos pintores superior à do escultor, que poderia fazê-lo apenas registrando aparências. Em sua De Pictura, de 1441, Alberti argumentou que a pintura de história multi-figura era a forma mais nobre da arte, como sendo a mais difícil, o que exigia o domínio de todos os outros, porque era uma forma visual da história , e porque tinha o maior potencial para mover o visualizador. Ele colocou a ênfase na capacidade de descrever as interações entre as figuras por gesto e expressão.
Os teóricos da Alta e Alta Renascença aceitaram a importância de representar a natureza de perto, pelo menos até os escritos posteriores de Michelangelo, fortemente influenciados pelo neoplatonismo. Na época de teóricos maneiristas como Gian Paolo Lomazzo e Federico Zuccari (ambos também pintores), isso era muito menos uma prioridade. Ambos enfatizaram a beleza como “algo que foi infundido diretamente na mente do homem da mente de Deus, e existiu lá independente de qualquer sentido – impressões”, uma visão limitada para reduzir o status das obras dependendo do realismo. Na prática, a hierarquia representou pouca ruptura com o pensamento medieval e clássico, exceto para colocar a história secular na mesma classe de arte religiosa e para distinguir (nem sempre claramente) entre temas religiosos icônicos estáticos e cenas figurativas narrativas, dando ao último um status superior. Idéias de decoro também alimentaram a hierarquia; assuntos comic, sórdidos ou meramente frívolos ou tratamento classificado inferior ao elevado e moral.
Durante a paisagem renascentista, as cenas de gênero e as naturezas mortas quase não existiam como gêneros estabelecidos, de modo que a discussão sobre o status ou a importância de diferentes tipos de pintura se preocupava principalmente com os assuntos da história em relação aos retratos, inicialmente pequenos e despretensiosos e religiosos e religiosos icônicos assuntos mitológicos. Para a maioria dos artistas, um compromisso com o realismo era necessário em um retrato; Poucos poderiam assumir a abordagem de Michelangelo, que ignorou em grande parte a aparência real dos Medici em suas esculturas da Capela Medici, supostamente dizendo que, em mil anos, ninguém saberia a diferença (uma réplica Gainsborough também é dito ter usado, com um prazo mais curto).
Muitos retratos eram extremamente lisonjeiros, o que poderia ser justificado por um apelo ao idealismo, bem como à vaidade da babá; o teórico Armenini afirmou em 1587 que “os retratos de artistas excelentes são considerados pintados com melhor estilo [maniera] e maior perfeição do que outros, mas com mais frequência são menos boas semelhanças”. Por outro lado, o número de assistentes corteses e seus pais, pretendentes ou cortesãos queixaram-se de que os pintores não deixavam de fazer justiça à realidade da babá.
A questão do decoro na arte religiosa tornou-se o foco do intenso esforço da Igreja Católica após os decretos sobre a arte do Concílio de Trento de 1563. As pinturas que retratam eventos bíblicos como se estivessem ocorrendo nas famílias de italianos contemporâneos ricos fossem atacadas e logo cessou. Até o desafio de Caravaggio no final do século, a arte religiosa tornou-se completamente ideal.
Arte do século XVII e XVIII:
Os novos gêneros de paisagem, pintura de gênero, pintura animal e vida morta surgiram no século XVII, com a cessação virtual da pintura religiosa em países protestantes e a expansão da compra de imagens para a classe média próspera. Embora tenham ocorrido desenvolvimentos semelhantes em todos os países europeus avançados, eles foram mais evidentes nas escolas extremamente produtivas da pintura holandesa Golden Age e na pintura barroca flamenga. No entanto, não surgiram teoristas para defender os novos gêneros, e a quantidade relativamente pequena de escrita teórica neerlandesa, por Karel van Mander, Samuel Dirksz van Hoogstraten, Gerard de Lairesse e outros, foi principalmente contente para reviver as visualizações italianas, para que suas escritas possam parecer estranhamente em desacordo com a arte holandesa realmente sendo produzida em seus dias.
A hierarquia foi aceita principalmente por artistas, e até especialistas em gênero, como Jan Steen, Karel Dujardin e Vermeer, produziram algumas pinturas de história, que foram melhor pagas quando as comissões poderiam ser obtidas, mas em geral muito mais difíceis de vender. A infeliz história da última comissão da história de Rembrandt, The Conspiracy of Claudius Civilis (1661) ilustra tanto seu compromisso com a forma quanto as dificuldades que teve para encontrar uma audiência. Na Flandres, bem como grandes quantidades de obras de gênero puro, houve uma tendência para pinturas de história com um importante elemento de gênero, sejam animais, paisagens ou ainda. Muitas vezes, os diferentes elementos foram pintados por diferentes artistas; Rubens e Frans Snyders muitas vezes cooperaram dessa maneira.
O tamanho das pinturas e, muitas vezes, os preços que realizaram, tendem a refletir sua posição na hierarquia neste período. Até o período romântico, o preço e a venda do que eram essencialmente paisagens poderiam ser aumentados pela adição de pequenas figuras mitológicas ou religiosas, criando uma paisagem com …, uma prática que voltou aos começos da pintura de paisagens nas paisagens mundiais flamengas de Joachim Patinir no início do século XVI. A pintura barroca flamenga foi a última escola a pintar frequentemente os gêneros mais baixos em um tamanho grande, mas geralmente combinado com assuntos de figuras.
