Le musée d’art moderne (Moderna Museet) est un musée d’État d’art moderne et contemporain situé sur l’île de Skeppsholmen, un cadre de beauté naturelle. Ouvert en 1958, le bâtiment a été conçu par l’architecte espagnol Rafael Moneo. En 2009, le musée a ouvert une nouvelle succursale à Malmö dans le sud de la Suède, le Moderna Museet Malmö.

Moderna Museet est un musée d’État doté d’un mandat national pour l’art moderne et contemporain. La collection est à la pointe du genre en Europe. Le musée est un lieu de rencontre pour les gens et l’art avec une base solide dans la société et le monde en général. Avec son programme d’expositions de classe mondiale, ses projets basés sur des collections et ses activités éducatives, Moderna Museet a une présence locale substantielle et une portée internationale. Les échanges avec d’autres institutions artistiques à travers le monde sont nombreux.

Le musée d’art moderne de Stockholm est une autorité administrative de l’État relevant du ministère de la Culture et a, selon ses instructions, pour mission de collecter, préserver, exposer et communiquer l’art des XXe et XXIe siècles sous toutes ses formes. Moderna Museet favorisera les contacts internationaux en collaborant avec des institutions hors de Suède sous la forme d’expositions itinérantes, et sera également responsable de la participation suédoise aux biennales d’art internationales. Le Musée moderne est également un musée central, avec une responsabilité nationale dans son domaine.

Le Moderna Museet a été inauguré dans la salle d’exercice de Skeppsholmen, le 9 mai 1958. Le directeur du Musée national, Otte Sköld, a rappelé dans son discours inaugural que dès 1908 le problème de l’art local actuel au Musée national avait été pris sérieusement et l’idée d’un nouveau bâtiment pour ces collections. Peu de temps avant sa mort, Otte Sköld a vu par lui-même le musée réalisé et son engagement à créer le nouveau musée a été décisif. Avec, entre autres, les Amis du Musée moderne, fondés en 1953, il a donné sa propre maison à la collection d’art du 20e siècle du Musée national. Les directeurs du musée Pontus Hultén et Olle Granath sont venus avec leurs contacts et initiatives pour poursuivre ces intentions dans les décennies suivantes.

Le 14 février 2004, le bâtiment du musée a été rouvert avec des festivités. En plus des réparations, l’occasion avait été saisie pour améliorer certains espaces, en partie pour faciliter les déplacements des visiteurs dans le musée, et en partie pour utiliser plus adéquatement l’espace d’entrée supérieur. Parallèlement, le profil graphique du musée a été mis à jour. Une autre nouveauté majeure lors de la réouverture a été l’introduction d’hôtes de musée – des personnes aux compétences variées, allant de sauver des vies à pouvoir parler aux visiteurs des œuvres d’art dans les expositions permanentes et temporaires. La raison de l’introduction de nouveaux hôtes était de répondre à la forte augmentation du nombre de visiteurs depuis la suppression du droit d’entrée.

En 1901, l’architecte John Smedberg a construit un magnifique bâtiment de centrale électrique sur Gasverksgatan 22. Aujourd’hui, la mission de transformer le bâtiment en un musée plus approprié a été confiée au cabinet d’architectes primé Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Ils ont choisi d’établir une nouvelle annexe – un ajout contemporain au bâtiment historique. Et donnez à l’intérieur un ordre spatial entièrement nouveau.

La passion de Moderna Museet est de servir de médiateur à l’art pour les gens. Pour embrasser, défier et inspirer les gens et nous sommes animés par l’ambition de parler avec beaucoup. Moderna Museet inclusif et célébrer la diversité en reconnaissant que les gens arrivent de différents points de départ. Moderna Museet engage un public plus large en partageant les merveilles de l’art.

Le Moderna Museet accueille depuis longtemps des artistes internationaux pour des expositions, des performances et d’autres présentations révolutionnaires, ainsi que par le biais de sa collection de renommée mondiale. Découvrez l’une des plus importantes collections d’art d’Europe du XXe siècle à nos jours, présentant des œuvres d’artistes tels que Picasso, Dali, Derkert et Matisse.

L’extraordinaire pouvoir de l’art est notre force vitale. L’art surgit et reflète son propre temps. Il permet des questions qui génèrent de nouvelles perspectives ; les artistes sont une force énorme et stimulent une créativité plus large. Moderna Museet défend l’art parce qu’il ouvre de nouvelles voies et permet une vision réflexive de l’histoire et du présent.

