Concetto di design legato al tema della Biennale di Busan 2016; La Terra ibrida, Discutendo la moltitudine, deriva da un “anello annuale” che si trova sullo stelo o sulla radice degli alberi. L’anello annuale ha una forma diversa a seconda del tasso di crescita, ma alla fine ha una linea in comune come lo sviluppo culturale. Varie culture sono sviluppate in diverse circostanze geografiche, storiche e politiche, ma contemporaneamente sono cresciute alla vista dell ‘”umanità” attraverso l’E.I.
Terra ibrida, discutendo di moltitudine
La tecnologia digitale che trascende il tempo e lo spazio e rende possibile il networking ha legato la terra in una singola comunità, integrando il mondo in un mercato unico. All’interno di un’app installata sui nostri smartphone, 10 miliardi di persone in tutto il mondo trascendono i loro confini religiosi, etnici e nazionali e sono collegati in rete. L’umanità vive attualmente in una “generazione di moltitudine” che nessun’altra generazione ha mai vissuto.
La biennale che riunisce artisti e studiosi di diverse religioni, etnie e nazionalità per discutere le questioni del passato, del presente e del futuro dell’umanità sarebbe la forma di esposizione più adatta per questa generazione di moltitudine. A differenza della letteratura, del cinema e di altri settori culturali, questo è un palcoscenico unico che può essere offerto solo attraverso il genere artistico e la piattaforma della biennale. Il tema di “Hybridizing Earth, Discussing Multitude” della Biennale di Busan è ben allineato a questo concetto. Il mondo “ricco ma impoverito” derivante dall’ibridazione della tradizione e del moderno; uomo e natura; Est e Ovest; analogico e digitale; capitale e tecnologia; è ciò che è una terra ibrida. È un luogo che non deve mai essere ridotto a capitale e tecnologia, e un luogo in cui l’umanità che si confronta con la realtà inizia la loro resistenza e fuga.
“Hybridizing Earth, Discussing Multitude” è un luogo di discussione delle possibilità. È un luogo scomodo e angosciante che riflette sulle inefficienze del mercato e sull’irrazionalità umana e sulla vulnerabilità dell’arte al mercato e al suo sistema. Come la malinconia di Walter Benjamin, forse un documento di civiltà è un documento di barbarie allo stesso tempo. Spero che questa Biennale di Busan sarà la stessa.
Punti salienti
Lida ABDUL
In transito
Lida Abdul è famosa per le sue opere legate all’Afghanistan, il suo paese di origine. Il paesaggio che l’ha incantata nella terra che ha subito 35 anni di guerra è stato tracce di rovine. Il suo lavoro
Rina BANERJEE
Capelli lunghi intrecciati etnici e di razza, arrotolati e intrecciati. Oh, come ha fatto e fatto, mangiato, mangiato all’ombra, sonnecchiato e sporcato il suo riflesso per vedere queste nazioni fasulle che mi fanno piccole torte dolci.
Il lavoro di Rina Banerjee comprende persone sparse, corpi che popolano e impollinano terra, mare e aria. L’artista si dedica principalmente all’artigianato come rilegatura, cablaggio, cucitura e fissaggio. Si immerge nelle parti o nei materiali di collegamento che sono diventati frammentati e non compatibili perché non si sono davvero parlati. Continua ad avventurarsi nell’esplorazione estetica al fine di riscoprire nuove e diverse bellezze collegando frammenti impulsivamente selezionati di cose che ha raccolto in precedenza.
Aya BEN RON
Salvare
Aya Ben Ron espande il più possibile la memoria inconscia di un corpo malato, la percezione della morte e della moralità e il dolore in un contesto socio-storico. Tutti i suoi lavori si basano sull’esperienza che Ben Ron ha accumulato negli anni studiando a fondo manuali e schizzi, malattie e cure mediche. Ben Ron trascende i confini categorici delle due discipline. Nonostante l’evidente presenza di morte e dolore nel suo lavoro, non è possibile trovare alcun intervento sentimentale o glamour di morte e malattia. Aya Ben Ron mantiene una distanza emotiva e usa un cupo senso dell’umorismo per esplorare il più possibile le procedure mediche in un contesto socio-storico.
CHO Hyeongseob
Negozio moderno
Rinascimento, creazione e modernizzazione erano le parole preferite usate pubblicamente e come slogan politici negli anni ’70 e ’80 in Corea. Queste parole un tempo amate da tutta la nazione sono ora diventate uno spettacolo raro che si possono trovare solo sulle insegne della campagna. Da “Renaissance Store” che non sembra in grado di rianimare, “All Creation Store” che non sembra abbastanza grande da offrire tutti i tipi di creazioni, a “Modernization Store” che non sembra affatto moderno , le parole chiave del desiderio del tempo potrebbero essere percepite. L’intenso desiderio di abbondanza di un’era accompagnata da povertà, declino e assenza si connette al presente come un’ombra di ironia e irrazionalità. Cho Hyeongseob elabora i valori e gli ideali che abbiamo perso nei pezzi della nostra memoria o sui loro confini.
