Arte deco

Art Deco, a veces conocido como Deco, es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño que aparecieron por primera vez en Francia justo antes de la Primera Guerra Mundial Art Deco influyeron en el diseño de edificios, muebles, joyas, moda, automóviles, cines, trenes , transatlánticos, y objetos de uso cotidiano, como radios y aspiradoras. Tomó su nombre, abreviatura de las Artes decorativas, de la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriales Modernas (Exposición Internacional de Modern Artes Decorativas e Industriales), celebrada en París en 1925. Se combina estilos modernistas con la artesanía fina y materiales ricos. Durante su apogeo, Art Deco representada lujo, glamour, la exuberancia, y la fe en el progreso social y tecnológico.

Art Deco era un pastiche de diversos estilos, a veces contradictorias, unidos por el deseo de ser moderno. Desde su inicio, Art Deco fue influenciado por las formas geométricas en negrilla del cubismo; los colores brillantes del fauvismo y de los ballets rusos; la artesanía actualizada del mobiliario de las épocas de Luis Felipe y Luis XVI; y los estilos exóticos de China y Japón, la India, Persia, Egipto y antiguo arte maya. Se contó con materiales raros y caros, como el ébano y marfil, y exquisita artesanía. losChrysler edificio y otros rascacielos de Nueva York construidos durante los años 1920 y 1930 son los monumentos del estilo Art Deco.

Pintura:
No había ninguna sección reservada para pintura en la Exposición de 1925. pintura del deco de arte era, por definición, decorativo, diseñado para decorar una habitación o una obra de arquitectura, tan pocos pintores trabajaron exclusivamente en el estilo, pero dos pintores están estrechamente relacionados con el Art Deco. Jean Dupas pintó murales Art Deco para el Pabellón de Burdeos en el 1925 en la Exposición de Artes DecorativasParísY también pintó la imagen a través de la chimenea en la exhibición de Maison la Collectioneur en la Exposición 1925, que contó con los muebles por Ruhlmann y otros prominentes diseñadores Art Deco. Sus murales también eran prominentes en la decoración del revestimiento marino francés SS Normandie. Su trabajo era puramente decorativo, diseñado como un fondo o acompañamiento a otros elementos de la decoración. El otro pintor estrechamente asociado con el estilo es Tamara de Lempicka. Nacido enPolonia en una familia aristocrática, emigró a París después de la revolución rusa. Allí se convirtió en un estudiante del artista Maurice Denis del movimiento llamado Les Nabis y el cubista André Lhote y prestado muchos elementos de sus estilos. Ella pintó casi exclusivamente retratos en un estilo realista, dinámico y colorido del art déco.

En la década de 1930 una nueva forma dramática de la pintura Art Deco apareció en el Estados Unidos. Durante la Gran Depresión, el proyecto federal del arte de la Works Progress Administration fue creado para dar trabajo a los artistas en paro. A muchos les dieron la tarea de decorar edificios gubernamentales, hospitales y escuelas. No hubo estilo art deco específica utilizada en los murales; artistas se dedican a pintar murales en los edificios gubernamentales vinieron de muchas escuelas diferentes, desde el regionalismo americano para el realismo social; que incluyen Reginald Marsh, Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera. Los murales fueron Art Deco porque estaban todos decorativa y en relación con las actividades en el edificio o ciudad en la que se pintaron: Reginald Marsh y Rockwell Kent ambos decorados de EE.UU. edificios de correos, y mostraron los empleados de correos en el trabajo mientras Diego Rivera representa trabajadores de la fábrica de automóviles de el Instituto de Artes de Detroit. Diego Rivera’Rockefeller Centrar ofrecido un retrato no autorizado de Lenin. Cuando Rivera se negó a retirar Lenin, la pintura fue destruido y un nuevo mural fue pintado por el artista español Josep María Sert.

Escultura:
La mayor parte de la escultura del periodo Art Deco fue, como su nombre indica, puramente decorativo; que fue diseñado no para museos, sino para edificios de oficinas, ornamento edificios gubernamentales, plazas públicas, privadas y salones. Casi siempre era representativo, generalmente de figuras heroicas o alegóricos relacionados con el objeto del edificio; los temas se eligen generalmente por el patrón, y la escultura abstracta para la decoración era extremadamente raro. con frecuencia se adjunta a la fachada de los edificios, en particular sobre la entrada.

esculturas alegóricas de la danza y la música de Antoine Bourdelle fueron el elemento decorativo esencial del primer hito Art Deco en París, El Teatro de los Campos-Elysées en París, En 1912. El escultor Aristide Maillol reinventó el ideal clásico de su estatua del Río (1939), ahora en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. En la década de 1930, todo un equipo de escultores hechas escultura para el 1937 Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne en Chaillot. Los edificios de la Exposición fueron cubiertos con la escultura de bajo relieve, estatuas. Alfred Janniot hizo las esculturas en relieve en la fachada del Palacio de Tokio. El Museo de la ciudad de París del arte moderno, y la explanada frente al Palacio de Chaillot, frente a laEiffel Torre, Estaba llena de estatuas nuevo por Charles Malfray, Henry Arnold, y muchos otros.