Moderna Museet était une plate-forme stimulante pour les personnes et l’art, pour être un musée vibrant, ouvert et dynamique qui existe en tant qu’esprit, qui offre au public des moyens pertinents, engageants et directs de rencontrer l’art sur un pied d’égalité. Moderna Museet inspire et crée un espace pour de nouvelles idées en étant une plate-forme stimulante qui rend l’art de classe mondiale accessible à un large public. Nous établissons de nouvelles normes pour les musées d’art du monde entier.

Moderna Museet collectionne, préserve, expose et médiatise l’art moderne et contemporain. Moderna Museet gère notre patrimoine culturel sur la base des normes d’excellence les plus élevées et génère des recherches qui mènent à des collaborations et à une reconnaissance internationales de haute qualité. Moderna Museet est une institution de premier plan dans notre domaine et nous croyons au partage de nos connaissances.

La collection, la recherche, les expositions, la médiation et la communication du Moderna Museet doivent se compléter et se féconder ; ces activités ne peuvent pas être autonomes. Moderna Museet se définit sur la base des contextes dans lesquels nous sommes impliqués. Notre objectif de rendre le plus grand art accessible au plus grand nombre doit reposer sur des pratiques durables qui prennent en compte les impacts environnementaux et sociaux. Moderna Museet doit être animé par le courage d’expérimenter, d’oser repousser les limites et d’emprunter de nouvelles voies dans la manière dont nous gérons nos tâches.

Avec une collection d’art comprenant plus de 130 000 œuvres, Moderna Museet (Musée d’art moderne) est le premier musée suédois d’art moderne et contemporain. Le Moderna Museet possède l’une des plus belles collections d’art moderne et contemporain d’Europe. Les collections contiennent des peintures, des sculptures, des photographies et des films d’art contemporains à partir de 1900, et dans le cas de photographies également à partir de 1840 environ.

En combinant des chefs-d’œuvre internationaux d’artistes tels que Warhol, Picasso et Dali avec des expositions temporaires d’artistes éminents des XXe et XXIe siècles, Moderna Museet parvient à attirer de nombreux visiteurs de retour pour une expérience artistique en constante évolution. La collection d’origine était dominée par l’art suédois et nordique, l’art américain des années 50 et 60 et le modernisme d’orientation française. monde.

Le Moderna Museet organise chaque année plusieurs grandes expositions à Stockholm et à Malmö, un certain nombre d’expositions de taille moyenne et plus petite. En 2012, le musée de Stockholm comptait environ 500 000 visiteurs et le musée de Malmö plus de 100 000 visiteurs.

Depuis sa création en 1958, le Musée est connu pour sa relation étroite avec les artistes – Marcel Duchamp, par exemple, a signé plusieurs de ses œuvres à Stockholm vers la fin de sa vie, et Andy Warhol a eu sa première exposition muséale en Europe à Musée Moderna en 1968.

La collection du Moderna Museet comprend aujourd’hui quelque 6 000 peintures, sculptures et installations, 25 000 aquarelles, dessins et gravures, 400 vidéos et films d’art et 100 000 photographies. La collection couvre des peintures, des sculptures, des installations, des films, des vidéos, des dessins et des gravures d’artistes suédois et internationaux des 20e et 21e siècles, et la photographie des années 1840 à nos jours.

Grâce à des initiatives de collecte ciblées, le Musée a réussi à augmenter l’étendue et la profondeur de sa collection. En 1963, le musée de nos souhaits a été lancé, transformant instantanément le musée en une institution artistique européenne de premier plan; le gouvernement a versé 5 millions de SEK pour l’acquisition d’œuvres emblématiques de Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico et bien d’autres. Il y a quelques décennies, l’exercice a été répété, mais cette fois en mettant en lumière des artistes femmes uniquement – des œuvres de Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller et d’autres ont été ajoutées à la collection.

Seule une fraction de la collection peut être exposée. Mais cela nous permet d’explorer et de reformuler le récit historique de l’art standard à travers de nouvelles perspectives et des changements constants dans l’exposition. Cela inclut Moderna Museet Malmö, avec son angle innovant sur la sélection et la présentation d’œuvres de la collection depuis son ouverture en 2009.