CHOI Kichang
Potresti correre a lungo
CHOI Sungrok
Operazione Mole-Endgame
L’artista Choi Sungrok è impegnato a trasformare il panorama e gli incidenti sociali, culturali, storici contemporanei in un’epopea usando le tecnologie digitali e i nuovi media. Il suo lavoro
Cytter Keren
Giardino di rose
Kiri DALENA
Dopo Mebuyan
Kiri Dalena che si occupa delle questioni sociopolitiche filippine è un artista e un attivista sociale. Il titolo del suo lavoro
Nel 2016, gli agricoltori della Provincia di Cotavato, situati nelle Filippine settentrionali, hanno dovuto affrontare progetti estremi a causa di El Nino. Oltre 6.000 agricoltori hanno formato una barricata umana dall’altra parte dell’autostrada per chiedere aiuto per il riso. Il governo delle Filippine ha inviato la polizia armata per dissolverli per compulsione usando cannoni ad acqua e baionette. Un contadino fu ucciso e decine di feriti nella forte dispersione.
Il numero 635 in
Folkert DE JONG
Business come al solito: “The Tower”
Folkert de Jong è noto soprattutto per le sue sculture e installazioni espressive che derivano da un forte fascino per la condizione umana psicologica e corporea. De Jong è interessato a riesaminare simboli culturali e figure storiche e il potenziale per la scultura di trasformare le narrazioni esistenti. In particolare, lo stile distintivo di De Jong è formato dal suo uso idiosincratico di materiali isolanti come poliuretano color caramello e polistirolo, una scelta che non era semplicemente un gesto anti-gerarchico. Questi materiali sono inquinanti e i loro effetti sull’ambiente sono radicalmente dannosi. Le opere esposte alla Biennale di Busan 2016 si basano sull’idea di The Descent of Man di Charles Darwin (pubblicata nel 1870) e The Myth of Sisyphus di Albert Camus. La straordinaria
FANG Lijun
2014-2015
Fang Lijun è uno degli artisti più influenti nell’arte cinese contemporanea. La figura “calva” nei suoi dipinti è diventata il simbolo più classico dell’arte cinese contemporanea e il suo stile di lavoro è stato definito come rientrante nella categoria del realismo cinico. Il realismo cinico era una resistenza contro la cultura in quei tempi. Pertanto, le espressioni che cercavano di staccarsi da temi pesanti e seri e da schermi precipitosi erano dominanti. <2014-2015> (2015) è un dipinto di 8 metri di larghezza, ed è una delle opere recenti più recenti di Fang Lijun. I numerosi, grandi bambini nel dipinto hanno le spalle al pubblico e affrontano l’enorme sole. La forte luce emessa dal sole sembra un’enorme energia emessa da un nucleo atomico. I bambini nel quadro fissano in silenzio la scena. Un’ironia così intensa ma tranquilla è la parte più avvincente delle opere recenti di Fang Lijun. Negli ultimi anni, i suoi lavori mostrano una tendenza dello schermo sempre più grande. Inoltre, mentre le sue opere passate riguardavano principalmente figure calve, sempre più figure di bambini sono presenti nelle sue opere recenti. Ciò potrebbe essere strettamente correlato al fatto che abbia avuto una figlia nel 2005. La nascita di sua figlia deve essere stata un cambiamento significativo per Fang Lijun in cui la sua vita si è trasformata in quella di un padre e che si è inconsciamente sciolta nella sua vita personale, influenzando inconsapevolmente stile di lavoro.
Zoro FEIGL
Districare le maree
Il lavoro di Zoro Feigl è composto da movimenti e varie tracce lasciate da tali movimenti. Il suo lavoro è un’installazione potente ma elegante creata dalla combinazione di energia cinetica fornita alle corde e ai motivi ripetuti. In
Ibelisse GUARDIA FERRAGUTTI
cimosa
‘Non c’è suono senza movimento, nessuna immagine senza suono. Questi tre elementi sono complici necessari che si intrecciano irrimediabilmente. “La performance di Ibelisse
Probir GUPTA
Requiem
Hong Wonseok
HONG Progetto di servizio autista Wonseok – JOYOUS EXPERIENCE, SOCAR
HU Jieming
Sincronia
Saleh HUSEIN
E tutto intorno a noi è bello
Erdal INCI
Taksim Spiral
L’artista multimediale ErdalInci sperimenta i movimenti clonati attraverso il suo lavoro video. L’artista crea video ipnotici o file GIF di se stesso che si muove attraverso spazi pubblici portando a volte luci o altri oggetti. Inci sembra non essere altro che un’ombra, o scompare completamente a seconda della sua esposizione alla luce, creando un video ancora più misterioso e sognante. Inci si è concentrato sul fatto che se continua a clonare la performance registrata, il video si sposterà perennemente. Tutte le fasi temporali degli stessi movimenti possono essere viste in brevi momenti come 1 o 2 secondi. Inci pensava che ciò potesse dare allo spettatore la possibilità di pensare come un coreografo che dirige un folto gruppo di persone o un pittore che può riempire una cornice non con forme o colori ma con movimenti. ErdalInci è stato ispirato dai modelli utilizzati nelle arti e nei mestieri tradizionali, nella danza e nella ripetizione. Il suo lavoro può essere descritto come una sintesi di movimento, prestazioni e ambienti reali.