En el Estados Unidos, Muchos escultores europeos formados en la Escuela de Bellas Artes de París, Llegó a trabajar; que incluyen Gutzon Borglum, escultor del montaje Rushmore Lincoln Memorial. Otros escultores estadounidenses, incluyendo Harriet Whitney Frishmuth, habían estudiado con Auguste Rodin enParís. La caída de la bolsa de 1929 destruyó gran parte del mercado de la escultura monumental, pero un gran proyecto se mantuvo; el nuevoRockefeller Centrar. Los escultores estadounidenses Lee Lawrie y Paul Manship diseñados heroicas figuras alegóricas de la fachada y de la plaza. EnSan Francisco, Ralph Stackpole proporciona escultura para la fachada del nuevo edificio de la Bolsa de San Francisco.

Uno de los más conocidos y sin duda la más grande escultura Art Deco es el Cristo Redentor por el escultor francés Paul Landowski, terminado entre 1922 y 1931, que se encuentra en la cima de una montaña con vistas Rio de Janeiro, Brasil. François Pompon fue un pionero de la escultura animalista estilizada moderna. Él no estaba plenamente reconocido por sus logros artísticos hasta la edad de 67 en el Salón de Otoño de 1922 con el trabajo Ours blanc, también conocido como The White Bear, ahora en el Museo de Orsay de París.

Muchas de las primeras esculturas Art Deco eran pequeños, diseñada para decorar salones. Un género de esta escultura se llama la estatuilla Chryselephantine, llamado así por el estilo de las antiguas estatuas griegas del templo de oro y marfil. Uno de los más conocidos escultores salón Art Deco fue el origen rumano Demetre Chiparus, que produjo coloridos pequeñas esculturas de bailarines. Otros escultores salón notables incluyen Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel.

Paralelamente a estos escultores neoclásicos más, más vanguardista y escultores abstractos estaban en el trabajo en París y Nueva York. El más destacado eran Constantin Brancusi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff, y Pablo Gargallo.

Artes graficas:
El estilo Art Deco apareció temprano en las artes gráficas, en los años justo antes de la Primera Guerra Mundial Apareció en Parísen los carteles y los diseños de vestuario de León Bakst para los Ballets rusos, y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. Las ilustraciones de Georges Barbier, y Georges Lepape y las imágenes de la revista de moda La Gazette du Bon Ton capturó perfectamente la elegancia y la sensualidad del estilo. En la década de 1920, cambió la apariencia; las modas de estrés eran más casual, deportivo y atrevido, con los modelos de mujer por lo general de fumar cigarrillos. revistas de moda americanas como Vogue, Vanity Fair y el bazar de Harper rápidamente recogido el nuevo estilo y lo popularizaron en elEstados Unidos. También influyó en el trabajo de los ilustradores de libros americanos tales como RockwellKent. EnAlemania, El más famoso cartelista de la época fue Ludwig Hohlwein, que creó carteles de colores y dramáticas para los festivales de música, cervezas, y, al final de su carrera, para el partido nazi.

Durante el período del Art Nouveau, los carteles se anuncian productos teatrales o cabarets. En la década de 1920 y de los carteles, hechos para las líneas navieras y compañías aéreas, se hizo muy popular. El estilo cambiado notablemente en la década de 1920, para centrar la atención en el producto que se anuncia. Las imágenes se convirtieron más simple, preciso, más lineal, más dinámico, y con frecuencia se colocaron contra un solo color de fondo. EnFranciapopulares diseñadores Art Deco incluyen, Charles Loupot y Paul Colin, que se hizo famoso por sus carteles de la cantante y bailarina Josephine Baker. Jean Carlu diseñado carteles para películas de Charlie Chaplin, jabones y teatros; a finales de 1930 emigró a losEstados Unidos, Donde, durante la Primera Guerra Mundial, diseñó carteles para fomentar la producción de guerra. El diseñador Charles Gesmar se hizo famoso haciendo carteles para el cantante Mistinguett y para AirFrancia. Entre los más conocidos diseñadores franceses cartel Art Deco fue Cassandre, que hizo el célebre cartel del revestimiento marino SS Normandie en 1935.

