Dipinto di paesaggio

La pittura di paesaggio, nota anche come arte paesaggistica, è la raffigurazione nell’arte dei paesaggi – paesaggi naturali come montagne, valli, alberi, fiumi e foreste, soprattutto dove il soggetto principale è una visione ampia – con i suoi elementi disposti in una composizione coerente . In altri lavori, gli sfondi del paesaggio per le figure possono ancora costituire una parte importante del lavoro. Il cielo è quasi sempre incluso nella vista e il tempo è spesso un elemento della composizione. I paesaggi dettagliati come soggetto distinto non si trovano in tutte le tradizioni artistiche e si sviluppano quando esiste già una sofisticata tradizione di rappresentazione di altri soggetti.

Le due tradizioni principali scaturiscono dalla pittura occidentale e dall’arte cinese, e risalgono a ben oltre mille anni in entrambi i casi. Il riconoscimento di un elemento spirituale nell’arte del paesaggio è presente sin dai suoi inizi nell’arte dell’Asia orientale, attingendo al taoismo e ad altre tradizioni filosofiche, ma in Occidente diventa esplicito solo con il Romanticismo.

Le vedute paesaggistiche nell’arte possono essere interamente immaginarie o copiate dalla realtà con vari gradi di accuratezza. Se lo scopo principale di un’immagine è di rappresentare un luogo reale e specifico, in particolare includendo gli edifici in primo piano, si parla di una vista topografica. Tali punti di vista, estremamente comuni come le stampe in Occidente, sono spesso visti come inferiori ai paesaggi delle belle arti, sebbene la distinzione non sia sempre significativa; pregiudizi simili esistevano nell’arte cinese, dove la pittura letteraria di solito raffigurava vedute immaginarie, mentre gli artisti di corte professionisti dipingevano vedute reali, includendo spesso palazzi e città.

Tipi di paesaggio:
A causa del modo in cui viene trattato il tema del paesaggio, si possono distinguere tre tipi fondamentali:

Il paesaggio “cosmico” o “sublime”, in cui la natura è presentata in modo selvaggio, immensi paesaggi che non rappresentano necessariamente luoghi realmente esistenti e in cui l’uomo si sente perso. All’interno di questa linea sarebbe il “paesaggio naturalista” che riflette una natura grandiosa, abbondante e selvaggia, in cui i fenomeni atmosferici appaiono come tempeste. È tipico degli artisti del nord Europa, in particolare della pittura tedesca, come Dürer, Elsheimer o Friedrich.

La natura “dominata” dall’uomo, come nel caso del paesaggio fiammingo o olandese. La presenza dell’uomo fa sembrare la natura non minacciosa. Spesso finisce per essere un “paesaggio topografico”, che rappresenta necessariamente un luogo preciso e identificabile, con una natura presentata nel modo più umile. All’interno di questa linea si possono citare Patinir, Pieter Brueghel il Vecchio o maestri olandesi del diciassettesimo secolo.

Natura “colonizzata” dall’uomo, che è tipica del paesaggio italiano. Sembrano campi coltivati ​​di rilievo, colline, valli e pianure con case, canali, strade e altre costruzioni umane; La natura non è più una minaccia, ma l’uomo lo ha reso anche suo. All’interno di questo tipo di paesaggio si può parlare del “paesaggio classico”, in cui viene rappresentata una natura ideale e grandiosa. La rappresentazione non è credibile, ma ricomposta per sublimare la natura e presentarla perfetta. In questo tipo di paesaggio, una storia è solitamente nascosta. È attuale la presenza di elementi di architettura romana, combinati con una montagna o una collina e con un piano d’acqua. Questo tipo di “paesaggio ideale” è stato creato da Annibale Carracci, seguito da Domenichino e dal francese Poussin. Per secoli, il paesaggio italiano è stato il modello accademico, essendo anche l’Italia il paese verso il quale si sono formati artisti provenienti da tutta Europa.

Da un altro punto di vista, riferito al soggetto che è rappresentato e non tanto al modo in cui viene trattato, è possibile distinguere tra:

Marina in composizioni che mostrano oceani, mari o spiagge.
Composizioni fluviali di paesaggi con fiumi o torrenti.

I paesaggi naturali rappresentano paesaggi come foreste, giungle, deserti, boschetti e altri stati del territorio senza la presenza dell’essere umano.
I paesaggi di Costumbristas sono quelli che simboleggiano usi e tradizioni di luoghi specifici come ad esempio i paesaggi tipici delle città colombiane che sono rappresentati nella pittura popolare.

Paesaggi stellari o paesaggi nuvolosi sono rappresentazioni di nuvole, formazioni climatiche e condizioni atmosferiche.
I paesaggi lunari mostrano paesaggi della visione della luna sulla terra.

