L’Art Deco, a volte indicato come Deco, è uno stile di arti visive, architettura e design che è apparso per la prima volta in Francia poco prima della Prima Guerra Mondiale. Art Deco ha influenzato la progettazione di edifici, mobili, gioielli, moda, automobili, cinema, treni , transatlantici e oggetti di uso quotidiano come radio e aspirapolvere. Ha preso il suo nome, abbreviazione di Arts Décoratifs, dall’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne) tenutasi a Parigi nel 1925. Ha unito stili modernisti con artigianato raffinato e materiali ricchi. Durante il suo periodo di massimo splendore, Art Deco rappresentava il lusso, il glamour, l’esuberanza e la fiducia nel progresso sociale e tecnologico.
L’Art Deco era un pastiche di molti stili diversi, a volte contraddittori, uniti dal desiderio di essere moderni. Fin dall’inizio, Art Deco è stato influenzato dalle forme geometriche audaci del cubismo; i colori vivaci del fauvismo e dei balletti russi; l’artigianato aggiornato dei mobili delle epoche di Luigi Filippo e Luigi XVI; e gli stili esotici della Cina e del Giappone, dell’India, della Persia, dell’antico Egitto e dell’arte Maya. Presenta materiali rari e costosi, come l’ebano e l’avorio, e l’arte squisita. Il Chrysler Building e altri grattacieli di New York costruiti negli anni ’20 e ’30 sono monumenti in stile Art Deco.
Pittura:
Non c’era nessuna sezione riservata alla pittura all’Esposizione del 1925. La pittura art deco era per definizione decorativa, progettata per decorare una stanza o un’opera di architettura, quindi pochi pittori lavoravano esclusivamente nello stile, ma due pittori sono strettamente associati all’Art Deco. Jean Dupas dipinse murales in stile Art Deco per il padiglione di Bordeaux all’Esposizione di Arti Decorative del 1925 a Parigi e dipinse il quadro sopra il camino nella mostra della Maison de la Collectioneur all’Esposizione del 1925, che comprendeva mobili di Ruhlmann e altri importanti designer dell’Art Deco. . I suoi murales erano anche prominenti nell’arredo della nave oceanica francese Normandie. Il suo lavoro era puramente decorativo, progettato come sfondo o accompagnamento ad altri elementi del decoro. L’altro pittore strettamente associato allo stile è Tamara de Lempicka. Nata in Polonia in una famiglia aristocratica, emigrò a Parigi dopo la rivoluzione russa. Lì divenne studentessa dell’artista Maurice Denis del movimento chiamato Les Nabis e il cubista André Lhote e prese in prestito molti elementi dai loro stili. Ha dipinto quasi esclusivamente ritratti in uno stile Art Deco realistico, dinamico e colorato.
Negli anni ’30 una nuova forma drammatica di pittura Art Deco apparve negli Stati Uniti. Durante la Grande Depressione, il Federal Art Project dell’opera Progress Administration è stato creato per dare lavoro agli artisti disoccupati. A molti è stato affidato il compito di decorare edifici governativi, ospedali e scuole. Non c’era uno stile art deco specifico usato nei murales; gli artisti impegnati a dipingere murales negli edifici governativi provenivano da molte scuole diverse, dal regionalismo americano al realismo sociale; hanno incluso Reginald Marsh, Rockwell Kent e il pittore messicano Diego Rivera. I murales erano Art Deco perché erano tutti decorativi e legati alle attività nell’edificio o nella città in cui erano dipinti: Reginald Marsh e Rockwell Kent decoravano entrambi edifici postali statunitensi e mostravano impiegati postali al lavoro mentre Diego Rivera dipingeva gli operai delle fabbriche automobilistiche per il Detroit Institute of Arts. Il murale americano Progress per Rockefeller Center di Diego Rivera presentava un ritratto non autorizzato di Lenin. Quando Rivera ha rifiutato di rimuovere Lenin, il dipinto è stato distrutto e un nuovo murale è stato dipinto dall’artista spagnolo Josep Maria Sert.
Scultura:
La maggior parte della scultura del periodo Art Deco era, come suggerisce il nome, puramente decorativa; è stato progettato non per i musei, ma per ornare edifici per uffici, edifici governativi, piazze pubbliche e saloni privati. Era quasi sempre rappresentativo, di solito di figure eroiche o allegoriche legate allo scopo dell’edificio; i temi venivano solitamente scelti dal mecenate e la scultura astratta per la decorazione era estremamente rara. Era spesso collegato alla facciata degli edifici, in particolare sopra l’ingresso.