En la década de 1930 un nuevo género de carteles apareció en el Estados Unidosdurante la Gran Depresión. El Proyecto de Arte Federal contrató a artistas americanos para crear carteles para promover el turismo y eventos culturales.

Arquitectura:
El estilo arquitectónico de art deco hizo su debut en París en 1903-1904, con la construcción de dos edificios de apartamentos en París, Uno de Auguste Perret en la rue Trétaigne y el otro en la rue Benjamin Franklin por Henri Sauvage. Los dos jóvenes arquitectos de hormigón armado utilizadas por primera vez enParísedificios residenciales; los nuevos edificios tenían líneas limpias y formas rectangulares, y ninguna decoración en las fachadas; marcaron una clara ruptura con el estilo art nouveau. Entre 1910 y 1913, Perret utilizó su experiencia en edificios de apartamentos de hormigón para construir el Teatro de los Campos Elíseos, 15 avenue Montaigne. Entre 1925 y 1928 se construyó la nueva fachada art deco de los grandes almacenes La Samaritaine enParís.

Después de la Primera Guerra Mundial, edificios art deco de acero y hormigón armado comenzaron a aparecer en las grandes ciudades de Europa y Estados Estados Unidos. En elEstados Unidosel estilo se usa más comúnmente para edificios de oficinas, edificios públicos, salas de cine, y estaciones de ferrocarril. A veces se combinó con otros estilos;los Angeles Palacio Municipal combinada con el Art Deco con un techo sobre la base de la antigua griega en Mausoleo Halicarnaso, mientras que la los Angelesestación de ferrocarril combinado Deco con arquitectura de la misión española. elementos Art Deco también aparecieron en los proyectos de ingeniería, incluyendo las torres de lapuerta Dorada Puente y las torres del producto de la presa Hoover. En los años 1920 y 1930 se convirtió en un estilo verdaderamente internacional, con ejemplos como el Palacio de Bellas Artes (Palacio de Bellas Artes) en Ciudad de México por Federico Mariscal (s), la estación de metro Mayakovskaya en Moscú y el Nacional Dieta edificio en Tokio por Watanabe Fukuzo.

El estilo Art Deco que no se limita a los edificios en tierra; el trasatlántico SS Normandie, cuyo primer viaje fue en 1935, contó con un diseño Art Deco, incluyendo un comedor cuyo techo y la decoración fuera de cristal de Lalique.

palacios del cine:
Muchos de los mejores ejemplos de la supervivencia de categoría, está situado cines construidos en los años 1920 y 1930. El periodo Art Deco coincidió con la conversión de películas de cine mudo al sonoro, y compañías de la película construido enormes teatros en las principales ciudades para capturar la enorme audiencia que vino a ver películas. palacios del cine en la década de 1920 a menudo combinados con temas exóticos estilo art deco; Teatro Egipcio de Grauman enHollywood (1922) se inspiró en las antiguas tumbas egipcias y pirámides, mientras que el Teatro Fox en Bakersfield, Californiaadjunta una torre de estilo misión californiana a un hall Art Deco. El más grande de todos esRadio Ciudad Salón de música en Nueva York, Que se abrió en 1932. Originalmente diseñado como un teatro etapa, rápidamente se transformó en una sala de cine, que podía albergar 6.015 personas El diseño interior de Donald Deskey utiliza vidrio, aluminio, cromo y cuero para crear un escape de la realidad colorido El Paramount teatro en Oakland, California, por Timothy Pflueger, tenía una fachada de cerámica colorido vestíbulo cuatro pisos de altura, y separada Art Deco habitaciones para caballeros y damas de fumar. grandes palacios similares aparecieron enEuropa. El Gran Rex enParís (1932), con su imponente torre, fue el más grande en la sala de cine Europa. El Cine Gaumont EstadoLondres (1937) tuvo una torre siguiendo el modelo del Imperio Estadoedificio, cubierto con azulejos de cerámica de color crema y un interior en un estilo Art Deco-renacimiento italiano. El Teatro Paramount deLlevar a la fuerza, China(1933) fue construido originalmente como un salón de baile llamado La puerta de 100 placeres; que se convirtió en una sala de cine después de la revolución comunista en 1949, y ahora es un salón de baile y discoteca. En la década de 1930 los arquitectos italianos construido una pequeña sala de cine, el Cine Impero, enAsmara en lo que ahora Eritrea. Hoy en día, muchas de las salas de cine se han subdividido en multicines, pero otros han sido restaurados y se utilizan como centros culturales en sus comunidades.

