La peinture de paysage, également connue sous le nom d’art paysager, est la représentation dans l’art des paysages – paysages naturels tels que montagnes, vallées, arbres, rivières et forêts, en particulier lorsque le sujet principal est une vue large – avec ses éléments disposés en une composition cohérente . Dans d’autres travaux, les antécédents de paysage pour les figures peuvent encore former une partie importante du travail. Le ciel est presque toujours inclus dans la vue, et la météo est souvent un élément de la composition. Les paysages détaillés en tant que sujet distinct ne se retrouvent pas dans toutes les traditions artistiques et se développent lorsqu’il existe déjà une tradition sophistiquée de représentation d’autres sujets.

Les deux traditions principales viennent de la peinture occidentale et de l’art chinois, qui remontent à plus de mille ans dans les deux cas. La reconnaissance d’un élément spirituel dans l’art du paysage est présente dès ses débuts dans l’art de l’Asie de l’Est, en s’inspirant du taoïsme et d’autres traditions philosophiques, mais en Occident, elle ne devient explicite qu’avec le romantisme.

Les vues de paysage dans l’art peuvent être entièrement imaginaires ou copiées de la réalité avec plus ou moins de précision. Si l’objectif principal d’une image est de représenter un lieu réel et spécifique, en particulier en incluant les bâtiments de manière visible, on l’appelle une vue topographique. De tels points de vue, extrêmement répandus en Occident, sont souvent considérés comme inférieurs aux beaux-arts, bien que la distinction ne soit pas toujours significative; des préjugés similaires existaient dans l’art chinois, où la peinture littéraire représentait généralement des vues imaginaires, tandis que les artistes de la cour professionnelle peignaient de vraies vues, souvent des palais et des villes.

Types de paysage:
En raison de la façon dont le thème du paysage est traité, trois types fondamentaux peuvent être distingués:

Le paysage «cosmique» ou «sublime», dans lequel la nature se présente de manière sauvage, des paysages immenses qui ne représentent pas nécessairement des lieux réellement existants, et dans lesquels l’homme se sent perdu. À l’intérieur de cette ligne serait le «paysage naturaliste» qui reflète une nature grandiose, abondante et sauvage, dans laquelle les phénomènes atmosphériques apparaissent comme des tempêtes. Il est typique des artistes d’Europe du Nord, en particulier de la peinture allemande, comme Dürer, Elsheimer ou Friedrich.

La nature « dominée » par l’homme, comme dans le paysage flamand ou hollandais. La présence de l’homme fait que la nature ne semble pas menaçante. Souvent, il finit par être un «paysage topographique», qui représente nécessairement un lieu précis et identifiable, avec une nature présentée de la manière la plus humble. Dans cette ligne peut être cité Patinir, Pieter Brueghel l’Ancien ou les maîtres hollandais du XVIIe siècle.

La nature « colonisée » par l’homme, typique du paysage italien. Ils apparaissent des champs cultivés de relief, des collines, des vallées et des plaines avec des maisons, des canaux, des routes et d’autres constructions humaines; La nature n’est plus une menace, mais l’homme l’a aussi fait sienne. Dans ce type de paysage, on peut parler du «paysage classique», où une nature idéale et grandiose est représentée. La représentation n’est pas crédible, mais recomposée pour sublimer la nature et la présenter comme parfaite. Dans ce type de paysage, une histoire est généralement cachée. Il est topique la présence d’éléments de l’architecture romaine, combinée avec une montagne ou une colline et avec un plan d’eau. Ce type de «paysage idéal» a été créé par Annibale Carracci, suivi de Domenichino et du Français Poussin. Pendant des siècles, le paysage italien a été le modèle académique étant aussi l’Italie, le pays où des artistes de toute l’Europe sont venus se former.

D’un autre point de vue, renvoyé au sujet qui est représenté et pas tellement à la façon dont il est traité, il est possible de différencier:

Marinas dans des compositions qui montrent des océans, des mers ou des plages.
Compositions de paysages fluviaux avec des rivières ou des ruisseaux.

Les paysages naturels représentent des paysages tels que les forêts, les jungles, les déserts, les bosquets et d’autres états du territoire sans la présence de l’être humain.
Les paysages de Costumbristas sont ceux qui symbolisent les coutumes et les traditions de lieux spécifiques comme par exemple les paysages typiques des villes colombiennes qui sont représentés dans la peinture populaire.

Les paysages stellaires ou les paysages nuageux sont des représentations de nuages, de formations climatiques et de conditions atmosphériques.
Les paysages lunaires montrent des paysages de la vision de la lune sur terre.

Les paysages urbains montrent les villes.
Hardscape ou paysages durs, dans lequel ce qui est représenté sont des zones telles que les rues pavées et de grands complexes d’entreprises ou d’industries.