Sculture allegoriche della danza e della musica di Antoine Bourdelle sono state l’elemento decorativo essenziale del primo punto di riferimento in Art Deco a Parigi, il Théâtre des Champs-Elysées a Parigi, nel 1912. Lo scultore Aristide Maillol ha reinventato l’ideale classico per la sua statua del fiume (1939), ora al Museum of Modern Art di New York. Negli anni ’30, un’intera squadra di scultori realizzò la scultura per l’Esposizione Internazionale delle Arti e Tecniche del 1937 a La Vie Moderne a Chaillot. Gli edifici dell’Esposizione erano ricoperti di sculture a bassorilievo, statue. Alfred Janniot realizzò le sculture in rilievo sulla facciata del Palais de Tokyo. Il museo d’arte moderna della città di Parigi e la spianata di fronte al Palais de Chaillot, di fronte alla Torre Eiffel, erano affollati di nuove statue da Charles Malfray, Henry Arnold e molti altri.
Negli Stati Uniti, molti scultori europei formati all’Ecole des Beaux Arts di Parigi, andarono a lavorare; hanno incluso Gutzon Borglum, scultore del Mount Rushmore Lincoln Memorial. Altri scultori americani, tra cui Harriet Whitney Frishmuth, avevano studiato con Auguste Rodin a Parigi. Il crollo della borsa del 1929 distrusse in gran parte il mercato della scultura monumentale, ma rimase un grande progetto; il nuovo Rockefeller Center. Gli scultori americani Lee Lawrie e Paul Manship progettarono eroiche figure allegoriche per facciata e piazza. A San Francisco, Ralph Stackpole ha fornito la scultura per la facciata del nuovo edificio della Borsa di San Francisco.
Una delle più famose e certamente la più grande scultura Art Deco è il Cristo Redentore dello scultore francese Paul Landowski, completato tra il 1922 e il 1931, situato su una cima di una montagna che domina Rio de Janeiro, in Brasile. François Pompon è stato un pioniere della moderna scultura animalier stilizzata. Non fu pienamente riconosciuto per le sue realizzazioni artistiche fino all’età di 67 anni al Salon d’Automne del 1922 con l’opera Ours blanc, conosciuta anche come L’orso bianco, ora al museo d’Orsay a Parigi.
Molte delle prime sculture in stile Art Deco erano piccole, progettate per decorare i saloni. Un genere di questa scultura è stato chiamato la statuetta Chryselephantine, chiamato per uno stile di statue di tempio greco antico in oro e avorio. Uno dei più noti scultori art déco è stato il rumeno Demétre Chiparus, che ha prodotto piccole sculture colorate di ballerini. Tra gli altri scultori del salone, Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol e Gustav Schmidtcassel.
Parallelamente a questi scultori neoclassici, scultori più all’avanguardia e astratti erano all’opera a Parigi ea New York. I più importanti furono Constantin Brâncuşi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan e Joël Martel, Chana Orloff e Pablo Gargallo.
Arti grafiche:
Lo stile Art Deco apparve presto nelle arti grafiche, negli anni immediatamente precedenti la prima guerra mondiale. Comparve a Parigi nei manifesti e nei costumi di Leon Bakst per i Ballets Russes, e nei cataloghi degli stilisti Paul Poiret. Le illustrazioni di Georges Barbier e Georges Lepape e le immagini della rivista di moda La Gazette du bon ton hanno catturato alla perfezione l’eleganza e la sensualità dello stile. Negli anni ’20, l’aspetto cambiò; le mode stressate erano più casuali, sportive e audaci, con i modelli femminili che fumavano di solito sigarette. Riviste di moda americane come Vogue, Vanity Fair e Harper’s Bazaar raccolsero rapidamente il nuovo stile e lo rese popolare negli Stati Uniti. Ha anche influenzato il lavoro di illustratori di libri americani come Rockwell Kent. In Germania, il più famoso poster artist del periodo fu Ludwig Hohlwein, che creò poster colorati e drammatici per i festival musicali, le birre e, alla fine della sua carriera, per il Partito nazista.
