Das Museum für moderne Kunst (Moderna Museet) ist ein staatliches Museum für moderne und zeitgenössische Kunst auf der Insel Skeppsholmen, einer Umgebung von natürlicher Schönheit. Das 1958 eröffnete Gebäude wurde vom spanischen Architekten Rafael Moneo entworfen. 2009 eröffnete das Museum eine neue Filiale im südschwedischen Malmö, das Moderna Museet Malmö.

Das Moderna Museet ist ein staatliches Museum mit nationalem Auftrag für moderne und zeitgenössische Kunst. Die Sammlung ist europaweit führend. Das Museum ist ein Treffpunkt für Menschen und Kunst mit einer starken Verankerung in Gesellschaft und Welt. Mit seinem erstklassigen Ausstellungsprogramm, sammlungsbasierten Projekten und Bildungsaktivitäten verfügt das Moderna Museet über eine beträchtliche lokale Präsenz und internationale Reichweite. Der Austausch mit anderen Kunstinstitutionen weltweit ist umfangreich.

Das Stockholmer Museum für Moderne Kunst ist eine staatliche Verwaltungsbehörde des Kulturministeriums und hat gemäß seinen Anweisungen die Aufgabe, Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts in all ihren Formen zu sammeln, zu bewahren, auszustellen und zu vermitteln. Das Moderna Museet fördert internationale Kontakte durch die Zusammenarbeit mit Institutionen außerhalb Schwedens in Form von Wanderausstellungen und ist auch für die schwedische Beteiligung an internationalen Kunstbiennalen verantwortlich. Das Moderne Museum ist auch ein zentrales Museum mit nationaler Verantwortung in seinem Bereich.

Das Moderna Museet wurde am 9. Mai 1958 im Übungshaus auf Skeppsholmen eingeweiht. Der Direktor des Nationalmuseums, Otte Sköld, erinnerte in seiner Antrittsrede daran, dass bereits 1908 das Problem der aktuellen lokalen Kunst im Nationalmuseum aufgegriffen wurde ernst und die Idee eines Neubaus für diese Sammlungen. Otte Sköld hat sich kurz vor seinem Tod von der Realisierung des Museums überzeugt und sein Engagement für die Schaffung des neuen Museums war ausschlaggebend. Gemeinsam mit ua den 1953 gegründeten Freunden des Museums der Moderne gab er der Sammlung des Nationalmuseums zur Kunst des 20. Jahrhunderts ein eigenes Zuhause. Die treibenden Superintendenten des Museums Pontus Hultén und Olle Granath kamen mit ihren Kontakten und Initiativen, um diese Absichten in den folgenden Jahrzehnten zu verfolgen.

Am 14. Februar 2004 wurde das Museumsgebäude mit Feierlichkeiten wiedereröffnet. Neben Reparaturen wurde die Gelegenheit genutzt, einige der Räume zu verbessern, teils den Besuchern den Weg durch das Museum zu erleichtern und teils den oberen Eingangsbereich adäquater zu nutzen. Gleichzeitig wurde das grafische Profil des Museums aktualisiert. Eine weitere wichtige Neuerung bei der Wiedereröffnung war die Einführung von Museumswirten – Menschen mit unterschiedlichen Fähigkeiten, von der Lebensrettung bis hin zur Präsentation der Kunstwerke in den Dauer- und Wechselausstellungen. Grund für die Einführung neuer Gastgeber war der starke Besucherzuwachs seit der Abschaffung des Eintrittspreises.

Im Jahr 1901 errichtete der Architekt John Smedberg in der Gasverksgatan 22 ein schönes Elektrizitätswerkgebäude. Heute ging der Auftrag, das Gebäude in ein angemesseneres Museum umzuwandeln, an das preisgekrönte Architekturbüro Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Sie entschieden sich für einen neuen Anbau – eine zeitgemäße Ergänzung des historischen Gebäudes. Und geben dem Innenraum eine völlig neue räumliche Ordnung.

Die Leidenschaft des Moderna Museet ist es, Kunst für Menschen zu vermitteln. Menschen zu umarmen, herauszufordern und zu inspirieren, und wir werden von dem Ehrgeiz angetrieben, mit vielen zu sprechen. Moderna Museet einbeziehen und Vielfalt feiern, indem man anerkennt, dass Menschen von unterschiedlichen Ausgangspunkten kommen. Das Moderna Museet spricht ein breiteres Publikum an, indem es das Wunder der Kunst teilt.

Das Moderna Museet hat eine langjährige Geschichte als Gastgeber internationaler Künstler für bahnbrechende Ausstellungen, Performances und andere Präsentationen sowie durch seine weltberühmte Sammlung. Erleben Sie eine der bedeutendsten Kunstsammlungen Europas vom 20. Jahrhundert bis heute mit Werken von Künstlern wie Picasso, Dali, Derkert und Matisse.