JANG Jaerok
Un altro paesaggio
Jang Jaerok era affascinato da gigantesche strutture artificiali e delicati dispositivi meccanici. Pertanto, i suoi dipinti orientali sono disegnati come una pianta del pavimento, usando segni su un righello, come se tutte le distanze fossero misurate meccanicamente. Sono tutt’altro che allegri o vivaci dipinti tratteggiati con un tratto di pennello. Il mondo in cui viviamo è pieno di macchine e strutture artificiali. L’artista non dipinge semplicemente l’aspetto esteriore di una macchina perfettamente rifinito. Le macchine o le strutture nel suo lavoro sembrano una bizzarra e terrificante carta anatomica.
JIA Aili
Eremita dal Pianeta Ⅱ
La regione nord-orientale della Cina è il cuore dell’industria pesante della Cina, nonché un luogo in cui si sono verificati numerosi eventi storici nella storia moderna della Cina. Il nordest e la regione settentrionale hanno provocato la rapida crescita economica della Cina in precedenza, ma hanno subito un declino economico dagli anni ’80 agli anni ’90. Di conseguenza, la maggior parte delle fabbriche dell’industria pesante è fallita o chiusa, lasciando centinaia e migliaia di operai che cambiano o abbandonano il lavoro. In un batter d’occhio, l’egualitarismo assoluto nell’economia pianificata del passato si trasforma in un’economia di mercato basata sulla performance. La sfortuna e la desolazione, compresi gli operai della fabbrica, la società divenne cicatrici e dolori dei tempi. La parte più saliente dell’opera di Jia Aili, che ha osservato a fondo quel particolare periodo di tempo, è la scena “in rovina”. Per dare la sensazione che le cose siano “in rovina”, Jia Aili dipinge macchine e persone sfocate e sfocate nel suo lavoro. Ciò consente agli spettatori di immaginare e sentire l’ambiente caotico e la solitudine di un individuo. Le vite delle persone manifestate nei suoi dipinti portano tutte una sensazione di impotenza dei tempi, e gli umani rimangono solo esseri deboli e stanchi contro lo schermo gigantesco. Le sue opere ci fanno riflettere sul nostro passato e parlano di un triste futuro in cui siamo costretti a fare i conti con la realtà. Nonostante il palcoscenico della nuova opera di Jia Aili
JIN Yangping
Balloon Hit NO.1
L’artista Jin Yangping gode della disillusione e del disgusto del modernismo e del socialismo e crea apertamente “dipinti di classe B”. I “dipinti di classe B” descrivono la tendenza a distorcere e rovesciare apertamente valori e forme tradizionali al fine di attaccare le debolezze universali dello spirito dell’umanità e la fondamentale vulnerabilità dell’esistenza umana contemporanea. Come se il decostruttivismo denuncia la natura oppressiva dello stalinismo e decostruisce il metadisco del neoliberismo, l’artista attacca sia la forma che il contenuto dell’arte cinese dei tempi. Jin Yangping prende in giro la creatività e l’originalità e non persegue il completamento delle opere. Il suo lavoro è espresso in modo discontinuo, casuale e frammentato. Le opere di Jin Yangping sono “filosofia anti periodica”, ed è così che dipinge un “artista di classe B”.
Reena KALLAT
Vite sillabate
KIM Hak-J
tra desiderio e universo
Kim Hak-J pone una domanda: “l’intelligenza sciamante del mondo ha davvero guadagnato simpatia e si sta muovendo nella giusta direzione?” L’umanità lascia tracce della sua vulnerabilità in ogni periodo della storia in modo che non sia un’esagerazione descrivere la storia dell’umanità ” storia del desiderio ‘. Le forme che i migliori valori rappresentati dall’intelligenza dello sciame di oggi adottano possono essere definite come tecnologia che si sta rapidamente sviluppando e la nostra conseguente presenza nello spazio. L’artista cerca di esprimere il consolidamento dell’intelligenza del mondo per l’ottenimento di tali valori e l’ombra oscura del desiderio nascosto dietro i conflitti. Un falso satellite è installato sul pavimento e sul muro come una tomba, e le fotografie attaccate alle ali del satellite presentano codici iconici per “fenomeni schizofrenici” e “desiderio” che si basano sul libero flusso del capitale monetario del “capitalistico” machine ‘, l’unica società che si basa sul flusso decodificato come proposto da Gilles Deleuze e Felix Guattari. Le immagini di un robot che fa una passeggiata solitaria in un vasto spazio e un umano sono proiettate sulla superficie del muro per creare un’atmosfera “implicita” nel suo insieme. “Space Oddity” del pioniere della musica pop David Bowie, che parla della comunicazione con un alieno e 10 CC “Non sono innamorato” sono tagliati e suonati.