Une grande collection d’art est le meilleur point de départ possible pour des expérimentations visuelles et intellectuelles. Le Moderna Museet, en tant que musée ouvert et vivant, réécrit constamment l’histoire standard du modernisme en réorganisant fréquemment sa collection de manière radicalement nouvelle. Depuis 2009, le musée dispose de deux sites, Stockholm et Malmö, où des sélections innovantes d’œuvres de la collection sont régulièrement présentées depuis l’ouverture. Quelques-unes des œuvres emblématiques, telles que le paysage marocain (Acanthe) d’Henri Mattisse, le monogramme de Robert Rauchenberg et la sculpture Sans titre d’Eva Hesse, sont presque toujours disponibles pour vérification.

Explosion! – La peinture comme action
Explosion explore les fertilisations croisées riches et complexes et les frontières de la peinture, de la performance et de l’art conceptuel. Il retrace cette idée élargie de la peinture en tant qu’action de la fin des années 40 jusqu’à aujourd’hui. L’exposition comprendra des œuvres dans différents médiums de quelque 45 artistes de nombreuses régions du monde tels que l’important groupe japonais Gutai, entre autres Shozo Shimamoto, Sadamasa Motonaga, Saburo Murakami et Kazuo Shiraga, ainsi que des artistes comme Allan Kaprow, Jackson Pollock, Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Ana Mendieta, Alison Knowles, Rivane Neuenschwander, Yoko Ono et Lawrence Weiner.

Après la seconde guerre mondiale, un certain nombre de peintres dans différentes parties du monde ont commencé à attaquer les hypothèses fondamentales de la peinture de manière à la fois agressive et ludique. De nombreux artistes attachaient autant d’importance à l’acte créateur lui-même qu’à la peinture qui en résultait. Sur cette frontière entre peinture et performance, le hasard ou le spectateur sont souvent recrutés comme co-créateurs de l’œuvre. Cette attitude expérimentale et conceptuelle vis-à-vis de la peinture et de l’art a par la suite inspiré de nombreux autres artistes. Ces dernières années, l’intérêt pour l’art de la performance a augmenté, et avec lui l’intérêt pour ses racines.

Ignasi Aballi (1958)
L’œuvre Persones d’Ignasi Aballí consiste en une longue rangée de traces de pas sales le long d’un mur. Ils ont été réalisés par l’artiste appuyé contre le mur et appuyé langoureusement d’un pied contre celui-ci. L’œuvre sert également de chorégraphie, puisque le public est invité à la compléter en s’appuyant contre le mur et en laissant des traces de pas sales sur le mur blanc du musée, normalement impeccable. Aballí est rongé par les problèmes d’absence et de disparition, et les diverses manières de saisir le temps. Sa pratique est souvent conceptuelle, basée sur son expérience de peintre.

Guillaume Anastasi (1933)
Au début des années 1970, William Anastasi a commencé à travailler sur une série de dessins à l’aveugle alors qu’il était dans le métro de New York. Souvent, il se rendait chez John Cage pour jouer aux échecs. Avec son carnet de croquis sur ses genoux et un stylo dans chaque main, il mettait ses gros écouteurs et fermait les yeux pour se concentrer et atteindre un état d’esprit méditatif. Son corps se déplaçait avec les embardées, les arrêts et les accélérations du train. Comme un sismographe, Anastasi a enregistré les changements de sa position. En se faisant un instrument pour enregistrer le mouvement du train, il renonce à sa paternité des dessins. Le titre de l’œuvre est l’époque à laquelle elle a été réalisée.

Janine Antoni (1964)
Janine Antoni utilise ses cheveux comme pinceau pour peindre le sol de la galerie avec le colorant capillaire Loving Care. Antoni explore les rituels quotidiens que nous effectuons sur notre corps. Elle prend des activités quotidiennes, telles que manger, se baigner et essuyer le sol, et les transforme en processus sculpturaux, imitant les rituels de l’art. Elle sculpte ses dents et peint avec ses cheveux et ses cils. Les matériaux qu’elle utilise sont ceux qui sont normalement utilisés sur le corps pour le définir dans la société – le savon, le saindoux, le chocolat et la teinture pour les cheveux. Leur signification particulière pour les femmes signifie que ses œuvres sont interprétées différemment selon le sexe du spectateur, affirme-t-elle.