Streamline Moderne:
A fines de 1930, una nueva variedad de la arquitectura Art Deco se hizo común; se le llamó Streamline Moderne o simplemente Streamline, o, en Francia, la Paqueboat estilo, o el estilo del revestimiento marino. Edificios en el estilo se tenían esquinas redondeadas, largas líneas horizontales; que fueron construidos en hormigón armado, y eran casi siempre de color blanco; y, a veces tenía características náuticas, tales como barandillas que se parecían a los de un barco. La esquina redondeada no era del todo nueva; que había aparecido enBerlina en 1923 en los Mossehaus de Erich Mendelsohn, y más tarde en el Aspiradora edificio, Un complejo industrial en el Londres suburbio de Perivale. En los Estados Unidos, se hizo más estrechamente relacionada con el transporte; Streamline Moderne era poco común en edificios de oficinas, pero a menudo se utiliza para las estaciones de autobuses y terminales de aeropuertos, como el terminal del aeropuerto de La Guardia en Nueva York, que maneja los primeros vuelos transatlánticos, a través de la maquinilla de PanAm hidroaviones; y en la arquitectura borde de la carretera, tales como estaciones de servicio y comensales. A finales de la década de 1930 una serie de comensales, el modelo de los coches de ferrocarril aerodinámico, fueron producidos e instalados en las ciudades deNueva Inglaterra; al menos dos ejemplos siguen siendo y ahora están registrados edificios históricos.

Decoración y motivos:
Decoración en el período Art Deco pasó por varias fases distintas. Entre 1910 y 1920, como se había agotado el Art Nouveau, estilos de diseño se produjo un retorno a la tradición, sobre todo en la obra de Paul Iribe. En 1912 André Vera publicó un ensayo en la revista L’Art DECORATIF pidiendo un retorno a la artesanía y materiales de siglos anteriores, y el uso de un nuevo repertorio de formas tomadas de la naturaleza, en particular las cestas y guirnaldas de frutas y flores. Una segunda tendencia del Art Deco, también 1910-20, se inspiró en los colores brillantes del movimiento artístico conocido como los fauvistas y los coloridos trajes y conjuntos de los ballets rusos. Este estilo se expresa a menudo con materiales exóticos tales como piel de tiburón, nácar, marfil, cuero teñido, lacado y madera pintada, e incrustaciones decorativas en muebles que hicieron hincapié en su geometría. Este período del estilo alcanzó supunto álgido en el 1925 Exposición de París de artes decorativas. A finales de la década de 1920 y la década de 1930, el estilo decorativo cambió, inspirado por los nuevos materiales y tecnologías. Se hizo más elegante y menos ornamental. Muebles, como la arquitectura, comenzó a tener bordes redondeados y asumir un aspecto pulido y aerodinámico, tomada desde el estilo Streamline Moderne. Nuevos materiales, como el acero cromado, aluminio y baquelita, una forma temprana de plástico, comenzaron a aparecer en mobiliario y decoración.

A lo largo del periodo Art Deco, y particularmente en la década de 1930, los motivos de la decoración expresaron la función del edificio. Teatros estaban decorados con escultura que ilustra la música, la danza, y la emoción; compañías eléctricas mostraron salidas del sol, el edificio Chrysler mostraron adornos de campana estilizadas; Los frisos de Palacio de la Puerta Dorada en el París Exposición Colonial de 1931 mostraron los rostros de las diferentes nacionalidades de las colonias francesas. El estilo Streamline hace que parezca que el edificio en sí estaba en movimiento. Los murales de WPA de la década de 1930 ofrecieron la gente común; trabajadores de fábricas, trabajadores de correos, las familias y los agricultores, en lugar de héroes clásicos.

Mueble:
mobiliario francés a partir de 1910 hasta principios de 1920 fue en gran medida una actualización de estilos de muebles tradicionales franceses, y los diseños de art nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet y otros fabricantes. fabricantes de muebles franceses se sentían amenazados por la creciente popularidad de los fabricantes alemanes y estilos, en especial el estilo Biedermeier, que era sencillo y limpio-alineado. El diseñador francés Frantz Jourdain, el Presidente del Salón de Otoño de París, invitó a los diseñadores deMunicha participar en el Salón de 1910. diseñadores franceses vieron el nuevo estilo alemán, y decidieron hacer frente al desafío alemán. Los diseñadores franceses decidieron presentar nuevos estilos franceses en el Salón de 1912. Las reglas del salón indicaron que se permitiría sólo los estilos modernos. Todos los principales diseñadores de muebles franceses tomaron parte en Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare y Louis Sue tomó parte, la presentación de nuevas obras que actualizan los estilos tradicionales francesas de Luis XVI y Louis Philippe con más angular esquinas inspirados en el cubismo y colores más brillantes inspirados en el fauvismo y los Nabis.