Die außergewöhnliche Kraft der Kunst ist unser Lebenselixier. Kunst entsteht in und spiegelt ihre eigene Zeit. Sie ermöglicht Fragen, die neue Perspektiven generieren; Künstler sind eine enorme Kraft und regen eine breitere Kreativität an. Das Moderna Museet setzt sich für die Kunst ein, weil sie neue Wege beschreitet und einen reflektierenden Blick auf Geschichte und Gegenwart ermöglicht.

Das Moderna Museet war eine anregende Plattform für Menschen und Kunst, um ein lebendiges, offenes und dynamisches Museum zu sein, das als Geist existiert und dem Publikum wichtige, ansprechende und direkte Möglichkeiten bietet, Kunst auf Augenhöhe zu begegnen. Das Moderna Museet inspiriert und schafft Raum für neue Ideen, indem es eine anregende Plattform ist, die Weltklasse-Kunst einem breiten Publikum zugänglich macht. Wir setzen weltweit neue Maßstäbe für Kunstmuseen.

Das Moderna Museet sammelt, bewahrt, zeigt und vermittelt moderne und zeitgenössische Kunst. Das Moderna Museet verwaltet unser kulturelles Erbe auf der Grundlage höchster Exzellenzstandards und generiert Forschung, die zu hochwertigen internationalen Kooperationen und Anerkennung führt. Moderna Museet ist eine führende Institution in unserem Bereich und wir glauben daran, unser Wissen zu teilen.

Sammlung, Forschung, Ausstellungen, Vermittlung und Kommunikation des Moderna Museet müssen sich ergänzen und befruchten; diese Aktivitäten können nicht allein stehen. Das Moderna Museet definiert sich über die Kontexte, in denen wir tätig sind. Unser Ziel, möglichst vielen Menschen die beste Kunst zugänglich zu machen, muss auf nachhaltigen Praktiken beruhen, die ökologische und soziale Auswirkungen berücksichtigen. Das Moderna Museet muss von Mut zum Experiment angetrieben werden, Grenzen überschreiten und neue Wege in der Bewältigung unserer Aufgaben beschreiten.

Mit einer Kunstsammlung von mehr als 130 000 Werken ist das Moderna Museet (Museum für moderne Kunst) Schwedens führendes Museum für moderne und zeitgenössische Kunst. Das Moderna Museet besitzt eine der besten Sammlungen moderner und zeitgenössischer Kunst in Europa. Die Sammlungen umfassen zeitgenössische Malerei, Bildhauerei, Fotografie und Kunstfilm ab 1900, bei Fotografien auch um 1840.

Durch die Kombination internationaler Meisterwerke von Künstlern wie Warhol, Picasso und Dali mit Wechselausstellungen prominenter Künstler des 20. und 21. Jahrhunderts gelingt es dem Moderna Museet, viele wiederkehrende Besucher für ein sich ständig veränderndes Kunsterlebnis anzuziehen. Die ursprüngliche Sammlung wurde von schwedischer und nordischer Kunst, amerikanischer Kunst der 1950er und 60er Jahre und der französisch orientierten Moderne dominiert. Die Sammlung wurde jedoch um mehr Künstlerinnen erweitert und eine vielseitigere Sammlung mit Werken aus der ganzen Welt geschaffen Welt.

Das Moderna Museet veranstaltet jedes Jahr mehrere große Ausstellungen sowohl in Stockholm als auch in Malmö, eine Reihe von mittelgroßen und kleineren Ausstellungen. 2012 hatte das Museum in Stockholm rund 500.000 Besucher und das Museum in Malmö über 100.000 Besucher.

Seit seiner Gründung 1958 ist das Museum für seine enge Beziehung zu Künstlern bekannt – Marcel Duchamp etwa signierte gegen Ende seines Lebens mehrere seiner Werke in Stockholm und Andy Warhol hatte seine erste Einzelausstellung in Europa im Museum Moderna-Museet 1968.

Die Sammlung des Moderna Museet umfasst heute rund 6.000 Gemälde, Skulpturen und Installationen, 25.000 Aquarelle, Zeichnungen und Drucke, 400 Kunstvideos und -filme sowie 100.000 Fotografien. Die Sammlung umfasst Gemälde, Skulpturen, Installationen, Filme, Videos, Zeichnungen und Drucke schwedischer und internationaler Künstler des 20. und 21. Jahrhunderts sowie Fotografie von den 1840er Jahren bis heute.

Dank gezielter Sammelinitiativen hat das Museum die Breite und Tiefe seiner Sammlung erfolgreich erweitert. 1963 wurde das Museum of Our Wishes gegründet, das das Museum augenblicklich in eine führende europäische Kunstinstitution verwandelte; die Regierung steuerte 5 Millionen SEK für den Erwerb ikonischer Werke von Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico und vielen anderen bei. Vor einigen Jahrzehnten wurde die Übung wiederholt, diesmal jedoch nur mit Künstlerinnen – Werke von Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller und anderen wurden der Sammlung hinzugefügt.

Nur ein Bruchteil der Sammlung kann ausgestellt werden. Aber es erlaubt uns, die kunsthistorische Standarderzählung durch neue Erkenntnisse und ständige Veränderungen in der Ausstellung zu erforschen und neu zu formulieren. Dazu gehört das Moderna Museet Malmö mit seinem innovativen Ansatz bei der Auswahl und Ausstellung von Werken aus der Sammlung seit der Eröffnung im Jahr 2009.