Jean Baldessari (1931)
Étant le fils d’un propriétaire, John Baldessari devait parfois redécorer des appartements. Il faisait semblant de faire un tableau quand il peignait un mur. Cet exercice conceptuel agréable l’a aidé à surmonter la corvée monotone. Il a également commencé à réfléchir à la différence entre un type de peintre et l’autre. Dans Six Colorful Inside Jobs, Baldessari permet à une personne de repeindre une pièce pendant six jours dans les six couleurs primaires et secondaires, en la filmant d’en haut. Des heures de peinture deviennent des minutes de film. Le titre est un jeu de mots. Inside Job fait allusion à un drame policier hollywoodien. Le temps correspond à six jours ouvrables. Comme Dieu, le peintre se repose le septième jour.

Lynda Benglis (1941)
Dans la série d’œuvres de Lynda Benglis, Pours, la peinture est versée à partir de grandes cuves et laissée à sécher sur le sol. Ainsi, la peinture a le caractère d’une sculpture, peinture séchée sans « support » sous forme de toile ou de panneau. Contrairement à Pollock, le tableau n’est pas accroché au mur mais est installé directement au sol. En plus de leurs qualités picturales et sculpturales, les œuvres de Benglis sont également un commentaire sur Pollock, qui est encore renforcé dans les images publiées dans le magazine américain Life en 1970, ainsi qu’une image plus petite de la peinture Pollock.

Olle Bonnier (1925)
Olle Bonniér expose pour la première fois son travail lors d’une exposition collective légendaire à Stockholm en 1947. Deux ans plus tard, en 1949, il crée l’œuvre Plingeling, qui est à la fois une peinture abstraite et une partition musicale. Cette peinture blanche pourrait être vue comme un univers irisé. Les points apparaissant dans cet univers ont des orbites irrationnelles, se heurtant occasionnellement les uns aux autres de sorte qu’un tintement se fait entendre. Plingeling ne contient aucune instruction explicite sur la façon dont il est censé être joué, et le résultat est différent à chaque fois qu’il est exécuté. L’œuvre de Bonniér est l’un des premiers exemples de peinture performative, une œuvre créée comme une peinture mais intégrant des instructions qui peuvent être transformées en musique.

George Brecht (1926-2008)
Water Yam est un livre d’artiste que Georg Brecht a publié à l’origine en 1963, dans une boîte conçue par George Maciunas, qui a écrit le Manifeste de Fluxus. Cette boîte, parfois appelée Fluxbox ou Fluxkit, contient des cartes de différentes tailles qui sont des scores d’événements, ou scores de Flux, pour différents types d’événements. Les partitions laissent souvent place au hasard ou aux coïncidences, obligeant l’utilisateur, ou le public si la partition est jouée publiquement, à en faire sa propre interprétation et ainsi devenir co-créateurs de l’œuvre. Brecht a déclaré que ses partitions visaient à garantir « que les détails de la vie quotidienne, les constellations aléatoires d’objets qui nous entourent, cessent de passer inaperçus ».

Tony Conrad (1940)
Lorsque Tony Conrad est arrivé à New York dans les années 1960, il était sceptique à l’égard de la scène artistique mais a découvert la scène cinématographique dynamique, la trouvant plus intéressante car indépendante des institutions artistiques. Conrad voulait combiner le cinéma avec les nouveaux développements passionnants de la peinture. Une de ses stratégies était de faire des films ultra-longs. Andy Warhol avait réalisé des films qui duraient 24 heures. Le travail de Conrad Yellow Movie est un film qui dure depuis 40 ans ! L’idée est que la peinture bon marché change progressivement de couleur au fil du temps. Personne ne peut mesurer le changement qui s’opère dans le « film », mais cela n’a aucune conséquence, puisqu’il se déroule dans votre propre imagination, dit Conrad.

Öyvind Fahlström (1928-1976)
Öyvind Fahlström était un artiste aux multiples facettes qui a travaillé expérimentalement et dans plusieurs disciplines. Il était plasticien, écrivain, cinéaste et compositeur. Sa rencontre avec le pop art et la culture de la bande dessinée à New York au début des années 1960 a eu un impact radical sur son art, et il a commencé à réaliser des peintures variables sous forme de jeux de société. Les jeux étaient sa façon d’illustrer les constellations de pouvoirs politiques, sociaux et économiques. Les spectateurs sont intentionnellement invités à déplacer les marqueurs et les éléments des peintures pour former de nouvelles combinaisons.