Durante il periodo Art Nouveau, i manifesti di solito pubblicizzavano prodotti teatrali o cabaret. Negli anni 1920, i manifesti di viaggio, realizzati per le linee di navi a vapore e le compagnie aeree, divennero estremamente popolari. Lo stile è cambiato notevolmente negli anni ’20, per focalizzare l’attenzione sul prodotto pubblicizzato. Le immagini sono diventate più semplici, precise, più lineari, più dinamiche e spesso sono state posizionate su uno sfondo a colori singolo. In Francia i famosi designer di Art Deco hanno incluso Charles Loupot e Paul Colin, che è diventato famoso per i suoi poster della cantante e ballerina americana Josephine Baker. Jean Carlu ha progettato poster per film, soap e teatri di Charlie Chaplin; alla fine degli anni ’30 emigrò negli Stati Uniti, dove durante la guerra mondiale disegnò manifesti per incoraggiare la produzione bellica. Il designer Charles Gesmar divenne famoso facendo manifesti per il cantante Mistinguett e per Air France. Tra i più noti disegnatori di poster in stile Art Déco francese c’era Cassandre, che nel 1935 fece il celebre manifesto del transatlantico SS Normandie.
Negli anni ’30 un nuovo genere di manifesti apparve negli Stati Uniti durante la Grande Depressione. Il Federal Art Project ha incaricato artisti americani di creare poster per promuovere il turismo e gli eventi culturali.
Architettura:
Lo stile architettonico dell’art deco fece il suo debutto a Parigi nel 1903-04, con la costruzione di due condomini a Parigi, uno di Auguste Perret in rue Trétaigne e l’altro in rue Benjamin Franklin di Henri Sauvage. I due giovani architetti hanno utilizzato il cemento armato per la prima volta negli edifici residenziali di Parigi; i nuovi edifici avevano linee pulite, forme rettangolari e nessuna decorazione sulle facciate; hanno segnato una rottura netta con lo stile art nouveau. Tra il 1910 e il 1913, Perret utilizzò la sua esperienza in condomini di cemento per costruire il Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Tra il 1925 e il 1928 costruì la nuova facciata art déco del grande magazzino La Samaritaine a Parigi.
Dopo la prima guerra mondiale, edifici art déco in acciaio e cemento armato cominciarono ad apparire in grandi città in Europa e negli Stati Uniti. Negli Stati Uniti lo stile era più comunemente usato per edifici per uffici, edifici governativi, cinema e stazioni ferroviarie. A volte è stato combinato con altri stili; Il municipio di Los Angeles ha combinato Art Deco con un tetto basato sull’antico mausoleo greco di Alicarnasso, mentre la stazione ferroviaria di Los Angeles ha combinato Deco con l’architettura della missione spagnola. Elementi di Art Deco compaiono anche in progetti di ingegneria, tra cui le torri del Golden Gate Bridge e le torri di aspirazione della diga di Hoover. Negli anni ’20 e ’30 è diventato uno stile davvero internazionale, con esempi tra cui il Palacio de Bellas Artes (Palazzo delle Belle Arti) a Città del Messico di Federico Mariscal (es), la stazione della metropolitana Mayakovskaya a Mosca e il National Diet Building a Tokyo di Watanabe Fukuzo.
Lo stile Art Deco non era limitato agli edifici a terra; il transatlantico SS Normandie, il cui primo viaggio risale al 1935, era caratterizzato da un design Art Deco, tra cui una sala da pranzo con soffitto e decorazioni in vetro di Lalique.
Palazzi cinematografici:
Molti dei migliori esempi sopravvissuti dell’Art Deco sono i cinema costruiti negli anni ’20 e ’30. Il periodo dell’Art Deco coincide con la conversione dei film muti in suono e le compagnie cinematografiche costruiscono enormi teatri nelle principali città per catturare l’enorme pubblico che è venuto a vedere i film. I palazzi del cinema negli anni ’20 combinavano spesso temi esotici con uno stile art deco; Il Grauman’s Egyptian Theatre di Hollywood (1922) fu ispirato dalle tombe e dalle piramidi egiziane antiche, mentre il Fox Theatre di Bakersfield, in California, attaccò una torre in stile Missionario della California ad una sala Art Deco. Il più grande di tutti è il Radio City Music Hall di New York, inaugurato nel 1932. Originariamente concepito come un palcoscenico, si trasformò rapidamente in un cinema, che poteva ospitare 6.015 persone. Il design degli interni di Donald Deskey utilizzava vetro, alluminio, cromato e pelle per creare una fuga colorata dalla realtà Il Paramount Theatre di Oakland, in California, di Timothy Pflueger, aveva una colorata facciata in ceramica, una lobby di quattro piani e camere fumatori in stile Art Déco per gentiluomini e signore. Grandi palazzi simili sono apparsi in Europa. Il Grand Rex di Parigi (1932), con la sua imponente torre, era il più grande cinema europeo. Il Gaumont State Cinema di Londra (1937) aveva una torre modellata sul modello dell’Empire State Building, rivestita con piastrelle di ceramica color crema e un interno in stile Art Deco-Rinascimento italiano. Il Paramount Theatre di Shanghai, in Cina (1933) fu originariamente costruito come una sala da ballo chiamata La porta di 100 piaceri; fu convertito in un cinema dopo la rivoluzione comunista nel 1949, e ora è una sala da ballo e una discoteca. Negli anni ’30 gli architetti italiani costruirono un piccolo palazzo del cinema, il Cinema Impero, ad Asmara, nell’attuale Eritrea. Oggi molti cinema sono stati suddivisi in multiplex, ma altri sono stati restaurati e utilizzati come centri culturali nelle loro comunità.
