Art Deco

Art Deco, por vezes referido como Deco, é um estilo de artes visuais, arquitetura e design que apareceu pela primeira vez na França pouco antes da Primeira Guerra Mundial I. Art Deco influenciaram a concepção de edifícios, mobiliário, jóias, moda, carros, cinemas, trens , transatlânticos, e objetos do cotidiano, como rádios e aspiradores de pó. Ele teve o seu nome, abreviação de Artes Decorativas, da Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposição Internacional de Modern Artes Decorativas e Industriais) realizada em Paris em 1925. Combinou estilos modernistas com um bom artesanato e materiais ricos. Durante seu auge, Art Deco representado luxo, glamour, exuberância e fé no progresso social e tecnológico.

Art Deco foi um pastiche de muitos estilos diferentes, por vezes contraditórias, unidos por um desejo de ser moderno. Desde o seu início, Art Deco foi influenciado pelas formas geométricas corajosas do cubismo; as cores brilhantes do fauvismo e dos Ballets Russes; o artesanato atualizada do mobiliário das eras de Louis Philippe e Louis XVI; e os estilos exóticos da China e do Japão, Índia, Pérsia, Egito antigo e Maya art. Ele apresentava materiais raros e caros, como o ébano e marfim, e artesanato requintado. oChrysler Construção e outros arranha-céus de Nova york construída durante os anos 1920 e 1930 são monumentos de estilo Art Deco.

Pintura:
Não houve seção reservada para pintura na Exposição 1925. pintura Art deco era, por definição, decorativo, projetado para decorar uma sala ou obra de arquitectura, tão poucos pintores trabalharam exclusivamente no estilo, mas dois pintores estão intimamente associados com Art Deco. Jean Dupas pintou murais Art Deco para o Bordeaux Pavilhão de Exposições 1925 Artes Decorativas deParisE também pintou o quadro em cima da lareira na Maison de la exposição Collectioneur em 1925 Exposition, que contou com mobiliário de Ruhlmann e outros designers Art Deco proeminentes. Seus murais também foram destaque na decoração do forro de oceano francês SS Normandie. Seu trabalho era puramente decorativo, projetado como um fundo ou acompanhamento de outros elementos da decoração. O outro pintor intimamente associado com o estilo é Tamara de Lempicka. Nasceu emPolônia em uma família aristocrática, ela emigrou para Paris após a Revolução Russa. Lá, ela se tornou um estudante do artista Maurice Denis do movimento chamado Les Nabis e cubista André Lhote e emprestado muitos elementos de seus estilos. Ela pintou quase exclusivamente retratos em estilo Art Deco realista, dinâmico e colorido.

Na década de 1930 uma nova forma dramática da pintura Art Deco apareceu na Estados Unidos. Durante a Grande Depressão, o projeto federal da arte do Works Progress Administration foi criado para dar trabalho aos artistas desempregados. Muitos receberam a tarefa de decorar governo edifícios, hospitais e escolas. Não houve estilo art déco específica utilizada nos murais; artistas contratados para pintar murais em edifícios do governo veio de muitas escolas diferentes, de regionalismo americano ao realismo social; eles incluíram Reginald Marsh, Rockwell Kent e o pintor mexicano Diego Rivera. Os murais foram Art Deco porque estavam todos decorativo e relacionados às atividades do edifício ou cidade onde eles foram pintadas: Reginald Marsh e Rockwell Kent ambos decorados US edifícios postais, e mostrou funcionários dos correios no trabalho, enquanto Diego Rivera representado trabalhadores da fábrica de automóveis para o Instituto de Artes de Detroit. Diego Rivera’Rockefeller Centro caracterizou um retrato não autorizada de Lenin. Quando Rivera se recusou a retirar Lenin, a pintura foi destruído e um novo mural foi pintado pelo artista espanhol Josep Maria Sert.

Escultura:
A maior parte da escultura do período Art Deco foi, como o nome sugere, puramente decorativo; ele foi projetado não para museus, mas para edifícios ornamento de escritórios, edifícios governamentais, praças públicas e salões privados. Era quase sempre representacional, geralmente de figuras heróicas ou alegóricos relacionados com a finalidade do edifício; os temas eram geralmente escolhido pelo patrono, e escultura abstrata para decoração era extremamente raro. Ele era freqüentemente ligado a fachada de edifícios, particularmente sobre a entrada.

esculturas alegóricas da dança e da música por Antoine Bourdelle eram a característica decorativa essencial dos primeiros marco da Art Deco em Paris, O Teatro dos Campos Elísios em Paris, Em 1912. O escultor Aristide Maillol reinventou o ideal clássico para a sua estátua do Rio (1939), agora no Museu do Arte Moderna dentro Nova york. Na década de 1930, toda uma equipe de escultores feitas escultura para os 1937 Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne em Chaillot. Os edifícios da exposição foram cobertos com a escultura em baixo relevo, estátuas. Alfred Janniot fez as esculturas em relevo na fachada do Palais de Tokyo. O Museu Paris Cidade de Arte Moderna, e a esplanada em frente ao Palais de Chaillot, em frente aoEiffel Torre, Estava cheia de novo estatuária por Charles Malfray, Henry Arnold, e muitos outros.

