La pittura di genere, detta anche scena di genere o genere petit, raffigura aspetti della vita di tutti i giorni raffigurando persone comuni impegnate in attività comuni. Una definizione comune di una scena di genere è che mostra figure a cui nessuna identità può essere attaccata né individualmente né collettivamente, distinguendo così il genere petit dai dipinti storici (chiamati anche grandi classici) e ritratti. Un’opera sarebbe spesso considerata un’opera di genere anche se si potesse dimostrare che l’artista aveva usato una persona conosciuta – un membro della sua famiglia, per esempio – come modello. In questo caso dipenderebbe dal fatto che il lavoro sia stato probabilmente voluto dall’artista per essere percepito come un ritratto – a volte una domanda soggettiva. Le rappresentazioni possono essere realistiche, immaginate o romanticizzate dall’artista. A causa del loro argomento familiare e spesso sentimentale, i dipinti di genere si sono spesso dimostrati popolari con la borghesia o la borghesia.
I soggetti di genere compaiono in molte tradizioni d’arte. Decorazioni dipinte in antiche tombe egiziane spesso raffigurano banchetti, attività ricreative e scene agrarie, e Peiraikos è citato da Plinio il Vecchio come un pittore ellenistico di soggetti “bassi”, come sopravvivere in versioni a mosaico e pitture murali provinciali a Pompei: ” barbieri, bancarelle, asini, commestibili e soggetti simili “. I manoscritti medievali illuminati spesso raffiguravano scene della vita contadina di tutti i giorni, specialmente nelle Fatiche dei Mesi nella sezione calendario dei libri d’ore, il più famoso dei Très Riches Heures du Duc de Berry.
Una chiara distinzione dal ritratto o ritratto di gruppo non è sempre possibile. Mentre questo essere umano per lo più identificabile mostra, i personaggi della pittura di genere sono anonimi e caratterizzati dal loro ambiente; l’interno è spesso in primo piano.
A volte, la transizione alla pittura di paesaggio è fluida, specialmente nell’epoca del Romanticismo. In Spagna e in America Latina, la pittura di genere del XIX secolo viene anche chiamata costumbrismo.
Molte presunte scene di tutti i giorni si basano più su popolari giochi comici o proverbi e sono quindi spesso – se non sempre – di carattere narrativo. Ad esempio, un pittore di generi italiani, il napoletano Gaspare Traversi, ha creato le sue immagini in parallelo con lo sviluppo e l’apogeo dell’opera buffa napolitana intorno alla metà del 18 ° secolo, quando la vita quotidiana dell’ambiente sociale inferiore era esposta al ridicolo esponendo situazioni. Questo ha mandato un messaggio morale al pubblico. La maggior parte delle immagini di genere hanno anche una rilevanza didattica perché hanno un forte contenuto morale. La presentazione di comportamenti negativi dovrebbe scoraggiare e incoraggiare un comportamento migliore e gli esempi positivi dovrebbero dare allo spettatore un incentivo a imitare. Naturalmente, alle immagini non può essere negato il valore visivamente divertente. A causa degli approcci interpretativi moraleggianti e istruttivi inerenti alle immagini, i loro proprietari hanno potuto enfatizzare il loro background culturale. I commissari per questo tipo di arte provenivano quindi esclusivamente dall’ambiente borghese-secolare.
Soddisfare:
Il suo grado nella gerarchia dei generi è piuttosto basso, ma è stato portato a un punto di perfezione nel diciassettesimo secolo da Caravaggio e dai suoi seguaci. È anche un genere molto popolare nei paesi dell’Europa settentrionale. La pittura di genere era molto popolare dalla seconda metà del diciannovesimo secolo agli anni ’30, detronizzando la pittura storica. È stato insegnato separatamente nelle diverse accademie delle belle arti europee.
Gli approcci di ricerca precedenti spesso interpretavano le rappresentazioni del cosiddetto Gouden Eeuw come istantanee della vita quotidiana, alle quali attribuivano il valore di una testimonianza storico-culturale. Dagli anni ’70, tuttavia, è stato sempre più possibile decifrare il contesto iconografico. È diventato chiaro che mentre le immagini di genere esemplificano una scena quotidiana, dietro la quale è quasi sempre nascosta un’affermazione più profonda. Di conseguenza, sono nel senso del linguaggio visivo popolare del barocco di solito come allegorie, in parte con complesse affermazioni ambigue, da comprendere.