Eine große Kunstsammlung ist der beste Ausgangspunkt für visuelle und intellektuelle Experimente. Das Moderna Museet schreibt als offenes und lebendiges Museum die Standardgeschichte der Moderne ständig neu, indem es seine Sammlung immer wieder auf radikal neue Weise umhängt. Seit 2009 hat das Museum zwei Standorte, Stockholm und Malmö, wo seit der Eröffnung regelmäßig innovative Auswahlen von Werken aus der Sammlung gezeigt werden. Einige der ikonischen Werke wie die marokkanische Landschaft (Acanthus) von Henri Mattisse, das Monogramm von Robert Rauchenberg und die Skulptur Ohne Titel von Eva Hesse sind fast immer verfügbar.

Explosion! – Malen als Aktion
Explosion erforscht die reichen und komplexen Befruchtungen und Grenzgebiete von Malerei, Performance und Konzeptkunst. Es zeichnet diese erweiterte Idee von Malerei als Aktion von den späten 1940er Jahren bis heute nach. Die Ausstellung umfasst Werke in unterschiedlichen Medien von rund 45 Künstlern aus vielen Teilen der Welt wie der bedeutenden japanischen Gutai-Gruppe, unter anderem Shozo Shimamoto, Sadamasa Motonaga, Saburo Murakami und Kazuo Shiraga, sowie Künstlern wie Allan Kaprow, Jackson Pollock, Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Ana Mendieta, Alison Knowles, Rivane Neuenschwander, Yoko Ono und Lawrence Weiner.

Nach dem Zweiten Weltkrieg begannen eine Reihe von Malern in verschiedenen Teilen der Welt, die Grundannahmen der Malerei aggressiv und spielerisch zugleich anzugreifen. Viele Künstler legten dem schöpferischen Akt selbst einen ebenso hohen Stellenwert bei wie dem daraus entstandenen Gemälde. An dieser Grenze zwischen Malerei und Performance wurden oft der Zufall oder der Betrachter als Mitgestalter des Werkes rekrutiert. Diese experimentelle, konzeptuelle Haltung zu Malerei und Kunst inspirierte in der Folge viele andere Künstler. In den letzten Jahren hat das Interesse an Performance-Kunst zugenommen und damit auch das Interesse an ihren Wurzeln.

Ignasi Aballí (1958)
Ignasi Aballís Arbeit Persones besteht aus einer langen Reihe schmutziger Fußabdrücke entlang einer Wand. Sie wurden von dem an die Wand gelehnten Künstler geschaffen, der träge einen Fuß darauf ruhte. Die Arbeit dient auch als eine Art Choreografie, da das Publikum eingeladen wird, es zu vervollständigen, indem es sich an die Wand lehnt und schmutzige Fußabdrücke auf der normalerweise makellosen, weißen Museumswand hinterlässt. Aballí wird von den Themen Abwesenheit und Verschwinden und verschiedenen Arten der Zeiterfassung verzehrt. Seine Praxis ist oft konzeptionell, basierend auf seinem Hintergrund als Maler.

William Anastasi (1933)
In den frühen 1970er Jahren begann William Anastasi in der New Yorker U-Bahn mit der Arbeit an einer Reihe von Blindzeichnungen. Oft war er auf dem Weg zu John Cage, um Schach zu spielen. Mit seinem Skizzenblock im Schoß und einem Stift in jeder Hand setzte er seine großen Kopfhörer auf und schloss die Augen, um sich zu konzentrieren und einen meditativen Geisteszustand zu erreichen. Sein Körper bewegte sich mit den Ruckeln, Stopps und Beschleunigungen des Zuges. Wie ein Seismograph registrierte Anastasi die Veränderungen seiner Position. Indem er sich zu einem Instrument zur Erfassung der Zugbewegung machte, verzichtete er auf die Urheberschaft der Zeichnungen. Der Titel der Arbeit ist die Zeit, in der sie entstanden ist.

Janine Antoni (1964)
Janine Antoni benutzt ihr Haar als Pinsel, um den Galerieboden mit Loving Care Haarfarbe zu bemalen. Antoni erforscht die täglichen Rituale, die wir an unserem Körper durchführen. Alltägliche Aktivitäten wie Essen, Baden und Wischen des Bodens nimmt sie auf und überführt sie in skulpturale Prozesse, die Rituale der Kunst imitieren. Sie schnitzt ihre Zähne und malt mit ihren Haaren und Wimpern. Die Materialien, die sie verwendet, sind diejenigen, die normalerweise am Körper verwendet werden, um ihn in der Gesellschaft zu definieren – Seife, Schmalz, Schokolade und Haarfärbemittel. Ihre besondere Bedeutung für Frauen führt dazu, dass ihre Arbeiten je nach Geschlecht des Betrachters unterschiedlich interpretiert werden, behauptet sie.

