Il Courtship party (francese: Fête galante) è un termine che si riferisce a una categoria di pittura creata appositamente dall’Accademia di Francia nel 1717 per descrivere le variazioni di Antoine Watteau (1684-1721) sul tema della fête champêtre che presentava figure in abito da ballo o costumi mascherati che si disperdono amorosamente in un parco. Quando Watteau fece domanda per entrare nell’accademia francese nel 1717, non esisteva una categoria adeguata per le sue opere, quindi l’accademia semplicemente ne creò una piuttosto che rifiutarne l’applicazione.
Watteau ha appositamente creato lo stile di pittura fête galante come compromesso tra due dischi. Da un lato, la maggior parte dei suoi finanziamenti provenivano da privati, piuttosto che dal governo. D’altra parte, Watteau voleva il riconoscimento dalla Académie des Beaux-Arts nominata dal governo. L’Académie ha classificato scene di vita quotidiana e ritratti, i dipinti più desiderati dai mecenati privati, come dipinti inferiori a quelli educativi morali che illustrano la storia e la mitologia. Ritraendo i suoi committenti in scene che ricordano la terra mitizzata di Arcadia, dove gli umani avevano presumibilmente vissuto in piacevole armonia con la natura, Watteau è stato in grado di ottenere i suoi dipinti nella classifica più alta dell’Académie e ancora lusingare i suoi acquirenti.
A poco a poco, il termine “galanteria” si diffuse allo stile di vita in generale. “Galant” riconobbe un uomo i cui modi, parole e costumi erano impeccabili, la cui conoscenza parlava dell’interesse per la scienza e le arti. Seguendo questo postulato, i bambini dell’aristocrazia hanno ricevuto un’educazione diversificata, ma superficiale. “Il galante cavaliere” e “galante signora” pensavano attraverso ogni gesto, guarda, parola nei minimi dettagli. Successivamente, questo stile di vita è stato la base del dandismo.
La galanteria come base del rapporto tra uomo e donna. Questo concetto includeva tendenze così opposte come la proclamazione di una donna come “dea” e un “maestro del destino”, e, d’altra parte, l’uso di lei come un oggetto privo di diritti, uno “strumento” per ottenere piaceri.
Jean-Antoine Watteau:
Jean-Antoine Watteau dipinge la sfacciata friggitoria di aristocratiche inseguimenti romantici, in contrasto con l’estro rococò e la licenziosità coltivata da Boucher e Fragonard nella parte successiva del regno di Luigi XV, il brio teatrale di Watteau è solitamente tinto di una nota di simpatia, malinconia, e tristezza per la caducità dell’amore e altre delizie terrene.
Watteau era un disegnatore prolifico. I suoi disegni, tipicamente eseguiti con la tecnica dei trucioli, furono raccolti e ammirati anche da quelli, come Caylus o Gersaint, che trovarono difetti nei suoi dipinti. Nel 1726 e nel 1728, Jean de Jullienne pubblicò suite di incisioni secondo i disegni di Watteau e nel 1735 pubblicò una serie di incisioni dopo i suoi dipinti, The Recueil Jullienne. La qualità delle riproduzioni, usando una miscela di incisioni e incisioni seguendo la pratica degli incisori di Rubens, variava secondo l’abilità delle persone impiegate da Jullienne, ma era spesso molto alta. Un record così completo finora non ha eguali. Ciò ha contribuito a diffondere la sua influenza in Europa e nelle arti decorative.
L’influenza di Watteau sulle arti (non solo la pittura, ma anche le arti decorative, i costumi, i film, la poesia, la musica) era più ampia di quella di quasi tutti gli artisti del XVIII secolo. L’abito Watteau, un lungo abito a sacco con pieghe larghe che pendono dalla spalla sul retro, simile a quelle indossate da molte delle donne nei suoi dipinti, porta il suo nome. Secondo la Britannica del 1911, “nel suo trattamento dello sfondo del paesaggio e dell’ambiente circostante delle figure si possono trovare i germi dell’impressionismo”.
Sfondo dell’età galante:
La nozione di “Età galante”, che ha dato il nome a un’intera era, era principalmente legata alla relazione di un uomo e di una donna di un ambiente aristocratico. La galanteria, tradotta dal francese, significa gentilezza squisita, cortesia straordinaria.
Nei secoli XVII-XVIII, la cavalleria significava non solo un estremo rispetto per una donna, ma anche il culto della bellezza femminile, una sorta di “servizio” a una donna, il compimento di tutti i suoi desideri e capricci. Tuttavia, c’era una differenza significativa tra la cortesia medievale e la galanteria del dandy di corte: quest’ultimo non era obbligato a compiere imprese in nome della Signora. I tornei cavalieri divennero anche proprietà della storia. Tuttavia, come nel Medioevo, la donna rimase praticamente priva di diritti e il suo benessere dipendeva interamente dall’uomo.