Streamline Moderne:
Alla fine degli anni ’30, una nuova varietà di architettura Art Deco divenne comune; si chiamava Streamline Moderne o semplicemente Streamline, o, in Francia, lo stile Paqueboat, o stile Ocean Liner. Gli edifici nello stile avevano angoli arrotondati, lunghe linee orizzontali; erano costruiti in cemento armato ed erano quasi sempre bianchi; e talvolta aveva caratteristiche nautiche, come ringhiere che assomigliavano a quelle di una nave. L’angolo arrotondato non era completamente nuovo; era apparso a Berlino nel 1923 nella Mossehaus di Erich Mendelsohn, e più tardi nel Hoover Building, un complesso industriale nel sobborgo londinese di Perivale. Negli Stati Uniti, è diventato più strettamente associato ai trasporti; La razionalizzazione delle moderne era rara negli uffici, ma veniva spesso utilizzata per le stazioni degli autobus e i terminali aeroportuali, come il terminal dell’aeroporto La Guardia di New York che gestiva i primi voli transatlantici, attraverso le barche volanti del clipper PanAm; e nell’architettura stradale, come le stazioni di servizio e i commensali. Alla fine degli anni ’30 una serie di commensali, modellati su vagoni ferroviari semplificati, furono prodotti e installati nelle città del New England; almeno due esempi rimangono e sono ora registrati edifici storici.
Decorazione e motivi:
La decorazione nel periodo Art Deco attraversò diverse fasi distinte. Tra il 1910 e il 1920, quando l’Art Nouveau fu esaurito, gli stili di progettazione videro un ritorno alla tradizione, in particolare nel lavoro di Paul Iribe. Nel 1912 André Vera pubblicò un saggio sulla rivista L’Art Décoratif che chiedeva un ritorno all’artigianato e ai materiali dei secoli precedenti e utilizzava un nuovo repertorio di forme prese dalla natura, in particolare cesti e ghirlande di frutta e fiori. Una seconda tendenza dell’Art Déco, anche dal 1910 al 1920, è stata ispirata dai colori vivaci del movimento artistico noto come Fauves e dai coloratissimi costumi e set dei Ballets Russes. Questo stile era spesso espresso con materiali esotici come pelle di squalo, madreperla, avorio, cuoio colorato, legno laccato e dipinto e intarsi decorativi su mobili che enfatizzavano la sua geometria. Questo periodo dello stile raggiunse il suo culmine nell’Esposizione delle Arti Decorative di Parigi del 1925. Alla fine degli anni ’20 e negli anni ’30, lo stile decorativo cambiò, ispirandosi a nuovi materiali e tecnologie. Divenne più elegante e meno ornamentale. I mobili, come l’architettura, cominciarono ad avere i bordi arrotondati e ad assumere un aspetto levigato e aerodinamico, preso dallo stile moderno alla moda. Nuovi materiali, come l’acciaio cromato, l’alluminio e la bachelite, una prima forma di plastica, cominciarono ad apparire in mobili e decorazioni.
Durante tutto il periodo Art Deco, e in particolare negli anni ’30, i motivi decorativi decorarono la funzione dell’edificio. I teatri erano decorati con sculture che mostravano musica, danza ed eccitazione; le compagnie elettriche hanno mostrato albe, l’edificio Chrysler ha mostrato ornamenti stilizzati per cappe; I fregi del Palais de la Porte Dorée all’Esposizione Coloniale di Parigi del 1931 mostravano i volti delle diverse nazionalità delle colonie francesi. Lo stile Streamline faceva sembrare che l’edificio stesso fosse in movimento. I murales WPA degli anni ’30 vedevano la gente comune; operai, impiegati delle poste, famiglie e agricoltori, al posto degli eroi classici.