Paysage aérien ou aérien, montrant la surface terrestre vue d’en haut, en particulier à partir d’avions ou de vaisseaux spatiaux. Lorsque le point de vue est très prononcé vers le bas, le ciel n’est pas apprécié. Ce genre peut être combiné avec d’autres, comme dans l’art éthéré nuageux de Georgia O’Keeffe, le paysage lunaire éthéré de Nancy Graves ou le paysage urbain éthéré d’Yvone Jacquette.

Paysage de rêve, dans des compositions proches de paysages (généralement surréalistes ou abstraits) qui cherchent à exprimer la vision psychanalytique de l’esprit en tant qu’espace tridimensionnel.

Histoire
Les premières formes d’art à travers le monde représentent peu de choses qui pourraient vraiment être appelées paysage, bien que les lignes de fond et parfois des indications de montagnes, d’arbres ou d’autres caractéristiques naturelles sont inclus. Les premiers « paysages purs » sans figures humaines sont des fresques de la Grèce minoenne d’environ 1500 avant notre ère.

Les scènes de chasse, en particulier celles qui se trouvent dans les roselières du delta du Nil depuis l’Egypte ancienne, peuvent donner un fort sentiment d’appartenance, mais l’accent est mis sur les formes végétales individuelles et humaines plutôt que sur le paysage. Les fresques du tombeau de Nebamun, maintenant au British Museum (vers 1350 avant JC), en sont un exemple célèbre.

Pour une représentation cohérente de tout un paysage, un système grossier de perspective ou de mise à l’échelle de la distance est nécessaire, et cela semble d’abord avoir été développé dans la Grèce antique à l’époque hellénistique, bien qu’aucun exemple à grande échelle n’ait survécu. Des paysages romains plus anciens subsistent, à partir du 1er siècle avant notre ère, notamment des fresques de paysages qui décorent des pièces conservées sur les sites archéologiques de Pompéi, Herculanum et ailleurs, et des mosaïques.

La tradition de la peinture à l’encre chinoise de shan shui (« eau de montagne »), ou paysage « pur », dans lequel le seul signe de la vie humaine est généralement un sage, ou un aperçu de sa cabane, utilise des paysages sophistiqués pour figurer des sujets, et l’art du paysage de cette période conserve un statut classique et très imité dans la tradition chinoise.

Les deux traditions romaines et chinoises montrent généralement de grands panoramas de paysages imaginaires, généralement soutenus par une gamme de montagnes spectaculaires – en Chine souvent avec des cascades et à Rome, y compris souvent la mer, les lacs ou les rivières. Ceux-ci étaient fréquemment utilisés, comme dans l’exemple illustré, pour combler l’écart entre une scène de premier plan avec des figures et une vision panoramique lointaine, un problème persistant pour les paysagistes. Le style chinois ne montrait généralement qu’une vision lointaine, ou utilisait un sol ou une brume morte pour éviter cette difficulté.

Un contraste important entre la peinture de paysage en Asie de l’Ouest et de l’Est a été que, en Occident jusqu’au 19ème siècle, elle occupait une position basse dans la hiérarchie acceptée des genres, en Asie de l’Est, forme prestigieuse d’art visuel. Les théories esthétiques dans les deux régions ont donné le statut le plus élevé aux œuvres considérées comme exigeant le plus d’imagination de l’artiste. En Occident c’était la peinture d’histoire, mais en Asie de l’Est c’était le paysage imaginaire, où les pratiquants célèbres étaient, au moins en théorie, des lettrés amateurs, y compris plusieurs empereurs de la Chine et du Japon. Ils étaient souvent aussi des poètes dont les lignes et les images s’illustraient.

Cependant, en Occident, la peinture d’histoire a exigé un paysage étendu lorsque cela était approprié, de sorte que la théorie n’a pas entièrement contrecarré le développement de la peinture de paysage – pendant plusieurs siècles, les paysages ont été régulièrement promus au statut de peinture d’histoire. des figures pour faire une scène narrative, typiquement religieuse ou mythologique.

Peinture de paysage occidental:

Peinture de paysage médiévale
Au début de l’art médiéval occidental, l’intérêt pour le paysage disparaît presque entièrement, maintenu en vie seulement dans des copies d’œuvres de l’Antiquité tardive telles que le Psautier d’Utrecht; le dernier remaniement de cette source, dans une version gothique précoce, réduit les paysages précédemment étendus à quelques arbres remplissant des vides dans la composition, sans sens de l’espace global. Un regain d’intérêt pour la nature s’est d’abord manifesté principalement dans des représentations de petits jardins tels que l’Hortus Conclusus ou dans des tapisseries millefleurs. Les fresques de personnages au travail ou jouant devant un fond d’arbres denses au Palais des Papes, Avignon sont probablement une survivance unique de ce qui était un sujet commun. Plusieurs fresques de jardins ont survécu des maisons romaines comme la Villa de Livia.