Molte presunte scene di tutti i giorni si basano più su popolari giochi comici o proverbi e sono quindi spesso – se non sempre – di carattere narrativo. Ad esempio, un pittore di generi italiani, il napoletano Gaspare Traversi, ha creato le sue immagini in parallelo con lo sviluppo e l’apogeo dell’opera buffa napolitana intorno alla metà del 18 ° secolo, quando la vita quotidiana dell’ambiente sociale inferiore era esposta al ridicolo esponendo situazioni. Questo ha mandato un messaggio morale al pubblico. La maggior parte delle immagini di genere hanno anche una rilevanza didattica perché hanno un forte contenuto morale. La presentazione di comportamenti negativi dovrebbe scoraggiare e incoraggiare un comportamento migliore e gli esempi positivi dovrebbero dare allo spettatore un incentivo a imitare. Naturalmente, alle immagini non può essere negato il valore visivamente divertente. A causa degli approcci interpretativi moraleggianti e istruttivi inerenti alle immagini, i loro proprietari hanno potuto enfatizzare il loro background culturale. I commissari per questo tipo di arte provenivano quindi esclusivamente dall’ambiente borghese-secolare.
Tradizionalmente, è stato chiamato genere petit in opposizione al grande genere della pittura storica. La rappresentazione artistica delle questioni quotidiane è ormai molto comune, ma era insolita nel Rinascimento e nel Barocco, quando si presumeva che l’arte avesse un contenuto intellettuale e creativo che dovrebbe trasformarsi in culti e lodare i personaggi di categoria, delle classi alte, o nobili esempi del passato storico, religioso o mitologico. Per questo motivo, la pittura della storia era considerata il genere superiore e, d’altra parte, rappresentare contadini e altre modeste popolazioni senza un argomento o un pretesto morale era irriverente per gli artisti intellettuali.
Nella Grecia classica, la tragedia era più apprezzata, cioè la rappresentazione di una nobile azione eseguita da dei o eroi, piuttosto che la commedia, intesa come le azioni quotidiane delle persone volgari. In questo senso, Aristotele, nella sua Poetica, finisce per dare la precedenza alla finzione poetica, perché narra ciò che potrebbe accadere, ciò che è possibile, credibile o necessario, più di ciò che è realmente accaduto, che sarebbe il campo dello storico. Dal diciassettesimo secolo cominciò a valutare di più la rappresentazione di ciò che l’arte classica considerava “commedia”: il quotidiano, le storie minori della gente comune. Non a caso, le rappresentazioni di Hogarth dei suoi contemporanei furono chiamate da questo dipinto di fumetti (“fumetti”).
Lo scopo di questo tipo di pittura, in qualsiasi modo, può sollevare dubbi. Non si sa con certezza se si tratta di una semplice rappresentazione della realtà con uno scopo di mera distrazione, a volte comica, o uno scopo moralizzante è stato cercato attraverso gli esempi vicini allo spettatore. Le scene di genere barocco, apparentemente ogni giorno, possono spesso nascondere temi allegorici. Così, le scene di gruppi di persone che si divertono e i musicisti ubriachi permettono la rappresentazione iconografica dei “cinque sensi”. Il significato nascosto di queste scene della vita quotidiana dovrebbe quindi istruire un attento osservatore. Quindi ci sono due modi di interpretare queste immagini: o sono un’iconografia criptica che nasconde un aspetto didattico, o è un semplice aneddoto di genere per l’intrattenimento del pubblico borghese. Non c’è dubbio che nella pittura di genere del diciottesimo secolo l’intenzione satirica o moralizzante era presente in opere come Hogarth o Greuze.
Sebbene nel Sud Europa la pittura di genere fosse fatta da Caravaggio, la verità è che era coltivata e apprezzata soprattutto nei paesi nordici. I grandi comitentes (la nobiltà, il clero) non erano interessati a questo tipo di opere, normalmente di piccolo formato, che avevano, d’altra parte, una grande fortuna e diffusione tra la borghesia, la borghesia e i mercanti, a causa di il loro tema familiare e spesso sentimentale. Erano dipinti che non richiedevano uno sforzo particolare per valutarli, dal momento che non c’erano messaggi criptici da svelare attraverso i simboli, come spesso accadeva nella pittura storica. Non è un caso quindi che i primi grandi pittori di scene di genere siano emersi nei Paesi Bassi, con una forte componente mercantile.