John Baldessari (1931)
Als Sohn eines Vermieters musste John Baldessari gelegentlich Wohnungen umdekorieren. Er tat so, als ob er ein Gemälde malte, wenn er eine Wand bemalte. Diese unterhaltsame konzeptionelle Übung half ihm, die eintönige Arbeit zu bewältigen. Er begann auch über den Unterschied zwischen einer Art von Maler und der anderen nachzudenken. In Six Colorful Inside Jobs lässt Baldessari einen Raum sechs Tage lang in den sechs Primär- und Sekundärfarben neu streichen und filmt dabei alles von oben. Stunden des Malens werden zu Filmminuten. Der Titel ist ein Wortspiel. Inside Job spielt auf ein Hollywood-Detektivdrama an. Die Zeit entspricht sechs Werktagen. Wie Gott kommt der Maler am siebten Tag zur Ruhe.

Lynda Benglis (1941)
In Lynda Benglis‘ Werkserie Pours wird Farbe aus großen Bottichen gegossen und auf dem Boden trocknen gelassen. Somit hat die Farbe den Charakter einer Skulptur, getrocknete Farbe ohne „Träger“ in Form einer Leinwand oder Tafel. Anders als Pollock wird das Gemälde nicht an die Wand gehängt, sondern direkt auf dem Boden angebracht. Neben ihren malerischen und skulpturalen Qualitäten sind Benglis‘ Arbeiten auch ein Kommentar zu Pollock, der in den 1970 in der amerikanischen Zeitschrift Life veröffentlichten Bildern zusammen mit einem kleineren Bild der Pollock-Malerei noch verstärkt wird.

Olle Bonnier (1925)
Olle Bonniér zeigte seine Arbeiten erstmals 1947 auf einer legendären Gruppenausstellung in Stockholm. Zwei Jahre später, 1949, entstand das Werk Plingeling, das sowohl ein abstraktes Gemälde als auch eine Musikpartitur ist. Dieses weiße Gemälde kann als schillerndes Universum betrachtet werden. Die in diesem Universum entstehenden Punkte haben irrationale Bahnen, die gelegentlich miteinander kollidieren, so dass ein klirrendes Geräusch entsteht. Plingeling enthält keine expliziten Anweisungen, wie es gespielt werden soll, und das Ergebnis ist jedes Mal anders. Bonniérs Werk ist ein frühes Beispiel für performative Malerei, ein Werk, das als Gemälde geschaffen wurde, aber Anweisungen enthält, die in Musik umgewandelt werden können.

George Brecht (1926–2008)
Water Yam ist ein Künstlerbuch, das Georg Brecht ursprünglich 1963 in einer von George Maciunas, dem Verfasser des Fluxus-Manifests, entworfenen Box veröffentlichte. Diese Box, die manchmal auch Fluxbox oder Fluxkit genannt wird, enthält Karten unterschiedlicher Größe, die Ereignis-Scores oder Flux-Scores für verschiedene Arten von Ereignissen darstellen. Die Partituren lassen oft Raum für Zufall oder Zufälle und zwingen den Benutzer oder das Publikum, wenn die Partitur öffentlich aufgeführt wird, zu einer eigenen Interpretation und damit zu Mitschöpfern des Werks. Brecht sagte, seine Partituren sollten dafür sorgen, „dass die Details des Alltags, die zufälligen Konstellationen von Objekten, die uns umgeben, nicht mehr unbemerkt bleiben“.

Tony Conrad (1940)
Als Tony Conrad in den 1960er Jahren nach New York kam, stand er der Kunstszene skeptisch gegenüber, entdeckte aber die lebendige Filmszene und fand sie interessanter, da sie unabhängig von den Kunstinstitutionen war. Conrad wollte den Film mit den spannenden Neuentwicklungen der Malerei verbinden. Eine seiner Strategien war es, ultralange Filme zu machen. Andy Warhol hatte Filme gedreht, die 24 Stunden lang liefen. Conrads Arbeit Yellow Movie ist ein Film, der seit 40 Jahren läuft! Die Idee ist, dass die billige Farbe im Laufe der Zeit ihre Farbe allmählich ändert. Niemand kann die Veränderung im „Film“ messen, aber das ist ohne Belang, da sie in der eigenen Vorstellung stattfindet, sagt Conrad.

Öyvind Fahlström (1928–1976)
Öyvind Fahlström war ein vielseitiger Künstler, der experimentell und in mehreren Disziplinen arbeitete. Er war bildender Künstler, Schriftsteller, Filmemacher und Komponist. Seine Begegnung mit der Pop-Art und der Comic-Kultur in New York Anfang der 1960er-Jahre prägte seine Kunst radikal und er begann, variable Gemälde in Form von Brettspielen zu malen. Spiele waren seine Art, politische, soziale und wirtschaftliche Machtkonstellationen zu veranschaulichen. Der Betrachter wird bewusst aufgefordert, die Marker und Elemente der Bilder zu verschieben, um neue Kombinationen zu bilden.