Au cours du XIVe siècle, Giotto di Bondone et ses disciples commencèrent à reconnaître la nature dans leur travail, introduisant de plus en plus des éléments du paysage comme toile de fond de l’action des personnages dans leurs peintures. Au début du XVe siècle, la peinture de paysage a été établie en tant que genre en Europe, comme cadre de l’activité humaine, souvent exprimée dans un sujet religieux, comme les thèmes du Repos sur la fuite en Egypte, le Voyage des Mages, ou Saint Jérôme dans le désert. Les manuscrits enluminés de luxe ont été très importants dans le développement précoce du paysage, en particulier les séries des Labours des Mois, comme celles des Très Riches Heures du Duc de Berry, qui présentaient traditionnellement de petits personnages dans des paysages de plus en plus grands. Une avancée particulière est montrée dans les Heures Turin-Milan moins connues, maintenant largement détruites par le feu, dont les développements se sont reflétés dans la peinture des premiers Néerlandais pour le reste du siècle. L’artiste connu sous le nom de «Hand G», probablement l’un des frères Van Eyck, a particulièrement réussi à reproduire les effets de la lumière et dans une progression naturelle du premier plan à la vue lointaine. C’était quelque chose que d’autres artistes devaient trouver difficile pendant un siècle ou plus, résolvant souvent le problème en montrant un fond de paysage du dessus d’un parapet ou d’un rebord de fenêtre, comme si d’une taille considérable.

Peinture de paysage de la Renaissance
Les fonds de paysage pour différents types de peinture sont devenus de plus en plus importants et habiles au 15ème siècle. Vers la fin du XVe siècle, des dessins de paysages purs et des aquarelles de Léonard de Vinci, Albrecht Dürer, Fra Bartolomeo et d’autres, mais de purs sujets de paysage en peinture et gravure, encore petits, furent d’abord produits par Albrecht Altdorfer et d’autres. Ecole allemande du Danube au début du 16ème siècle. En même temps, Joachim Patinir aux Pays-Bas a développé le «paysage mondial», un style de paysage panoramique avec de petites figures et utilisant un point de vue aérien élevé, qui est resté influent pendant un siècle, utilisé et perfectionné par Pieter Brueghel l’Ancien. Le développement italien d’un système complet de perspective graphique était maintenant connu dans toute l’Europe, ce qui permettait de peindre très efficacement des vues vastes et complexes.

À cette époque, le paysage servait à exprimer les utopies urbaines et les politiques émergentes. Souvent « perçu » à travers le cadre des fenêtres dans les tableaux qui représentaient les scènes d’intérieur, il prenait un rôle de plus en plus important, jusqu’à occuper toute la surface de la toile. En même temps, les personnages des scènes religieuses extérieures «rétrécissaient» jusqu’à ce qu’ils ne soient symbolisés que par les éléments du paysage (par exemple, Jésus de Nazareth pour une montagne). Mais en synthèse, le paysage n’était encore qu’une partie d’une image de l’histoire ou d’un portrait.

Les paysages ont été idéalisés, reflétant pour la plupart un idéal pastoral tiré de la poésie classique, d’abord exprimé par Giorgione et le jeune Titien, et surtout associé à des paysages italiens boisés, représentés par des artistes nord-européens qui n’avaient jamais visité l’Italie, de même que les lettrés de la plaine en Chine et au Japon peignaient des montagnes vertigineuses. Bien que les jeunes artistes aient souvent été encouragés à visiter l’Italie pour découvrir la lumière italienne, de nombreux artistes d’Europe du Nord pouvaient gagner leur vie en vendant des paysages italiens sans jamais prendre la peine de faire le voyage. En effet, certains styles étaient si populaires qu’ils sont devenus des formules qui pouvaient être copiées encore et encore.

La publication à Anvers en 1559 et 1561 de deux séries d’un total de 48 gravures (les Petits Paysages) d’après les dessins d’un artiste anonyme appelé le Maître des Petits Paysages a marqué un changement de l’éloignement des paysages lointains imaginaires avec un contenu religieux du paysage mondial vers des rendus rapprochés au niveau des yeux de zones patrimoniales identifiables et de villages peuplés de personnalités engagées dans des activités quotidiennes. En abandonnant le point de vue panoramique du paysage mondial et en se concentrant sur l’humble, rural et même topographique, les petits paysages ont ouvert la voie à la peinture de paysage des Pays-Bas au 17ème siècle. Après la publication des Petits Paysages, les paysagistes des Pays-Bas ont soit poursuivi le paysage mondial, soit suivi le nouveau mode présenté par les Petits Paysages.

Peinture de paysage baroque
Au début de l’époque baroque, le paysage était encore peu cultivé. Seul l’Allemand Adam Elsheimer se distingue pour avoir traité des histoires, généralement sacrées, comme des paysages authentiques dans lesquels il fait souvent des études spectaculaires sur les effets atmosphériques, la lumière ou les études de l’aube et du crépuscule.