I paesaggi urbani mostrano le città.
Hardscape o paesaggi duri, in cui ciò che viene rappresentato sono aree come strade asfaltate e grandi complessi di imprese o industrie.

Paesaggio aereo o aereo, che mostra la superficie terrestre vista dall’alto, specialmente da aerei o astronavi. Quando il punto di vista è molto pronunciato verso il basso, il cielo non è apprezzato. Questo genere può essere combinato con altri, come nel nuvoloso etereo arte di Georgia O’Keeffe, l’etereo paesaggio lunare di Nancy Graves o l’etereo paesaggio urbano di Yvone Jacquette.

Paesaggio da sogno, in composizioni simili a paesaggi (generalmente surreali o astratti) che cercano di esprimere la visione psicoanalitica della mente come uno spazio tridimensionale.

Storia
Le prime forme d’arte in tutto il mondo descrivono poco che si potrebbe davvero definire paesaggio, sebbene siano incluse linee di fondo e talvolta indicazioni di montagne, alberi o altre caratteristiche naturali. I primi “paesaggi puri” senza figure umane sono affreschi della Grecia minoica del 1500 aC circa.

Le scene di caccia, specialmente quelle ambientate nella vista chiusa dei canneti del delta del Nilo dall’antico Egitto, possono dare un forte senso del luogo, ma l’enfasi è sulle singole forme vegetali e sulle figure umane e animali piuttosto che sull’ambientazione generale del paesaggio. Gli affreschi della Tomba di Nebamun, ora nel British Museum (1350 aC circa), sono un famoso esempio.

Per una rappresentazione coerente di un intero paesaggio, è necessario un sistema approssimativo di prospettiva o un ridimensionamento per la distanza, e questo sembra derivato da prove letterarie che siano state sviluppate inizialmente nell’antica Grecia nel periodo ellenistico, sebbene non sopravvivano esempi su larga scala. Più antichi paesaggi romani sopravvivono, dal I secolo aE in poi, in particolare gli affreschi di paesaggi che decorano stanze che sono state conservate nei siti archeologici di Pompei, Ercolano e altrove, e mosaici.

La tradizione cinese di pittura a inchiostro di shan shui (“montagna-acqua”), o “puro” paesaggio, in cui l’unico segno della vita umana è solitamente un saggio, o uno scorcio della sua capanna, usa sofisticati sfondi paesaggistici per rappresentare soggetti, e l’arte del paesaggio di questo periodo mantiene uno status classico e molto imitato all’interno della tradizione cinese.

Sia la tradizione romana che quella cinese mostrano in genere grandiosi panorami di paesaggi immaginari, generalmente sostenuti da una serie di spettacolari montagne – in Cina spesso con cascate e a Roma spesso compresi mare, laghi o fiumi. Questi erano frequentemente usati, come nell’esempio illustrato, per colmare il divario tra una scena in primo piano con figure e una vista panoramica in lontananza, un problema persistente per gli artisti del paesaggio. Lo stile cinese in genere mostrava solo una vista distante, o utilizzava terreno morto o nebbia per evitare quella difficoltà.

Un forte contrasto tra la pittura paesaggistica nell’Asia occidentale e occidentale è stato che mentre in Occidente fino al XIX secolo occupava una posizione bassa nella gerarchia di generi accettata, in Asia orientale il classico inchiostro cinese ad acqua di montagna era tradizionalmente il più forma prestigiosa di arte visiva. Le teorie estetiche di entrambe le regioni davano il massimo risalto alle opere viste per richiedere la massima immaginazione dall’artista. In Occidente questa era la pittura di storia, ma nell’Asia orientale era il paesaggio immaginario, dove famosi professionisti erano, almeno in teoria, letterati dilettanti, tra cui diversi imperatori sia della Cina che del Giappone. Erano spesso anche poeti le cui linee e immagini si mostravano l’un l’altro.

Tuttavia, in Occidente, la pittura di storia è arrivata a richiedere un ampio background paesaggistico, laddove appropriato, quindi la teoria non ha funzionato completamente contro lo sviluppo della pittura di paesaggio – per diversi secoli i paesaggi sono stati regolarmente promossi allo status di pittura storica con l’aggiunta di piccoli figure per fare una scena narrativa, tipicamente religiosa o mitologica.

Pittura paesaggistica occidentale:

Pittura paesaggistica medievale
All’inizio dell’arte medievale occidentale l’interesse per il paesaggio scompare quasi del tutto, mantenuto vivo solo in copie di opere tardo anticate come il Salterio di Utrecht; l’ultima rielaborazione di questa fonte, in una prima versione gotica, riduce i paesaggi precedentemente estesi a pochi alberi che colmano le lacune nella composizione, senza alcun senso dello spazio complessivo. Una rinascita di interesse per la natura si manifestò inizialmente principalmente nelle raffigurazioni di piccoli giardini come l’Hortus Conclusus o quelli negli arazzi millefleur. Gli affreschi delle figure al lavoro o il gioco di fronte a uno sfondo di fitti alberi nel Palazzo dei Papi, Avignone sono probabilmente una sopravvivenza unica di quello che era un soggetto comune. Diversi affreschi di giardini sono sopravvissuti da case romane come la Villa di Livia.

