Il nome pleorama è stato coniato da elementi greci. Come altre novità del 19 ° secolo che terminano in -orama – diorama e cyclorama, ad esempio – la seconda parte della parola ha il senso di “qualcosa visto”. La pleotide qui viene intesa come proveniente da una parola greca che significa “fluttuare” che si applica alla barca di Langhans nell’idea dell’acqua. Pleorama è anche il nome del 21 ° secolo di una innovativa “casa galleggiante”.
il più famoso pleorama era un intrattenimento cinematografico del diciannovesimo secolo in cui gli spettatori sedevano su una barca a dondolo mentre passavano panorami panoramici su tela dipinta. La parola è stata talvolta utilizzata per altri intrattenimenti o innovazioni.
L’architetto Carl Ferdinand Langhans introdusse un pleorama a Breslavia nel 1831 con scene del Golfo di Napoli su entrambi i lati di 24 “viaggiatori” seduti su una barca di legno che galleggiava in una pozza d’acqua. L’illusione era esaltata da effetti luminosi e sonori: il barcaiolo che cantava, il Vesuvio in eruzione. Lo scrittore / artista August Kopisch è stato coinvolto nella progettazione dello spettacolo di un’ora.
Carl Wilhelm Gropius, che aveva una mostra diorama a Berlino, prese in gestione questo pleorama nel 1832, e ci fu anche un pleorama di un viaggio lungo il fiume Reno.
Lo scrittore svizzero Bernard Comment, tra gli altri, ha sottolineato le somiglianze tra il pleorama di Langhan e l’ambizioso mareorama all’esposizione di Parigi del 1900.
Un’idea simile fu usata per un padorama di Londra nel 1834. Gli spettatori erano seduti in vagoni ferroviari per vedere un panorama commovente di scene visibili dalla Liverpool e dalla Manchester Railway.
Nel 1850 finlandese il nome pleorama fu dato a spettacoli che presentavano scene storiche e vedute panoramiche usando il vetro, ma i manifesti per questi non menzionano nulla che assomiglia al concetto di barca di Langhans.
Pittura panoramica:
I dipinti panoramici sono opere d’arte massicce che rivelano una visione ampia e onnicomprensiva di un particolare soggetto, spesso un paesaggio, una battaglia militare o un evento storico. Sono diventati particolarmente popolari nel 19 ° secolo in Europa e negli Stati Uniti, incitando all’opposizione di alcuni scrittori di poesia romantica. Alcuni sono sopravvissuti nel XXI secolo e sono esposti al pubblico.
Nel 1793 Barker spostò i suoi panorami sul primo edificio rotunda in mattoni costruito appositamente per il mondo, a Leicester Square, e fece una fortuna.
Gli spettatori si affollavano per pagare 3 scellini rigidi per stare su una piattaforma centrale sotto un lucernario, che offriva un’illuminazione uniforme, e ottenere un’esperienza “panoramica” (un aggettivo che non appariva in stampa fino al 1813). Il significato esteso di un “sondaggio completo” su un argomento è seguito più presto, nel 1801. I visitatori del Panorama di Londra di Barker, dipinti come se fossero visti dal tetto di Albion Mills sulla South Bank, potevano acquistare una serie di sei stampe che ricordavano modestamente l’esperienza; end-to-end le stampe si estendevano per 3,25 metri. Al contrario, il panorama attuale si estendeva per 250 metri quadrati.
Nonostante il successo del primo panorama di Barker a Leicester Square, non fu né il suo primo tentativo all’artigianato né la sua prima esibizione. Nel 1788 Barker mostrò il suo primo panorama. Era solo una visione semi-circolare di Edimburgo, in Scozia, e l’incapacità di Barker di portare l’immagine a 360 gradi lo deluse. Per realizzare la sua vera visione, Barker e suo figlio, Henry Aston Barker, assunsero il compito di dipingere una scena degli Albion Mills. La prima versione di quello che sarebbe stato il primo panorama di successo di Barker fu esposta in una rotonda in legno appositamente costruita nel giardino sul retro della casa Barker e misurò solo 137 metri quadrati.
La realizzazione di Barker comportava sofisticate manipolazioni di prospettiva non incontrate nei precedenti predecessori del panorama, la “prospettiva” grandangolare di una città familiare dal 16 ° secolo, o la Long View of London di Wenceslas Hollar da Bankside, incisa su diversi fogli contigui. Quando Barker brevettò per la prima volta la sua tecnica nel 1787, gli aveva dato un titolo francese: La Nature à Coup d ‘Oeil (“Nature at a glance”). Una sensibilità al “pittoresco” si stava sviluppando tra le classi istruite, e mentre visitavano i quartieri pittoreschi, come il Lake District, potevano avere in carrozza con loro una grande lente incastonata in una cornice, un “vetro del paesaggio” che avrebbe contrarre una visione ampia in una “foto” quando si tiene a distanza di un braccio.