Ceal Floyer (1968)
Ceal Floyer beschäftigt sich hauptsächlich mit Licht, Schatten und Farbe und wie wir die Welt mit unseren Sinnen wahrnehmen und interpretieren. Mit dem produktiven Einsatz moderner Technologie schafft sie ideenbasierte Werke, die Eleganz mit scheinbarer Einfachheit verbinden. Hier ist der Bildschirm vollständig mit wechselnden Farben gefüllt. Dabei handelt es sich in der Tat um Nahaufnahmen eines Wasserglases, in das Pinsel mit unterschiedlichen Pigmenten getaucht werden. Die Pigmente entsprechen den Grundfarben der Videotechnik. So vereint Floyer analoge und digitale Farbe.

Pinot Gallizio (1902–1964)
1959 wurde das Manifeso von Pinot Gallizio für die industrielle Malerei veröffentlicht. Industrielle Kunst sollte maschinell hergestellt und allen zugänglich gemacht werden. Kunst sollte unter den Leuten gemacht werden oder gar nicht. Die Idee war, dass Tausende von Kilometern Leinwand in Massenproduktion hergestellt und dann an die Menschen verteilt werden sollten, um sie von der bürgerlichen Kunst zu befreien, die zu Finanzspekulationen geführt und zur Aufrechterhaltung der Klassenspaltung beigetragen hatte. Quantität und Qualität würden eins werden und damit den Status des Kunstwerks als Luxusgut beenden. Gallizio war auch Gründungsmitglied der radikal-linken Kunstbewegung des Situationismus, die die Kunst von ihrer Rolle als fetischistische Ware des Kapitalismus befreien wollte.

Cai Guo-Qiang (1957)
Cai Guo-Qiang zeichnet mit Schießpulver und Feuerwerkskörpern Bilder in die Luft. Manchmal dauern diese Arbeiten einige Sekunden, manchmal hinterlassen die Explosionen Spuren auf Papier oder Leinwand. Seit 1989 fertigt Guo-Qiang „Projekte für Außerirdische“ monumentale Sprengarbeiten direkt am Boden an, damit sie von anderen Planeten aus gesehen werden können. 1998 führte Guo-Qiang ein Projekt über das gefrorene Wasser zwischen Moderna Museet und dem Vasa-Museum durch: Eine Spur aus Zündschnüren und Schießpulver trennte das Wasser zwischen den beiden Inseln für einen Moment, wie das Rote Meer in der Bibel, als Moses führte die Juden in das gelobte Land.

Sadaharu Horio (1939)
1966 zeigte Sadaharu Horio seine Arbeiten erstmals mit Gutai. Mit jährlich mehr als 100 Ausstellungen und Performances betont er, dass Ausstellungen keine eigenständige Situation, sondern eine Verlängerung des Lebens sind, und dass das alltägliche Handeln im Wesentlichen eine Performance ist . Jeder Moment ist anders und unersetzlich. Horio widmet sich mit der Offenheit eines Kindes den Möglichkeiten des Augenblicks. In einem kontinuierlichen Ritual bedeckt er täglich die Alltagsgegenstände um ihn herum mit Farbe. Um keine Farbauswahl treffen zu müssen, hält er sich an die Reihenfolge der Farben im Karton und entzieht sich so jeder persönlichen Spur. Dieses malerische Ritual konnte von jedermann übernommen und ewig verewigt werden.

Yves Klein (1928-1962)
Für Yves Klein steht die Farbe Blau für Leere, Himmel und Meer – das Immaterielle. Fast alle seine Arbeiten sind monochrome in seiner charakteristischen Farbe International Klein Blue. Er verwendete ein spezielles Bindemittel, das den Glanz und den intensiven Charakter des Pigments nicht beeinträchtigt. Kleins Anthropometrien sind Gemälde, die mit einem Publikum entstanden sind, wie Performances. Die Modelle malten sich direkt auf den Körper und drückten sich gegen die Leinwand oder schleiften sich wie lebendige Pinsel darüber. Klein soll die Idee der Malerei als direkten Abdruck des Körpers gehabt haben, als er in Hiroshima einen Stein sah, in den der Schatten eines Menschen von der Atombombe eingebrannt wurde. Dieser Anblick könnte auch seine Feuerbilder inspiriert haben.

Akira Kanayama
Akira Kanayama war der Sekretär der Gutai-Gruppe. Er sagte scherzhaft, dass die Stelle so viel Arbeit mit sich bringt, dass er keine Zeit zum Lackieren habe und sich stattdessen ein ferngesteuertes Spielzeugauto lackieren lasse. Das entstandene Werk (1957) kann als Kritik an Jackson Pollocks Drip Paintings gesehen werden, mit denen sie eine gewisse Ähnlichkeit haben. In Kanayama wird das männliche Genie, das seine Gefühle mit Farbe ausdrückt, von einem Spielzeugauto abgelöst, das wahllos über das Papier fährt und eine Farbspur hinterlässt, oder wie in der Arbeit Footprints, wo die Sohlen des Künstlers Spuren auf dem Papier hinterlassen haben. Kanayama stellte damit die persönliche Relevanz des Künstlers für die Qualität und den Einfallsreichtum der Arbeit in Frage.