Nel corso del XIV secolo Giotto di Bondone ei suoi seguaci iniziarono a riconoscere la natura nel loro lavoro, introducendo sempre più elementi del paesaggio come sfondo per l’azione delle figure nei loro dipinti. All’inizio del XV secolo, la pittura di paesaggio era stata stabilita come un genere in Europa, come cornice per l’attività umana, spesso espressa in un soggetto religioso, come i temi del Riposo in fuga in Egitto, del Viaggio dei Magi, o San Girolamo nel deserto. I manoscritti di lusso illuminati erano molto importanti per il primo sviluppo del paesaggio, in particolare le serie delle “Fatiche del mese” come quelle del Très Riches Heures du Duc de Berry, che presentavano convenzionalmente figure di piccolo genere in contesti paesaggistici sempre più ampi. Un particolare progresso è mostrato nelle meno note Ore di Torino-Milano, ora ampiamente distrutte dal fuoco, i cui sviluppi si sono riflessi nella pittura dei primi Paesi Bassi per il resto del secolo. L’artista noto come “Hand G”, probabilmente uno dei fratelli Van Eyck, ebbe un particolare successo nel riprodurre effetti di luce e in una progressione dall’apparenza naturale dal primo piano alla vista lontana. Questo era qualcosa che altri artisti dovevano trovare difficile per un secolo o più, spesso risolvendo il problema mostrando uno sfondo di paesaggio da sopra la cima di un parapetto o di un davanzale, come se provenisse da un’altezza considerevole.

Pittura paesaggistica rinascimentale
Gli sfondi del paesaggio per vari tipi di pittura divennero sempre più importanti e abili durante il quindicesimo secolo. Il periodo verso la fine del XV secolo ha visto puri disegni paesaggistici e acquerelli di Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Fra Bartolomeo e altri, ma i puri soggetti del paesaggio in pittura e incisione, ancora piccoli, furono prodotti per la prima volta da Albrecht Altdorfer e altri dal Scuola tedesca del Danubio all’inizio del XVI secolo. Allo stesso tempo, Joachim Patinir nei Paesi Bassi sviluppò il “paesaggio mondiale” uno stile di paesaggio panoramico con piccole figure e usando un alto punto di vista aereo, che rimase influente per un secolo, usato e perfezionato da Pieter Brueghel il Vecchio. Lo sviluppo italiano di un sistema completo di prospettiva grafica era ormai noto in tutta Europa, il che permetteva di dipingere in modo molto efficace viste grandi e complesse.

In questa era, il paesaggio serviva a esprimere le utopie urbane e le politiche emergenti. Spesso “percepito” attraverso la cornice delle finestre nelle immagini che rappresentavano scene interne, stava diventando un ruolo sempre più importante, fino a occupare l’intera superficie della tela. Allo stesso tempo, i personaggi delle scene religiose esterne stavano “restringendosi” fino a quando non venivano simboleggiati solo dagli elementi del paesaggio (per esempio, Gesù di Nazareth per una montagna). Ma in sintesi, il paesaggio era ancora solo parte di un’immagine della storia o di un ritratto.

I paesaggi sono stati idealizzati, riflettendo per lo più un ideale pastorale tratto dalla poesia classica, espressa per la prima volta da Giorgione e dal giovane Tiziano, e rimasta associata soprattutto al paesaggio collinare boscoso italiano, raffigurato da artisti del Nord Europa che non avevano mai visitato l’Italia, proprio come i semplici letterati in Cina e Giappone hanno dipinto montagne vertiginose. Sebbene spesso i giovani artisti fossero incoraggiati a visitare l’Italia per sperimentare la luce italiana, molti artisti del Nord Europa potevano guadagnarsi da vivere vendendo paesaggi italiani senza mai prendersi la briga di fare il viaggio. In effetti, alcuni stili erano così popolari da diventare formule che potevano essere copiate ancora e ancora.

La pubblicazione ad Anversa nel 1559 e nel 1561 di due serie di un totale di 48 stampe (i Piccoli Paesaggi) dopo i disegni di un artista anonimo chiamato il Maestro dei Piccoli Paesaggi segnò uno spostamento dall’immaginario, paesaggi lontani con contenuto religioso del panorama mondiale verso rendimenti ravvicinati a livello degli occhi di proprietà nazionali identificabili e villaggi popolati da figure impegnate in attività quotidiane. Abbandonando il punto di vista panoramico del paesaggio mondiale e concentrandosi sugli umili, rurali e persino topografici, i Piccoli Paesaggi preparano il terreno per la pittura paesaggistica olandese nel 17 ° secolo. Dopo la pubblicazione di Small Landscapes, gli artisti del paesaggio nei Paesi Bassi hanno continuato con il mondo o hanno seguito la nuova modalità presentata da Small Landscapes.

