Art Déco, parfois appelée Deco, est un style des arts visuels, l’architecture et le design qui est apparu en France juste avant la Première Guerre mondiale Art Déco ont influencé la conception des bâtiments, des meubles, des bijoux, la mode, les voitures, les cinémas, les trains , les paquebots et les objets de tous les jours tels que des radios et des aspirateurs. Il a pris son nom, court pour Arts Décoratifs, de l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposition Internationale d’Art Moderne Arts Décoratifs et Industriels) tenue à Paris en 1925. Il combine les styles modernistes avec l’artisanat d’art et des matériaux riches. À son apogée, Art Déco représente le luxe, le glamour, l’exubérance, et foi dans le progrès social et technologique.

Art Déco était un pastiche de nombreux styles différents, parfois contradictoires, unis par le désir d’être moderne. Dès ses débuts, Art déco a été influencé par les formes géométriques audacieuses du cubisme; les couleurs vives du fauvisme et des Ballets russes; le savoir-faire des meubles mis à jour des époques de Louis Philippe et Louis XVI; et les styles exotiques de la Chine et le Japon, l’Inde, la Perse, l’Egypte antique art et Maya. Il a comporté des matériaux rares et coûteux, comme l’ébène et l’ivoire, et de l’artisanat exquis. leChrysler Bâtiment et d’autres gratte-ciel de New York construit au cours des années 1920 et 1930 sont des monuments du style Art Déco.

La peinture:
Il n’y avait pas de section réservée à la peinture à l’Exposition 1925. Art déco peinture par définition décoratif, conçu pour décorer une pièce ou un travail de l’architecture, si peu de peintres ont travaillé exclusivement dans le style, mais deux peintres sont étroitement associés à l’art déco. Jean Dupas peint Art déco des peintures murales pour le Pavillon Bordeaux à l’Exposition des Arts décoratifs en 1925ParisEt aussi peint l’image de la cheminée dans la Maison de la Collectioneur exposition à l’Exposition 1925, qui présentait des meubles de Ruhlmann et d’autres célèbres créateurs Art déco. Ses peintures murales étaient également importants dans le décor du paquebot français SS Normandie. Son travail était purement décoratif, conçu comme un arrière-plan ou l’accompagnement à d’autres éléments du décor. L’autre peintre étroitement associé au style est Tamara de Lempicka. Né enPologne dans une famille aristocratique, elle a émigré à Paris après la révolution russe. Là, elle est devenue un étudiant de l’artiste Maurice Denis du mouvement appelé Les Nabis et le cubisme André Lhote et emprunté de nombreux éléments de leurs styles. Elle a peint presque exclusivement des portraits dans un réaliste, dynamique et coloré style Art déco.

Dans les années 1930 une nouvelle forme d’art dramatique peinture déco est apparu dans la États Unis. Durant la Grande Dépression, le projet fédéral d’art de l’administration d’avancement de travaux a été créé pour donner du travail aux artistes sans emploi. Beaucoup ont eu la tâche de décorer les bâtiments publics, les hôpitaux et les écoles. Il n’y avait pas de style art déco spécifique utilisé dans les peintures murales; artistes engagés pour peindre des peintures murales dans les édifices gouvernementaux sont venus de nombreuses écoles, de régionalisme américain au réalisme social; ils comprenaient Reginald Marsh, Rockwell Kent et le peintre mexicain Diego Rivera. Les peintures murales étaient Art déco parce qu’ils étaient tous décoratifs et liés aux activités dans le bâtiment ou la ville où ils ont été créés: Reginald Marsh et Rockwell Kent Les deux bâtiments postaux américains redécorées et ont montré des employés des postes au travail tandis que Diego Rivera décrit les ouvriers d’usine automobile pour l’Institut des Arts de Detroit. Diego Rivera »Rockefeller Centre présenté un portrait non autorisé de Lénine. Lorsque Rivera a refusé de retirer Lénine, la peinture a été détruite et une nouvelle peinture murale a été peinte par l’artiste espagnol Josep Maria Sert.

Sculpture:
La plupart de la sculpture de la période Art Déco est, comme son nom l’indique, purement décoratif; il a été conçu non pas pour les musées, mais les immeubles de bureaux ornement, des bâtiments publics, des places publiques et des salons privés. Il était presque toujours représentatif, le plus souvent des figures héroïques ou allégoriques liés à l’objet du bâtiment; les thèmes étaient généralement choisis par le patron et la sculpture abstraite pour la décoration était extrêmement rare. Il est souvent attaché à la façade des bâtiments, en particulier sur l’entrée.