Fleur de céréales (1968)
Les principales préoccupations de Ceal Floyer sont la lumière, l’ombre et la couleur, ainsi que la façon dont nous percevons et interprétons le monde avec nos sens. Avec une utilisation prolifique de la technologie moderne, elle crée des œuvres basées sur des idées qui allient élégance et simplicité apparente. Ici, l’écran du moniteur est entièrement rempli de couleurs changeantes. Il s’agit en fait de gros plans d’un verre d’eau, dans lequel sont trempés des pinceaux avec différents pigments. Les pigments correspondent aux couleurs de base de la technologie vidéo. Ainsi, Floyer réunit la couleur analogique et numérique.

Pinot Gallizio (1902-1964)
En 1959, le manifeste de Pinot Gallizio pour la peinture industrielle est publié. L’art industriel devait être produit mécaniquement et mis à la disposition de tous. L’art devait être fait parmi le peuple, ou pas du tout. L’idée était que des milliers de kilomètres de toile seraient produits en série puis distribués au peuple, pour le libérer de l’art bourgeois qui avait conduit à la spéculation financière et contribué à perpétuer la division des classes. La quantité et la qualité deviendraient une seule et même chose, mettant ainsi fin au statut de l’œuvre d’art comme produit de luxe. Gallizio était également un membre fondateur du mouvement artistique de gauche radicale connu sous le nom de situationnisme, qui voulait libérer l’art de son rôle de marchandise fétichiste du capitalisme.

Cai Guo Qiang (1957)
Cai Guo-Qiang utilise de la poudre à canon et des feux d’artifice pour dessiner des images dans les airs. Parfois ces œuvres durent quelques secondes, parfois les explosions laissent des traces sur le papier ou la toile. Depuis 1989, Guo-Qiang réalise des « projets pour extraterrestres » d’œuvres explosives monumentales directement au sol, afin qu’elles soient visibles depuis d’autres planètes. En 1998, Guo-Qiang réalise un projet sur les eaux gelées entre le Moderna Museet et le Vasa Museum : une traînée de mèches et de poudre à canon sépare un instant les eaux entre les deux îles, comme la mer Rouge dans la Bible, lorsque Moïse conduit les Juifs vers la terre promise.

Sadahuru Horio (1939)
Sadaharu Horio a montré son travail pour la première fois avec Gutai en 1966. Avec plus de 100 expositions et performances par an, il souligne que les expositions ne sont pas une situation à part mais une extension de la vie, et que les activités quotidiennes sont fondamentalement une performance . Chaque moment est différent et irremplaçable. Horio se consacre aux possibilités du moment avec l’ouverture d’esprit d’un enfant. Dans un rituel continu, il recouvre chaque jour de peinture les objets du quotidien qui l’entourent. Pour éviter d’avoir à choisir les couleurs, il s’en tient à l’ordre des peintures dans la boîte, et échappe ainsi à toute trace personnelle. Ce rituel pictural pourrait être repris par n’importe qui et perpétué éternellement.

Yves Klein (1928-1962)
Pour Yves Klein, la couleur bleue représente le vide, le ciel et la mer – l’intangible. Presque toutes ses œuvres sont des monochromes dans sa couleur de signature, International Klein Blue. Il a utilisé un liant spécial qui n’affecte pas le lustre et le caractère intense du pigment. Les anthropométries de Klein sont des peintures réalisées avec un public, comme des performances. Les modèles peignaient directement sur le corps de l’autre et se pressaient contre la toile, ou se traînaient dessus, comme des pinceaux vivants. Klein aurait eu l’idée de peindre comme une empreinte directe du corps en voyant une pierre à Hiroshima avec l’ombre d’un être humain brûlé par la bombe atomique. Cette vue peut également avoir inspiré ses peintures de feu.

Akira Kanayama
Akira Kanayama était le secrétaire du groupe Gutai. Il a dit en plaisantant que le poste impliquait tellement de travail qu’il n’avait pas eu le temps de peindre et qu’il avait plutôt laissé une voiture jouet télécommandée peindre pour lui. L’œuvre résultante (1957) peut être considérée comme une critique contre les peintures au goutte à goutte de Jackson Pollock, avec lesquelles elles ont une certaine ressemblance. A Kanayama, le génie masculin qui exprime ses sentiments avec de la peinture est supplanté par une petite voiture qui zoome au hasard autour du papier, laissant une traînée de peinture, ou, comme dans l’œuvre Footprints, où les semelles de l’artiste ont laissé des traces sur le papier. Kanayama a ainsi contesté la pertinence personnelle de l’artiste pour la qualité et l’ingéniosité de l’œuvre.