Pittura paesaggistica barocca
All’inizio dell’era barique, il paesaggio era ancora poco coltivato. Solo il tedesco Adam Elsheimer si distingue per il trattamento di storie, in genere sacre, come paesaggi autentici in cui compie spesso studi spettacolari su effetti atmosferici, studi di luce o alba e tramonto.

Fu nel Barocco che la pittura di paesaggio fu definitivamente affermata come un genere in Europa, con lo sviluppo del collezionismo, come distrazione per l’attività umana. È un fenomeno tipico del nord Europa che è attribuito, in larga misura, alla riforma protestante e allo sviluppo del capitalismo nei Paesi Bassi. La nobiltà e il clero, fino ad allora i principali clienti dei pittori, persero importanza, venendo sostituiti dalla borghesia mercantile. Le preferenze di questo non andavano ai quadri complessi della storia, con soggetti della classica antichità, della mitologia o della storia sacra, né verso allegorie complesse, ma preferivano soggetti semplici e quotidiani, motivo per cui raggiunsero l’indipendenza fino ad allora secondaria generi come la natura morta, il paesaggio o la scena di genere. C’era una tale specializzazione che ogni pittore era dedicato a un tipo specifico di paesaggio. Così c’erano pittori che prendevano come soggetto i “paesi bassi”, cioè le terre che erano sotto il livello del mare, con i loro canali, polder e mulini a vento; spiccava in questo ragazzo van Goyen, Jacob Ruysdael e Meindert Hobbema. Hendrick Avercamp specializzato in stampe invernali, con stagni e pattinatori ghiacciati.

Mentre nel Nord Europa si stavano sviluppando tutti i tipi di paesaggi puri, nel sud era ancora necessario un aneddoto religioso, mitico o storico come pretesto per dipingere paesaggi. Era un paesaggio chiamato «classico», «classicista» o «eroico», di carattere idilliaco, che non corrispondeva a nessun concreto realmente esistito, ma costruito da elementi diversi (alberi, rovine, architetture, montagne …). Il titolo del dipinto e i piccoli personaggi perduti nella natura danno la chiave della storia rappresentata in quello che a prima vista sembra solo un paesaggio. Questo tipo fu creato dal classicismo romano-bolognese, e in particolare dal più illustre dei suoi pittori, Annibale Carracci, nella cui fuga in Egitto i personaggi sacri hanno meno importanza del paesaggio che li circonda.

Pittura paesaggistica del XVII e XVIII secolo
La popolarità delle scene paesaggistiche esotiche è riscontrabile nel successo del pittore Frans Post, che trascorse il resto della sua vita a dipingere paesaggi brasiliani dopo un viaggio nel 1636-1644. Altri pittori che non hanno mai varcato le Alpi potevano fare soldi vendendo paesaggi della Renania e altri ancora per la costruzione di scene di fantasia per una commissione particolare come la visione di Cornelis de Man di Smeerenburg nel 1639.

Si svilupparono formule compositive usando elementi come il replicante che rimangono influenti nella fotografia moderna e nella pittura, in particolare da Poussin e Claude Lorrain, entrambi artisti francesi che vivono nella Roma del 17 ° secolo e che dipingono in gran parte oggetti classici, o scene bibliche ambientate negli stessi paesaggi. A differenza dei loro contemporanei olandesi, gli artisti paesaggisti italiani e francesi continuavano a voler mantenere la loro classificazione all’interno della gerarchia dei generi come la pittura storica includendo piccole figure per rappresentare una scena della mitologia classica o della Bibbia. Salvator Rosa ha dato una pittoresca eccitazione ai suoi paesaggi mostrando la più selvaggia campagna del Sud Italia, spesso popolata da banditi.

La pittura olandese dell’età dell’oro del 17 ° secolo ha visto la crescita drammatica della pittura di paesaggio, in cui molti artisti si sono specializzati, e lo sviluppo di tecniche realistiche estremamente sottili per la rappresentazione della luce e del tempo. Ci sono diversi stili e periodi, e sottogeneri di pittura marina e animale, oltre a uno stile distinto del paesaggio all’italiana. La maggior parte dei paesaggi olandesi erano relativamente piccoli, ma i paesaggi della pittura barocca fiamminga, ancora abitualmente popolati, erano spesso molto grandi, soprattutto nella serie di opere che Peter Paul Rubens dipinse per le sue case. Anche le stampe paesaggistiche erano popolari, con quelle di Rembrandt e le opere sperimentali di Hercules Seghers di solito considerate le più belle.