sculptures allégoriques de la danse et de la musique par Antoine Bourdelle ont été la caractéristique essentielle de décoration du premier point de repère Art Déco Paris, Le Théâtre des Champs-Elysées à Paris, En 1912. Le sculpteur Aristide Maillol a réinventé l’idéal classique pour sa statue de la rivière (1939), maintenant au Musée de Art moderne dans New York. Dans les années 1930, une équipe de sculpteurs en sculpture pour l’Exposition Internationale des Arts et Techniques 1937 Dans la Vie Moderne à Chaillot. Les bâtiments de l’exposition étaient couvertes de sculptures bas-relief, statues. Alfred Janniot a fait les sculptures en relief sur la façade du Palais de Tokyo. Le Musée d’Art Moderne de Paris City, et l’esplanade devant le Palais de Chaillot, face à laEiffel La tour, Était encombrée de nouvelle statuaire par Charles Malfray, Henry Arnold, et bien d’autres.

dans le États Unis, De nombreux sculpteurs européens formés à l’Ecole des Beaux Arts Paris, Est venu travailler; ils comprenaient Gutzon Borglum, sculpteur du mont Rushmore Lincoln Memorial. D’autres sculpteurs américains, y compris Harriet Whitney Frishmuth, avait étudié avec Auguste Rodin enParis. Le krach boursier de 1929 en grande partie détruit le marché de la sculpture monumentale, mais un grand projet est resté; le nouveauRockefeller Centre. Les sculpteurs américains Lee Lawrie et Paul Manship conçu héroïques figures allégoriques pour la façade et la place. DansSan Francisco, Ralph Stackpole a fourni la sculpture de la façade du nouveau bâtiment Bourse de San Francisco.

L’un des plus connus et certainement la plus grande sculpture art déco est le Christ Rédempteur par le sculpteur français Paul Landowski, achevé entre 1922 et 1931, situé au sommet d’une montagne surplombant Rio de Janeiro, Brésil. François Pompon a été un pionnier de la sculpture stylisée Animalier moderne. Il n’a pas été pleinement reconnu pour ses réalisations artistiques jusqu’à l’âge de 67 ans au Salon d’Automne de 1922 avec le travail Ours blanc, aussi connu comme l’ours blanc, aujourd’hui au Musée d’Orsay à Paris.

De nombreuses premières sculptures Art déco étaient petits, conçus pour décorer les salons. Un genre de cette sculpture a été appelée la statuette chryséléphantine, du nom d’un style de statues antiques de temple grec d’or et d’ivoire. L’un des plus célèbres sculpteurs d’art déco de salon a été le Demetre d’origine roumaine Chiparus, qui a produit de petites sculptures colorées de danseurs. D’autres sculpteurs notables salon inclus Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol et Gustav Schmidtcassel.

Parallèlement à ces sculpteurs plus néo-classique, plus avant-gardiste et sculpteurs abstraits étaient à l’œuvre dans Paris et New York. Le plus important était Constantin Brancusi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff, et Pablo Gargallo.

Arts graphiques:
Le style Art Déco est apparu tôt dans les arts graphiques, dans les années juste avant la Première Guerre mondiale Il est apparu dans Parisdans les affiches et les dessins de costumes de Léon Bakst pour les Ballets russes, et dans les catalogues des créateurs de mode Paul Poiret. Les illustrations de Georges Barbier, et Georges Lepape et les images dans le magazine de mode La Gazette du bon ton capturé l’élégance parfaite et la sensualité du style. Dans les années 1920, le regard a changé; les modes étaient stressées plus décontracté, sportif et audacieux, les modèles de femme qui fume habituellement des cigarettes. magazines de mode américains tels que Vogue, Vanity Fair et Harper Bazaar rapidement repris le nouveau style et popularisé dans lesÉtats Unis. Elle a également influencé le travail des illustrateurs de livres américains tels que RockwellKent. DansAllemagne, L’artiste affiche le plus célèbre de la période était Ludwig Hohlwein, qui a créé des affiches colorées et spectaculaires pour les festivals de musique, de bières, et, tard dans sa carrière, pour le parti nazi.

Au cours de la période Art Nouveau, des affiches habituellement annoncés produits ou théâtraux cabarets. Dans les années 1920, des affiches de voyage, faites pour les compagnies maritimes et les compagnies aériennes, sont devenus extrêmement populaires. Le style changé notamment dans les années 1920, pour attirer l’attention sur le produit annoncé. Les images sont devenues plus simples, précises, plus linéaire, plus dynamique, et étaient souvent placés contre un fond de couleur. DansFrancepopulaires designers Art déco inclus, Charles Loupot et Paul Colin, qui est devenu célèbre pour ses affiches de la chanteuse et danseuse américaine Joséphine Baker. Jean Carlu a conçu des affiches pour les films de Charlie Chaplin, des savons et des théâtres; dans les années 1930, il a émigré auxÉtats Unis, Où, pendant la Première Guerre mondiale, il a conçu des affiches pour encourager la production de guerre. Le designer Charles Gesmar est devenu célèbre fabriquant des affiches pour le chanteur Mistinguett et AirFrance. Parmi les plus connus affichistes français Art déco était Cassandre, qui a fait l’affiche célèbre du paquebot SS Normandie en 1935.