Mobilia:
I mobili francesi dal 1910 fino agli inizi degli anni ’20 erano in gran parte un aggiornamento degli stili di arredamento tradizionali francesi e dei design in stile liberty di Louis Majorelle, Charles Plumet e altri produttori. I produttori di mobili francesi si sentivano minacciati dalla crescente popolarità dei produttori e degli stili tedeschi, in particolare lo stile Biedermeier, che era semplice e pulito. Il designer francese Frantz Jourdain, il presidente del Salon d’Automne di Parigi, ha invitato i designer di Monaco a partecipare al Salon del 1910. I designer francesi hanno visto il nuovo stile tedesco e hanno deciso di affrontare la sfida tedesca. I designer francesi decisero di presentare nuovi stili francesi nel Salon del 1912. Le regole del Salon indicavano che solo gli stili moderni sarebbero consentiti. Tutti i principali designer di mobili francesi hanno partecipato a Salon: hanno partecipato Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare e Louis Süe, presentando nuove opere che hanno aggiornato gli stili tradizionali francesi di Luigi XVI e Luigi Filippo con più angolari angoli ispirati al cubismo e colori più luminosi ispirati al fauvismo e ai nabis.
Il pittore André Mare e il designer di mobili Louis Suë hanno entrambi partecipato al Salon del 1912. Dopo la guerra i due uomini si unirono per formare la propria compagnia, formalmente chiamata Compagnie des Arts Française, ma di solito conosciuta semplicemente come Suë e Mare. A differenza dei grandi stilisti in stile liberty come Louis Majorelle, che ha progettato personalmente ogni pezzo, hanno assemblato un team di abili artigiani e realizzato progetti di interni completi, tra cui mobili, vetri, tappeti, ceramiche, carta da parati e illuminazione. Il loro lavoro era caratterizzato da colori vivaci e mobili e legni pregiati, come l’ebano incrostato di madreperla, abalone e metallo argentato per creare bouquet di fiori. Progettarono ogni cosa dagli interni delle navi oceaniche alle bottiglie di profumo per l’etichetta di Jean Patou. L’azienda prosperò nei primi anni 1920, ma i due uomini erano migliori artigiani degli uomini d’affari. La ditta fu venduta nel 1928, ed entrambi gli uomini se ne andarono.
Il più importante designer di mobili dell’Esposizione delle Arti Decorative del 1925 è stato Émile-Jacques Ruhlmann, dell’Alsazia. Espone per la prima volta i suoi lavori al Salon d’autunno del 1913, poi ha il suo padiglione, la “Casa del ricco collezionista”, all’Esposizione del 1925. Usava solo materiali rari e costosi, tra cui l’ebano, il mogano, il palissandro, l’ambon e altri legni esotici, decorati con intarsi di avorio, guscio di tartaruga, madreperla, piccoli pompon di seta decoravano le maniglie dei cassetti degli armadietti. I suoi mobili erano basati su modelli del XVIII secolo, ma semplificati e rimodellati. In tutti i suoi lavori, la struttura interna dei mobili era completamente nascosta. Il quadro di solito di quercia, era completamente coperto con una sovrapposizione di sottili strisce di legno, poi coperto da un secondo strato di strisce di legni rari e costosi. Questo è stato poi coperto con un rivestimento e lucidato, in modo che il pezzo sembrava come se fosse stato tagliato da un unico blocco di legno. Il contrasto con il legno scuro era fornito da intarsi di avorio e chiavi e maniglie in avorio. Secondo Ruhlmann, le poltrone dovevano essere progettate diversamente secondo le funzioni delle stanze in cui apparivano; le poltrone del soggiorno sono state progettate per essere accoglienti, le sedie da ufficio comode e le poltrone da salone voluttuose. Solo un piccolo numero di pezzi di ogni design di mobili è stato realizzato, e il prezzo medio di uno dei suoi letti o armadi era superiore al prezzo di una casa media.