Gli olandesi tendevano a realizzare dipinti più piccoli per le case più piccole. Alcune specialità paesaggistiche olandesi citate negli inventari del periodo includono il Batalje, o scena di battaglia; il Maneschijntje, o scena della luna; il Bosjes, o scena boschiva; il Boederijtje, o scena di fattoria, e la scena Dorpje o villaggio. Sebbene non nominati all’epoca come genere specifico, la popolarità delle rovine romane ispirò molti pittori paesaggisti olandesi dell’epoca a dipingere le rovine della loro regione, come monasteri e chiese rovinati dopo il Beeldenstorm.

In Inghilterra, i paesaggi erano stati inizialmente principalmente sfondi per i ritratti, suggerendo in genere i parchi o le proprietà di un proprietario terriero, anche se per la maggior parte dipinti a Londra da un artista che non aveva mai visitato i suoi acri rotoli. La tradizione inglese fu fondata da Anthony van Dyck e altri artisti per lo più fiamminghi che lavoravano in Inghilterra, ma nel XVIII secolo le opere di Claude Lorrain furono acutamente collezionate e influenzarono non solo i dipinti di paesaggi, ma i giardini paesaggistici inglesi di Capability Brown e altri.

Il XVIII secolo fu anche una grande era per la stampa topografica, raffigurante più o meno accuratamente una visione reale in un modo che la pittura di paesaggio raramente faceva. Inizialmente questi erano per lo più centrati su un edificio, ma nel corso del secolo, con la crescita del movimento romantico, i paesaggi puri divennero più comuni. La stampa topografica, spesso intesa per essere incorniciata e appesa a un muro, rimase un mezzo molto popolare nel ventesimo secolo, ma fu spesso classificata come una forma d’arte inferiore a un paesaggio immaginato.

I paesaggi in acquerello su carta divennero uno spiccato specialismo, soprattutto in Inghilterra, dove si sviluppò una particolare tradizione di artisti di talento che solo o quasi dipinsero acquerelli di paesaggi, come invece non accadeva in altri paesi. Queste erano viste molto spesso reali, sebbene a volte le composizioni fossero adattate per effetto artistico. I dipinti vendevano relativamente a buon mercato, ma erano molto più veloci da produrre. Questi professionisti potrebbero aumentare le loro entrate addestrando gli “eserciti di dilettanti” che hanno anche dipinto.

Pittura paesaggistica del XIX e XX secolo
Il movimento romantico intensificò l’interesse esistente per l’arte del paesaggio, e i paesaggi remoti e selvaggi, che erano stati un elemento ricorrente nella precedente arte paesaggistica, ora divennero più importanti. Il tedesco Caspar David Friedrich aveva uno stile distintivo, influenzato dalla sua formazione danese, in cui si era sviluppato uno stile nazionale distinto, ispirato all’esempio olandese del XVII secolo. A questo ha aggiunto un romanticismo quasi mistico. I pittori francesi erano più lenti a sviluppare la pittura di paesaggi, ma dal 1830 circa Jean-Baptiste-Camille Corot e altri pittori della Barbizon School stabilirono una tradizione paesaggistica francese che sarebbe diventata la più influente in Europa per un secolo, con gli impressionisti e i post Impressionisti per la prima volta rendono la pittura di paesaggio la principale fonte di innovazione stilistica generale su tutti i tipi di pittura.

Tutto porta necessariamente al paesaggio, la pittura di paesaggio è stata la grande creazione artistica del XIX secolo. Le persone erano “in grado di supporre che l’apprezzamento della bellezza naturale e della pittura di paesaggio fosse una parte normale e permanente della nostra attività spirituale. I sottostanti modi europei di convertire la complessità del paesaggio in un’idea erano quattro approcci fondamentali: l’accettazione di simboli descrittivi, curiosità sui fatti della natura, attraverso la creazione di fantasie per alleviare i sogni di profonde radici nella natura e la credenza in un’età dell’oro, di armonia e ordine, che potrebbero essere recuperati.

Nell’era romantica, il paesaggio diventa attore o produttore di emozioni e esperienze soggettive. Il pittoresco e il sublime appaiono quindi come due modi di vedere il paesaggio. Le prime guide turistiche della storia raccolgono questi punti di vista per rendere un ricordo popolare dei siti e dei loro paesaggi. L’inglese John Constable aprì la strada, che era dedicata alla pittura dei paesaggi dell’Inghilterra rurale, non influenzata dalla rivoluzione industriale, compresi quei luoghi che gli erano noti fin dall’infanzia, come la valle di Dedham. Lo ha fatto con una tecnica di decomposizione cromatica a piccoli tratti che lo rende un precursore dell’impressionismo; Ha studiato i fenomeni atmosferici, in particolare le nuvole. La mostra delle sue opere al Salon di Parigi del 1824 ebbe molto successo tra gli artisti francesi, a cominciare da Delacroix. L’inglese William Turner, suo contemporaneo ma con una vita artistica più lunga, rifletteva la modernità, come nella sua opera più famosa: Pioggia, vapore e velocità, in cui appariva un soggetto veramente nuovo, la ferrovia e il ponte di Maidenhead, un prodigio di ingegneria al momento. Con Turner le forme del paesaggio si dissolvono in vortici di colore che non sempre permettono di riconoscere ciò che si riflette nel dipinto.