Paul McCarthy
Les bandes noires et blanches sont une compilation de 13 premières performances des années 1970. Cette sélection montre le développement naissant des thèmes, la corporéité brutale et le personnage de performance qui en est venu à signifier son œuvre. Comme Hermann Nitsch et les actionnistes viennois, Paul McCarthy explore la perte de contrôle, mais sans les éléments rituels et avec des liens directs avec la superficialité hollywoodienne et l’abondance matérielle. Le point commun à Nitsch et à McCarthy est que la forme liquide (peinture) n’est pas directement limitée à une toile mais se répand de manière à ressembler à des fluides corporels qui apparaissent soudainement et de manière catastrophique partout.

Ana Mendieta
Au début des années 1970, Ana Mendieta a commencé à créer des silhouettes et des « sculptures de corps de terre » principalement à partir de sang, de terre, de feu et d’eau. Utilisant son corps comme outil, elle a laissé des empreintes humaines sur la nature. Ses performances ont été documentées sur film. Ana Mendieta a été la première à combiner les deux mouvements contemporains du land-art et du body-art, aboutissant à des œuvres impliquant les thèmes de la vie, de la mort, du lieu et de l’appartenance. L’utilisation rituelle du sang, de la poudre à canon, de la terre et du feu par Mendieta est également liée à la religion cubaine de la Santería. À treize ans, Mendieta a été envoyée de Cuba aux États-Unis, où elle a été élevée dans des orphelinats. Sa quête d’identité et d’appartenance imprègne toute l’œuvre de Mendieta.

Saburo Murakami
Saburo Murakami était un co-fondateur du groupe Gutai et l’un de ses membres les plus marquants. Il a formulé le concept d’expositions en plein air du groupe et créé des performances dans lesquelles il a défié la peinture en déplaçant ses limites et en explorant si le genre pouvait aller au-delà de la peinture sur toile. L’œuvre Six Holes est un coup littéral et théorique contre la peinture. L’artiste a fait des trous à travers plusieurs couches de papier brun tendu sur un cadre, en utilisant diverses parties de son corps. Le résultat de ses expérimentations a été de nouveaux types de « peintures », une première tentative artistique de renégocier la relation entre la performance et l’objet.

Rivane Neuenschwander
Rivane Neuenschwander appelle son art « matérialisme éthéré ». Elle utilise des matériaux du quotidien pour exprimer le temps qui passe, la fragilité de la vie et les relations humaines, laissant souvent le hasard et les processus d’interprétation déterminer le résultat final, comme lorsqu’elle a demandé à deux chefs de créer un repas à partir d’une liste de courses qu’elle a trouvée sur le étage d’un supermarché. Dans l’œuvre Secondary Stories (2006), des cercles de papier de soie aux couleurs vives flottent au-dessus d’un plafond intérieur avec des ventilateurs. De temps en temps, ils tombent au hasard sur le sol, formant de nouveaux motifs comme des gouttes de peinture.

Hermann Nitsch
Les performances théâtrales et agressives de peinture et d’art corporel des Actionnistes de Vienne combinaient l’art avec les rituels et la religion. À bien des égards, les œuvres d’Hermann Nitsch ressemblent à des drames classiques, avec leur aspiration à la catharsis, une forme de purification curative par la souffrance. Ils offrent une résistance au fait que l’homme occidental moderne est si éloigné des rituels qui ont causé l’extase avec son effet nettoyant et régénérant. Selon ces idées, nous ne pouvons ressentir une grande joie que si nous pouvons également ressentir la douleur, le chagrin et la peur. Les pratiques des actionnistes viennois peuvent être considérées comme faisant partie de la tradition expressionniste autrichienne, avec des éléments de catholicisme, de psychanalyse et de rébellion contre l’ordre social bourgeois et hiérarchique.

Niki de Saint Phalle
Au début des années 1960, Niki de Saint Phalle a secoué la scène artistique à prédominance masculine avec ses Shooting Pictures (Tirs). Dans ces œuvres, elle a recouvert des récipients de peinture avec d’épaisses couches de plâtre sur une planche de bois. Elle leur a alors tiré dessus avec un fusil à longue distance ; lorsque la balle a touché les conteneurs, la peinture s’est échappée au hasard sur le plâtre. L’acte de tirer est devenu un acte excessivement intentionnel qui pourrait également être considéré comme une performance. Décrivant l’acte, Niki de Saint Phalle a déclaré qu’elle tirait sur tous les hommes, son frère, la société, l’Église et l’école.