Barker ha fatto molti sforzi per aumentare il realismo delle sue scene. Per immergere completamente il pubblico nella scena, tutti i bordi della tela erano nascosti. Anche gli oggetti di scena erano posizionati strategicamente sulla piattaforma in cui si trovava il pubblico e due finestre sono state posate sul tetto per consentire alla luce naturale di inondare le tele.
Due scene potevano essere esposte nella rotonda simultaneamente, tuttavia la rotonda di Leicester Square era l’unica a farlo. Le case con scene singole si sono rivelate più popolari per il pubblico con la diffusione della fama del panorama. Poiché la rotonda di Leicester Square ospitava due panorami, Barker aveva bisogno di un meccanismo per liberare le menti del pubblico mentre si spostavano da un panorama all’altro. Per ottenere ciò, i clienti hanno camminato lungo un corridoio buio e su una lunga rampa di scale dove le loro menti avrebbero dovuto essere rinfrescate per vedere la nuova scena. A causa delle dimensioni immense del panorama, i clienti hanno ricevuto piani di orientamento per aiutarli a navigare nella scena. Queste mappe glorificate hanno individuato edifici chiave, siti o eventi esposti sulla tela.
Per creare un panorama, gli artisti hanno visitato i siti e hanno abbozzato le scene più volte. In genere un gruppo di artisti ha lavorato su un progetto con ogni squadra specializzata in un determinato aspetto del dipinto come paesaggi, persone o cieli. Dopo aver completato i loro schizzi, gli artisti in genere consultato altri dipinti, di dimensioni medie, per aggiungere ulteriori dettagli. Martin Meisel descrisse perfettamente il panorama nel suo libro. Realizzazioni: “Nel suo impatto, il Panorama era una forma completa, la rappresentazione non del segmento di un mondo, ma di un mondo intero visto da un’altezza focale”. Sebbene gli artisti abbiano accuratamente documentato ogni dettaglio di una scena, così facendo hanno creato un mondo completo in sé e per sé.
I primi panorami raffiguravano ambientazioni urbane, come le città, mentre i panorami successivi raffiguravano la natura e le famose battaglie militari. La necessità di scene militari è aumentata in parte perché ne stavano accadendo così tanti. Le battaglie francesi hanno spesso trovato la loro strada verso le rotonde grazie alla grintosa direzione di Napoleone Bonaparte. I viaggi di Henry Aston Barker in Francia durante la Pace di Amiens lo condussero in tribunale, dove Bonaparte lo accettò. Henry Aston ha creato panorami delle battaglie di Bonaparte tra cui The Battle of Waterloo, che ha visto così tanto successo che si è ritirato dopo averlo finito. Il rapporto di Enrico Aston con Bonaparte continuò dopo l’esilio di Bonaparte all’Elba, dove Henry Aston visitò l’ex imperatore. Pierre Prévost (pittore) (1764-1823) fu il primo importante pittore di paesaggi francese. Tra i suoi 17 panorami, i più famosi descrivono le città di Roma, Napoli, Amsterdam, Gerusalemme, Atene e anche la battaglia di Wagram.
Al di fuori dell’Inghilterra e della Francia, la popolarità dei panorami dipendeva dal tipo di scena visualizzata. In genere, le persone volevano vedere immagini dai loro paesi o dall’Inghilterra. Questo principio risuonò in Svizzera, dove dominavano le vedute delle Alpi. Allo stesso modo in America, i panorami di New York trovarono popolarità, così come le importazioni dalla rotonda di Barker. Come scoprì presto il pittore John Vanderlyn, la politica francese non interessò gli americani. In particolare, la sua rappresentazione del ritorno al trono di Luigi XVIII non visse due mesi nella rotonda prima che un nuovo panorama prendesse il suo posto.