Jules Leleu era un designer di mobili tradizionale che si trasferì agevolmente in Art Deco negli anni ’20; progettò i mobili per la sala da pranzo dell’Eliseo e per le cabine di prima classe della nave a vapore Normandie. il suo stile era caratterizzato dall’uso di ebano, legno di Macassar, noce, con decorazione di placche di avorio e madreperla. Ha introdotto lo stile dei mobili art deco laccati alla fine del 1920, e alla fine del 1930 ha introdotto mobili in metallo con pannelli di vetro affumicato. In Italia, lo stilista Gio Ponti era famoso per i suoi design aerodinamici. Negli Stati Uniti,
I costosi ed esotici mobili Ruhlmann e altri tradizionalisti infuriarono i modernisti, tra cui l’architetto Le Corbusier, facendogli scrivere una famosa serie di articoli che denunciavano lo stile di decorazione artistica. Ha attaccato mobili realizzati solo per i ricchi e ha invitato i designer a creare mobili realizzati con materiali economici e stile moderno, che la gente comune poteva permettersi. Ha progettato le sue sedie, create per essere economiche e prodotte in serie.
Negli anni ’30, i design dei mobili si adattavano alla forma, con superfici più levigate e forme curve. Tra i maestri del defunto stile, Donald Deskey è stato uno dei designer più influenti; ha creato l’interno del Radio City Music Hall. Ha usato una miscela di materiali tradizionali e molto moderni, tra cui alluminio, cromo e bachelite, una prima forma di plastica.
Design:
Streamline era una varietà di Art Deco che emerse durante la metà degli anni ’30. È stato influenzato dai moderni principi aerodinamici sviluppati per l’aviazione e la balistica per ridurre l’attrito dell’aria alle alte velocità. Le forme del proiettile sono state applicate dai progettisti a automobili, treni, navi e persino oggetti non destinati a spostarsi, come frigoriferi, pompe di benzina e edifici. Uno dei primi veicoli di produzione in questo stile fu Chrysler Airflow del 1933. Non ebbe successo in commercio, ma la bellezza e la funzionalità del suo design costituirono un precedente; significava modernità. Ha continuato a essere utilizzato nel design automobilistico anche dopo la seconda guerra mondiale.
Nuovi materiali industriali hanno iniziato a influenzare la progettazione di auto e oggetti per la casa. Questi includevano alluminio, cromo e bachelite, una prima forma di plastica. La bachelite poteva essere facilmente modellata in forme diverse e presto veniva utilizzata nei telefoni, nelle radio e in altri elettrodomestici.
Anche i transatlantici hanno adottato uno stile Art Deco, noto in francese come lo stile Paquebot o “Ocean Liner Style”. L’esempio più famoso fu la SS Normandie, che fece il suo primo viaggio transatlantico nel 1935. Fu progettata in particolare per portare a Parigi ricchi americani a fare acquisti. Le cabine e i saloni presentano gli ultimi arredi e decorazioni Art Deco. Il Grand Salon della nave, che era il ristorante per i passeggeri di prima classe, era più grande della Sala degli Specchi del Palazzo di Versailles. Era illuminato da luci elettriche all’interno di dodici colonne di cristallo Lalique; trentasei pilastri di corrispondenza fiancheggiavano le pareti. Questo è stato uno dei primi esempi di illuminazione direttamente integrato nell’architettura. Lo stile delle navi fu presto adattato agli edifici. Un esempio notevole si trova sul lungomare di San Francisco, dove l’edificio del Museo Marittimo, costruito come un bagno pubblico nel 1937, assomiglia a un traghetto, con ringhiere di navi e angoli arrotondati. Anche lo Star Ferry Terminal di Hong Kong ha utilizzato una variante dello stile.
Gioielli:
Negli anni ’20 e ’30, i designer, tra cui René Lalique e Cartier, tentarono di ridurre il dominio tradizionale dei diamanti introducendo gemme più colorate, come piccoli smeraldi, rubini e zaffiri. Hanno inoltre posto l’accento su ambienti molto elaborati ed eleganti, con materiali meno costosi come smalto, vetro, corno e avorio. I diamanti stessi sono stati tagliati in forme meno tradizionali; l’Esposizione del 1925 vide un gran numero di diamanti tagliati sotto forma di piccole aste o fiammiferi. Anche le impostazioni per i diamanti sono cambiate; Sempre più spesso i gioiellieri usavano il platino anziché l’oro, poiché era forte e flessibile e poteva creare grappoli di pietre. I gioiellieri iniziarono anche a usare materiali più scuri, come gli smalti e l’onice nero, che fornivano un maggiore contrasto con i diamanti.