Jackson Pollock
Lorsque Jackson Pollock a fait sa percée en 1947, il s’était converti à une façon de peindre entièrement nouvelle et révolutionnaire. En plaçant de grandes toiles directement sur le sol, il a plongé des pinceaux et des bâtons dans des pots de peinture liquide et les a laissés couler sur la toile en se déplaçant sur les quatre côtés, tout en écoutant du bebop fort ou d’autres musiques de jazz. Cette méthode, a-t-il dit, était liée aux peintures de sable rituelles amérindiennes faites avec des sables colorés parsemés de beaux motifs. Pour Pollock, l’acte de peindre lui-même était aussi important que l’œuvre finie. Sa façon de peindre s’appelait l’Action Painting, et il est considéré comme l’un des expressionnistes abstraits séminal.

Robert Rauschenberg, Niki de Saint Phalle
En mai 1961, l’exposition Movement in Art s’ouvre avec une fête. Niki de Saint Phalle avait attaché une myriade de sacs remplis de peinture à une toile de fond de théâtre, sur laquelle elle avait placé une feuille de plastique et un tapis, pour former une piste de danse. Lorsque les invités ont commencé à danser, les sacs ont éclaté, créant une peinture abstraite. Après la fête, Robert Rauschenberg et Billy Klüver (fondateur de Experiments in Art and Technology, EAT) étaient les seuls invités restants. Le tableau gisait toujours sur la scène. Ils l’ont emporté à l’extérieur et Rauschenberg a suggéré qu’ils pourraient améliorer le travail, et peut-être attirer l’attention d’un chauffeur de taxi, en l’étalant sur la route. Plusieurs voitures qui passaient ont laissé des traces de pneus sur la toile avant qu’un taxi ne s’arrête finalement.

Carolee Schneemann
Carolee Schneemann est une pionnière de la performance et de l’art féministe. Au début des années 1960, elle utilise son corps comme matériau artistique et est la première artiste américaine à travailler avec le « body art ». Dans Eye Body, elle apparaît nue, maculée de peinture, de graisse et de craie. Transférant la peinture de la toile à son corps, Schneeman remet en question le rôle féminin contemporain et l’attitude prédominante dans l’art envers le corps féminin en tant qu’objet à représenter et à regarder. On lui a reproché d’être drastique, mais ses œuvres spectaculaires ont toujours un but. À la fois sujet et objet de ses peintures, elle revendique le pouvoir sur le corps féminin et la sexualité. En plus des performances, Schneemann réalise des assemblages, des films, des vidéos et des installations.

Eclipse – L’art à l’âge des ténèbres
Eclipse, un assombrissement du soleil, décrit à la fois une situation dans la société où de nombreux idéaux des Lumières semblent être abandonnés – et une approche artistique. Les artistes de cette exposition d’art contemporain international partagent un manque de foi dans une culture didactiquement éclairante ; d’où la métaphore du titre.

Les artistes présentés utilisent l’installation, la sculpture, la performance, la projection vidéo et la peinture comme supports pour explorer et formuler des sujets sombres ou irrationnels. Beaucoup d’entre eux ont un sens particulier de l’absurdité de la vie, ce qui se traduit par un sens de l’humour rafraîchissant. Les questions existentielles concernant la condition de l’humanité sont le point de départ. L’exposition poursuit deux axes principaux : l’un sombre, mystique et laconique, l’autre plus anarchique et burlesque.

Eclipse est à la fois une affirmation et une question sur l’art d’aujourd’hui. Si les artistes des années 90 étaient préoccupés par la réalité, une position qui pourrait s’exprimer, par exemple, dans les stratégies documentaires et l’esthétique relationnelle, beaucoup d’artistes aujourd’hui s’intéressent davantage à la spéculation, à refléter l’incompréhensible. Il peut sembler drastique de dire que nous vivons une époque sombre. Mais après le 11 septembre, à une époque de bouleversements politiques, on assiste à une montée de l’intolérance. L’exposition met en lumière un art qui n’est pas politique de manière simpliste, mais revendique son droit de dire le mal, un art qui utilise la licence de la fiction pour expérimenter.

Michaël Borremans
L’artiste belge Michaël Borremans (né en 1963, vivant à Gand), qui est surtout connu pour ses peintures et ses dessins, est présenté avec un certain nombre d’œuvres dans son style néo-surréaliste caractéristique. Les sujets sont des personnes qui semblent appartenir à un passé aux tons sépia, concentrés sur une tâche énigmatique. Les titres des œuvres ajoutent à l’ambiance d’incertitude quant au type de scènes que nous regardons, comme The Advantage, montrant un jeune homme en camisole de force.