KWON Sunkwan
La valle delle tenebre
Kwon Sunkwan mostra una scena legata alla nostra storia moderna con il suo lavoro
La scena selezionata da un gran numero di possibilità, la fotografia oscura, parla dell’importante evento storico coperto dalla nebbia nebulosa senza che siano state prese misure. Certamente, nella scena viene catturato il semplice fatto, ma non aprendolo e mostrando qualcosa che non può essere visto, l’artista lascia la tenda nera scura al pubblico per sollevarsi da solo.
LEE Seahyun
Tra Red-187
I paesaggi scarlatti di Lee Seahyun hanno un impatto visivo molto forte, quasi a indurre allucinazioni. Le opere sono innaturali e non realistiche. Tuttavia, attraversa la fantasia sognante, osservali più da vicino e incontrerai paesaggi piuttosto familiari e molto reali. La natura che ci circonda, edifici, città ed eventi hanno occupato completamente i dipinti. Le sue opere sono realistiche e belle, ma un po ‘dolorose. Questo perché un singolo dipinto contiene le quattro fasi della vita e tutti i tipi di emozioni che l’uomo e la natura hanno. Rivela la prospettiva violenta insita negli umani senza alcuna moderazione, mostra senza mezzi termini le ferite della storia inscritte nella natura e mostra un nuovo modo di ragionare su Oriente e Occidente, uomini e natura. Le sue opere abbracciano le ferite sia dell’uomo che della natura.
Lee Leenam
Terra ibrida
Lo sviluppo della scienza e della tecnologia moderne ha portato a scambi tra culture e cambiamenti di percezione. In particolare, l’uso dei media da parte degli umani ha permesso la realizzazione di una nuova forma d’arte in cui politica, cultura e tecnologia sono combinate. Inoltre, dal punto di vista del postmodernismo, i media sono molto più continui e rivoluzionari di qualsiasi avanguardia. Questo secolo di rivoluzione tecnologica partendo dai video non ha portato solo alla riproduzione della realtà virtuale e alle tecnologie digitali altamente avanzate, ma anche alla scultura virtuale di oggi. I nuovi media digitali hanno permesso alle persone di tutto il mondo di muoversi liberamente attraverso il tempo e lo spazio del passato, del presente e del futuro. Ha portato cambiamenti nella percezione visiva e nel paradigma.
I media, che ricostruiscono l’ibridazione con l’afflusso di vari elementi culturali a causa dello sviluppo del capitalismo e della globalizzazione, sono stati realizzati attraverso interazioni tra vari fattori quali cultura, storia, fenomeno sociale, caratteristiche dei media e dei messaggi. I media ibridi hanno creato una nuova ideologia attraverso portatori di media come razza, lingua, segno, immagine e cultura. Lee Leenam cerca di esaminare come i media hanno a che fare con l’ibridazione della terra, o la realtà di oggi che è rappresentata dall’ibridazione della terra. Indossa la VR e ti ritroverai in uno spazio virtuale pieno di personaggi cinesi in 3D. Questa è la visualizzazione del sistema cognitivo umano influenzato dalla mescolanza di vari media come lettere e film. Il modo in cui le immagini dei personaggi cinesi, che hanno una storia di lunga data come “lettere”, scompaiono come dati, un pixel in uno spazio digitale mette in discussione l’essenza e il valore di un soggetto.
LI Ming
Movimento
Li Ming ha continuato gli studi che perforano il nucleo del rapporto tra individui e società attraverso opere video e performance. L’artista stesso è presente nelle tre opere presentate in questa mostra e il suo corpo diventa un buon parametro pratico che rappresenta i pensieri dell’artista. Nel lavoro video con un tempo limitato, l’artista continua all’infinito movimenti ripetitivi usando il suo corpo, e questo continua fino a quando non è completamente esaurito fisicamente e psicologicamente. La sua “ossessione” implicita nelle sue opere è molto allettante. <361> (2014-2016) è un film sulla rottura di 361 accendini usa e getta. Per questa performance, Li Ming ha studiato a fondo la letteratura sugli accendini usa e getta e la produzione di film documentari. L’artista ha condotto studi sull’autoriflessione, su come funziona un’intera comunità anche in assenza di determinati obiettivi personali e lo sgomento causato dall’identità sociale.