Dans les années 1930 un nouveau genre d’affiches est apparu dans la États Unispendant la Grande Dépression. L’embauche des artistes américains du projet fédéral d’art de créer des affiches pour promouvoir le tourisme et les événements culturels.

Architecture:
Le style architectural de l’art déco a fait ses débuts dans Paris en 1903-1904, avec la construction de deux immeubles d’habitation ParisUn par Auguste Perret rue Trétaigne et l’autre sur la rue Benjamin Franklin par Henri Sauvage. Les deux jeunes architectes utilisés en béton armé pour la première fois enParisbâtiments résidentiels; les nouveaux bâtiments ont des lignes épurées, des formes rectangulaires, et pas de décoration sur les façades; ils ont marqué une rupture avec le style art nouveau. Entre 1910 et 1913, Perret a utilisé son expérience dans les bâtiments en béton appartement pour construire le Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Entre 1925 et 1928, il a construit la nouvelle façade art déco du magasin La SamaritaineParis.

Après la Première Guerre mondiale, les bâtiments art déco en acier et en béton armé ont commencé à apparaître dans les grandes villes à travers l’Europe et la États Unis. dans leÉtats Unisle style a été le plus souvent utilisé pour les immeubles de bureaux, bâtiments gouvernementaux, des cinémas et des gares. Il était parfois combiné avec d’autres styles;Los Angeles Mairie combiné Art déco avec un toit basé sur l’ancien mausolée grec Halicarnasse, tandis que le Los Angelesgare combinée Deco avec l’architecture de la mission espagnole. Art déco en est également apparue dans des projets d’ingénierie, y compris les tours duPorte dorée Pont et les tours d’admission de Hoover Dam. Dans les années 1920 et 1930, il est devenu un style véritablement internationale, avec des exemples, y compris le Palacio de Bellas Artes (Palais de Beaux-Arts) dans Mexico par Federico Mariscal (es), la station de métro Mayakovskaya dans Moscou et le nationale Régime Bâtiment dans Tokyo par Watanabe Fukuzo.

Le style Art Déco ne se limite pas aux bâtiments sur les terrains; le paquebot SS Normandie, dont le premier voyage était en 1935, a présenté un style Art déco, y compris une salle à manger dont le plafond et la décoration ont été faites de verre par Lalique.

palais de film:
Un grand nombre des meilleurs exemples survivants de l’Art déco sont les salles de cinéma construites dans les années 1920 et 1930. La période Art Déco a coïncidé avec la conversion des films muets au son, et compagnies de cinéma construit des théâtres énormes dans les grandes villes pour capturer l’immense public qui est venu voir des films. palais de cinéma dans les années 1920, des thèmes exotiques souvent combinés avec le style art déco; Théâtre égyptien de Grauman enHollywood (1922) a été inspiré par les anciens tombeaux égyptiens et des pyramides, tandis que le théâtre Fox Bakersfield, Californieci-joint une tour en Californie style Mission à un hall Art déco. Le plus grand de tous estRadio Ville Music-hall dans La ville de New York, Qui a ouvert en 1932. Conçu à l’origine comme un théâtre de la scène, il est rapidement transformé en une salle de cinéma, qui pouvait accueillir 6015 personnes Le design intérieur par Donald Deskey utilisé le verre, l’aluminium, le chrome et le cuir pour créer une évasion colorée de la réalité The Paramount théâtre à Oakland, en Californie, par Timothy Pflueger, avait une façade en céramique colorée comprend un hall quatre étages, et séparés Art déco fumoirs pour hommes et femmes. grands palais similaires sont apparus dansL’Europe . Le Grand RexParis (1932), avec son imposante tour, était le plus grand cinéma de L’Europe . Le Cinéma Gaumont Etat enLondres (1937) avait une tour sur le modèle du Empire Etatbâtiment, recouvert de carreaux de céramique couleur crème et un intérieur dans un style Renaissance Art déco italienne. Le Paramount Theater àShanghai, Chine(1933) a été construit à l’origine comme une salle de danse appelée la porte de 100 plaisirs; il a été converti en une salle de cinéma après la révolution communiste en 1949, et est maintenant une salle de bal et une discothèque. Dans les années 1930, les architectes italiens construit un petit palais du cinéma, le cinéma Impero, enAsmara dans ce qui est maintenant Érythrée. Aujourd’hui, la plupart des salles de cinéma ont été divisés en multiplexe, mais d’autres ont été restaurés et sont utilisés comme centres culturels dans leurs communautés.