Il Panorama di Barker ha avuto un enorme successo e ha generato una serie di panorami “immersivi”: i curatori del Museum of London hanno menzionato 126 panorami che sono stati esposti tra il 1793 e il 1863. In Europa, sono stati creati panorami di eventi storici e battaglie, in particolare dal pittore russo Franz Roubaud. La maggior parte delle principali città europee presenta più di una struttura appositamente costruita che ospita panorami. Questi grandi panorami a cerchio fisso diminuirono di popolarità nell’ultimo terzo del diciannovesimo secolo, sebbene negli Stati Uniti sperimentarono un parziale risveglio; in quel periodo venivano più comunemente definiti ciclorama.
Il panorama ha gareggiato più spesso per il pubblico con il diorama, una tela leggermente curva o piatta che si estende per 22 per 14 metri. Il diorama fu inventato nel 1822 da Louis Daguerre e Charles-Marie Bouton, quest’ultimo un ex allievo del famoso pittore francese Jacques-Louis David.
A differenza del panorama in cui gli spettatori dovevano spostarsi per vedere la scena, le scene sul diorama si muovevano in modo che il pubblico potesse rimanere seduto. Realizzato con quattro schermi su una rotatoria, l’illusione ha affascinato 350 spettatori alla volta per un periodo di 15 minuti. Le immagini ruotate in un arco di 73 gradi, concentrandosi su due delle quattro scene mentre i restanti due sono stati preparati, che ha permesso di rinfrescare le tele nel corso dello spettacolo. Mentre i dettagli topografici erano cruciali per i panorami, come dimostrano le squadre di artisti che hanno lavorato su di loro, l’effetto dell’illusione ha avuto la precedenza con il diorama. Anche i pittori del diorama hanno aggiunto il loro tocco agli oggetti scenici del panorama, ma invece di oggetti di scena per rendere le scene più reali, hanno incorporato i suoni. Un’altra somiglianza con il panorama è stata l’effetto del diorama sul suo pubblico. Alcuni clienti sperimentarono uno stupore, mentre altri furono alienati dallo spettacolo. L’alienazione del diorama è stata causata dal legame che la scena ha avuto con l’arte, la natura e la morte. Dopo la prima mostra di Daguerre e Bouton a Londra, un recensore ha notato una calma come quella “della tomba”. Per rimediare a questa atmosfera tombale Daguerre dipinse entrambi i lati della tela, noto come “il doppio effetto”. Illuminando entrambi i lati dipinti della tela, la luce è stata trasmessa e riflessa producendo un tipo di trasparenza che produce l’effetto del tempo che passa. Questo effetto ha permesso all’equipaggio di far funzionare le luci e di trasformare la rotonda in un nuovo tipo di controllo sul pubblico rispetto al panorama mai avuto.
In Gran Bretagna e in particolare negli Stati Uniti, l’ideale panoramico è stato intensificato srotolando una pergamena con la tela dietro lo spettatore in un Panorama in movimento, un’alterazione di un’idea che era familiare nei rotoli di paesaggio a mano della dinastia Song. Svelato per la prima volta nel 1809 a Edimburgo, in Scozia, il panorama in movimento richiedeva una grande tela e due rulli verticali da posizionare su un palco. Peter Marshall ha aggiunto la svolta alla creazione originale di Barker, che ha visto il successo per tutto il 19 ° e il 20 ° secolo. La scena o la variazione delle scene passate tra i rulli, eliminando la necessità di mostrare e visualizzare il panorama in una rotonda. Un precursore per “spostare” le immagini, il panorama in movimento incorpora musica, effetti sonori e ritagli stand-alone per creare il loro effetto mobile. Un simile movimento itinerante consentiva nuovi tipi di scene, come sequenze di inseguimenti, che non potevano essere prodotte così bene né nel diorama né nel panorama. In contrasto con il diorama, in cui il pubblico sembrava essere ruotato fisicamente, il panorama in movimento offriva agli utenti una nuova prospettiva, consentendo loro di “[funzionare] come un occhio mobile”.
Critica romantica dei panorami
L’ascesa della popolarità del panorama era il risultato della sua accessibilità in quanto le persone non avevano bisogno di un certo livello di istruzione per godere dei punti di vista che offriva. Di conseguenza, i mecenati di tutta la scala sociale affluivano verso le rotonde in tutta Europa.
Mentre il facile accesso era un’attrazione del panorama, alcune persone credevano che fosse nient’altro che un trucco da salotto inteso a ingannare il pubblico. Progettato per avere un effetto persistente sullo spettatore, il panorama è stato inserito nella stessa categoria della propaganda del periodo, che è stata vista anche come ingannevole. Il paradosso della località è anche attribuito agli argomenti dei critici di panorama. Un fenomeno derivante dall’immersione in un panorama, il paradosso della località è avvenuto quando le persone non erano in grado di distinguere dove si trovavano: nella rotonda o sulla scena che stavano vedendo.