Laura LIMA
ascenseur
Laura Lima ha prodotto un corpus di lavori che lei stessa chiama “immagini”. Le “immagini” di Lima non sono performance, né installazione, né cinema. Le “immagini” utilizzate dall’artista sono opere concettualizzate di un accumulo di chiarezza visiva e fermezza fattuale. Tra le opere che simboleggiano progetti così rigorosamente concettuali,
Questa è la prima volta che il suo lavoro
LIU Xinyi
Il centro del mondo
Attraverso le sue opere, Liu Xinyi mostra il suo profondo interesse per gli scontri e le soluzioni di cultura internazionale. Il suo
Dana LIXENBERG
Tribunali imperiali
Il progetto
Xavier LUCCHESI
Isabelle
L’artista Xavier Lucchesi ha tentato di esprimere le immagini senza usare una macchina fotografica. Per fare ciò, Lucchesi ha utilizzato apparecchiature diverse dalle telecamere in grado di creare immagini totalmente diverse. Ha usato apparecchiature a raggi X e scanner per produrre immagini. Le sue immagini non seguono il modo più comune di creare immagini, ma si formano facendo passare i raggi attraverso gli oggetti. I raggi X diretti verso la superficie dell’area dietro un oggetto rimuovono l’ombra dell’oggetto reale. Questa è l’ombra, l ‘”illusione” che possiamo vedere. Un raggio che passa attraverso un oggetto non significa semplicemente un movimento dall’estremità da un lato all’altro. Il fatto che un raggio passi attraverso un oggetto significa che la presenza dell’oggetto è chiaramente nota, e questo è come un osservatore che guarda dritto negli occhi di una persona e vede attraverso la sua anima. Quando Lucchesi si avvale di capolavori come i dipinti di Picasso per le sue opere, cerca di non rivelare il lato nascosto dell’opera ma esprime solo scene visivamente drammatiche. Inoltre, si concentra sul fatto che esiste un punto di convergenza in cui il potere del cervello incontra la capacità del cervello di simulare e disegnare ciò che non è stato ancora rivelato o visto.
Zanele MUHOLI
Il matrimonio di Avanda e Nhlanhla Moremi
Mentre molti paesi in Africa hanno emanato leggi omofobe e hanno espresso fanatismo nei confronti degli omosessuali occidentali, la Repubblica del Sud Africa si è distinta da loro promulgando una legislazione che riconosce i matrimoni omosessuali. Tuttavia, gli afroamericani LGBT (minoranza sessuale tra cui lesbiche, gay, bisessuali, transgender, intersessuali) soffrono di crimini d’odio. Le lesbiche nere che sono particolarmente vulnerabili tra loro spesso diventano vittime di omicidi a sangue freddo o subiscono “stupri con il pretesto del trattamento” da parte di persone che li circondano o dei loro cosiddetti “amici”. Nel 2013, Muholi ha registrato eventi che sembrano collegare felicità e tristezza, una cerimonia di nozze e un funerale di persone nella comunità LGBT nera nella Repubblica del Sudafrica. L’installazione fotografica di ZaneleMuholi mostra come un evento triste e un evento felice possano condividere somiglianze. Questo lavoro sottolinea la necessità di spazio per l’espressione dell’identità di un individuo.
OH Younseok
Ricordi nascosti-erba 1, 2
L’argomento principale della serie
OLTA
Walking Cascade
OLTA è un gruppo formato nel 2009 da 6 artisti giapponesi che si sono laureati in Pittura alla Tama Art University. La nostra vita quotidiana brulica di enormi quantità di informazioni come i video trasmessi dai media. OLTA confronta tali esperienze con i media digitali con una cascata in
ORLAN
Bejing Opera Self Hybridization n ° 6
ORLAN usa il proprio corpo come materiale e un supporto visivo per le sue opere. Usa il proprio corpo come spazio per dibattiti ed esposizioni. È la capostipite della body art e una figura di spicco nell ‘”arte carnale” definita nella Dichiarazione del 1989. La tenacia e la libertà di ORLAN sono parti essenziali delle sue opere. Aderisce all’atteggiamento di innovare, mettere in discussione ed essere distruttiva in tutte le sue opere. ORLAN distrugge il processo di pensiero “pronto” e le abitudini implementando incessantemente modifiche fondamentali ai dati. Si oppone al tipo dominante come il determinismo sociale, politico e naturale, lo sciovinismo maschile, la religione, la divisione culturale e la discriminazione razziale. ORLAN non solo descrive il corpo femminile del periodo barocco e l’iconografia religiosa, ma esplora anche la cultura dell’India e della Cina prima che Colombo scoprisse le Americhe. Allo stesso tempo, esamina la loro realtà fisica, emotiva e virtuale usando le più moderne tecnologie scientifiche, biologiche e informatiche. Nel suo recente lavoro in serie
Tanja OSTOJIĆ
Strategie di successo / Serie di curatori
Tanja Ostojic è un’artista pratica che conduce studi poliedrici e pone domande su questioni che la società europea e il mondo dell’arte affrontano utilizzando vari media come performance, video e fotografie.