Rationaliser Moderne:
Dans les années 1930, une nouvelle variété de l’architecture Art Déco est devenu commun; il a été appelé Streamline Moderne ou simplement Streamline, ou, en France, le style Paqueboat ou le style Ocean Liner. Les bâtiments dans le style ont eu des coins arrondis, de longues lignes horizontales; ils ont été construits en béton armé, et étaient presque toujours blanc; et ont parfois des caractéristiques nautiques, comme garde-corps qui ressemblaient à ceux d’un navire. Le coin arrondi était pas tout à fait nouveau; il était apparu dansBerlin en 1923 dans les Mossehaus par Erich Mendelsohn, et plus tard dans la Aspirateur Bâtiment, Un complexe industriel dans la Londres banlieue de Peri. Aux États-Unis, il est devenu le plus étroitement associé au transport; Streamline Moderne était rare dans les immeubles de bureaux, mais il a été souvent utilisé pour les stations de bus et des terminaux de l’aéroport, comme terminal à l’aéroport de La Guardia à New York qui a traité les premiers vols transatlantiques, en passant par les hydravions tondeuse PanAm; et en architecture bord de la route, comme les stations-service et les convives. Dans les années 1930 une série de convives, calquée sur les voitures de chemin de fer rationalisée, ont été produits et installés dans les villes enNouvelle-Angleterre; au moins deux exemples restent encore et sont maintenant enregistrés bâtiments historiques.

Décoration et motifs:
Décoration de la période Art Déco a traversé plusieurs phases distinctes. Entre 1910 et 1920, l’Art Nouveau a été épuisé, les styles de conception ont vu un retour à la tradition, en particulier dans l’œuvre de Paul Iribe. En 1912, André Vera a publié un essai dans la revue L’Art Décoratif appelant à un retour à l’artisanat et les matériaux des siècles précédents, et en utilisant un nouveau répertoire de formes prises de la nature, en particulier des paniers et des guirlandes de fruits et de fleurs. Une seconde tendance Art déco, également 1910-1920, a été inspiré par les couleurs vives du mouvement artistique connu sous le nom Fauves et par les costumes colorés et ensembles des Ballets Russes. Ce style a souvent été exprimé avec des matériaux exotiques tels que galuchat, nacre, ivoire, cuir teinté, laqué et bois peint, et incrustations décoratives sur des meubles qui ont souligné sa géométrie. Cette période du style a atteint sonpoint haut à l’Exposition des Arts Décoratifs de Paris en 1925. Dans les années 1920 et les années 1930, le style décoratif a changé, inspiré par de nouveaux matériaux et technologies. Il est devenu plus lisse et moins ornementale. Les meubles, comme l’architecture, a commencé à avoir des bords arrondis et prendre un aspect poli, simplifié, tiré du style moderne de Streamline. De nouveaux matériaux, tels que l’acier chromé, aluminium et bakélite, une forme précoce de plastique, ont commencé à apparaître dans les meubles et la décoration.

Tout au long de la période Art Déco, et en particulier dans les années 1930, les motifs du décor ont exprimé la fonction du bâtiment. Théâtres ont été décorés de sculptures qui illustrait la musique, la danse, et l’excitation; les compagnies d’électricité ont montré levers, l’édifice Chrysler a montré ornements de capot stylisés; Le Palais de frises de la Porte Dorée à l’Exposition coloniale de Paris 1931 a montré les visages des différentes nationalités des colonies françaises. Le style Streamline fait apparaître que le bâtiment lui-même était en mouvement. Les peintures murales WPA des années 1930 en vedette des gens ordinaires; les travailleurs de l’usine, les postiers, les familles et les agriculteurs, à la place des héros classiques.

Meubles:
meubles français à partir de 1910 jusqu’au début des années 1920 était en grande partie d’une mise à jour des styles de meubles traditionnels français, et les conceptions de l’art nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet et d’autres fabricants. Les fabricants de meubles français se sentaient menacés par la popularité croissante des fabricants et des styles allemands, en particulier le style Biedermeier, ce qui était simple et épuré. Le designer français Frantz Jourdain, Président du Salon d’Automne à Paris, a invité les concepteurs deMunichde participer au Salon 1910. designers français ont vu le nouveau style allemand, et a décidé de relever le défi allemand. Les designers français ont décidé de présenter de nouveaux styles français au Salon de 1912. Les règles du Salon ont indiqué que seuls les styles modernes seraient autorisés. Tous les grands créateurs de meubles français ont participé à Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare et Louis Süe ont pris part, de présenter de nouvelles œuvres qui met à jour les styles traditionnels français de Louis XVI et Louis Philippe avec plus anguleux coins inspirés par le cubisme et des couleurs plus vives inspirées par fauvisme et les Nabis.