In Germania, Blechen ha continuato a riflettere il paesaggio tradizionale per eccellenza, l’italiano, ma in un modo molto diverso rispetto ai tempi precedenti. Ha presentato un’Italia che non era molto pittoresca, non idilliaca, che è stata criticata. Philipp Otto Runge e Caspar David Friedrich, i due artisti più importanti della pittura romantica tedesca, si sono dedicati al paesaggio del loro paese. Incoraggiati da uno spirito pietista, cercarono di creare dipinti religiosi, ma non rappresentando scene con un tema simile, ma riflettendo la grandezza dei paesaggi in modo tale che si trasferissero alla pietà.

Il passaggio dal «paesaggio classico» al paesaggio realistico è dato da Camille Corot che, come Blechen o Turner, ha superato il suo stadio di formazione in Italia. Con lui ha iniziato un altro modo di trattare il paesaggio, diverso da quello dei romantici. Come ha fatto dopo la scuola di Barbizon e, in seguito, l’impressionismo, ha dato al paesaggio un ruolo molto diverso da quello dei romantici. Lo hanno osservato in modo meticoloso e relativo in termini di luce e colore, con l’obiettivo di creare una rappresentazione fedele alla percezione che può avere un osservatore. Questa fedeltà, che è vissuta, ad esempio, in contrasti e tocchi in un modo “vibrante”.

La passione del post-impressionista Vincent van Gogh per il lavoro dei suoi predecessori, lo portò a dipingere il paesaggio provenzale dal 1888. La sua opera, di colori intensi, in cui le figure sono deformate e curve, allontanandosi dal realismo, è un precedente delle tendenze espressioniste.

Nel Nord America le scuole nazionali di pittura sorsero, in larga misura, attraverso i paesaggisti che dipingevano la terra. Negli Stati Uniti, Frederick Edwin Church, pittore di grandi panorami, ha realizzato vaste composizioni che simboleggiano la grandezza e l’immensità del continente americano (Cascate del Niagara, 1857). La scuola del fiume Hudson, nella seconda metà del diciannovesimo secolo, è probabilmente la manifestazione indigena più conosciuta. I suoi pittori hanno creato opere di dimensioni colossali cercando di cogliere l’ambito epico dei paesaggi che li hanno ispirati. Il lavoro di Thomas Cole, che è generalmente riconosciuto come il fondatore della scuola, ha molto in comune con gli ideali filosofici della pittura paesaggistica europea, una sorta di fede secolare nei benefici spirituali che si possono ottenere dalla contemplazione della bellezza. naturale. Alcuni degli artisti successivi della Hudson River School, come Albert Bierstadt, crearono opere di natura romantica, che enfatizzarono maggiormente le dure, anche terribili, potenze della natura.

Il nazionalismo delle nuove Province Unite è stato un fattore di popolarità della pittura paesaggistica olandese del 17 ° secolo e nel 19 ° secolo, mentre altre nazioni hanno tentato di sviluppare scuole nazionali distintive di pittura, il tentativo di esprimere la natura speciale del paesaggio di la patria divenne una tendenza generale. In Russia, come in America, la gigantesca dimensione dei dipinti era di per sé una dichiarazione nazionalista.

Negli Stati Uniti, la Hudson River School, prominente tra la metà e la fine del XIX secolo, è probabilmente lo sviluppo nativo più noto nell’arte del paesaggio. Questi pittori hanno creato opere di dimensioni gigantesche che hanno tentato di catturare l’ambito epico dei paesaggi che li hanno ispirati. Il lavoro di Thomas Cole, il fondatore della scuola, generalmente riconosciuto, ha molto in comune con gli ideali filosofici dei dipinti paesaggistici europei – una sorta di fede secolare nei benefici spirituali che si possono trarre dalla contemplazione della bellezza naturale. Alcuni dei successivi artisti della Hudson River School, come Albert Bierstadt, crearono lavori meno confortanti che ponevano una maggiore enfasi (con una grande dose di esagerazione romantica) sulla natura grezza e terrificante della natura. I migliori esempi di arte paesaggistica canadese si possono trovare nelle opere del Gruppo dei Sette, prominente negli anni ’20.

Gli esploratori, i naturalisti, i marinai, i mercanti che colonizzarono le coste del Canada Atlantico lasciarono una serie di osservazioni, a volte scientifiche, a volte fantastiche o stravaganti, documentate nelle loro mappe e dipinti.