O pintor britânico, Sir Joshua Reynolds, em seus Discursos das décadas de 1770 e 1780, reiterou o argumento para a vida morta para a posição mais baixa na hierarquia dos gêneros com base no fato de que interferiu com o acesso do pintor às formas centrais, aqueles produtos da generalização da mente poderes. No cume reinava a pintura da história, centrada no corpo humano: a familiaridade com as formas do corpo permitia a mente do pintor, comparando inúmeros exemplos da forma humana, a abstração daquelas características típicas ou centrais que representavam a essência do corpo ou ideal.
Embora Reynolds concordasse com Félibien sobre a ordem natural dos gêneros, ele considerou que uma obra importante de qualquer gênero de pintura poderia ser produzida sob a mão de um gênio: “Se é a figura humana, um animal, ou mesmo objetos inanimados, lá não é nada, por mais que não seja promissor, mas pode ser criado em dignidade, transmitir sentimento e produzir emoção, nas mãos de um pintor de gênio. O que foi dito de Virgil, que ele jogou até o esterco no chão com um ar de dignidade, pode ser aplicada a Ticiano, tudo o que ele tocou, por mais naturalmente, e habitualmente familiar, por uma espécie de magia que investiu com grandeza e importância “.
Embora as academias européias geralmente insistiram estritamente nesta hierarquia, ao longo de seu reinado, muitos artistas conseguiram inventar novos gêneros que levaram os assuntos mais baixos à importância da pintura histórica. O próprio Reynolds conseguiu isso inventando o estilo de retrato chamado ‘Grand Manner’, onde lisonjeava seus assistentes, comparando-os com personagens mitológicos. Jean-Antoine Watteau inventou um gênero que chamava de festas galantes, onde apresentaria cenas de divertimentos corteses que aconteciam no cenário arcadiano; estes freqüentemente possuíam uma qualidade poética e alegórica que se considerava ennoblecê-los.
Claude Lorrain praticou um gênero chamado paisagem ideal, onde uma composição seria frouxamente baseada na natureza e pontilhada com ruínas clássicas como cenário para um tema bíblico ou histórico. Combinou de forma artística a pintura da paisagem e da história, legitimando assim a primeira. É sinônimo do termo paisagem histórica que recebeu reconhecimento oficial na Académie française quando um Prêmio de Roma para o gênero foi estabelecido em 1817. Finalmente, Jean-Baptiste-Siméon Chardin foi capaz de criar pinturas de still life que foram consideradas como tendo o charme e beleza para serem colocados ao lado dos melhores assuntos alegóricos. No entanto, conscientes dessa hierarquia, Chardin começou a incluir figuras em seu trabalho em 1730, principalmente mulheres e crianças.
século 19:
O romantismo aumentou consideravelmente o status da pintura de paisagem, começando na arte britânica e, mais progressivamente, a pintura de gênero, que começou a influenciar a pintura da história nos tratamentos anecdóticos do Style Troubadour na França e as tendências equivalentes em outros lugares. As paisagens cresceram em tamanho para refletir sua nova importância, muitas vezes combinando pinturas de história, especialmente na Escola Americana do Rio Hudson e pintura russa. As pinturas de animais também aumentaram em tamanho e dignidade, mas o retrato completo, mesmo de royalties, tornou-se principalmente reservado para grandes edifícios públicos.
Até meados do século XIX, as mulheres não podiam pintar pinturas de história, pois não podiam participar do processo final de treinamento artístico – o desenho da vida, para proteger seu modesto. Podem trabalhar a partir de relevos, gravuras, moldes e dos Antigos Mestres, mas não do modelo nu. Em vez disso, eles foram encorajados a participar das formas de pintura inferior, como retratos, paisagens e gênero. Estes eram considerados mais femininos na medida em que apelavam para o olho e não para a mente.
No final do século XIX, pintores e críticos começaram a se rebelar contra as muitas regras da Académie française, incluindo o status concedido à pintura da história, que estava começando a ser comprada principalmente por órgãos públicos de uma espécie ou outra, como compradores privados indivíduos preferenciais de menor a hierarquia. Na Grã-Bretanha, o movimento pré-rafaelita tentou revitalizar a pintura histórica, com sucesso misto; outros movimentos fizeram esforços semelhantes. Muitos pré-rafaelistas terminaram suas carreiras principalmente pintando outros assuntos. Os novos movimentos artísticos incluíram os realistas e os impressionistas, que cada um procurava retratar o momento presente e a vida diária observados pelos olhos e não atingidos pelo significado histórico; Os realistas, muitas vezes, escolhem a pintura de gênero e ainda a vida, enquanto os impressionistas se concentrariam mais em paisagens.
No momento, os descendentes valoram telas de baixo gênero, em particular, retratos e cenas da vida, enquanto a pintura histórica acadêmica na maioria dos casos parece chata e pouco convidativa. Novas tendências artísticas emergentes – o realismo, e depois o impressionismo, estavam interessados em retratar a vida cotidiana e o momento atual.