Le peintre André Mare et designer mobilier Louis SUE ont tous deux participé au Salon 1912. Après la guerre, les deux hommes se sont réunis pour former leur propre entreprise, officiellement appelée la Compagnie des Arts Française, mais le plus souvent connu simplement comme SUE et Mare. Contrairement aux célèbres créateurs de l’art nouveau comme Louis Majorelle, qui a personnellement conçu chaque pièce, ils ont réuni une équipe d’artisans qualifiés et ont produit des dessins complets d’intérieur, y compris les meubles, la verrerie, les tapis, la céramique, le papier peint et de l’éclairage. Leur travail a comporté des couleurs vives et des bois de meubles et beaux, comme l’ébène incrustée de nacre, ormeau et métal argenté pour créer des bouquets de fleurs. Ils ont conçu tout de l’intérieur des paquebots de bouteilles de parfum pour le label de l’entreprise Jean Patou.The prospéré au début des années 1920, mais les deux hommes étaient meilleurs artisans que les hommes d’affaires. L’entreprise a été vendue en 1928, et les deux hommes sont partis.

Le concepteur de meubles les plus importants au 1925 Arts décoratifs Exposition-Jacques était Émile Ruhlmann, de Alsace. Il a d’abord exposé ses œuvres au Salon d’Automne 1913, puis avait son propre pavillon, la « Maison du Rich Collector », à l’Exposition 1925. Il n’a utilisé que des matériaux les plus rares et coûteux, y compris l’ébène, l’acajou, le palissandre, Ambon et autres bois exotiques, décorées avec des incrustations d’ivoire, écaille de tortue, nacre, petits pompons de soie décoré les poignées de tiroirs des armoires. Son mobilier était basé sur des modèles du 18e siècle, mais simplifié et remodelé. Dans tous ses travaux, la structure intérieure du mobilier a été complètement caché. Le cadre général de chêne, est complètement recouverte d’une superposition de lamelles de bois, puis recouvert d’une deuxième couche de bandes de bois rares et coûteuses. On a ensuite recouvert d’un placage et poli, de sorte que la pièce avait l’air comme si elle avait été découpée dans un seul bloc de bois. Contraste avec le bois sombre a été fourni par des incrustations d’ivoire, et des plaques de clés d’ivoire et poignées. Selon Ruhlmann, fauteuils devaient être conçus différemment selon les fonctions des chambres où elles sont apparues; fauteuils du salon ont été conçus pour être accueillant, confortable chaises de bureau, et salon chaises voluptueuse. Seul un petit nombre de pièces de chaque conception de meubles a été fait, et le prix moyen d’un de ses lits ou des armoires était supérieur au prix d’une maison moyenne. chaises de bureau confortable et salon chaises voluptueuse. Seul un petit nombre de pièces de chaque conception de meubles a été fait, et le prix moyen d’un de ses lits ou des armoires était supérieur au prix d’une maison moyenne. chaises de bureau confortable et salon chaises voluptueuse. Seul un petit nombre de pièces de chaque conception de meubles a été fait, et le prix moyen d’un de ses lits ou des armoires était supérieur au prix d’une maison moyenne.

Jules Leleu était un créateur de mobilier traditionnel qui a déménagé en douceur dans Art déco dans les années 1920; il a conçu les meubles pour la salle à manger de laElysée Palais, Et pour les cabines de première classe de la Normandie Steamship. son style se caractérise par l’utilisation d’ébène, bois de Macassar, noyer, avec une décoration de plaques d’ivoire et de nacre. Il a présenté le style de mobilier art déco laqué à la fin dans les années 1920 et dans les années 1930 des meubles introduits en métal avec des panneaux de verre fumé. En Italie, le designer Gio Ponti était célèbre pour ses dessins simplifiés. dans leÉtats Unis,

Les meubles coûteux et exotiques Ruhlmann et d’autres traditionalistes exaspérés modernistes, y compris l’architecte Le Corbusier, lui faisant écrire une célèbre série d’articles dénonçant le style des arts. Il a attaqué des meubles faits seulement pour les riches, et a demandé aux concepteurs de créer des meubles fabriqués avec des matériaux bon marché et de style moderne, les gens ordinaires pouvaient se permettre. Il a conçu ses propres chaises, créé pour être peu coûteux et produit en masse.

Dans les années 1930, des dessins de meubles adaptés à la forme, avec des surfaces lisses et des formes courbes. Les maîtres du style tardif inclus Donald Deskey a été l’un des designers les plus influents; il a créé l’intérieur duRadio Ville Music-hall. Il a utilisé un mélange de matériaux traditionnels et très modernes, y compris l’aluminium, le chrome et bakélite, une forme précoce de plastique.