El pintor André Mare y muebles de diseño Louis demandar tanto participó del Salón de 1912. Después de la Guerra de los dos hombres se unieron para formar su propia compañía, llamada formalmente la Compagnie Française des Arts, pero por lo general conocido simplemente como Sue y Mare. A diferencia de los destacados diseñadores art nouveau como Louis Majorelle, que diseñó personalmente cada pieza, se reunieron un equipo de artesanos cualificados y producen diseños de interiores completos, incluyendo muebles, objetos de vidrio, alfombras, cerámica, papel pintado y la iluminación. Su trabajo contó con colores brillantes y muebles y maderas finas, como el ébano con incrustaciones de nácar, orejas de mar y el metal plateado para crear ramos de flores. Ellos diseñaron todo, desde los interiores de los transatlánticos de frascos de perfume para el sello de la firma de Jean Patou.The prosperado en la década de 1920, pero los dos hombres eran mejores artesanos que los hombres de negocios. La empresa fue vendida en 1928, y los dos hombres fue.

El más prominente diseñador de muebles en el 1925 Artes Decorativas Exposición fue Émile-Jacques Ruhlmann, desde Alsacia. Se expuso por primera vez sus obras en el Salón de Otoño de 1913, luego tuvo su propio pabellón, la «Casa de los ricos Collector», en el 1925 Exposición. Se utiliza sólo materiales más raros y caros, incluyendo el ébano, caoba, palo de rosa, Ambon y otras maderas exóticas, adornados con incrustaciones de marfil, concha, nácar, pequeños pompones de seda decoraban las manijas de los cajones de los armarios. Sus muebles se basó en modelos del siglo 18, pero se simplifica y reformado. En toda su obra, la estructura interior de los muebles estaban completamente oculto. El marco general de madera de roble, estaba completamente cubierta con una capa de tiras delgadas de madera, a continuación, cubierto por una segunda capa de tiras de maderas raros y caros. Esto fue entonces cubierta con una chapa y pulido, de manera que la pieza parecía como si se hubiera cortado de un solo bloque de madera. Contraste para la madera oscura fue proporcionado por incrustaciones de marfil, y placas principales marfil y mangos. De acuerdo con Ruhlmann, sillones tenían que ser diseñados de manera diferente de acuerdo a las funciones de las habitaciones en las que aparecían; sillones de la sala fueron diseñados para ser acogedor, sillas de oficina cómoda, y un salón de sillas voluptuosa. se hizo sólo un pequeño número de piezas de cada diseño de los muebles, y el precio medio de una de sus camas o armarios fue mayor que el precio medio de una casa. sillas de oficina cómoda, y un salón de sillas voluptuosa. se hizo sólo un pequeño número de piezas de cada diseño de los muebles, y el precio medio de una de sus camas o armarios fue mayor que el precio medio de una casa. sillas de oficina cómoda, y un salón de sillas voluptuosa. se hizo sólo un pequeño número de piezas de cada diseño de los muebles, y el precio medio de una de sus camas o armarios fue mayor que el precio medio de una casa.

Jules Leleu fue un diseñador de muebles tradicionales que se movió suavemente en Art Deco en la década de 1920; diseñó el mobiliario para el comedor de laelysee PalacioY en los camarotes de primera clase del vapor Normandía. su estilo se caracteriza por el uso de ébano, madera Macassar, nogal, con la decoración de placas de marfil y nácar. Él introdujo el estilo de los muebles art deco lacado al final a finales de 1920 y finales de 1930 introdujo muebles de metal con paneles de cristal ahumado. En Italia, el diseñador Gio Ponti fue famoso por sus diseños aerodinámicos. En elEstados Unidos,

Los muebles costosos y exóticos Ruhlmann y otros tradicionalistas enfurecieron a los modernos, incluyendo el arquitecto Le Corbusier, lo que le hace escribir una famosa serie de artículos denunciando estilo de las artes DECORATIF. Atacó muebles hechos sólo para los ricos, y pidió a los diseñadores para crear muebles hechos con materiales de bajo costo y de estilo moderno, que la gente común podía permitirse. Él diseñó sus propias sillas, creado para ser de bajo costo y de producción masiva.

En la década de 1930, diseños de muebles adaptados a la forma, con las superficies más suaves y formas curvas. Los maestros del estilo tardío incluyen Donald Deskey fue uno de los diseñadores más influyentes; creó el interior de laRadio Ciudad Salón de música. Se utiliza una mezcla de materiales tradicionales y muy modernos, como aluminio, cromo y baquelita, una forma temprana de plástico.