Gli scrittori temevano il panorama per la semplicità della sua illusione. Hester Piozzi è stato tra coloro che si sono ribellati alla crescente popolarità del panorama proprio per questo motivo. Non le piaceva vedere così tante persone – élite e altro – ingannate da qualcosa di così semplice.
Un altro problema con il panorama è stato quello con cui è stato associato, vale a dire ridefinendo il sublime per incorporare il materiale. Nelle loro prime forme, i panorami raffiguravano scene topografiche e, così facendo, rendevano il sublime accessibile a ogni persona con 3 scellini in tasca. Il sublime è diventato una cosa di tutti i giorni e quindi un bene materiale. Associando il sublime con il materiale, il panorama era visto come una minaccia al romanticismo, che era ossessionato dal sublime. Secondo i romantici, il sublime non avrebbe mai dovuto includere la materialità e collegando i due, i panorami avevano contaminato il sublime.
Il poeta William Wordsworth è stato a lungo considerato un oppositore del panorama, in particolare per la sua allusione ad esso nel settimo libro di The Prelude. È stato argomentato che il problema di Wordsworth con il panorama era l’inganno usato per guadagnare popolarità. Sentiva, dicono i critici, che il panorama non solo esibiva una scena immensa di qualche tipo, ma anche la debolezza dell’intelligenza umana. Wordsworth è stato offeso dal fatto che così tante persone hanno trovato i panorami irresistibili e ha concluso che le persone non erano abbastanza intelligenti da vedere attraverso la sciarada. A causa della sua argomentazione in “Il preludio”, è logico supporre che Wordsworth abbia visto un panorama ad un certo punto della sua vita, ma non si sa quale abbia visto; non c’è nessuna prova sostanziale che abbia mai fatto, a parte la sua descrizione nel poema.
Tuttavia, l’odio di Wordsworth per il panorama non era limitato al suo inganno. Anche l’associazione del panorama con il sublime era offensiva per il poeta, come lo erano altri spettacoli del periodo in competizione con la realtà. Come poeta, Wordsworth ha cercato di separare il suo mestiere dalla fantasmagoria che avvolge la popolazione. In questo contesto, la fantasmagoria si riferisce a cartelli e altre propaganda circolate, inclusi cartelloni pubblicitari, giornali illustrati e panorami. Il più grande problema di Wordsworth con i panorami era la loro pretesa: il panorama addolciva gli spettatori in stupori, inibendo la loro capacità di immaginare le cose da soli. Wordsworth voleva che la gente vedesse la rappresentazione rappresentata nel panorama e la apprezzasse per quello che era – l’arte.
Al contrario, alcuni critici sostengono che Wordsworth non era contrario al panorama, ma era piuttosto titubante. Un argomento principale è che altri episodi in The Prelude hanno altrettanta profondità sensoriale dei panorami. Tale profondità può essere raggiunta solo attraverso l’imitazione dei sensi umani, qualcosa in cui il panorama e il Preludio riescono. Pertanto, poiché sia il panorama che il Preludio imitano i sensi, sono uguali e suggeriscono che Wordsworth non era del tutto contrario ai panorami.
Una visione moderna del panorama crede che gli enormi dipinti abbiano riempito un buco nella vita di coloro che visse nel diciannovesimo secolo. Bernard Comment ha detto nel suo libro The Painted Panorama, che le masse avevano bisogno di “dominio assoluto” e l’illusione offerta dal panorama dava loro un senso di organizzazione e controllo. Nonostante il potere che esercitava, il panorama distoglieva il pubblico dalla scena che vedeva, sostituendo la realtà e incoraggiandoli a guardare il mondo piuttosto che a viverlo.
Panorama in movimento:
Il panorama in movimento era un parente, più in concetto che in design, alla pittura panoramica, ma si dimostrò più duraturo del suo cugino fisso e immenso. A metà del diciannovesimo secolo, il panorama in movimento era tra le forme di intrattenimento più popolari al mondo, con centinaia di panorami costantemente in tournée nel Regno Unito, negli Stati Uniti e in molti paesi europei. I panorami commoventi venivano spesso visti in rappresentazioni melodrammatiche. È diventato un nuovo elemento visivo del teatro e ha contribuito a incorporare una qualità più realistica. Non solo è stato un effetto speciale sul palcoscenico, ma è anche servito da antenato e piattaforma per il cinema antico.