C’est dans le baroque que la peinture de paysage a été définitivement établie en tant que genre en Europe, avec le développement de la collecte, comme une distraction pour l’activité humaine. C’est un phénomène typique de l’Europe du Nord qui est attribué, dans une large mesure, à la réforme protestante et au développement du capitalisme aux Pays-Bas. La noblesse et le clergé, jusqu’alors les principaux clients des peintres, ont perdu de leur pertinence, étant remplacés par la bourgeoisie marchande. Les préférences de celui-ci ne vont pas aux peintures complexes de l’histoire, avec des sujets de l’Antiquité classique, la mythologie ou l’Histoire Sacrée, ni à des allégories complexes, mais ils ont préféré des sujets simples et quotidiens, des genres comme la nature morte, le paysage ou la scène de genre. Il y avait une telle spécialisation que chaque peintre était dédié à un type de paysage spécifique. Il y avait donc des peintres qui prenaient comme sujet les «pays bas», c’est-à-dire les terres qui étaient au-dessous du niveau de la mer, avec leurs canaux, leurs polders et leurs moulins à vent; se démarque dans ce gars van Goyen, Jacob Ruysdael et Meindert Hobbema. Hendrick Avercamp s’est spécialisé dans les impressions hivernales, avec des étangs et des patineurs surgelés.

Alors que toutes sortes de paysages purs se développaient dans le nord de l’Europe, une anecdote religieuse, mythique ou historique était encore nécessaire dans le sud comme prétexte pour peindre des paysages. C’était un paysage dit «classique», «classiciste» ou «héroïque», de caractère idyllique, qui ne correspondait à aucun béton réellement existant, mais construit à partir d’éléments différents (arbres, ruines, architectures, montagnes …). Le titre de la peinture et les petits personnages perdus dans la nature donnent la clé de l’histoire représentée dans ce qui, à première vue, ne semble être qu’un paysage. Ce type a été créé par le classicisme romain-bolognais, et en particulier par le plus remarquable de ses peintres, Annibale Carracci, dans la fuite vers l’Egypte les personnages sacrés ont moins d’importance que le paysage qui les entoure.

Peinture de paysage des XVIIe et XVIIIe siècles
La popularité des paysages exotiques se reflète dans le succès du peintre Frans Post, qui a passé le reste de sa vie à peindre des paysages brésiliens après un voyage en 1636-1644. D’autres peintres qui n’ont jamais traversé les Alpes pouvaient gagner de l’argent en vendant des paysages de Rhénanie, et d’autres encore en construisant des scènes fantastiques pour une commande particulière telle que la vue de Smeerenburg par Cornelis de Man en 1639.

Des formules de composition utilisant des éléments tels que le repoussoir ont été élaborées qui restent influentes dans la photographie et la peinture modernes, notamment par Poussin et Claude Lorrain, artistes français vivant au XVIIe siècle à Rome et peignant des sujets largement classiques ou des scènes bibliques dans les mêmes paysages. Contrairement à leurs contemporains hollandais, les paysagistes italiens et français souhaitaient le plus souvent garder leur classification dans la hiérarchie des genres comme peinture d’histoire en incluant de petites figures pour représenter une scène de la mythologie classique ou de la Bible. Salvator Rosa a donné une excitation pittoresque à ses paysages en montrant un pays plus sauvage du sud de l’Italie, souvent peuplé de bandits.

La peinture hollandaise de l’âge d’or du 17ème siècle a vu la croissance dramatique de la peinture de paysage, dans laquelle beaucoup d’artistes se sont spécialisés, et le développement des techniques réalistes extrêmement subtiles pour dépeindre la lumière et le temps. Il y a différents styles et périodes, et des sous-genres de peinture marine et animale, ainsi qu’un style distinct de paysage à l’italienne. La plupart des paysages hollandais étaient relativement petits, mais les paysages de la peinture baroque flamande, encore généralement peuplée, étaient souvent très grands, surtout dans la série d’œuvres peintes par Peter Paul Rubens pour ses propres maisons. Les gravures de paysages étaient également populaires, celles de Rembrandt et les œuvres expérimentales d’Hercules Seghers étant généralement considérées comme les plus belles.

Les Néerlandais ont tendance à faire des peintures plus petites pour les petites maisons. Parmi les spécialités paysagères hollandaises nommées dans les inventaires de la période, on peut citer le Batalje, ou scène de bataille; le Maneschijntje, ou la scène au clair de lune; la scène des Bosjes ou des bois; le Boederijtje, ou scène de ferme, et la scène Dorpje ou village. Bien que n’étant pas nommé à l’époque comme un genre spécifique, la popularité des ruines romaines a inspiré de nombreux peintres hollandais de l’époque à peindre les ruines de leur propre région, comme les monastères et les églises ruinées après la Beeldenstorm.

En Angleterre, les paysages étaient à l’origine essentiellement des portraits, suggérant généralement les parcs ou les domaines d’un propriétaire foncier, bien que la plupart d’entre eux soient peints à Londres par un artiste qui n’avait jamais visité les terres vallonnées de son gardien. La tradition anglaise a été fondée par Anthony van Dyck et d’autres artistes principalement flamands travaillant en Angleterre, mais au 18ème siècle, les œuvres de Claude Lorrain ont été vivement collectées et influencées non seulement les peintures de paysages, mais aussi les jardins anglais de Capability Brown.