No Estados Unidos, Muitos escultores europeus treinados na École des Beaux Arts, em Paris, Veio para o trabalho; eles incluíram Gutzon Borglum, escultor do Monte Rushmore Lincoln Memorial. Outros escultores americanos, incluindo Harriet Whitney Frishmuth, havia estudado com Auguste Rodin emParis. O crash da bolsa 1929 destruiu grande parte do mercado de escultura monumental, mas um grande projeto permaneceu; o novoRockefeller Centro. Os escultores americanos Lee Lawrie e Paul Manship projetado figuras alegóricas heróicos fachada e praça. DentroSão Francisco, Ralph Stackpole fornecido escultura para a fachada do novo edifício San Francisco Stock Exchange.

Um dos mais conhecidos e certamente a maior escultura Art Deco é o Cristo Redentor pelo escultor francês Paul Landowski, concluída entre 1922 e 1931, localizado no topo de uma montanha com vista Rio de Janeiro, Brasil. François Pompon foi um pioneiro da escultura animalier estilizado moderna. Ele não foi totalmente reconhecido por suas realizações artísticas até aos 67 anos no Salon d’Automne de 1922, com o blanc nosso trabalho, também conhecido como The White Bear, agora no Musée d’Orsay em Paris.

Muitas esculturas primeiros Art Deco eram pequenos, projetado para decorar salões. Um gênero de esta escultura foi chamado a estatueta criselefantina, nomeado para um estilo de antigas estátuas gregas do templo de ouro e marfim. Um dos mais conhecidos escultores salão Art Deco foi o romeno nascido Demetre Chiparus, que produziu pequenas esculturas coloridas de dançarinos. Outros escultores salão notáveis ​​incluíram Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol e Gustav Schmidtcassel.

Paralelamente a estes escultores mais neoclássica, mais avant-garde e escultores abstratos operavam em Paris e Nova york. O mais proeminente foram Constantin Brancusi Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff, e Pablo Gargallo.

Artes gráficas:
O estilo Art Deco apareceu cedo nas artes gráficas, nos anos pouco antes da Primeira Guerra Mundial I. Ela apareceu em Parisnos cartazes e os figurinos de Leon Bakst para os Ballets Russes, e nos catálogos dos estilistas Paul Poiret. As ilustrações de Georges Barbier, e Georges Lepape e as imagens da revista de moda La Gazette du bon ton capturou perfeitamente a elegância e sensualidade do estilo. Na década de 1920, a aparência mudou; as modas estressadas eram mais casual, esportivo e arrojado, com os modelos mulher geralmente fumar cigarros. revistas de moda americanos, como Vogue, Vanity Fair e Bazaar da Harper rapidamente pegou o novo estilo e popularizou-lo naEstados Unidos. Também influenciou o trabalho de ilustradores de livros americanos, como RockwellKent. DentroAlemanha, O mais famoso artista de cartaz do período foi Ludwig Hohlwein, que criou cartazes coloridos e dramáticos para festivais de música, cervejas, e, no final de sua carreira, para o Partido Nazista.

Durante o período Art Nouveau, cartazes geralmente anunciados produtos teatrais ou cabarés. Na década de 1920, cartazes do curso, feitas para as linhas de navios a vapor e companhias aéreas, tornou-se extremamente popular. O estilo mudou notavelmente nos anos 1920, para concentrar a atenção sobre o produto que está sendo anunciado. As imagens se tornaram mais simples, preciso, mais linear, mais dinâmico, e muitas vezes foram colocadas contra um único fundo de cor. DentroFrançapopulares desenhadores Art Deco incluído, Charles Loupot e Paul Colin, que se tornou famosa por seus cartazes de cantor e dançarino americano Josephine Baker. Jean Carlu projetado cartazes para filmes de Charlie Chaplin, sabonetes e teatros; no final de 1930, ele emigrou para osEstados Unidos, Onde, durante a Primeira Guerra Mundial, ele desenhou cartazes para incentivar a produção de guerra. O designer Charles Gesmar tornou famosos fazer cartazes para o cantor Mistinguett e para a AirFrança. Entre os mais conhecidos designers franceses cartaz Art Deco foi Cassandre, que fez o cartaz famoso do transatlântico SS Normandie em 1935.

Na década de 1930 um novo gênero de cartazes apareceram no Estados Unidosdurante a Grande Depressão. O Projeto de Arte Federal contratou artistas americanos para criar cartazes para promover o turismo e eventos culturais.

Arquitetura:
O estilo arquitectónico do art deco fez sua estréia em Paris em 1903-1904, com a construção de dois edifícios de apartamentos em Paris, Um por Auguste Perret, na rue Trétaigne eo outro na rue Benjamin Franklin por Henri Sauvage. Os dois jovens arquitetos usados ​​concreto reforçado pela primeira vez emParisprédios residenciais; os novos edifícios tinha linhas limpas, formas retangulares, e nenhuma decoração nas fachadas; que marcou uma ruptura com o estilo art nouveau. Entre 1910 e 1913, Perret usou sua experiência em edifícios de apartamentos de concreto para construir o Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Entre 1925 e 1928 ele construiu a nova fachada art deco da loja de departamentos La Samaritaine emParis.