Conception:
Streamline est une variété d’art déco qui a émergé au milieu des années 1930. Il a été influencé par des principes aérodynamiques modernes développés pour l’aviation et la balistique pour réduire la friction de l’air à des vitesses élevées. Les formes de balles ont été appliquées par les concepteurs de voitures, trains, navires, et les objets même pas destinés à déplacer, tels que les réfrigérateurs, les pompes à essence et les bâtiments. L’un des premiers véhicules de production dans ce style a été la Chrysler Airflow de 1933. Il était dans le commerce sans succès, mais la beauté et la fonctionnalité de sa conception un précédent; la modernité signifiait. Il a continué à être utilisé dans la conception de la voiture bien après la Seconde Guerre mondiale.

De nouveaux matériaux industriels ont commencé à influencer la conception des voitures et des objets ménagers. Ceux-ci comprenaient l’aluminium, le chrome et bakélite, une forme précoce de plastique. Bakélite pourrait être facilement moulé dans différentes formes, et bientôt a été utilisé dans des téléphones, des radios et d’autres appareils.

paquebots ont également adopté un style Art déco, connu en français comme le style Paquebot, ou « Ocean Liner Style ». L’exemple le plus célèbre était le SS Normandie, qui a fait son premier voyage transatlantique en 1935. Il a été conçu en particulier pour amener les Américains à richesParis Faire des courses. Les cabines et les salons les plus récents présentés mobilier Art déco et décoration. Le Grand Salon du navire, qui était le restaurant pour les passagers de première classe, était plus grand que la galerie des Glaces duPalais de Versailles. Il a été illuminé par des lumières électriques dans les douze piliers de cristal Lalique; trente-six piliers alignés correspondant aux murs. Ce fut l’un des premiers exemples d’éclairage étant directement intégré dans l’architecture. Le style des navires a été rapidement adapté aux bâtiments. Un exemple notable se trouve sur laSan Francisco front de mer, où le Maritime Musée bâtiment, construit comme un bain public en 1937, ressemble à un ferry-boat, garde-corps avec des navires et des coins arrondis. Le Star Ferry Terminal àHong Kong ont également utilisé une variante du style.

Bijoux:
Dans les années 1920 et 1930, les designers dont René Lalique et Cartier ont tenté de réduire la domination traditionnelle des diamants en introduisant des pierres précieuses les plus colorés, comme les petites émeraudes, rubis et saphirs. Ils ont également mis davantage l’accent sur les paramètres très élaborés et élégants, avec des matériaux moins coûteux tels que l’émail, le verre, corne et ivoire. Les diamants se sont coupés dans des formes moins traditionnelles; l’exposition 1925 a vu un grand nombre de diamants taillés sous la forme de petites tiges ou de bâtonnets. Les paramètres des diamants ont également changé; De plus en plus souvent des bijoutiers plutôt utilisés platine d’or, car il était fort et flexible, et pourrait mettre en amas de pierres. Joailliers ont également commencé à utiliser des matériaux plus sombres, comme des émaux et onyx noir, qui a fourni un contraste plus élevé avec des diamants.

Bijoux est devenu beaucoup plus coloré et varié dans le style. Cartier et la firme de diamants Boucheron combinés avec d’autres pierres précieuses colorées coupées en forme de feuilles, des fruits ou des fleurs. pour faire des broches, bagues, boucles d’oreilles, clips et pendentifs thèmes d’Extrême-Orient est également devenu populaire; plaques de jade et de corail ont été combinés avec du platine et de diamants, et mallettes, étuis à cigarettes et boîtes à poudre ont été décorés avec des paysages japonaises et chinoises faites avec de la nacre, l’émail et la laque.

L’évolution rapide des modes dans les vêtements ont apporté de nouveaux styles de bijoux. robes sans manches des années 1920 signifiait que les armes nécessaires décoration, et les concepteurs rapidement créé des bracelets d’or, d’argent et de platine incrusté de lapis-lazuli, onyx, corail et autres pierres colorées; D’autres bracelets étaient destinés aux bras, et plusieurs bracelets étaient souvent portés en même temps. Les coupes de cheveux courts des femmes dans les années vingt ont demandé des conceptions de boucle d’oreille de déco élaborés. Comme les femmes ont commencé à fumer en public, les concepteurs ont créé des étuis à cigarettes très fleuri et porte-cigarettes en ivoire. L’invention de la montre-bracelet avant la Première Guerre mondiale a inspiré les bijoutiers de créer des montres extraordinaires décorées, incrustée de diamants et plaqué avec de l’émail, l’or et l’argent. Montres pendentif, suspendu à un ruban, également devenu à la mode.