La scena di genere è un tipo di lavoro artistico, principalmente pittorico, in cui le persone normali sono rappresentate nelle scene di tutti i giorni, per strada o nella vita privata, contemporanea all’autore. Ciò che distingue la scena di genere è che rappresenta scene della vita di tutti i giorni, come mercati, interni, feste, taverne e strade. Tali rappresentazioni possono essere realistiche, immaginarie o impreziosite dall’artista. Alcune varianti del termine “lavoro” o “lavoro di genere” specificano il mezzo o il tipo di lavoro visivo come “pittura di genere”, “fogli di genere” o “fotografie di genere”. In tutte queste espressioni il termine “genere” è usato in una traduzione un po ‘forzata del “genere” inglese. In spagnolo, è stato anche usato il termine pittura costumbrista o pittura doganale.
Storia:
A volte si può ritenere che la pittura di genere sia esistita fin dall’antichità, anche se è connotata religiosamente. Alcuni storici dell’arte considerano dipinti egiziani di lavoro sul campo, banchetti, feste e così via. come la pittura di genere. Plinio il Vecchio cita Peiraikos come un pittore ellenistico di soggetti “bassi”, poiché sopravvivono in mosaici e murales a Pompei: “bancarelle di calzolai, saloni di parrucchiere, bancarelle, asini, cibo e simili”. in vasi greci o etruschi si possono a volte trovare scene di mercato o di caccia che sono simili a scene di genere, come alcuni mosaici e dipinti romani.
Con il Medioevo, che essenzialmente produce un’arte con una vocazione religiosa, la scena di genere è limitata ai margini e alle iniziali dei manoscritti. I manoscritti medievali illuminati spesso illustrano le scene della vita contadina di tutti i giorni, specialmente nelle Ore ricche del Duca di Berry. Ritorna solo timidamente in certi affreschi del trecento, come nelle Allegorie del buon e cattivo governo del Lorenzetti, ma rimangono attaccati a un soggetto morale o religioso.
È con Van Eyck e i primitivi fiamminghi che la scena del genere sembra davvero rinascere. Lo sposato Arnolfini, al di là del ritratto, presenta personaggi di un interno borghese, distaccato dal mondo religioso, e può essere considerato come la prima scena di genere. Le altre composizioni di Van Eyck, ora perse, come una Signora nel suo gabinetto confermano questa interpretazione. È interessante notare che è nelle Fiandre che questa pratica inizia davvero: sono soprattutto le scuole del Nord che metteranno questo genere sotto i riflettori.
Il Rinascimento:
Con il declino del coinvolgimento della religione nell’arte, la scena del genere inizia a svilupparsi dal Rinascimento, specialmente nelle Fiandre. Il Peseur d’Or e sua moglie Quentin Matsys sono un esempio perfetto, anche se, come la maggior parte delle volte, deve essere letto simbolicamente. Hieronymus Bosch e Bruegel il Vecchio non esiteranno a sfruttare le scene del genere, per illustrare proverbi e storie (oggi spesso perse) che conferiscono un’ombra “secolare” all’opera religiosa.
In Italia come in Francia, questo tema è molto meno accolto, nonostante le frequenti donne che fanno il bagno nella scuola di Fontainebleau, ma più spesso legate alla pittura mitologica o alla pittura di storia, più della stessa scena di genere.
18mo secolo:
I Paesi Bassi dominarono il campo fino al XVIII secolo, e nel 17 ° secolo sia la pittura barocca fiamminga che la pittura olandese Golden Age produssero numerosi specialisti che per lo più dipinsero scene di genere. Nel secolo precedente, il pittore fiammingo rinascimentale Jan Sanders van Hemessen dipinse scene di genere su larga scala innovative, a volte includendo un tema morale o una scena religiosa sullo sfondo nella prima metà del 16 ° secolo. Questi erano parte di un modello di “inversione manierista” nella pittura di Anversa, dando elementi “bassi” precedentemente nello sfondo decorativo delle immagini di rilievo. Joachim Patinir ha ampliato i suoi paesaggi, rendendo le figure un piccolo elemento, e Pieter Aertsen ha dipinto opere dominate da diffusioni di nature morte e figure di genere di cuochi o venditori di mercato, con piccole scene religiose in spazi sullo sfondo. Pieter Brueghel il Vecchio fece dei contadini e delle loro attività, trattati in modo molto naturalistico, il soggetto di molti dei suoi dipinti, e la pittura di genere doveva prosperare nel nord Europa nella scia di Brueghel.