Le 18ème siècle a également été un grand âge pour l’impression topographique, dépeignant plus ou moins exactement une vue réelle d’une manière que la peinture de paysage a rarement faite. Initialement, ceux-ci étaient principalement centrés sur un bâtiment, mais au cours du siècle, avec la croissance du mouvement romantique, les paysages purs sont devenus plus communs. L’imprimé topographique, souvent destiné à être encadré et accroché à un mur, est resté un moyen de communication très populaire au XXe siècle, mais a souvent été classé comme une forme d’art inférieure à un paysage imaginaire.

Les paysages à l’aquarelle sur papier devinrent une spécialité à part entière, surtout en Angleterre, où se développa une tradition particulière d’artistes talentueux qui peignirent, ou presque entièrement, des aquarelles de paysage, comme ce fut le cas dans d’autres pays. C’étaient très souvent des vues réelles, bien que parfois les compositions aient été ajustées pour l’effet artistique. Les tableaux vendus relativement bon marché, mais étaient beaucoup plus rapides à produire. Ces professionnels pourraient augmenter leurs revenus en formant les «armées d’amateurs» qui peignaient également.

Peinture de paysage des XIXe et XXe siècles
Le mouvement romantique a intensifié l’intérêt actuel pour l’art du paysage, et les paysages lointains et sauvages, qui avaient été un élément récurrent dans l’art paysager antérieur, sont devenus plus importants. L’Allemand Caspar David Friedrich a eu un style distinctif, influencé par sa formation danoise, où un style national distinct, s’inspirant de l’exemple hollandais du 17ème siècle, s’était développé. A cela, il a ajouté un romantisme quasi-mystique. Les peintres français ont été plus lents à développer la peinture de paysage, mais à partir des années 1830, Jean-Baptiste-Camille Corot et d’autres peintres de l’école de Barbizon ont établi une tradition paysagère française qui deviendra la plus influente en Europe depuis un siècle. Impressionnistes pour la première fois en faisant de la peinture de paysage la principale source d’innovation stylistique générale à travers tous les types de peinture.

Tout conduit nécessairement au paysage, la peinture de paysage a été la grande création artistique du XIXe siècle. Les gens étaient «capables de supposer que l’appréciation de la beauté naturelle et de la peinture de paysage est une partie normale et permanente de notre activité spirituelle.» Les manières européennes sous-jacentes de transformer la complexité du paysage en une idée étaient quatre approches fondamentales: acceptation des symboles descriptifs; curiosité sur les faits de la nature, par la création de fantasmes pour alléger les rêves de racines profondes dans la nature et par la croyance en un âge d’or, d’harmonie et d’ordre, qui pourrait être récupéré.

À l’époque romantique, le paysage devient un acteur ou un producteur d’émotions et d’expériences subjectives. Le pittoresque et le sublime apparaissent alors comme deux façons de voir le paysage. Les premiers guides touristiques de l’Histoire recueillent ces points de vue pour faire un mémoire populaire sur les sites et leurs paysages. L’Anglais John Constable a ouvert la voie, qui était consacrée à la peinture des paysages de l’Angleterre rurale, non touchée par la révolution industrielle, y compris les lieux qui lui étaient connus depuis son enfance, comme la vallée de Dedham. Il l’a fait avec une technique de décomposition des couleurs en petits traits qui en fait un précurseur de l’impressionnisme; Il a étudié les phénomènes atmosphériques, en particulier les nuages. L’exposition de ses œuvres au Salon de Paris de 1824 connaît un grand succès auprès des artistes français, à commencer par Delacroix. L’Anglais William Turner, son contemporain mais avec une vie artistique plus longue, reflétait la modernité, comme dans son œuvre la plus célèbre: Pluie, vapeur et vitesse, où apparaissait un sujet véritablement nouveau, le chemin de fer et le pont de Maidenhead, prodige de l’ingénierie à l’époque. Avec Turner, les formes du paysage se dissolvaient dans des tourbillons de couleurs qui ne permettaient pas toujours de reconnaître ce qui se reflétait dans la peinture.

En Allemagne, Blechen a continué à refléter le paysage traditionnel par excellence, italien, mais d’une manière très différente de l’époque précédente. Il a présenté une Italie qui n’était pas très pittoresque, pas idyllique, qui a été critiquée. Philipp Otto Runge et Caspar David Friedrich, les deux artistes les plus remarquables de la peinture romantique allemande, se sont consacrés au paysage de leur pays. Encouragés par un esprit piétiste, ils essaient de créer des tableaux religieux, mais non en représentant des scènes ayant un tel thème, mais en reflétant la grandeur des paysages de telle sorte qu’ils s’orientent vers la piété.