Il modello di ruolo, naturalmente, era il sovrano – il re, l’elettore, il duca, che era certamente come Dio. È stata considerata una buona idea sostenere il favorito, dare in suo onore palle, concerti e mascherate.
Un numero di ricercatori vede in questo sistema “il degenerato culto medievale della Bella Signora”. La base delle relazioni galanti è un flirt squisito, che spesso non trascende la struttura della decenza. Per questi scopi, c’era un sistema comunicativo speciale: “lingua dei fan”, “lingua delle mosche”, “lingua dei fiori”.
I monarchi europei della “Gallant Age” spendevano più denaro per mantenere le loro famiglie che persino per le spese militari (e questo è nelle condizioni di frequenti guerre dei secoli XVII-XVIII). Una rara eccezione furono i re di Prussia.
Dopo la morte di Luigi XIV nel 1715, gli aristocratici della corte francese abbandonarono la grandiosità di Versailles per le più intime case a schiera di Parigi dove, elegantemente abbigliate, potevano suonare e flirtare e mettere in scena scene della commedia dell’arte italiana.
I dipinti di Fête galante sono una parte importante del periodo dell’arte rococò, che ha visto il centro delle arti europee allontanarsi dalla grandezza gerarchica e standardizzata della chiesa e della corte reale e verso un apprezzamento per l’intimità e i piaceri personali. Nondimeno, i lussureggianti scenari all’aperto di dipinti di fête galante sono stati spesso estratti da dipinti precedenti, in particolare da dipinti veneziani del XVI secolo e dipinti olandesi del XVII secolo.
Età galante Ideale estetico:
Lo standard di bellezza per 130 anni è in continua evoluzione, tuttavia è possibile tracciare una tendenza immutabile: il bello è riconosciuto come una sottile sibarita. Questo “ideale” potrebbe essere maestoso e ordinato, come nell’epoca barocca di Luigi XIV, ma potrebbe avere un corpo fragile e, allo stesso tempo, paffuto, nel gusto rococò, ma il significato deriva ancora dal fatto che è la bellezza di una persona che non sa chi non ha difficoltà. La formazione, l’abbronzatura, le caratteristiche ruvide erano considerate inaccettabili anche per un uomo, poiché queste sono le caratteristiche di un lavoratore disprezzato.
L’uomo dell’età galante era calmo per la sua mancanza di bellezza naturale. “La bella apparenza è solo un gioco di fortuna” – una citazione dal romanzo epistolare “Dangerous Liaisons” riflette pienamente l’opinione pubblica. La bellezza è abbastanza realizzabile con l’aiuto di arrossire, polvere, mosche, parrucca e corsetto. C’erano persino “caviale di caviale” per gli uomini, e alcune donne misero delle palle speciali per le guance per dare alla gente rotondità.
In una donna non è apprezzata la bellezza “fredda”, non le caratteristiche giuste e la piquancy: una vita di pioppo, i fianchi stretti, i piedi piccoli, la faccia tonda. Si supponeva che una donna dell’età galante assomigliasse a un’elegante statuetta.
Il desiderio di piaceri non complicati, per la costante vacanza della vita, ha dato origine al culto della gioventù “eterna”. Di conseguenza, grazie all’uso attivo di cosmetici decorativi, tutti sembravano avere circa la stessa età. I ritratti dell’età galante praticamente non ci danno un’idea degli anziani.
A poco a poco ha avuto luogo la femminilizzazione dell’aspetto dell’uomo. Nell’arsenale del signore di corte – cosmetici luminosi, parrucca in polvere e un’abbondanza di pizzi sottolineano ancora di più la femminilità dell’immagine. A volte il bagno maschile era superiore nel suo lusso e costava alla femmina.
Di conseguenza, esteriormente tutti non erano solo della stessa età, ma anche dello stesso sesso. Questa moda unisex unica ha reso possibile l’emergere di un fenomeno come il famoso cavalier de Aeon, il cui sesso è ancora oggetto di controversie di ricerca.