Adriaen e Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer e Pieter de Hooch sono stati tra i molti pittori specializzati in materie di genere nei Paesi Bassi durante il 17 ° secolo. Le dimensioni generalmente ridotte dei dipinti di questi artisti erano appropriate per la loro esposizione nelle case degli acquirenti della classe media. Spesso il soggetto di un dipinto di genere era basato su un emblema popolare tratto da un libro dell’Emblema. Questo può dare al dipinto un duplice significato, come nel libro di Gabriel Metsu The Poultry, 1662, che mostra un vecchio che offre un gallo in una posa simbolica basata su un’incisione oscura di Gillis van Breen (1595-1622), con il stessa scena. L’allegra compagnia ha mostrato un gruppo di personaggi a una festa, sia che si facesse musica a casa o semplicemente si bevesse in una taverna. Altri tipi comuni di scene hanno mostrato mercati o fiere, feste paesane (“kermesse”) o soldati nel campo.
In Italia, una “scuola” di pittura di genere fu stimolata dall’arrivo a Roma del pittore olandese Pieter van Laer nel 1625. Acquistò il soprannome “Il Bamboccio” ei suoi seguaci furono chiamati i Bamboccianti, i cui lavori avrebbero ispirato Giacomo Ceruti, Antonio Cifrondi e Giuseppe Maria Crespi tra molti altri.
Louis le Nain fu un importante esponente della pittura di genere nella Francia del XVII secolo, dipingendo gruppi di contadini in patria, dove il XVIII secolo avrebbe portato un maggiore interesse nella rappresentazione della vita di tutti i giorni, sia attraverso i dipinti romantici di Watteau e Fragonard, o l’attento realismo di Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) e altri dipinsero gruppi dettagliati e piuttosto sentimentali o singoli ritratti di contadini che dovevano essere influenti sulla pittura del XIX secolo.
In Inghilterra, William Hogarth (1697-1764) trasmetteva commedie, critiche sociali e lezioni morali attraverso tele che raccontavano storie di gente comune piene di dettagli narrativi (aiutati da lunghi sottotitoli), spesso in forma seriale, come nel suo A Rake’s Progress , dipinto per la prima volta nel 1732-33, poi inciso e pubblicato in forma di stampa nel 1735.
La Spagna aveva una tradizione che precede il Libro del Buon Amore dell’osservazione sociale e del commento basato sulla tradizione latina dell’Antico Romano, praticata da molti dei suoi pittori e illuminatori. All’apice dell’Impero spagnolo e all’inizio del suo lento declino, molte scene pittoriche di genere pittoresco della vita di strada – così come le scene in cucina note come bodegones – furono dipinte dagli artisti di The Golden Age spagnolo, in particolare Velázquez (1599-1660 ) e Murillo (1617-82). Più di un secolo dopo, l’artista spagnolo Francisco de Goya (1746-1828) utilizzò scene di genere in pittura e incisione come mezzo per commenti oscuri sulla condizione umana. I suoi The Disasters of War, una serie di 82 episodi di genere della Guerra Peninsulare, hanno portato l’arte di genere a livelli di espressività senza precedenti.
19esimo secolo:
Nel diciannovesimo secolo, l’espressione “pittura di genere” sostituiva con l’abbreviazione le espressioni “pittura di genere volgare”, “basso genere”, “genere minore” che designava opere che rappresentavano scene di vita quotidiana o intima, opposizione a “dipinti di genere storici”. Scene dalla Bibbia potrebbero essere prese per scene di genere dall’ignoranza del soggetto. I bambù erano chiamati dipinti volgari di contadini o scene di osterie. Nell’Italia del XIX secolo, i maggiori esponenti della pittura di genere sono Antonio Rotta e Vincenzo Petrocelli.
Con il declino della pittura religiosa e storica nel 19 ° secolo, gli artisti hanno trovato sempre più la loro materia nella vita che li circonda. Realisti come Gustave Courbet (1819-1877) hanno stravolto le aspettative dipingendo scene di tutti i giorni in enormi dipinti – alla scala tradizionalmente riservata a soggetti “importanti” – confondendo così il confine che aveva definito la pittura di genere come una categoria “minore”. La pittura di storia si è spostata dalla rappresentazione esclusiva di eventi di grande importanza pubblica alla rappresentazione di scene di genere in tempi storici, sia i momenti privati di grandi figure, sia la vita quotidiana della gente comune. Nell’arte francese questo era conosciuto come lo stile dei Troubador. Questa tendenza, già evidente nel 1817 quando Ingres dipinse Henri IV Playing with His Children, culminò nella più fervida arte degli accademici francesi come Jean-Léon Gérôme (1824-1904) e Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). Nella seconda metà del secolo l’interesse per le scene di genere, spesso in contesti storici o con commenti sociali o morali, è aumentato notevolmente in tutta Europa.