Paul McCarthy
Die Black and White Tapes sind eine Zusammenstellung von 13 frühen Performances aus den 1970er Jahren. Diese Auswahl zeigt die angehende Themenentwicklung, die brutale Körperlichkeit und die performative Persona, die sein Oeuvre prägend geworden ist. Paul McCarthy erforscht wie Hermann Nitsch und die Wiener Aktionisten den Kontrollverlust, jedoch ohne die rituellen Elemente und mit direktem Bezug zu Hollywoods Oberflächlichkeit und materieller Fülle. Nitsch und McCarthy gemeinsam ist, dass die flüssige Form (Farbe) nicht direkt auf eine Leinwand beschränkt ist, sondern so verschüttet wird, dass sie Körperflüssigkeiten ähnelt, die plötzlich und katastrophal überall auftauchen.

Ana Mendieta
In den frühen 1970er Jahren begann Ana Mendieta, Silhouetten und „Erde-Körper-Skulpturen“ hauptsächlich aus Blut, Erde, Feuer und Wasser herzustellen. Mit ihrem Körper als Werkzeug hinterließ sie menschliche Spuren in der Natur. Ihre Auftritte wurden filmisch dokumentiert. Ana Mendieta war die erste, die die beiden zeitgenössischen Strömungen Land-Art und Body-Art kombinierte und so Werke zu den Themen Leben, Tod, Ort und Zugehörigkeit hervorbrachte. Mendietas ritueller Gebrauch von Blut, Schießpulver, Erde und Feuer ist auch mit der kubanischen Religion Santería verbunden. Als Dreizehnjährige wurde Mendieta von Kuba in die USA geschickt, wo sie in Waisenhäusern aufwuchs. Ihre Suche nach Identität und Zugehörigkeit prägt das gesamte Werk von Mendieta.

Saburo Murakami
Saburo Murakami war Mitbegründer der Gutai-Gruppe und eines ihrer wegweisendsten Mitglieder. Er formulierte das Konzept der Gruppe von Außenausstellungen und schuf Performance-Acts, in denen er die Malerei herausforderte, indem er ihre Grenzen verschiebt und untersucht, ob das Genre über die Malerei auf Leinwand hinausgehen kann. Die Arbeit Six Holes ist ein buchstäblicher und theoretischer Schlag gegen die Malerei. Der Künstler hat mehrere Schichten von braunem Papier, das auf einen Rahmen gespannt ist, mit verschiedenen Körperteilen durchbrochen. Das Ergebnis seiner Experimente waren neuartige „Gemälde“, ein erster künstlerischer Versuch, das Verhältnis von Performance und Objekt neu zu verhandeln.

Rivane Neuenschwander
Rivane Neuenschwander nennt ihre Kunst „ätherischen Materialismus“. Sie verwendet alltägliche Materialien, um den Lauf der Zeit, die Zerbrechlichkeit des Lebens und zwischenmenschliche Beziehungen auszudrücken, wobei sie oft Zufall und interpretative Prozesse das Endergebnis bestimmen lässt, wie wenn sie zwei Köche bat, ein Essen basierend auf einer Einkaufsliste zu kreieren, die sie auf der Etage eines Supermarktes. In der Arbeit Secondary Stories (2006) wehen bunte Kreise aus Seidenpapier mit Fächern über eine innere Decke. Hin und wieder fallen sie zufällig zu Boden und bilden neue Muster wie Farbtropfen.

Hermann Nitsch
Die theatralischen und aggressiven Malperformances und Körperkunst der Wiener Aktionisten verbanden Kunst mit Ritualen und Religion. Die Werke von Hermann Nitsch sind in vielerlei Hinsicht wie klassische Dramen mit ihrem Streben nach Katharsis, einer Form der heilenden Reinigung durch Leiden. Sie wehren sich dagegen, dass der moderne westliche Mensch so weit von den Ritualen entfernt ist, die mit seiner reinigenden und regenerierenden Wirkung Ekstase auslösten. Nach diesen Vorstellungen können wir keine große Freude erleben, wenn wir nicht auch Schmerz, Trauer und Angst erfahren können. Die Praktiken der Wiener Aktionisten können als Teil der österreichischen expressionistischen Tradition gesehen werden, mit Elementen des Katholizismus, der Psychoanalyse und der Rebellion gegen die bürgerliche, hierarchische Gesellschaftsordnung.

Niki de Saint Phalle
Anfang der 1960er Jahre erschütterte Niki de Saint Phalle mit ihren Shooting Pictures (Tirs) die männlich dominierte Kunstszene in ihren Grundfesten. In diesen Arbeiten bedeckte sie Farbbehälter mit dicken Putzschichten auf einem Holzbrett. Dann feuerte sie aus großer Entfernung ein Gewehr auf sie ab; Als die Kugel die Behälter traf, lief die Farbe wahllos auf dem Putz aus. Der Akt des Schießens wurde zu einem überaus gewollten Akt, der auch als Performance verstanden werden konnte. Niki de Saint Phalle beschrieb die Tat und sagte, sie habe auf alle Männer, ihren Bruder, die Gesellschaft, die Kirche und die Schule geschossen.