Moda galante:
Mai fu l’abito dell’aristocrazia così bello e pittoresco come lo era in quest’epoca. La moda dell’età galante è raffinata e massima innaturale. Il costume non enfatizza, ma distorce le linee naturali del corpo. Silhouette dell’epoca – due “triangoli”, i cui top sono collegati in vita. La base dell’estetica “galante” è un corsetto (era indossato non solo dalle donne, ma anche da molti uomini). Restringe visivamente la vita, espande le spalle e rende la schiena perfettamente dritta. L’abbigliamento è multistrato e consiste in un gran numero di parti che creano una singola immagine. Il costume dell’età galante è l’abbigliamento, come se fosse stato creato appositamente per l’ozio. Polsini in pizzo, quasi completamente nascosti da spazzole a mano, tacchi alti, jabot lussureggianti, stretti canotti e pantaloni-culottes non consentono nemmeno movimenti vigorosi. La caratteristica principale della moda femminile di questo periodo è la femminilità e l’erotismo enfatico.
Psicologia dell’età galante:
La principale caratteristica psicologica dell’uomo dell’età galante era l’infantilismo. Non aveva solo paura della vecchiaia – non voleva crescere. Il costante desiderio di una vacanza, la mancanza di attività produttiva, la sete di cambiamento quotidiano, la consapevolezza della possibilità di vivere a spese degli altri, è la norma del comportamento infantile. Nessuna meraviglia che una delle parole preferite di Gallant Epoch sia un capriccio, cioè la reazione di un bambino a un bisogno insoddisfatto.
Il principale nemico dell’uomo dalla galante età è la noia. Per il gusto di superarlo, è pronto a tutto: la marchesa di Pompadour istituisce il cosiddetto “parco dei cervi” per Luigi XV, il luogo d’incontro del re con le ragazze. Anna Ioannovna organizza il matrimonio di clown nella Ice House. L’uomo di Gallant Epoch, come il bambino, ha vissuto questo pomeriggio: “dopo di noi, almeno un’alluvione!”.
Nell’epoca galante c’era anche un’originale cultura mascherata, che non ha nulla in comune con il carnevale rituale dell’antichità e del medioevo. L’età galante ha un amore per i travestimenti. Numerose commedie e opere buffe di quel periodo hanno superato la seguente situazione: la ragazza si trasforma in una giacca, il giovane “si trasforma” in una ragazza, il servo in un’amante … e così via. Caterina II nelle sue memorie descrive le mascherate alla corte di Elisabetta, durante le quali uomini vestiti con un abito da donna e donne – in un uomo. Un’altra parola preferita dell’età galante è un gioco. Cioè, una persona non ha vissuto, ma, si potrebbe dire, ha giocato nella vita.
Gli psicologi notano che tale infantilismo è tipico per le persone che hanno paura della responsabilità e prima di prendere decisioni volitive. Nelle condizioni di assolutismo, questo comportamento dell’aristocrazia è comprensibile: non era solo la loro carriera che dipendeva dal capriccio reale, ma, spesso, anche dalla vita. Allo stesso tempo, il monarca era l’unico protettore e protettore dell’aristocratico, una sorta di “padre”, a cui è permesso di punire, ma anche di proteggere. In questo puoi vedere gli echi del sistema medievale della sovranità – il vassallaggio.
Sviluppo di Fête galante:
Tra i pittori che hanno praticato, seguendo Watteau, le feste galanti come uno stile pittorico, ci sono Pater, il suo allievo, Lancret, Troy, Fragonard, Norblin de La Gourdaine, Keelboat.
Opere rappresentative di questo genere includono, a Watteau, Il pellegrinaggio all’Isola di Citera, un dipinto del 1717 spesso considerato come il prototipo della festa del galante raffigurato aristocratici splendidamente vestiti visitare, in presenza di cherubini, un’isola che dovrebbe essere dedicata a Citera l’antica dea dell’amore.
A Les Deux Cousines dal 1717 al 1718, una giovane ragazza offre un mantello rosso a due donne in abiti di raso bianco. Come in altre feste galanti, le statue greco-romane lungo il lago contribuiscono a elevare questa scena di genere allo status della pittura storica.
I pastori, dipinti da Watteau intorno al 1716, giocano su una lunga tradizione di aristocratici in posa come pastori rurali, una tradizione che fiorì nel XVIII secolo, la più famosa delle quali è sicuramente il borgo della regina Maria Antonietta.
Nelle feste veneziane (1718-1719), una coppia, dove l’uomo indossa un abito orientale, balla per una folla di curiosi che borbotta di fronte a una statua di Venere. Il pifferaio può essere un autoritratto.
In L’Accord parfait, un’affascinante giovane donna tiene la musica per un vecchio che suona il flauto, mentre passano altre classi pigre. Infine, anche se il suo Mezzetino del 1718-1720 non è, stricto sensu, una festa galante, questo dipinto rappresenta una toccante figura della commedia dell’arte che dà la serenata a una statua ignorante.