I gioielli divennero molto più colorati e variegati nello stile. Cartier e la ditta di Boucheron combinavano diamanti con altre gemme colorate tagliate a forma di foglie, frutta o fiori. per fare spille, anelli, orecchini, clip e ciondoli anche i temi dell’Estremo Oriente divennero popolari; placche di giada e corallo erano combinate con platino e diamanti, e casi di vanità, portasigarette e scatole di polvere erano decorati con paesaggi giapponesi e cinesi fatti con madreperla, smalto e lacca.
Cambiare rapidamente le mode nell’abbigliamento ha portato nuovi stili di gioielleria. Abiti senza maniche degli anni ’20 significavano che le armi necessitavano di decorazioni, e i designer creavano rapidamente bracciali d’oro, argento e platino incrostati di lapislazzuli, onice, corallo e altre pietre colorate; Altri braccialetti erano destinati alla parte superiore delle braccia e diversi braccialetti venivano spesso indossati contemporaneamente. I tagli di capelli corti delle donne negli anni venti richiedevano elaborati disegni di orecchini deco. Quando le donne hanno cominciato a fumare in pubblico, i designer hanno creato astucci per sigarette molto decorati e portasigarette d’avorio. L’invenzione dell’orologio da polso prima della prima guerra mondiale ispirò i gioiellieri a creare straordinari orologi decorati, tempestati di diamanti e placcati con smalto, oro e argento. Anche gli orologi pendenti, appesi a un nastro, diventavano di moda.
Le consolidate case di gioielleria di Parigi nel periodo, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin e Van Cleef & Arpels hanno creato gioielli e oggetti nella nuova moda. La ditta di Chaumet creava scatole per sigarette altamente geometriche, accendini, portapillole e quaderni, fatti di pietre dure decorate con giada, lapislazzuli, diamanti e zaffiri. Sono stati raggiunti da molti giovani designer nuovi, ognuno con la propria idea di deco. Raymond Templier ha progettato capi con motivi geometrici molto intricati, inclusi orecchini in argento che sembravano grattacieli. Gerard Sandoz aveva solo 18 anni quando iniziò a disegnare gioielli nel 1921; progettò molti pezzi celebri basati sull’aspetto liscio e levigato dei macchinari moderni. Anche il designer di vetri René Lalique è entrato in campo, creando ciondoli di frutta, fiori, rane, fate di sirene in vetro scolpito in colori vivaci, appese a corde di seta con nappe. Il gioielliere Paul Brandt contrapponeva motivi rettangolari e triangolari e perle incastonate in linee su placche di onice. Jean Despres creava collane di colori contrastanti riunendo argento e lacca nera o oro con lapislazzuli. Molti dei suoi disegni sembravano pezzi di macchine molto levigati. Jean Dunand si è anche ispirato a macchinari moderni, combinati con rossi e neri brillanti in contrasto con il metallo lucido.
Arte del vetro:
Come il periodo Art Nouveau precedente, l’Art Deco è stato un periodo eccezionale per il vetro fine e altri oggetti decorativi, progettati per adattarsi al loro ambiente architettonico. Il più famoso produttore di oggetti in vetro è stato René Lalique, le cui opere, dai vasi agli ornamenti per cofani per automobili, sono diventati simboli del periodo. Aveva fatto progetti in vetro prima della prima guerra mondiale, disegnando bottiglie per i profumi di François Coty, ma non iniziò una seria produzione di vetro artistico fino alla prima guerra mondiale. Nel 1918, all’età di 58 anni, acquistò un grande bicchiere lavora a Combs-la-Ville e inizia a produrre oggetti in vetro sia artistici che pratici. Trattava il vetro come una forma di scultura e creava statuette, vasi, scodelle, lampade e ornamenti. Usava il demi-cristallo piuttosto che il cristallo al piombo, che era più morbido e più facile da formare, anche se non così brillante. A volte usava il vetro colorato, ma più spesso usava il vetro opalescente, dove parte o tutta la superficie esterna era macchiata con un lavaggio. Lalique ha fornito i pannelli decorativi in vetro, le luci e i soffitti in vetro illuminati per i transatlantici SS Ile de France nel 1927 e la SS Normandie nel 1935, e per alcuni dei vagoni letto di prima classe delle ferrovie francesi. All’Esposizione delle Arti Decorative del 1925, aveva il suo padiglione, progettato una sala da pranzo con un tavolo che si accostava al soffitto in vetro per il padiglione Sèvres, e progettò una fontana di vetro per il cortile del Cours des Métier, una colonna di vetro sottile che getto d’acqua dai lati ed era illuminato di notte.