PARK Jihye
Affetto
Il criterio con cui vengono definiti i valori di un individuo può essere classificato secondo gli standard sociali. In altre parole, sorgono conflitti quando tali valori sono accettati da influenze esterne o si frustrano. Tuttavia, i desideri individuali sono limitati almeno in una certa misura in quanto sono regolati da standard sociali. Pertanto, le forme di ciascun desiderio individuale possono differire, ma l’ansia psicologica causata da tali pressioni sociali è inerente a ogni relazione e tale ansia collega un individuo all’altro in modo complicato. Ciò si esprime sotto forma di violenza continua nella società moderna. Riconosco tale violenza come un problema legato alle relazioni e alla sua interattività e cerco di disporle sotto forma di un’opera d’arte. La contemplazione delle relazioni è strettamente correlata non a un’esistenza gigantesca, ma all’amore, alle relazioni romantiche, alla gelosia, alla compassione e a coloro che sono più vicini alla vita quotidiana di un individuo. La relazione più stretta è uno spazio dominato da molti più costumi, miti e formalità rispetto a qualsiasi altra relazione. Quello spazio può sembrare un luogo creato da un incontro tra due individui, ma in realtà è un luogo complicato in cui numerosi concetti e desideri si scontrano, si scambiano e scendono a compromessi, e un luogo in cui i conflitti di base sono inattivi. L’artista cattura l’ossessione unilaterale, i desideri nascosti dietro relazioni strette e la violenza che giace sotto la superficie presente nelle relazioni combinando esperienze personali e incidenti della vita reale con oggetti simbolici, storie o fiabe. Produce un video immensamente realistico ma irrealistico creando situazioni aggressive in cui non solo affetto e conflitti nelle relazioni, ma anche ironie nascoste, conflitti e ansia di formare relazioni con le società si intersecano in una giunzione in cui il tempo orizzontale e il tempo verticale si incrociano .
Hung-Chih Peng
God Pound Busan
Le statue dei Diminutive God divennero particolarmente popolari durante una mania del gioco d’azzardo a Taiwan negli anni ’80. Dopo aver fallito nel dividere con successo un numero vincente, molti di questi furono abusati e abbandonati nei centri di riciclaggio, proprio come il modo in cui i cani vengono mandati in sterline quando non sono in grado di soddisfare le aspettative gonfiate e irrealistiche dei loro proprietari. Quindi, in quello che sembra un caso piuttosto straordinario di inversione, l’umanità si è presa la libertà di punire gli dei, apparentemente senza timore di punizione. Inoltre, questi dei erano comodamente incorporati in una dimensione facilmente manipolabile. Per l’installazione
Pushpamala N
Good Genes – Hygiene
L’artista utilizza modelli medici per eseguire varie mosse con l’aiuto dei suoi amici. Le mosse che ricordano una cerimonia religiosa vengono eseguite su un palco come un affascinante spettacolo di magia. Questo video fa parte di un progetto a lungo termine fatto per rispondere a una domanda sul concetto di Pushpamala N. di uno stato-nazione. Nel video, esamina un progetto del governo volto a creare una comunità ideale attraverso la storia di antropologia, etnologia ed eugenetica. Nel suo lavoro, esegue le mosse da sola e svolge il ruolo di “risultato” e di “agente” della storia che si posiziona al centro dell’esplorazione.
Joanna RAJKOWSKA
Mio padre non mi ha mai toccato così
Il lavoro video di Joanna Rajkowska
Robin RHODE
La luna dorme
Robin Rhode utilizza in genere materiali comuni come sapone, carbone, gesso e acquerelli per esprimere un’epopea della bella vita in termini di performance, disegno e video. L’artista che esprime a suo modo ampi interessi su questioni sociali e politiche fonda principalmente le sue opere sulle strade e migliora l’estetica complessa per creare bellissimi disegni murali. Il suo
SHEN Shaomin
Storia dell’arte
Shen Shaomin è un artista cinese che lavora nell’arte concettuale e nell’installazione. Le sue opere sono principalmente legate a studi e riflessioni su alcuni dei problemi che esistono nella storia dell’arte. Allo stesso tempo, rivela e critica costantemente problemi nella società moderna come “opinion leader”. Il suo recente lavoro
KATHARINA SIEVERDING
GUARDANDO IL SOLE A MEZZANOTTE (ROSSO)
L’opera di KATHARINA SIEVERDING mostra il sole che brilla nell’oscurità della notte dalla terra. Dal tramonto all’alba, il sole è davvero pieno di colori diversi. KATHARINA SIEVERDING si concentra sulle interconnessioni tra esseri viventi e universo. L’artista ha ricevuto informazioni visive dal Solar Dynamics Observatory lanciato dalla NASA nel 2010 e le ha trasformate in un’opera d’arte. Attraverso questo lavoro, collega le varie sfaccettature della scienza e della biopolitica con la sacra esistenza umana.
SIGNER romano
Installazione con sabbia, sedie, secchi e acqua
Gli eventi artistici che Roman Signer costruisce per noi si basano su processo, gioco, esperimento e meraviglia. I suoi materiali sono elementari fenomeni fisici-osservazioni ancor più sorprendenti in vista dell’umorismo che informa l’opera di questo artista. Questi elementi mostrano quel fantastico mondo dell’umorismo. È un marchio estremamente sottile di umorismo ancora da scoprire nel mondo dell’arte. La serenità, la chiarezza e la leggerezza delle azioni di Signer ci colpiscono. Sono privi della bellezza tautologica di una certa arte negli anni Settanta che si agonizzò rettamente nel tentativo di dimostrare che l’acqua scorre e una sedia è una sedia. I gesti del firmatario non sono eroici, anche se, apparendo come un drammaturgo di suspense, provoca un rilascio esplosivo, persino una detonazione psicosensuale. Non ricopre il ruolo atteso dell’artista geniale e individualista, ma attira l’attenzione su un oggetto scoprendo e rilasciando il suo potenziale sorprendente e insospettato. Conosciamo le possibilità delle normali bombolette spray e stivali di gomma, biciclette e sedie da cucina, ma impariamo anche quanto siano limitati sia l’orizzonte delle nostre conoscenze sia il nostro rapporto con le cose di questo mondo.