Sebbene certamente meno dominante nel periodo successivo alla prima guerra mondiale, molti artisti significativi dipinsero ancora paesaggi nella grande varietà di stili esemplificati da Charles E. Burchfield, Neil Welliver, Alex Katz, Milton Avery, Peter Doig, Andrew Wyeth, David Hockney e Sidney Nolan.

Pittura paesaggistica contemporanea
La pittura paesaggistica contemporanea ha dissolto l’esistenza dei generi, ma all’interno dei diversi “ismi” d’avanguardia possiamo distinguere i dipinti in cui il rappresentato è un paesaggio, sempre con lo stile dell’autore. Cézanne, il “padre della pittura moderna”, ha dedicato un’intera serie di dipinti alla montagna Sainte-Victoire. Derain, Dufy, Vlaminck e Marquet dipinsero paesaggi fovisti, e Braque, uno dei fondatori del cubismo, provò ripetutamente il paesaggio di L’Estaque. A Vienna all’inizio del secolo, opere di questo tipo furono prodotte dal modernista Gustav Klimt e dall’espressionista Egon Schiele.

Gli espressionisti trasmettevano i loro sentimenti e le loro sensazioni cromatiche anche attraverso i paesaggi, come fecero Erich Heckel o Karl Schmidt-Rottluff nei suoi dipinti dipinti nel villaggio di pescatori di Dangast.

Le diverse forme di astrazione hanno finito per sopprimere l’importanza del paesaggio, limitando la portata del realismo e della rappresentazione. Tuttavia, il termine “pittura paesaggistica astratta” è spesso usato in relazione a diversi pittori non figurativi (Bazaine, Le Moal o Manessier). Il paesaggio siciliano ha ispirato il lavoro del pittore espressionista sociale Renato Guttuso.

Negli ultimi anni, l’artista argentino Helmut Ditsch si è distinto con dipinti ispirati a punti estremi della natura. Il suo lavoro è chiamato Vivid Realism, sostenendo che la pittura di Ditsch non è soggetta a nessuna concezione pittorica, naturalistica o realistica, ma nasce dall’esperienza vitalistica e mistica della natura.

Orientare la pittura di paesaggi:

Pittura di paesaggio della Cina
La pittura di paesaggio è stata definita “il maggior contributo della Cina all’arte del mondo” e deve il suo carattere speciale alla tradizione taoista (taoista) nella cultura cinese. William Watson nota che “è stato detto che il ruolo dell’arte del paesaggio nella pittura cinese corrisponde a quello del nudo in Occidente, come un tema invariato di per sé, ma reso il veicolo di infinite sfumature di visione e sentimento”.

Ci sono sfondi del paesaggio sempre più sofisticati per raffigurare soggetti che mostrano caccia, agricoltura o animali dalla dinastia Han in poi, con esempi sopravvissuti per lo più in rilievi di pietra o argilla da tombe, che si presume seguano gli stili prevalenti nella pittura, senza dubbio senza catturare il pieno effetto dei dipinti originali. Lo stato esatto delle copie successive di opere famose di pittori famosi (molti dei quali sono registrati in letteratura) prima del 10 ° secolo non è chiaro. Un esempio è un famoso dipinto del VIII secolo della collezione imperiale, intitolato L’imperatore Ming Huang che viaggia a Shu. Questo mostra l’entourage che cavalca attraverso montagne vertiginose del tipo tipico dei dipinti successivi, ma è a colori “producendo un modello generale che è quasi persiano”, in quello che era evidentemente uno stile tribale popolare e alla moda.

Il decisivo passaggio a uno stile paesaggistico monocromo, quasi privo di figure, è attribuito a Wang Wei (699-759), famoso anche come poeta; per lo più sopravvivono solo copie delle sue opere. Dal X secolo in poi sopravvive un numero crescente di dipinti originali, e le migliori opere della Dinastia Song (960-1279) Southern School rimangono tra le più apprezzate in quella che è stata una tradizione ininterrotta fino ai nostri giorni. La convenzione cinese stimava i dipinti del dilettante-gentiluomo, spesso anche poeta, rispetto a quelli prodotti da professionisti, sebbene la situazione fosse più complessa di quella. Se includono figure, sono molto spesso tali persone, o saggi, che contemplano le montagne. Opere famose hanno accumulato un numero di “sigilli di apprezzamento” rossi, e spesso poesie aggiunte da proprietari successivi – l’imperatore Qianlong (1711-1799) era un prolifico sommatore delle sue stesse poesie, in seguito agli imperatori precedenti.

La tradizione shan shui non è mai stata intesa a rappresentare luoghi reali, anche quando hanno preso il loro nome, come nella convenzione degli Otto Panorami. A different style, produced by workshops of professional court artists, painted official views of Imperial tours and ceremonies, with the primary emphasis on highly detailed scenes of crowded cities and grand ceremonials from a high viewpoint. These were painted on scrolls of enormous length in bright colour.