Le passage du «paysage classique» au paysage réaliste est donné par Camille Corot qui, comme Blechen ou Turner, a passé son étape de formation en Italie. Avec lui a commencé une autre façon de traiter le paysage, différent de celui des romantiques. Comme il l’a fait après l’école de Barbizon et, plus tard, l’impressionnisme, il a donné au paysage un rôle très différent de celui des romantiques. Ils l’ont observé de manière méticuleuse et relative en termes de lumière et de couleur, dans le but de créer une représentation fidèle à la perception qu’un observateur peut avoir. Cette fidélité, qui est vécue, par exemple, dans les contrastes et touche de manière «dynamique».

La passion du post-impressionniste Vincent van Gogh pour le travail de ses prédécesseurs, l’amène à peindre le paysage provençal à partir de l’année 1888. Son travail, de couleurs intenses, dans lequel les figures sont déformées et incurvées, s’éloignant du réalisme, est un précédent des tendances expressionnistes.

En Amérique du Nord, les écoles nationales de peinture sont nées, dans une large mesure, de paysagistes qui ont peint la terre. Aux États-Unis, Frederick Edwin Church, peintre de grands panoramas, réalise de vastes compositions qui symbolisent la grandeur et l’immensité du continent américain (Niagara Falls, 1857). L’école du fleuve Hudson, dans la seconde moitié du XIXe siècle, est probablement la manifestation indigène la plus connue. Ses peintres ont créé des œuvres de taille colossale en essayant de capturer la portée épique des paysages qui les ont inspirés. Le travail de Thomas Cole, généralement reconnu comme le fondateur de l’école, a beaucoup en commun avec les idéaux philosophiques de la peinture de paysage européenne, une sorte de foi séculaire dans les avantages spirituels qui peuvent être retirés de la contemplation de la beauté. Naturel. Certains des derniers artistes de l’Hudson River School, comme Albert Bierstadt, ont créé des œuvres d’une nature romantique, qui mettaient davantage l’accent sur les puissances dures, voire terribles, de la nature.

Le nationalisme des nouvelles Provinces Unies avait été un facteur dans la popularité de la peinture de paysage hollandaise du 17ème siècle et au 19ème siècle, alors que d’autres nations essayaient de développer des écoles nationales de peinture distinctives, la tentative d’exprimer la nature particulière du paysage. la patrie est devenue une tendance générale. En Russie, comme en Amérique, la taille gigantesque des peintures était elle-même une affirmation nationaliste.

Aux États-Unis, l’Hudson River School, importante au milieu du 19e siècle, est probablement le développement autochtone le plus connu de l’art paysager. Ces peintres ont créé des œuvres d’envergure gigantesque qui ont tenté de capturer la portée épique des paysages qui les ont inspirés. Le travail de Thomas Cole, le fondateur généralement reconnu de l’école, a beaucoup en commun avec les idéaux philosophiques des peintures de paysages européens – une sorte de foi séculaire dans les avantages spirituels à tirer de la contemplation de la beauté naturelle. Certains des derniers artistes de l’Hudson River School, comme Albert Bierstadt, ont créé des œuvres moins réconfortantes qui mettaient davantage l’accent (avec beaucoup d’exagération romantique) sur le pouvoir brut, voire terrifiant de la nature. Les meilleurs exemples de l’art paysager canadien se retrouvent dans les œuvres du Groupe des Sept, bien connues dans les années 1920.

Les explorateurs, naturalistes, marins, marchands qui ont colonisé les côtes du Canada atlantique ont laissé une série d’observations, parfois scientifiques, parfois fantastiques ou extravagantes, documentées dans leurs cartes et leurs peintures.

Bien que moins dominants dans la période après la Première Guerre mondiale, beaucoup d’artistes importants ont peint des paysages dans la grande variété de styles illustrés par Charles E. Burchfield, Neil Welliver, Alex Katz, Milton Avery, Peter Doig, Andrew Wyeth, David Hockney et Sidney. Nolan.

Peinture de paysage contemporain
La peinture de paysage contemporaine a dissous l’existence des genres, mais dans les différents « ismes » d’avant-garde, nous pouvons distinguer les peintures dans lesquelles le représenté est un paysage, toujours avec le propre style de l’auteur. Cézanne, le «père de la peinture moderne», consacre toute une série de peintures à la montagne Sainte-Victoire. Derain, Dufy, Vlaminck et Marquet ont peint des paysages fovistas, et Braque, l’un des fondateurs du cubisme, a essayé à plusieurs reprises le paysage de L’Estaque. À Vienne au début du siècle, des œuvres de ce genre ont été produites par le moderniste Gustav Klimt et l’expressionniste Egon Schiele.

Les expressionnistes transmettaient leurs sentiments et leurs sensations chromatiques à travers les paysages, comme Erich Heckel ou Karl Schmidt-Rottluff dans ses tableaux peints dans le village de pêcheurs de Dangast.