Les maisons de bijoux établis de Paris dans la période, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin et Van Cleef & Arpels tous les objets créés et bijoux dans la nouvelle mode. La firme Chaumet a fait des boîtes de cigarettes très géométriques, briquets, casemates et ordinateurs portables, en pierres dures décorées de jade, lapis, diamants et saphirs. Ils ont été rejoints par de nombreux jeunes nouveaux designers, chacun avec sa propre idée de déco. Raymond Templier conçu des pièces avec des motifs géométriques très complexes, y compris boucles d’oreilles d’argent qui ressemblaient à des gratte-ciel. Gérard Sandoz était seulement 18 ans quand il a commencé à concevoir des bijoux en 1921; il a conçu plusieurs pièces célèbres basé sur l’aspect lisse et poli de machines modernes. Le concepteur de verre René Lalique également entré sur le terrain, ce qui crée des pendentifs de fruits, des fleurs, des grenouilles, fées de Sirènes en verre sculpté dans des couleurs vives, suspendus sur des cordes de soie avec des glands. Le bijoutier Paul Brandt contraste rectangulaire et des motifs triangulaires, et des perles intégrées dans des lignes sur des plaques d’onyx. Jean Despres a fait des colliers de couleurs contrastées en réunissant l’argent et laque noire ou or avec lapis. Beaucoup de ses dessins ressemblaient à des morceaux de machines très polis. Jean Dunand a également été inspiré par des machines modernes, combiné avec les rouges vifs et noirs contrastant avec métal poli. Beaucoup de ses dessins ressemblaient à des morceaux de machines très polis. Jean Dunand a également été inspiré par des machines modernes, combiné avec les rouges vifs et noirs contrastant avec métal poli. Beaucoup de ses dessins ressemblaient à des morceaux de machines très polis. Jean Dunand a également été inspiré par des machines modernes, combiné avec les rouges vifs et noirs contrastant avec métal poli.

Verre d’art:
Comme la période Art Nouveau devant elle, Art déco, une période exceptionnelle pour le verre fin et d’autres objets de décoration, conçu pour adapter leur environnement architectural. Le producteur le plus célèbre des objets en verre était René Lalique, dont les œuvres, des vases à ornements de capot pour les automobiles, sont devenus les symboles de la période. Il avait fait des entreprises en verre avant la Seconde Guerre mondiale, la conception de bouteilles pour les parfums de François Coty, mais il n’a pas commencé sérieusement la production de verre d’art qu’après la Première Guerre mondiale en 1918, à l’âge de 58 ans, il a acheté un grand verre travaille à Combs-la-Ville et a commencé à fabriquer les objets en verre artistique et pratique. Il a traité le verre comme une forme de sculpture, et a créé des statuettes, des vases, des bols, des lampes et des ornements. Il a utilisé demi-cristal plutôt que cristal au plomb, ce qui était plus souple et plus facile à former, mais pas aussi brillant. Il utilise parfois le verre de couleur, mais le plus souvent utilisé verre opalescent, où une partie ou la totalité de la surface extérieure a été coloré avec un lavage. Lalique a fourni les panneaux décoratifs en verre, les lumières et les plafonds de verre illuminées pour les paquebots SS Ile de France en 1927 et le SS Normandie en 1935, et quelques-unes des voitures-lits de première classe des chemins de fer français. A 1925 Exposition des Arts Décoratifs, il avait son propre pavillon, conçu une salle à manger avec un règlement de table et correspondant à un plafond de verre pour le Sèvres Pavillon et conçu une fontaine en verre pour la cour du Cours des Métier, une colonne de verre mince qui jaillissait l’eau des côtés et a été éclairée la nuit. Lalique a fourni les panneaux décoratifs en verre, les lumières et les plafonds de verre illuminées pour les paquebots SS Ile de France en 1927 et le SS Normandie en 1935, et quelques-unes des voitures-lits de première classe des chemins de fer français. A 1925 Exposition des Arts Décoratifs, il avait son propre pavillon, conçu une salle à manger avec un règlement de table et correspondant à un plafond de verre pour le Sèvres Pavillon et conçu une fontaine en verre pour la cour du Cours des Métier, une colonne de verre mince qui jaillissait l’eau des côtés et a été éclairée la nuit. Lalique a fourni les panneaux décoratifs en verre, les lumières et les plafonds de verre illuminées pour les paquebots SS Ile de France en 1927 et le SS Normandie en 1935, et quelques-unes des voitures-lits de première classe des chemins de fer français. A 1925 Exposition des Arts Décoratifs, il avait son propre pavillon, conçu une salle à manger avec un règlement de table et correspondant à un plafond de verre pour le Sèvres Pavillon et conçu une fontaine en verre pour la cour du Cours des Métier, une colonne de verre mince qui jaillissait l’eau des côtés et a été éclairée la nuit.