Jackson Pollock
Als Jackson Pollock 1947 seinen Durchbruch hatte, war er zu einer völlig neuen und revolutionären Malweise übergegangen. Er legte große Leinwände direkt auf den Boden, tauchte Pinsel und Stöcke in Töpfe mit flüssiger Farbe und ließ sie auf die Leinwand tropfen, während er sich um alle vier Seiten herum bewegte, während er lautem Bebop oder anderer Jazzmusik lauschte. Diese Methode, sagte er, sei mit den rituellen Sandmalereien der Indianer verwandt, die mit farbigem Sand gemacht wurden, der in schönen Mustern gestreut war. Für Pollock war der Akt des Malens selbst genauso wichtig wie das fertige Werk. Seine Malweise wurde Action Painting genannt, und er gilt als einer der wegweisenden abstrakten Expressionisten.

Robert Rauschenberg, Niki de Saint Phalle
Im Mai 1961 wurde die Ausstellung Bewegung in der Kunst mit einem Fest eröffnet. Niki de Saint Phalle hatte unzählige mit Farbe gefüllte Tüten an einer Theaterkulisse befestigt, darauf legte sie eine Plastikplane und einen Teppich zu einer Tanzfläche. Als die Gäste zu tanzen begannen, platzten die Taschen und es entstand ein abstraktes Gemälde. Nach der Party waren Robert Rauschenberg und Billy Klüver (Gründer von Experiments in Art and Technology, EAT) die einzigen verbliebenen Gäste. Das Gemälde lag noch auf der Bühne. Sie brachten es nach draußen, und Rauschenberg schlug vor, dass sie die Arbeit verbessern und vielleicht die Aufmerksamkeit eines Taxifahrers auf sich ziehen könnten, indem sie es über die Straße verteilen. Mehrere vorbeifahrende Autos hinterließen Reifenspuren auf der Plane, bevor schließlich ein Taxi anhielt.

Carolee Schneemann
Carolee Schneemann ist eine Pionierin der Performance und feministischen Kunst. Anfang der 1960er Jahre nutzte sie ihren Körper als künstlerisches Material und war die erste amerikanische Künstlerin, die mit „Body Art“ arbeitete. In Eye Body erscheint sie nackt, mit Farbe, Fett und Kreide verschmiert. Indem sie Malerei von der Leinwand auf ihren Körper überträgt, hinterfragt Schneeman die zeitgenössische weibliche Rolle und die vorherrschende Haltung in der Kunst zum weiblichen Körper als Objekt, das abgebildet und betrachtet werden soll. Sie wurde als drastisch kritisiert, aber ihre spektakulären Arbeiten haben immer einen Sinn. Als Subjekt und Objekt ihrer Bilder beansprucht sie die Macht über den weiblichen Körper und die Sexualität zurück. Neben Performances realisiert Schneemann Assemblagen, Filme, Videos und Installationen.

Eclipse – Kunst in einem dunklen Zeitalter
Eclipse, eine Verdunkelung der Sonne, beschreibt sowohl eine gesellschaftliche Situation, in der viele Ideale der Aufklärung aufgegeben scheinen – als auch eine künstlerische Herangehensweise. Den Künstlern dieser Ausstellung internationaler Gegenwartskunst gemein ist der Mangel an Glauben an eine didaktisch aufklärende Kultur; daher die Metapher im Titel.

Die vorgestellten Künstler nutzen Installation, Skulptur, Performance, Videoprojektion und Malerei als Medien, um dunkle oder irrationale Themen zu erforschen und zu formulieren. Viele von ihnen haben ein besonderes Gespür für die Absurdität des Lebens, was zu einem erfrischenden Humor führt. Ausgangspunkt sind existenzielle Fragen zum Zustand der Menschheit. Die Ausstellung verfolgt zwei Hauptspuren: die eine düster, mystisch und knapp, die andere eher anarchisch und burlesk.

Eclipse ist sowohl ein Statement als auch eine Frage an die Kunst heute. Waren Künstler der 90er Jahre mit der Wirklichkeit beschäftigt, die sich beispielsweise in dokumentarischen Strategien und relationalen Ästhetiken ausdrücken ließe, sind viele Künstler heute eher an Spekulation interessiert, an der Reflexion des Unverständlichen. Es mag drastisch klingen zu sagen, dass wir in einem dunklen Zeitalter leben. Aber nach dem 11. September, in einer Zeit des politischen Umbruchs, erleben wir einen Anstieg der Intoleranz. Die Ausstellung hebt Kunst hervor, die nicht vereinfachend politisch ist, sondern ihr Recht behauptet, das Falsche zu sagen, Kunst, die die Lizenz der Fiktion zum Experimentieren nutzt.