Diseño:
Streamline era una variedad de Art Deco que surgió a mediados de la década de 1930. Fue influenciado por los principios aerodinámicos modernos desarrollados para la aviación y la balística para reducir la fricción del aire a altas velocidades. Las formas de bala fueron aplicados por los diseñadores de coches, trenes, barcos, e incluso no objetos destinados a mover, tales como refrigeradores, bombas de gas, y edificios. Uno de los primeros vehículos de producción en este estilo fue el Chrysler Airflow de 1933. Fue éxito comercial, pero la belleza y la funcionalidad de su diseño sentar un precedente; la modernidad significaba. Continuó siendo utilizado en el diseño de coches así después de la Segunda Guerra Mundial.

Los nuevos materiales industriales comenzaron a influir en el diseño de automóviles y objetos domésticos. Estos incluyen aluminio, cromo y baquelita, una forma temprana de plástico. Baquelita podría ser fácilmente moldeado en diferentes formas, y pronto fue utilizado en teléfonos, radios y otros aparatos.

transatlánticos también adoptaron un estilo de Art Deco, conocido en francés como el estilo Paquebot, o «Tipo de revestimiento marino». El ejemplo más famoso fue el SS Normandie, que hizo su primer viaje trasatlántico en 1935. Fue diseñado especialmente para llevar a los estadounidenses ricosParís comprar. Las cabinas y salones presentaron lo último en mobiliario y decoración Art Deco. El Gran Salón de la nave, que era el restaurante para pasajeros de primera clase, era más grande que el Salón de los Espejos delPalacio de Versalles. Se iluminada por luces eléctricas dentro de los doce pilares de cristal Lalique; treinta y seis pilares que emparejan alineaban en las paredes. Este fue uno de los primeros ejemplos de iluminación está integrado directamente en la arquitectura. El estilo de los barcos pronto se adaptó a los edificios. Un ejemplo notable se encuentra en laSan Francisco línea de costa, donde el Marítimo Museo edificio, construido como un baño público en 1937, se asemeja a un transbordador, con barandillas de buques y esquinas redondeadas. El terminal de Star Ferry enHong Kong también se utiliza una variación del estilo.

Joyería:
En los años 1920 y 1930, incluyendo diseñadores René Lalique y Cartier intentaron reducir el dominio tradicional de los diamantes mediante la introducción de las piedras preciosas de colores más pequeños, tales como esmeraldas, rubíes y zafiros. También colocaron un mayor énfasis en lugares muy elaborados y elegantes, con materiales menos costosos, como el esmalte, vidrio, cuerno y marfil. Los diamantes ellos mismos fueron cortadas en formas menos tradicionales; Exposición de 1925 vio un gran número de diamantes cortados en forma de pequeñas varillas o cerillas. Los ajustes para los diamantes también cambiaron; Más y más a menudo joyeros utilizan platino en lugar de oro, ya que era fuerte y flexible, y podrían establecer grupos de piedras. Jewelers también comenzaron a utilizar materiales más oscuros, como esmaltes y ónix negro, que proporcionaron un mayor contraste con los diamantes.

La joyería se hizo mucho más coloridos y variados en estilo. Cartier y Boucheron de la firma con diamantes de colores otras piedras preciosas cortadas en forma de hojas, frutos o flores combinadas. para hacer broches, anillos, pendientes, colgantes y clips Far temas del Este también se hizo popular; placas de jade y coral se combinaron con neceseres platino y diamantes, y, cajas de cigarrillos y polveras fueron decorados con paisajes japoneses y chinos hechos de nácar, esmalte y laca.

Rápidamente cambiantes modas en ropa trajeron nuevos estilos de joyería. vestidos sin mangas de la década de 1920 hicieron que los brazos necesarios decoración, y los diseñadores crear rápidamente brazaletes de oro, plata y platino con incrustaciones de lapislázuli, ónix, coral y otras piedras de colores; Otras pulseras estaban destinadas a los brazos superiores, y varias pulseras se usan a menudo al mismo tiempo. Los cortes de pelo cortos de las mujeres en los años veinte llamadas de diseños elaborados pendiente deco. A medida que las mujeres comenzaron a fumar en público, los diseñadores crearon las cajas de cigarrillo muy ornamentados y cigarrillos marfil. La invención del reloj de muñeca antes de la Primera Guerra Mundial inspiró joyeros para crear relojes extraordinarios decorados, con incrustaciones de diamantes y plateado con esmalte, oro y plata. relojes colgantes, colgando de una cinta, también se puso de moda.