William Powell Frith (1819-1909) fu forse il più famoso pittore di genere inglese dell’epoca vittoriana, dipingendo scene grandi ed estremamente affollate; l’espansione delle dimensioni e dell’ambizione nella pittura di genere del XIX secolo era una tendenza comune. Altri pittori del genere inglese del XIX secolo includono Augustus Leopold Egg, George Elgar Hicks, William Holman Hunt e John Everett Millais. La Scozia ha prodotto due influenti pittori di genere, David Allan (1744-96) e Sir David Wilkie (1785-1841). Il Cottar’s Saturday Night (1837) di Wilkie ha ispirato un’opera importante del pittore francese Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Famosi pittori realisti russi come Vasily Perov e Ilya Repin hanno anche prodotto dipinti di genere.
In Germania, Carl Spitzweg (1808-85) si specializzò in scene di genere delicatamente umoristiche, e in Italia Gerolamo Induno (1825-90) dipinse scene di vita militare. Successivamente gli impressionisti, così come artisti del XX secolo come Pierre Bonnard, Itshak Holtz, Edward Hopper e David Park hanno dipinto scene di vita quotidiana. Ma nel contesto dell’arte moderna il termine “pittura di genere” è venuto ad essere associato principalmente con la pittura di una natura particolarmente aneddotica o sentimentale, dipinta in una tecnica tradizionalmente realistica.
Il primo vero pittore di genere negli Stati Uniti è stato l’immigrato tedesco John Lewis Krimmel, che apprendendo da Wilkie e Hogarth, ha prodotto scene di vita delicatamente umoristiche a Philadelphia dal 1812-21. Altri noti pittori del genere del XIX secolo provenienti dagli Stati Uniti comprendono George Caleb Bingham, William Sidney Mount e Eastman Johnson. Harry Roseland si concentrò su scene di poveri afroamericani nella guerra civile post-americana del Sud, e John Rogers (1829-1904) fu uno scultore il cui piccolo genere di opere, prodotto in serie in gesso, era immensamente popolare in America. Le opere del pittore americano Ernie Barnes (1938-2009) e quelle dell’illustratore Norman Rockwell (1894-1978) potrebbero esemplificare un tipo più moderno di pittura di genere.
Realismo sociale:
Nella prima metà del 19 ° secolo (Biedermeier), l’immagine di genere rivive ancora una volta come “immagine di tendenza sociale”, soprattutto dalla Scuola di pittura di Düsseldorf, soprattutto in connessione con una più forte svolta al realismo, come Johann Peter Hasenclever. Dopo il 1848 rappresentarono in Germania artisti come Ludwig Knaus, Benjamin Vautier o Franz von Defregger un genere di pittura, che era legato alla corrente letteraria del Realismo Civile. La pittura di genere di quei decenni può essere considerata un pioniere dei movimenti di arte moderna come l’impressionismo. Un numero in rapida crescita di compratori interessati all’arte, in particolare quelli delle famiglie della classe media, ha soddisfatto il desiderio di realizzare le proprie opere d’arte sul muro. In particolare, la vita contadina contadina, che è diventata di moda nel corso della crescente attività di viaggio, è stata presentata anche in formati di medie dimensioni negli Stati Uniti. Nelle metropoli d’arte come Berlino, Dusseldorf e Monaco di Baviera, un gran numero di pittori provenienti da tutta Europa si sono riuniti per guadagnarsi da vivere con la pittura di genere. Tra i pittori di genere più noti, le cui opere sono state pubblicate anche su riviste mensili, erano rappresentanti della Scuola di Monaco come Franz Defregger, Rudolf Epp, Nikolaus Gysis, Hermann von Kaulbach.
20 ° secolo:
Successivamente, impressionisti e artisti del Novecento come Vincenzo Petrocelli, Pierre Bonnard, Edward Hopper o David Park dipinsero scene di vita quotidiana. Tuttavia, nel contesto dell’arte moderna, il termine “pittura di genere” è venuto per essere correlato principalmente alla pittura di una natura che è particolarmente sentimentale o aneddotica, dipinta in una tecnica tradizionalmente realistica. Le opere del pittore americano Ernie Barnes e quelle dell’illustratore Norman Rockwell possono esemplificare un tipo moderno di pittura di genere.