Anri Sala
La qualité énigmatique des peintures de Borremans a une correspondance dans les œuvres vidéo d’Anri Sala (né en 1974, vivant à Berlin), souvent tournées dans la semi-obscurité. Dans l’une de ses œuvres, Ghostgames, deux personnes sont impliquées dans un jeu sur ce qui pourrait être une plage dans le noir, où elles utilisent des faisceaux de lampes de poche pour attirer ou faire pression sur des crabes pour qu’ils rampent entre les jambes de l’adversaire – marquant ainsi un but . Le manque d’information dans les images suggère des questions et aiguise les sens.

Nathalie Djurberg
Nathalie Djurberg (née en 1978, vivant à Berlin) crée des œuvres vidéo dans un univers grotesque de personnages en pâte à modeler. Le format des films ressemble à celui de la télévision pour enfants, mais les personnages – souvent des femmes obèses de façon pénible – sont impliqués dans des agressions brutales. Djurberg fait actuellement l’objet d’une exposition personnelle à la Fondazione Prada de Milan.

Dana Schutz
Les peintures de Dana Schutz (née en 1976, vivant à New York) évoquent également un monde étrange, peut-être post-apocalyptique, habité par des survivants grotesques, tels que les « auto-canibales » qui se pratiquent mutuellement des interventions chirurgicales, les « fanatiques de la gravité ‘ ou ceux qui sont simplement ‘dans Jésus’. Formellement, elle navigue avec souplesse entre les différents styles de l’histoire de l’art. Ses peintures sont souvent basées sur des idées qui servent de défis, des sujets apparemment impossibles à peindre.

Ellen Gallagher
Les œuvres d’Ellen Gallagher (née en 1965, vivant à Rotterdam et à New York) De Luxe mêlent personnages historiques et mythologiques faits d’anciennes images publicitaires destinées aux lecteurs afro-américains. Quelques-unes de ses aquarelles de la série Water Ecstatic sont également présentées. La série est basée sur un mythe sur les humains sous-marins – une espèce spéciale qui s’est développée à partir d’esclaves enceintes qui se sont noyées lors du passage atlantique de la traite négrière.

Tom Mccarthy
Tom McCarthy (né en 1969, vivant à Londres) est le secrétaire général de l’INS – International Necronautical Society, un pastiche sur les groupes d’artistes d’avant-garde du début du 20e siècle. L’INS est présenté avec un rapport – Calling All Agents – d’une des réunions du groupe en Autriche, perpétuant l’idée que l’art contient des messages subversifs qui sont de la dyamité politique. Une nouvelle œuvre audio spécifique au site de McCarthy sera présentée en suédois dans les audioguides qui sont normalement utilisés pour guider les visiteurs à travers la collection.

Lucas Ajemian
Les œuvres de Lucas Ajemian (né en 1975, vivant à New York) font allusion à l’art comme porteur de messages codés. Avec son frère, le musicien de jazz Jason Ajemian, il crée une performance dans l’église de Skeppsholmen qui sera filmée et montrée dans l’exposition ; ils jouent le classique de Black Sabbath Into the Void de 1971, à l’envers, avec un orchestre de dix hommes, en référence aux mythes affirmant que cela révélerait des messages sataniques cachés.

Mike Nelson
Mike Nelson (né en 1967, vivant à Londres) collabore également avec un groupe – dans son cas, le gang de motards fictif The Amnesiacs, qui se compose d’anciens combattants de la guerre du Golfe amnésiques. Les membres « aident » Nelson à créer des œuvres qui reconstruisent leurs souvenirs, comme dans Amnesiac Shrine – une grande installation spatiale qui a été acquise pour la collection du Moderna Museet grâce au financement des Amis du Moderna Museet, comme cadeau du 50e anniversaire.

Paul McCarthy
Dans ses œuvres vidéo basées sur la performance, Paul McCarthy (né en 1945, vivant à Los Angeles) dépeint des figures paternelles à la fois menaçantes et pathétiques ; une tête de poupée ressemblant à Alfred E. Neuman ou à un pirate sanglant et ricanant, dans une sorte de Disney World qui s’est déchaîné. La collaboration de Magnus af Petersens avec Paul McCarthy dans le cadre de sa rétrospective au Moderna Museet en 2006 a été un événement qui a inspiré le concept d’Eclipse.