Chinese sculpture also achieves the difficult feat of creating effective landscapes in three dimensions. There is a long tradition of the appreciation of “viewing stones” – naturally formed boulders, typically limestone from the banks of mountain rivers that has been eroded into fantastic shapes, were transported to the courtyards and gardens of the literati. Probably associated with these is the tradition of carving much smaller boulders of jade or some other semi-precious stone into the shape of a mountain, including tiny figures of monks or sages. Chinese gardens also developed a highly sophisticated aesthetic much earlier than those in the West; the karensansui or Japanese dry garden of Zen Buddhism takes the garden even closer to being a work of sculpture, representing a highly abstracted landscape.

Japan landscape painting
Japanese art initially adapted Chinese styles to reflect their interest in narrative themes in art, with scenes set in landscapes mixing with those showing palace or city scenes using the same high view point, cutting away roofs as necessary. These appeared in the very long yamato-e scrolls of scenes illustrating the Tale of Genji and other subjects, mostly from the 12th and 13th centuries. The concept of the gentleman-amateur painter had little resonance in feudal Japan, where artists were generally professionals with a strong bond to their master and his school, rather than the classic artists from the distant past, from which Chinese painters tended to draw their inspiration. Painting was initially fully coloured, often brightly so, and the landscape never overwhelms the figures who are often rather over-sized.

Many more pure landscape subjects survive from the 15th century onwards; several key artists are Zen Buddhist clergy, and worked in a monochrome style with greater emphasis on brush strokes in the Chinese manner. Some schools adopted a less refined style, with smaller views giving greater emphasis to the foreground. A type of image that had an enduring appeal for Japanese artists, and came to be called the “Japanese style”, is in fact first found in China. This combines one or more large birds, animals or trees in the foreground, typically to one side in a horizontal composition, with a wider landscape beyond, often only covering portions of the background. Later versions of this style often dispensed with a landscape background altogether.

The ukiyo-e style that developed from the 16th century onwards, first in painting and then in coloured woodblock prints that were cheap and widely available, initially concentrated on the human figure, individually and in groups. But from the late 18th century landscape ukiyo-e developed under Hokusai and Hiroshige to become much the best known type of Japanese landscape art.

Landscape painting techniques
Most early landscapes are clearly imaginary, although from very early on townscape views are clearly intended to represent actual cities, with varying degrees of accuracy. Various techniques were used to simulate the randomness of natural forms in invented compositions: the medieval advice of Cennino Cennini to copy ragged crags from small rough rocks was apparently followed by both Poussin and Thomas Gainsborough, while Degas copied cloud forms from a crumpled handkerchief held up against the light. The system of Alexander Cozens used random ink blots to give the basic shape of an invented landscape, to be elaborated by the artist.

The distinctive background view across Lake Geneva to the Le Môle peak in The Miraculous Draught of Fishes by Konrad Witz (1444) is often cited as the first Western rural landscape to show a specific scene. The landscape studies by Dürer clearly represent actual scenes, which can be identified in many cases, and were at least partly made on the spot; the drawings by Fra Bartolomeo also seem clearly sketched from nature. Dürer’s finished works seem generally to use invented landscapes, although the spectacular bird’s-eye view in his engraving Nemesis shows an actual view in the Alps, with additional elements. Several landscapists are known to have made drawings and watercolour sketches from nature, but the evidence for early oil painting being done outside is limited. The Pre-Raphaelite Brotherhood made special efforts in this direction, but it was not until the introduction of ready-mixed oil paints in tubes in the 1870s, followed by the portable “box easel”, that painting en plein air became widely practiced.

A curtain of mountains at the back of the landscape is standard in wide Roman views and even more so in Chinese landscapes. Relatively little space is given to the sky in early works in either tradition; the Chinese often used mist or clouds between mountains, and also sometimes show clouds in the sky far earlier than Western artists, who initially mainly use clouds as supports or covers for divine figures or heaven. Both panel paintings and miniatures in manuscripts usually had a patterned or gold “sky” or background above the horizon until about 1400, but frescos by Giotto and other Italian artists had long shown plain blue skies. The single surviving altarpiece from Melchior Broederlam, completed for Champmol in 1399, has a gold sky populated not only by God and angels, but also a flying bird. A coastal scene in the Turin-Milan Hours has a sky overcast with carefully observed clouds. In woodcuts a large blank space can cause the paper to sag during printing, so Dürer and other artists often include clouds or squiggles representing birds to avoid this.

The monochrome Chinese tradition has used ink on silk or paper since its inception, with a great emphasis on the individual brushstroke to define the ts’un or “wrinkles” in mountain-sides, and the other features of the landscape. Western watercolour is a more tonal medium, even with underdrawing visible.