Altri noti produttori di vetro Art Deco hanno incluso Marius-Ernest Sabino, che si è specializzato in figurine, vasi, scodelle e sculture in vetro di pesci, nudi e animali. Per questi spesso utilizzava un vetro opalescente che poteva cambiare da bianco a blu ad ambra, a seconda della luce. I suoi vasi e le sue ciotole presentavano fregi modellati di animali, nudi o busti di donne con frutta o fiori. Il suo lavoro era meno sottile ma più colorato di quello di Lalique.
Altri noti designer di vetro Deco hanno incluso Edmond Etling, che utilizzava anche colori opalescenti brillanti, spesso con motivi geometrici e nudi scolpiti; Albert Simonet, Aristide Colotte e Maurice Marinot, noto per le sue bottiglie e vasi scultorei profondamente incisi. La ditta Daum della città di Nancy, che era stata famosa per il suo vetro Art Nouveau, produceva una linea di vasi e sculture in vetro Deco, solida, geometrica e di forma grossa. Più delicati lavori multicolori furono fatti da Gabriel Argy-Rousseau, che produceva vasi delicatamente colorati con farfalle e ninfe scolpite, e Francois Decorchemont, i cui vasi erano striati e marmorizzati.
La Grande Depressione rovinò gran parte dell’industria del vetro decorativo, che dipendeva da clienti facoltosi. Alcuni artisti si sono dedicati alla progettazione di vetrate per chiese. Nel 1937, la società di vetro Steuben iniziò la pratica di commissionare artisti famosi alla produzione di oggetti in vetro. Louis Majorelle, famoso per i suoi mobili in stile Art Nouveau, progettò una notevole vetrata Art Déco raffigurante i lavoratori dell’acciaio per gli uffici dell’Aciéries de Longwy, un’acciaieria di Longwy, in Francia.
Arte del metallo:
Gli artisti Art Deco hanno prodotto una vasta gamma di oggetti pratici in stile Art Deco, realizzati con materiali industriali dal tradizionale ferro battuto all’acciaio cromato. L’artista americano Norman Bel Geddes ha progettato un set da cocktail che ricorda un grattacielo in acciaio cromato. Raymond Subes ha progettato un’elegante griglia metallica per l’ingresso del Palais de la Porte Dorée, il fulcro dell’Esposizione Coloniale di Parigi del 1931. Lo scultore francese Jean Dunand produsse magnifiche porte sul tema “La caccia”, ricoperto di foglia d’oro e pittura su intonaco (1935).
Influenze:
L’Art Deco non era uno stile unico, ma una collezione di stili diversi e talvolta contraddittori. In architecture, Art Deco was the successor to and reaction against Art Nouveau, a style which flourished in Europe between 1895 and 1900, and also gradually replaced the Beaux-Arts and neoclassical that were predominant in European and American architecture. In 1905 Eugène Grasset wrote and published Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, in which he systematically explored the decorative (ornamental) aspects of geometric elements, forms, motifs and their variations, in contrast with (and as a departure from) the undulating Art Nouveau style of Hector Guimard, so popular in Paris a few years earlier. Grasset stressed the principle that various simple geometric shapes like triangles and squares are the basis of all compositional arrangements. The reinforced concrete buildings of Auguste Perret and Henri Sauvage, and particularly the Theatre des Champs-Elysees, offered a new form of construction and decoration which was copied worldwide.
In decoration, many different styles were borrowed and used by Art Deco. They included pre-modern art from around the world and observable at the Musée du Louvre, Musée de l’Homme and the Musée national des Arts d’Afrique et d’Océanie. There was also popular interest in archeology due to excavations at Pompeii, Troy, and the tomb of the 18th dynasty Pharaoh Tutankhamun. Artists and designers integrated motifs from ancient Egypt, Mesopotamia, Greece, Rome, Asia, Mesoamerica and Oceania with Machine Age elements.
Other styles borrowed included Russian Constructivism and Italian Futurism, as well as Orphism, Functionalism, and Modernism in general. Art Deco also used the clashing colors and designs of Fauvism, notably in the work of Henri Matisse and André Derain, inspired the designs of art deco textiles, wallpaper, and painted ceramics. It took ideas from the high fashion vocabulary of the period, which featured geometric designs, chevrons, zigzags, and stylized bouquets of flowers. It was influenced by discoveries in Egyptology, and growing interest in the Orient and in African art. From 1925 onwards, it was often inspired by a passion for new machines, such as airships, automobiles and ocean liners, and by 1930 this influence resulted in the style called streamline moderne.