Shinique SMITH
Nessuna polvere, nessuna macchia
Le tre opere performative di Shinique Smith riguardano principalmente gesti, oggetti e ispirazione concettuale. Le sue opere sono state influenzate dall’astrologia, dall’alchimia, dalla mitica poesia lirica e dai movimenti delle intersezioni urbane. Creato in collaborazione con l’artista Gary Pennock,
SOHN Junghee
Allegato
Sohn Junghee si concentra sulla realizzazione dei sogni nascosti profondamente dentro di lei attraverso l’uso dell’argilla. Come una volta Pablo Picasso ha detto “Tutto ciò che puoi immaginare è reale”, il mondo immaginario che esprime diventa reale nel momento in cui crea e cuoce l’argilla a mano. Il tema delle opere di Sohn Junghee è venuto dalla sua vita quotidiana. Leggere fiabe come Biancaneve ai bambini piccoli, distorcere e satirizzare i lieti fine sono diventati il concetto delle sue opere e, con il passare del tempo, ha cercato varie fonti per le sue opere in tutte le età e in tutti i paesi. Tali storie sono state trasformate attraverso l’interruzione dell’immaginazione dell’artista e funzionano come un’allegoria di distorsione o satira e critica nei fenomeni sociali. I sentimenti comuni che si trovano in tutte le opere di Sohn Junghee sono simpatia, umorismo, brama (risentimento) e impennata. L’amore profondo e l’affetto per gli umani sono trasmessi nelle sue opere.
CANZONE Kicheol
Già pacificamente esistente qui come sempre.
Osservando i cadaveri di bambini lavati a riva, sento nelle mie ossa che viviamo in un mondo libero ma non del tutto libero. Quelle che possono muoversi liberamente attraverso le barriere territoriali sono cose non viventi. Tali barriere esistono come fantasmi invisibili tra territori, territorio e vita e vite. Ci separano all’infinito e ci disabilitano nell’affrontare le vere ostilità. Questa separazione non è la stessa dell’apartheid, la famigerata segregazione razziale della Repubblica del Sudafrica in passato.
Studio CONTESTO
Cocoon 2
Lo Studio CONTEXT è iniziato alla Aarhus School of Architecture in Danimarca e mostra i risultati di una combinazione della devozione e delle tecnologie messe in campo da studenti, architetti e cittadini di vari paesi del mondo. Lo Studio CONTEXT studia architettura sostenibile e abitazioni che riflettono fenomeni geografici, storici, antropologici e sociali. Esplora anche i progetti in cui diversi elementi culturali sono mescolati insieme. Alla Busan Biennale 2016 lo Studio CONTEXT espone il progetto
TAMURA Satoru
Punto di contatto n. 2
“Punto di contatto n. 2”, semplicemente ma, è un interruttore aperto, esagerato. È un dispositivo progettato solo per fornire energia elettrica per illuminare la lampada. Il punto di contatto crea una scintilla pallida, le lampade a incandescenza insieme a un lampeggio e diventa la prova fisica che esiste un “contatto” elettrico. Le lampade a incandescenza funzionano solo per il contatto che scintilla e il contatto che scintilla serve solo ad accendere le lampade a incandescenza. Il punto del lavoro è questa esistenza fisica estremamente immediata, che gira e rigira. Tamura Satoru ci mostra come affrontare la realtà in modo conscio o forse inconscio.
Non tutto nella società in cui viviamo esiste per diventare qualcosa. Siamo solo noi, umani, che ci impegniamo a fondo per trovare la ragione di tutto e bramarli. Gli esseri umani che vivono in una società capitalista distruggono indiscriminatamente la natura in nome dello sviluppo e della crescita, si escludono a vicenda e creano conflitti basati su una fede cieca che non riconosce le differenze di razza, religione e società. Queste sono tutte variazioni dei desideri umani. L’artista non stabilisce un obiettivo o cerca di discutere qualcosa quando fa un’opera d’arte. Tuttavia, il suo lavoro ci consente di ripristinare le lenti attraverso le quali vediamo la realtà e la società, nonché di riflettere sui modi di vivere che esistono oltre la sofferenza mondana.