Nella Dance in Lancret Park, dove i cortigiani riccamente vestiti danzano davanti alla statua di un nudo eroico maschile, la presenza di questa statua è chiaramente destinata ad elevare, come nei dipinti di Watteau, i ballerini con lo status di soggetti di pittura storica ” , i nudi maschili sono il soggetto preferito dei dipinti di storia.
Nella merenda dove i nobili si scatenano e raccolgono fiori davanti a una donna nuda sdraiata su un tumulo a forma di conchiglia, che probabilmente rappresenta la dea Venere. In una signora in un giardino con un caffè, dipinto intorno al 1742, una donna seduta accanto a una fontana in un sontuoso giardino regala ai suoi figli un caffè mentre due uomini, probabilmente suo marito e un servo, guardano.
Nella vista dei giardini della villa d’Este, a Tivoli de Fragonard, è l’architettura classica che funge da contesto per un pasto all’aperto e giochi. Lo stesso motivo si ritrova anche nella Dichiarazione d’amore di Jean-François de Troy (1731), il cui stile è molto più realistico della maggior parte degli altri.
Età galante e realismo:
Dubois de Saint-Gelais4, nella sua descrizione dei dipinti del Palais Royal, sottolineava la natura realistica delle feste galanti di Watteau scrivendo che “rappresentava perfettamente i concerti, le danze e gli altri divertimenti della vita civile, mettendo la scena in scena giardini, nei boschi e in altri luoghi rurali il cui paesaggio è dipinto con grande arte.Il suo disegno è corretto, il suo colore è tenero, le espressioni sono piccanti, la sua testa ha una grazia meravigliosa, le sue figure danzanti sono ammirevoli per la leggerezza, per l’accuratezza dei movimenti, e per la bellezza degli atteggiamenti, si è dedicato alle vere medicazioni, affinché i suoi dipinti possano essere considerati la storia delle modalità del suo tempo “.
Letteratura galante:
L’inizio del XX secolo fu segnato da un nostalgico “ritorno” all’estetica del barocco e del rococò, alle immagini dei tempi di Luigi XIV, all’epoca galante perennemente defunta. Ciò era dovuto al desiderio naturale di una persona (e, prima di tutto, un artista) di trovare in immagini accattivanti del passato che si calmavano dal ritmo sempre più accelerato della vita.
Artisti dell’associazione “World of Art” – Konstantin Somov, Eugene Lansere e Alexander Benois creano una fata e, allo stesso tempo, un’immagine triste dell’età galante. Nei loro dipinti, c’è una tristezza per le persone che conoscono il destino di Maria Antonietta e dei suoi raffinati cortigiani. La serie “Versailles” di Benois, “Il libro della marchesa” di Somov, le opere retrospettive stilistiche di Lansere non perseguivano il compito di ricostruire il passato: era l’aspetto di un uomo del 20 ° secolo nel mondo luminoso e spensierato di palle e avventure d’amore.
Le immagini di “miriskussniki” danno un’idea estremamente idealizzata dell’epoca, ma questo non diventa meno significativo per l’arte.
Tra i poeti, c’è anche un “ritorno” alle immagini dell’età galante. I più interessanti sono i poemi ironici di Nikolai Agnivtsev.
Film galante:
L’appello alle immagini dell’età galante si è verificato nell’era del cinema muto. Al botteghino c’erano numerose versioni dello schermo, che raccontavano la vita di Casanova, Maria Antonietta, Luigi XV e i suoi servi. Notevole è il film “Madame Dubarry”, in cui le star protagoniste di film muti – Emil Jannings e Paul Negri.
Nel cinema prebellico, le opere di Maria Antonietta nel ruolo del protagonista con Norma Shearer (USA) e Dance with the Kaiser con Marika Röck (Germania), The Bloody Empress con Marlene Dietrich nel ruolo di Catherine II (USA) sono interessante.
Negli anni ’60 ci fu un forte interesse per i melodrammi in costume. Sugli schermi va la famosa “Angelica” con Michelle Mercier nel ruolo della brillante bellezza della corte di Versailles – Angelica de Sanse.
Nel 1988 apparve sugli schermi un ben adattato adattamento hollywoodiano di “Dangerous Liaisons”. Nel film sono state coinvolte le star del cinema: John Malkovich e Michelle Pfeiffer. Anche la diciottenne Uma Thurman ha recitato in questo film.
Con rare eccezioni, i film che riflettono le realtà dell’età galante distorcono la verità storica, idealizzano gli eventi il più possibile.