Parmi les autres fabricants de verre Art déco inclus Marius-Ernest Sabino, spécialisé dans les figurines, vases, bols et sculptures en verre de poissons, des nus et des animaux. Pour ceux-ci il a souvent utilisé un verre opalescent qui pourrait changer du blanc au bleu à l’orange, en fonction de la lumière. Ses vases et bols moulés en vedette des animaux, des frises ou des bustes nus des femmes avec des fruits ou des fleurs. Son travail était moins subtile mais plus colorée que celle de Lalique.

Parmi les autres créateurs de verre déco inclus Edmond Etling, qui a également utilisé des couleurs opalescentes vives, souvent avec des motifs géométriques et nus sculptés; Albert Simonet, et Aristide Colotte et Maurice Marinot, qui était connu pour ses bouteilles et vases sculptés profondément gravés. La firme de Daum de la ville deNancy, Qui avait été célèbre pour son verre Art Nouveau, produit une gamme de vases déco et sculpture en verre, solides, géométriques et trapu sous forme. œuvres multicolores plus délicates ont été faites par Gabriel Argy-Rousseau, qui a produit délicatement vases colorés avec des papillons et des nymphes sculptées, et François Decorchemont, dont les vases étaient striés et marbré.

La Grande Dépression a ruiné une grande partie de l’industrie du verre décoratif, qui dépendait de clients fortunés. Certains artistes se sont tournés vers la conception de vitraux pour les églises. En 1937, la société de verre Steuben a commencé la pratique de la mise en service des artistes célèbres pour produire la verrerie. Louis Majorelle, célèbre pour ses meubles de style Art nouveau, conçu une fenêtre de verre remarquable Art déco teinté dépeignant les travailleurs en acier pour les bureaux du Aciéries de Longwy, une aciérie à Longwy, France.

art de métal:
Art déco artistes ont produit une grande variété d’objets pratiques dans le style Art Déco, en matériaux industriels du fer forgé traditionnel en acier chromé. L’artiste américain Norman Bel Geddes a conçu un ensemble de cocktail qui ressemble à un gratte-ciel en acier chromé. Raymond Subes a conçu une grille métallique élégante pour l’entrée du Palais de la Porte Dorée, la pièce maîtresse de l’Exposition coloniale de Paris 1931. Le sculpteur français Jean Dunand a produit des portes magnifiques sur le thème « La chasse », recouvert de feuilles d’or et peinture sur plâtre (1935).

influences:
Art Déco était pas un style unique, mais une collection de styles différents et parfois contradictoires. Dans l’architecture, l’Art déco a été le successeur et la réaction contre l’Art Nouveau, un style qui a fleuri dansL’Europe entre 1895 et 1900, et aussi peu à peu remplacé les Beaux-Arts et néo-classique qui prédominaient dans l’architecture européenne et américaine. En 1905, Eugène Grasset a écrit et publié Méthode de Composition Ornementale, éléments Rectilignes, dans lequel il explore systématiquement les aspects décoratifs (ornement) d’éléments géométriques, formes, motifs et leurs variations, en contraste avec (et comme départ de) l’Art ondulé Nouveau style d’Hector Guimard, si populaire à Paris quelques années plus tôt. Grasset a souligné le principe selon lequel diverses formes géométriques simples, comme des triangles et des carrés sont à la base de toutes les dispositions de composition. Les bâtiments en béton armé d’Auguste Perret et Henri Sauvage, et plus particulièrement le Théâtre des Champs-Elysées, propose une nouvelle forme de construction et de décoration qui a été copié dans le monde entier.

En décoration, de nombreux styles différents ont été empruntés et utilisés par l’Art Déco. Ils ont inclus l’art pré-moderne du monde entier et observable au Musée du Louvre, Musée de l’Homme et le Musée national des Arts d’Afrique et d’Océanie. Il y avait aussi un intérêt populaire pour l’archéologie en raison de fouillesPompéi, TroyEt la tombe de la 18e dynastie pharaon Toutankhamon. Artistes et designers intégrés motifs de l’ancienneEgypte, Mésopotamie, Grèce, Rome, L’Asie, l’Amérique centrale et Océanie avec des éléments de l’âge de la machine.

D’autres styles empruntés inclus constructivisme russe et futurisme italien, ainsi que l’orphisme, fonctionnalisme et Modernisme en général. Art déco a également utilisé les couleurs et les dessins heurtant de fauvisme, notamment dans l’œuvre d’Henri Matisse et André Derain, a inspiré les dessins de textiles art déco, le papier peint et céramique peinte. Il a fallu des idées du vocabulaire de haute couture de la période, qui présentait des dessins géométriques, chevrons, zigzags et bouquets de fleurs stylisées. Il a été influencé par les découvertes de l’égyptologie, et un intérêt croissant pour l’Orient et de l’art africain. A partir de 1925, il a souvent été inspiré par une passion pour les nouvelles machines, telles que les aérostats, les automobiles et les paquebots, et en 1930 cette influence a entraîné le style appelé Streamline Moderne.