Nobuko TSUCHIYA
L’inizio del tempo
Nobuko Tsuchiya stimola le emozioni delle persone, si sforza di creare qualcosa che possa suscitare consapevolezza sul mondo di un individuo e cerca di riconoscere chiaramente la relazione tra ricordi e immaginazione. Le sue opere sono accumulazioni di decisioni prese usando una varietà di pensieri e cose linguistiche, musicali, logiche, funzionali, sensuali ed empiriche o anche qualcosa che non può essere definito. Attraverso questo lavoro, l’artista cerca di comprimere i componenti delle sue opere nella massima misura possibile in modo che raggiungano un certo punto tra equilibrio e disequilibrio.
Yangachi
Old Spice, versione Lang
Han River.
Salgo su una casa ampia e grande. Proprio lì, un lupo grigio con la faccia di un uomo si fa avanti e mangia le persone una dopo l’altra. Fa schifo il loro sangue.
Il tetto diventa visibile mentre salgo l’enorme casa e di fronte vedo un’enorme nave fatta di legno. Mentre guardo, la nave inizia a tremare avanti e indietro come una nave pirata in un parco di divertimenti. Shuuuk, shuuuk.
Prima di saperlo, sono seduto all’estremità destra della nave e guardo in basso. Scendo dall’enorme casa e inizio a camminare lungo la strada.
Quindi mi alzo.
YU Sunghoon
la mostra dello spazio
Yu Sunghoon considera l’utilizzo di uno spazio costruito come un magazzino a Busan per la sala espositiva principale della Biennale di Busan 2016 abbastanza significativo nella storia geologica di Busan poiché è stato trasformato oggi in uno spazio urbano grazie al suo speciale backgroud storico. Per 5 mesi il processo di cambiamento in un determinato luogo è stato registrato per
YUN Pilnam
Fantasia fatta a mano
Quando una piccola impronta digitale incontra uno smartphone, tutto si svolge davanti agli occhi. Sono mondi visibili attraverso gli occhi e visibili nella mente. Tutti i tipi di parole e testi fluttuanti intrappolati in una piccola cornice hanno un potere universale in essi, ma vengono facilmente permeati, contaminati e svaniscono. Proprio come la polvere gialla copre il mondo di polvere, il mondo è pieno di testi e immagini. Mentre prestiamo attenzione alla luce, al suono, al gusto e al tocco dall’esterno, le nostre vite quotidiane si frantumano e lampeggiano come una lampada rotta. Ad un certo punto, il lavoro manuale che richiede il movimento del corpo così come il tempo e lo sforzo sta perdendo il suo prezioso valore. Il lavoro oggi è qualcosa che è diventato molto faticoso, ritardato dall’interferenza di un terminale, e alla fine è rimasto incompiuto. Il corpo diventa un peso pesante nel risveglio della mente e lo spirito diventa rumore nell’inerzia del corpo. Tuttavia, l’artista sostiene che il potere che effettivamente muove e ripristina il mondo proviene dal lavoro manuale. Yun Pilnam aspira a dichiarare che dovremmo cercare il flusso della vita quotidiana che non si unisce al lavoro manuale che non smette mai di muoversi.
Katarina ZDJELAR
Tutto sarà
Il video di Katarina Zdjelar
ZENG Hao
20 giugno 2002
Zeng Hao cattura lo stato mentale di un individuo, l’impressione personale e i cambiamenti ambientali che ha sentito nella tela. Articoli comuni come letto, armadio, vaso e immagini di personaggi timidi si trovano nei suoi dipinti. In particolare, <04:06 di maggio. 9th, 1998> (1998) è una delle serie delle sue opere principali e consente agli spettatori di immaginare storie dietro l’opera attraverso la disposizione di vari oggetti di scena come personaggi, famiglia ed elettricità in una combinazione apparentemente irrilevante. Le immagini di famiglie o spazi disegnate da Zeng Hao connotano la sensazione di ambiguo isolamento che è difficile da indovinare e, sebbene sembrino perfetti, evocano la sensazione di desolazione mentre sono disegnati in prospettiva. Sembra che l’artista stia usando il suo lavoro come metafora della natura vulnerabile delle relazioni e delle realtà delimitate della società moderna di oggi.
ZHOU Wendou
ADHD
Zhou Wendou usa uno stile concettuale di creazione e un linguaggio umoristico dell’arte per esprimere una prospettiva leggermente diversa dalle altre opere cinesi contemporanee.
Biennale di Busan 2016
La Biennale di Busan è un festival artistico completo che ha integrato tre diversi festival che si sono tenuti in città: Busan Youth Biennale, Busan Sea Festival e Busan Outdoor Sculpture Symposium.
Con una lunga storia di servizio come roccaforte dell’arte in Asia, Busan è il luogo perfetto per ospitare un festival d’arte per la regione e oltre. L’evento d’arte della Biennale è stato ideato per presentare una facile interpretazione dell’arte contemporanea di difficile comprensione e renderla più accessibile al grande pubblico.
Il festival funge da arena dove i locali possono mescolarsi con persone di altri paesi e comunicare tra loro.
La Biennale di Busan sarà consolidata come evento culturale rappresentativo per la Corea e, in definitiva, raggiungerà un riconoscimento mondiale.