La parola “panorama” deriva dalle parole greche “vedere” e “tutto”. Robert Barker, un pittore di scene di origine irlandese, ha coniato il termine con il suo primo panorama di Edimburgo, esposto in una rotonda appositamente costruita a Leicester Square in 1791. Questa attrazione era estremamente popolare tra le classi medie e inferiori per il modo in cui era in grado di offrire l’illusione del trasporto per lo spettatore in un luogo completamente diverso che probabilmente non avevano mai visto.
I dipinti panoramici e le varie propaggini erano diventati così richiesti in tutta Europa e in America all’inizio del diciannovesimo secolo che gli enormi dipinti avevano cominciato ad essere esposti in ambienti meno specializzati, come le sale della comunità, le chiese e infine i teatri dove si evolvevano in panorami in movimento e divenne essenziale per scenografie teatrali. Spostando i panorami si ottenevano prendendo la scena lunga e continua della tela dipinta e ruotando ciascuna estremità attorno a due meccanismi di tipo spool grande che potevano essere ruotati, facendo scorrere la tela sul retro di un palcoscenico, spesso dietro un pezzo scenico stazionario o un oggetto come una barca, un cavallo o un veicolo, per creare l’illusione del movimento e viaggiare nello spazio. Le immense bobine scorrevano al di là del pubblico dietro una scena di drop-cut o proscenio che nascondeva il meccanismo dalla vista pubblica. Robert Fulton ottenne un brevetto per il panorama nel 1799 in Francia; a lui viene attribuito il merito di aver contribuito a creare i meccanismi di bobina che hanno permesso al panorama in movimento di prendere piede in scenografie teatrali, combinando la tecnologia della rivoluzione industriale e l’arte a scopo di lucro, un’idea decisamente ottocentesca.
Tuttavia, questi dipinti non erano veri panorami, ma piuttosto visioni contigue di paesaggi che passavano, come se fossero viste da una barca o da un finestrino di un treno. A differenza della pittura panoramica, il panorama commovente aveva quasi sempre un narratore, designato come il “Delineatore” o “Professore”, che descriveva le scene mentre passavano e aggiungeva al dramma degli eventi rappresentati. Uno dei più riusciti di questi delineatori fu John Banvard, il cui panorama di un viaggio su e giù per il fiume Mississippi ebbe un tour mondiale di tale successo che i profitti gli permisero di costruire un’immensa villa, fulminata come “la follia di Banvard”, costruita a Long Island a imitazione del Castello di Windsor. In Gran Bretagna, gli showmen come il duraturo Moses Gompertz hanno visitato le province con una varietà di panorami simili dal 1850 fino a ben oltre il 1880.
Questi panorami commoventi furono prontamente accettati a New York, dove gli americani amavano il genere melodrammatico di opere teatrali, che utilizzavano le più recenti tecnologie e facevano affidamento sullo spettacolo. William Dunlap, il primo storico teatrale americano, drammaturgo professionista e lui stesso pittore, fu commissionato dal Bowery Theatre di New York nel 1827 per scrivere, in qualche modo riluttante, A Trip to Niagara: o Travellers in America: A Farce, una commedia sociale satirica , in particolare per un dipinto già esistente di un viaggio in battello a vapore sul fiume Hudson fino alla base delle cascate del Niagara, chiamato “Eidophusikon”. La produzione era estremamente popolare, non per il gioco, ma per lo spettacolare scenario in movimento.
Il concetto di cinema antico, “immagini in movimento”, è un’evoluzione diretta del concetto di panorama in movimento. Il primo utilizzo del concetto di sfondo a scorrimento all’inizio del film era la proiezione posteriore. Questa tecnica, ad esempio, è stata utilizzata quando gli attori fissi stavano filmando in un’auto che non si muoveva realmente, ma invece aveva una proiezione di modifica delle impostazioni locali sul finestrino posteriore per creare l’illusione che la macchina si stesse muovendo, un tropo spesso usato nei film di Hitchcock. Oggi abbiamo una tecnologia informatica molto più realistica per creare questa illusione di movimento, ma l’immagine di un oggetto stazionario o di un attore di fronte a uno sfondo mutevole richiama lo scorrimento del panorama in movimento. Le proiezioni in movimento di nuvole o il passaggio di oggetti su cyclorama sul retro di un palcoscenico a volte visto nelle moderne produzioni teatrali dal vivo utilizzano anche l’illusione di un movimento senza soluzione di continuità dietro un oggetto stazionario reso popolare dal panorama in movimento del diciannovesimo secolo.