Les différentes formes d’abstraction ont fini par supprimer l’importance du paysage, limitant la portée du réalisme et de la représentation. Cependant, le terme «peinture de paysage abstrait» est souvent utilisé par rapport à plusieurs peintres non figuratifs (Bazaine, Le Moal ou Manessier). Le paysage sicilien a inspiré le travail du peintre expressionniste social Renato Guttuso.

Ces dernières années, l’artiste argentin Helmut Ditsch s’est distingué avec des peintures inspirées par des points extrêmes de la nature. Son travail s’appelle Vivid Realism, affirmant que la peinture de Ditsch n’est soumise à aucune conception picturale, naturaliste ou réaliste, mais est née de l’expérience vitaliste et mystique de la nature.

Orienter la peinture de paysage:

Peinture de paysage de la Chine
La peinture de paysage a été appelée «la plus grande contribution de la Chine à l’art du monde» et doit son caractère particulier à la tradition taoïste (taoïste) de la culture chinoise. William Watson note qu ‘«on a dit que le rôle de l’art paysager dans la peinture chinoise correspondait à celui du nu en Occident, comme un thème invariable en soi, mais qu’il était le véhicule de nuances infinies de vision et de sentiment».

Il existe des paysages de plus en plus sophistiqués pour représenter les sujets de la chasse, de l’agriculture ou des animaux de la dynastie Han, avec des exemples survivants dans la pierre ou des reliefs en argile des tombes, qui sont supposés suivre les styles dominants effet des peintures originales. Le statut exact des copies ultérieures d’œuvres réputées par des peintres célèbres (dont beaucoup sont enregistrés dans la littérature) avant le 10ème siècle n’est pas clair. Un exemple est une peinture célèbre du 8ème siècle de la collection impériale, intitulée L’empereur Ming Huang voyageant à Shu. Cela montre l’entourage à cheval à travers les montagnes vertigineuses du type typique des peintures ultérieures, mais est en pleine couleur « produisant un motif global qui est presque persan », dans ce qui était évidemment un style de cour populaire et à la mode.

Le passage décisif à un style de paysage monochrome, presque dépourvu de chiffres, est attribué à Wang Wei (699-759), également célèbre en tant que poète; la plupart du temps seulement des copies de ses travaux survivent. À partir du Xe siècle, un nombre croissant de peintures originales subsistent, et les meilleures œuvres de l’école méridionale de la dynastie des Song (960-1279) restent parmi les plus appréciées dans ce qui a été une tradition ininterrompue jusqu’à nos jours. La convention chinoise valorisait les peintures du savant-gentleman amateur, souvent aussi un poète, par rapport à celles produites par des professionnels, bien que la situation soit plus complexe que cela. S’ils comportent des figures, ils sont très souvent des personnes, ou des sages, qui contemplent les montagnes. Des œuvres célèbres ont accumulé un certain nombre de «sceaux d’appréciation» rouges, et souvent des poèmes ajoutés par des propriétaires plus tardifs – l’empereur Qianlong (1711-1799) était un adepte prolifique de ses propres poèmes, à la suite des empereurs précédents.

La tradition du shan shui n’a jamais été conçue pour représenter des lieux réels, même lorsqu’ils portent leur nom, comme dans la convention des Huit Vues. Un style différent, produit par des ateliers d’artistes de cour professionnels, a peint des vues officielles des visites et des cérémonies impériales, en mettant l’accent sur des scènes très détaillées de villes surpeuplées et de grands cérémonies d’un point de vue élevé. Ceux-ci ont été peints sur des rouleaux de longueur énorme de couleur vive.

La sculpture chinoise accomplit également l’exploit difficile de créer des paysages efficaces en trois dimensions. Il y a une longue tradition d’appréciation des «pierres de vision» – des rochers naturellement formés, typiquement calcaires provenant des berges des rivières de montagne qui ont été érodées en formes fantastiques, ont été transportés dans les cours et les jardins des lettrés. Probablement associé à ceux-ci est la tradition de la sculpture de plus petits rochers de jade ou d’une autre pierre semi-précieuse dans la forme d’une montagne, y compris de minuscules figures de moines ou de sages. Les jardins chinois ont également développé une esthétique très sophistiquée beaucoup plus tôt que ceux en Occident; le karensansui ou jardin sec japonais du bouddhisme zen rapproche le jardin d’une œuvre de sculpture, représentant un paysage très abstrait.

Peinture de paysage du Japon
L’art japonais a d’abord adapté les styles chinois pour refléter leur intérêt pour les thèmes narratifs de l’art, avec des paysages mêlés à ceux montrant des scènes de palais ou de villes utilisant le même point de vue élevé, coupant les toits si nécessaire. Ceux-ci sont apparus dans les très longs rouleaux de scènes en yamato-e illustrant le conte de Genji et d’autres sujets, principalement des XIIe et XIIIe siècles. Le concept du peintre gentleman-amateur avait peu de résonance dans le Japon féodal, où les artistes étaient généralement des professionnels avec un lien fort avec leur maître et son école, plutôt qu’avec les artistes classiques du passé lointain, dont les peintres chinois avaient tendance à s’inspirer . Au départ, la peinture était entièrement colorée, souvent brillante, et le paysage ne submerge jamais les personnages souvent surdimensionnés.