Las casas de joyería de París establecidos en el período, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, y Van Cleef & Arpels todo joyas y los objetos creados en la nueva moda. La firma de Chaumet hizo altamente cajas geométricas de cigarrillos, encendedores, cajas de pastillas y portátiles, hechos de piedras duras decoradas con jade, lapislázuli, diamantes y zafiros. A ellos se sumaron muchos nuevos diseñadores jóvenes, cada uno con su propia idea de deco. Raymond Templier piezas con formas geométricas muy complejas, incluyendo pendientes de plata que se parecían a los rascacielos diseñado. Gerard Sandoz sólo tenía 18 años cuando comenzó a diseñar joyas en 1921; diseñó muchas piezas célebres basado en la apariencia lisa y pulida de la maquinaria moderna. El diseñador de vidrio René Lalique también entró en el campo, creando colgantes de frutas, flores, ranas, hadas de sirenas de cristal esculpido en colores brillantes, colgando de cuerdas de seda con borlas. El joyero Paul Brandt contrasta rectangular y patrones triangulares, y perlas incrustadas en líneas en placas de ónix. Jean Despres hizo collares de colores contrastantes, reuniendo plata y laca negro, o de oro con lapislázuli. Muchos de sus diseños parecían piezas pulidas hechas de máquinas. Jean Dunand también se inspiró en maquinaria moderna, combinado con rojos brillantes y negros en contraste con el metal pulido. Muchos de sus diseños parecían piezas pulidas hechas de máquinas. Jean Dunand también se inspiró en maquinaria moderna, combinado con rojos brillantes y negros en contraste con el metal pulido. Muchos de sus diseños parecían piezas pulidas hechas de máquinas. Jean Dunand también se inspiró en maquinaria moderna, combinado con rojos brillantes y negros en contraste con el metal pulido.

Arte de cristal:
Al igual que el período del Art Nouveau antes de que, Art Deco fue un período excepcional de vidrio fino y otros objetos decorativos, diseñados para adaptarse a su entorno arquitectónico. El más famoso productor de objetos de vidrio fue René Lalique, cuyas obras, desde jarrones a adornos de campana para los automóviles, se convirtieron en símbolos de la época. Había hecho incursiones en el vidrio antes de la Primera Guerra Mundial, el diseño de las botellas para los perfumes de François Coty, pero no comenzar la producción seria de arte en vidrio hasta después de la Primera Guerra Mundial En 1918, a la edad de 58 años, se compró un vaso grande trabaja en Combs-la-Ville y comenzó a fabricar los dos objetos de vidrio artísticos y prácticos. Se trata de vidrio como una forma de escultura, y creó estatuillas, jarrones, cuencos, lámparas y adornos. Utilizó demi-cristal en lugar de cristal de plomo, que era más suave y más fácil de formar, aunque no tan brillante. A veces se usa vidrio de color, pero más a menudo se utiliza el vidrio opalescente, que parte o la totalidad de la superficie exterior se tiñó con un lavado. Lalique proporcionan los paneles de vidrio decorativos, luces y techos de cristal iluminados por los transatlánticos SS Ile de France en 1927 y el Normandie SS en 1935, y para algunos de los coches cama de primera clase de los ferrocarriles franceses. En el 1925 Exposición de Artes Decorativas, tuvo su propio pabellón, diseñado con un comedor con un ajuste de mesa y juego techo de cristal para el Pabellón de Sèvres, y diseñó una fuente de cristal para el patio de la Cours des Métier, una columna de vidrio delgado el cual surtidor de agua de los lados y fue iluminado por la noche. Lalique proporcionan los paneles de vidrio decorativos, luces y techos de cristal iluminados por los transatlánticos SS Ile de France en 1927 y el Normandie SS en 1935, y para algunos de los coches cama de primera clase de los ferrocarriles franceses. En el 1925 Exposición de Artes Decorativas, tuvo su propio pabellón, diseñado con un comedor con un ajuste de mesa y juego techo de cristal para el Pabellón de Sèvres, y diseñó una fuente de cristal para el patio de la Cours des Métier, una columna de vidrio delgado el cual surtidor de agua de los lados y fue iluminado por la noche. Lalique proporcionan los paneles de vidrio decorativos, luces y techos de cristal iluminados por los transatlánticos SS Ile de France en 1927 y el Normandie SS en 1935, y para algunos de los coches cama de primera clase de los ferrocarriles franceses. En el 1925 Exposición de Artes Decorativas, tuvo su propio pabellón, diseñado con un comedor con un ajuste de mesa y juego techo de cristal para el Pabellón de Sèvres, y diseñó una fuente de cristal para el patio de la Cours des Métier, una columna de vidrio delgado el cual surtidor de agua de los lados y fue iluminado por la noche.