Michael Borremans
Der belgische Künstler Michaël Borremans (*1963, lebt in Gent), der vor allem für seine Malerei und Zeichnung bekannt ist, ist mit einer Reihe von Werken in seinem charakteristischen neosurrealistischen Stil vertreten. Die Themen sind Menschen, die in eine sepiafarbene Vergangenheit zu gehören scheinen, konzentriert auf eine rätselhafte Aufgabe. Die Titel der Arbeiten tragen zur Verunsicherung darüber bei, welche Art von Szenen wir betrachten, wie etwa The Advantage, das einen jungen Mann in einer Zwangsjacke zeigt.

Anri Sala
Die Rätselhaftigkeit der Malerei Borremans korrespondiert mit Anri Salas (*1974, in Berlin lebenden) Videoarbeiten, die oft im Halbdunkel gedreht wurden. In einem seiner Werke, Ghostgames, sind zwei Personen an einem Spiel beteiligt, das im Dunkeln ein Strand sein könnte, bei dem sie mit Taschenlampenstrahlen Krabben anlocken oder unter Druck setzen, um zwischen die Beine des Gegners zu kriechen – und so ein Tor erzielen . Das Fehlen von Informationen in den Bildern regt zu Fragen an und schärft die Sinne.

Nathalie Djurberg
Nathalie Djurberg (*1978, lebt in Berlin) kreiert Videoarbeiten in einem grotesken Universum von Figuren aus Knetmasse. Das Format der Filme ist wie Kinderfernsehen, aber die Charaktere – oft erschreckend fettleibige Frauen – werden in brutale Übergriffe verwickelt. Djurberg ist derzeit in einer Einzelausstellung in der Fondazione Prada in Mailand zu sehen.

Dana Schutz
Auch Dana Schutz‘ (*1976, lebt in New York) Gemälde beschwören eine seltsame, möglicherweise postapokalyptische Welt herauf, die von grotesken Überlebenden bewohnt wird, wie den ‚Auto-Kanibalen‘, die sich gegenseitig operieren, den ‚Schwerkraft-Fanatikern “ oder diejenigen, die einfach „auf Jesus“ sind. Formal navigiert sie geschmeidig zwischen den verschiedenen Stilen der Kunstgeschichte. Ihre Bilder basieren oft auf Ideen, die als Herausforderungen dienen, scheinbar unmögliche Motive für die Malerei.

Ellen Gallagher
Ellen Gallaghers (*1965, lebt in Rotterdam und New York) Arbeiten De Luxe vermischen historische und mythologische Figuren aus alten Werbebildern für afroamerikanische Leser. Einige ihrer Aquarelle aus der Serie Water Ecstatic sind ebenfalls zu sehen. Die Serie basiert auf einem Mythos über U-Boot-Menschen – eine besondere Spezies, die sich aus schwangeren Sklaven entwickelt hat, die auf der Atlantikpassage des Sklavenhandels ertranken.

Tom McCarthy
Tom McCarthy (*1969, lebt in London) ist Generalsekretär der INS – International Necronautical Society, einer Pastiche über Avantgarde-Künstlergruppen des frühen 20. Jahrhunderts. Das INS wird mit einem Bericht – Calling All Agents – von einem der Treffen der Gruppe in Österreich vorgestellt, in dem die Idee verbreitet wird, dass Kunst subversive Botschaften enthält, die politisch dynamisch sind. Eine neue, ortsspezifische Audioarbeit von McCarthy wird in schwedischer Sprache in den Audioguides präsentiert, die normalerweise verwendet werden, um Besucher durch die Sammlung zu führen.

Lucas Ajemian
Lucas Ajemian (*1975, lebt in New York) spielt in seinen Arbeiten auf die Kunst als Träger codierter Botschaften an. Mit seinem Bruder, dem Jazzmusiker Jason Ajemian, gestaltet er eine Performance in der Kirche auf Skeppsholmen, die auf Video gefilmt und in der Ausstellung gezeigt wird; sie spielen den Black Sabbath-Klassiker Into the Void von 1971 rückwärts, zusammen mit einem zehnköpfigen Orchester, in Anlehnung an die Mythen, die behaupten, dass dies verborgene, satanische Botschaften enthüllen würde.

Mike Nelson
Auch Mike Nelson (*1967, lebt in London) arbeitet mit einer Gruppe zusammen – in seinem Fall der fiktiven Biker-Gang The Amnesiacs, die aus Golfkriegsveteranen mit Gedächtnisverlust besteht. Die Mitglieder „helfen“ Nelson, Werke zu schaffen, die ihre Erinnerungen rekonstruieren, wie in Amnesiac Shrine – einer großen Rauminstallation, die mit Mitteln der Freunde des Moderna Museet als Geschenk zum 50.

Paul McCarthy
Paul McCarthy (*1945, lebt in Los Angeles) porträtiert in seinen performancebasierten Videoarbeiten bedrohliche und erbärmliche Vaterfiguren; ein Puppenkopf, der Alfred E. Neuman ähnelt, oder ein blutiger, höhnischer Pirat, in einer Art Disney-Welt, die Amok gelaufen ist. Die Zusammenarbeit von Magnus af Petersens mit Paul McCarthy im Zusammenhang mit seiner Retrospektive im Moderna Museet 2006 war ein Ereignis, das das Konzept für Eclipse inspirierte.