Beaucoup d’autres sujets paysagers purs survivent à partir du 15ème siècle; plusieurs artistes clés sont le clergé bouddhiste zen, et travaillaient dans un style monochrome en mettant l’accent sur les coups de pinceau à la chinoise. Certaines écoles ont adopté un style moins raffiné, avec des vues plus petites donnant plus d’importance au premier plan. Un type d’image qui a eu un attrait durable pour les artistes japonais, et qui a fini par être appelé le «style japonais», est en fait d’abord trouvé en Chine. Cela combine un ou plusieurs grands oiseaux, animaux ou arbres au premier plan, généralement d’un côté dans une composition horizontale, avec un paysage plus large au-delà, couvrant souvent seulement des parties de l’arrière-plan. Les versions ultérieures de ce style sont souvent supprimées avec un fond de paysage tout à fait.

Le style ukiyo-e qui s’est développé à partir du XVIe siècle, d’abord en peinture puis en gravures sur bois colorées bon marché et largement disponibles, initialement concentrées sur la figure humaine, individuellement et en groupe. Mais à partir du paysage de la fin du XVIIIe siècle, l’ukiyo-e s’est développé sous Hokusai et Hiroshige pour devenir le type le plus connu d’art paysager japonais.

Techniques de peinture de paysage
La plupart des premiers paysages sont clairement imaginaires, bien que, très tôt dans le paysage urbain, les vues soient clairement destinées à représenter des villes réelles, avec plus ou moins de précision. Diverses techniques ont été utilisées pour simuler le caractère aléatoire des formes naturelles dans les compositions inventées: le conseil médiéval de Cennino Cennini pour copier des rochers déchiquetés à partir de petits rochers était apparemment suivi par Poussin et Thomas Gainsborough, tandis que Degas copiait des formes nuageuses à partir d’un mouchoir froissé. contre la lumière. Le système d’Alexander Cozens a utilisé des taches d’encre aléatoires pour donner la forme de base d’un paysage inventé, à élaborer par l’artiste.

La vue de fond distincte sur le lac Léman au pic du Môle dans Le projet miraculeux des poissons de Konrad Witz (1444) est souvent citée comme le premier paysage rural occidental à montrer une scène spécifique. Les études de paysage de Dürer représentent clairement des scènes réelles, qui peuvent être identifiées dans de nombreux cas, et qui ont été réalisées au moins en partie sur place; les dessins de Fra Bartolomeo semblent également clairement dessinés de la nature. Les œuvres finales de Dürer semblent généralement utiliser des paysages inventés, bien que la vue spectaculaire à vol d’oiseau dans sa gravure Nemesis montre une vue réelle dans les Alpes, avec des éléments supplémentaires. Plusieurs paysagistes sont connus pour avoir fait des dessins et des croquis d’aquarelle de la nature, mais les preuves de la peinture à l’huile précoce à l’extérieur est limitée. La Fraternité des préraphaélites a fait des efforts particuliers dans ce sens, mais ce n’est que dans les années 1870 que les peintures à l’huile prémélangées dans les tubes, suivies du «chevalet de boîte» portatif, ont été largement pratiquées.

Un rideau de montagnes à l’arrière du paysage est standard dans de larges vues romaines et encore plus dans les paysages chinois. Relativement peu d’espace est donné au ciel dans les premières œuvres dans les deux traditions; les Chinois utilisaient souvent la brume ou les nuages ​​entre les montagnes, et montraient aussi parfois des nuages ​​dans le ciel bien plus tôt que les artistes occidentaux, qui utilisaient principalement les nuages ​​comme supports ou couvertures pour les figures divines ou le ciel. Les tableaux et les miniatures des manuscrits avaient généralement un «ciel» ou un fond d’or à motifs au-dessus de l’horizon jusqu’aux environs de 1400, mais les fresques de Giotto et d’autres artistes italiens avaient longtemps montré un ciel bleu uni. Le seul retable de Melchior Broederlam, achevé pour Champmol en 1399, possède un ciel d’or peuplé non seulement de dieux et d’anges, mais aussi d’un oiseau volant. Une scène côtière dans les Heures Turin-Milan a un ciel couvert avec des nuages ​​soigneusement observés. Dans les gravures sur bois, un grand espace vide peut faire s’affaisser le papier pendant l’impression, Dürer et d’autres artistes incluent souvent des nuages ​​ou des gribouillis représentant des oiseaux pour éviter cela.

La tradition monochrome chinoise a utilisé l’encre sur soie ou sur papier depuis sa création, en mettant l’accent sur le coup de pinceau individuel pour définir les ts’un ou «rides» dans les versants des montagnes, et les autres caractéristiques du paysage. L’aquarelle occidentale est un médium plus tonal, même avec un dessous visible.