Otros notables fabricantes de vidrio Art Deco incluyen Marius-Ernest Sabino, que se especializó en figuras, jarrones, cuencos y esculturas de cristal de pescado, desnudos, y los animales. Para éstos a menudo se utiliza un vidrio opalescente que podría cambiar de blanco a azul a ámbar, dependiendo de la luz. Sus jarrones y cuencos destacados frisos de animales, desnudos o bustos de mujeres con frutas o flores moldeadas. Su trabajo era menos sutil pero más colorida que la de Lalique.

Otros diseñadores de vidrio notable Deco incluyen Edmond Etling, que también utiliza colores brillantes opalescente, a menudo con motivos geométricos y desnudos esculpidos; Albert Simonet, y Aristide Colotte y Maurice Marinot, que era conocido por sus botellas escultóricas profundamente grabadas y jarrones. La firma de Daum de la ciudad deNancy, Que había sido famoso por su cristal Art Nouveau, producido una línea de jarrones Deco y escultura de cristal, sólido, geométricos y gruesos en la forma. multicolores trabajos más delicados fueron hechas por Gabriel Argy-Rousseau, que produjo colores delicados jarrones con las mariposas y las ninfas esculpidas, y Francois Décorchemont, cuyos jarrones rayados y mármol.

La Gran Depresión arruinó una gran parte de la industria del vidrio decorativo, que dependía de clientes ricos. Algunos artistas se volvieron hacia el diseño de vidrieras para las iglesias. En 1937, la compañía de cristal Steuben comenzó la práctica de la puesta en artistas famosos para producir artículos de vidrio. Louis Majorelle, famosa por sus muebles de estilo Art Nouveau, diseñado una notable vidriera Art Deco retratar a los trabajadores de acero para las oficinas de la Aciéries de Longwy, una acería en Longwy, Francia.

arte del metal:
artistas Art Deco producen una amplia variedad de objetos prácticos en el estilo Art Deco, hechas de materiales industriales de hierro forjado tradicional de acero cromado. El artista estadounidense Norman Bel Geddes diseñó un conjunto de cóctel parecido a un rascacielos de acero cromado. Raymond Subes diseñó una rejilla de metal elegante para la entrada del Palacio de la Puerta Dorada, la pieza central de la Exposición de París 1931 colonial. El escultor francés Jean Dunand produce magníficas puertas sobre el tema «La caza», cubierto con pan de oro y pintura sobre yeso (1935).

Influencias:
Art Deco no era un estilo único, sino una colección de estilos diferentes ya veces contradictorios. En la arquitectura, Art Deco fue el sucesor y reacción contra el Art Nouveau, un estilo que floreció enEuropaentre 1895 y 1900, y también reemplazado gradualmente el Bellas Artes y neoclásico que fueron predominantes en la arquitectura de Europa y América. En 1905, Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composición ornementale, elementos Rectilignes, en el que exploró sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de elementos geométricos, formas, motivos y sus variaciones, en contraste con (y como una desviación de) el arte ondulante estilo de Nouveau de Hector Guimard, tan popular en París unos años antes. Grasset hizo hincapié en el principio de que diversas formas geométricas simples como triángulos y cuadrados son la base de todos los arreglos de composición. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y en particular el Teatro de los Campos Elíseos, ofrecen una nueva forma de construcción y decoración que fue copiado en todo el mundo.

En la decoración, muchos estilos diferentes fueron tomados y utilizados por Art Deco. Incluyeron arte pre-moderno de todo el mundo y observable en el Museo del Louvre, Museo del Hombre y el Museo nacional de las Artes de África y Oceanía. También hubo interés popular en la arqueología debido a las excavaciones enPompeya, Troy, Y la tumba de la dinastía 18a faraón Tutankamón. Artistas y diseñadores integrados motivos de la antiguaEgipto, Mesopotamia, Grecia, Roma, Asia y Mesoamérica Oceanía con elementos de la máquina de edad.

Otros estilos incluyen prestadas constructivismo ruso y el futurismo italiano, así como el orfismo, el funcionalismo, y el Modernismo en general. Art decó también utiliza los colores y diseños de choque del fauvismo, sobre todo en la obra de Henri Matisse y André Derain, inspiró a los diseños de los textiles art deco, papel tapiz y la cerámica pintada. Tomó las ideas de la alta vocabulario de la moda de la época, que contó geométricas diseños, galones, zigzags, y ramos de flores estilizadas de flores. Fue influenciado por los descubrimientos de la egiptología, y un creciente interés en el Oriente y en el arte africano. A partir de 1925, a menudo se inspira en una pasión por las nuevas máquinas, tales como aeronaves, automóviles y transatlánticos, y para 1930 esta influencia resultó en el estilo llamado Streamline Moderne.