Após a Primeira Guerra Mundial, edifícios Art Deco de aço e concreto armado começou a aparecer em grandes cidades da Europa e da Estados Unidos. NoEstados Unidoso estilo foi mais comumente utilizado para edifícios de escritórios, edifícios governamentais, cinemas e estações ferroviárias. Às vezes foi combinado com outros estilos;Los Angeles Prefeitura combinado Art Deco com um telhado com base no Mausoléu grego antigo em Halicarnasso, enquanto o Los Angelesestação ferroviária combinado Deco, com uma arquitectura missão espanhola. elementos Art Deco também apareceu em projetos de engenharia, incluindo as torres daportão Dourado Ponte e as torres de ingestão de Hoover Dam. Em 1920 e 1930, tornou-se um estilo verdadeiramente internacional, com exemplos incluindo o Palacio de Bellas Artes (Palácio do Belas-Artes) dentro Cidade do México por Federico Mariscal (es), a Estação de Metro Mayakovskaya em Moscou e a Nacional Dieta Construção dentro Tóquio por Watanabe Fukuzo.

O estilo Art Deco não se limitou a edifícios em terra; o transatlântico SS Normandie, cuja primeira viagem foi em 1935, contou com design Art Deco, incluindo uma sala de jantar, cujo teto e decoração eram feitas de vidro de Lalique.

palácios de cinema:
Muitos dos melhores exemplos sobreviventes de Art Deco são cinemas construídos nos anos 1920 e 1930. O período Art Deco coincidiu com a conversão de filmes mudos ao som, e empresas de cinema construído enormes cinemas em grandes cidades para capturar o enorme público que veio para ver filmes. palácios de cinema na década de 1920, muitas vezes combinados temas exóticos com estilo art deco; Egyptian Theatre de Grauman emHollywood (1922) foi inspirado por antigos túmulos e pirâmides egípcias, enquanto o Teatro Fox em Bakersfield, Califórniaanexado uma torre em estilo missão Califórnia para um hall de Art Deco. O maior de todos éRádio Cidade Salão de música dentro Cidade de Nova York, Que abriu em 1932. Originalmente concebido como um teatro palco, rapidamente transformado em uma sala de cinema, o que poderia acomodar 6.015 pessoas O design interior por Donald Deskey usados ​​vidro, alumínio, cromo e couro para criar uma fuga colorido da realidade A Paramount teatro em Oakland, Califórnia, por Timothy Pflueger, tinha uma fachada de cerâmica colorida um hall de entrada quatro andares, e separada Art Deco quartos para senhores e senhoras fumar. Similar grandes palácios apareceu emEuropa. O Grand Rex emParis (1932), com sua torre imponente, era a maior sala de cinema em Europa. O Cinema Gaumont State emLondres (1937) tinha uma torre modelado após o Império Estadoedifício, coberto com telhas de cerâmica de cor creme e um interior em estilo Art Deco-renascentista italiano. O Teatro Paramount emXangai, China(1933) foi construído como um salão de baile chamado O portão de 100 prazeres; que foi convertido em uma sala de cinema depois da revolução comunista em 1949, e agora é um salão de baile e uma discoteca. Na década de 1930 arquitetos italianos construiu um pequeno palácio do filme, o cinema Impero, emAsmara no que é hoje Eritrea. Hoje, muitos dos cinemas foram subdivididos em multiplexes, mas outros foram restaurados e são utilizados como centros culturais em suas comunidades.

Streamline Moderne:
No final de 1930, uma nova variedade de arquitetura Art Deco tornou-se comum; ele foi chamado Streamline Moderne ou simplesmente Streamline, ou, na França, o Paqueboat estilo, ou estilo do forro de oceano. Edifícios no estilo foram tinha cantos arredondados, linhas horizontais longas; elas foram construídas em betão armado, e foram quase sempre branco; e às vezes tinha características náuticas, tais como grades que pareciam aqueles em um navio. O canto arredondado não era inteiramente novo; que havia aparecido emBerlim em 1923 nos Mossehaus por Erich Mendelsohn, e mais tarde no aspirador Construção, Um complexo industrial no Londres subúrbio de Perivale. Nos Estados Unidos, tornou-se mais estreitamente associados com o transporte; Streamline Moderne era raro em edifícios de escritórios, mas foi muitas vezes utilizado para estações de ônibus e terminais do aeroporto, como terminal no aeroporto La Guardia, em Nova York, que lidou com os primeiros vôos transatlânticos, através do clipper PanAm barcos voando; e na arquitetura de beira de estrada, tais como postos de gasolina e lanchonetes. No final de 1930 uma série de jantares, modelado após vagões simplificada, foram produzidos e instalados em cidades emNova Inglaterra; pelo menos dois exemplos ainda permanecem e agora estão registradas edifícios históricos.

Decoração e motivos:
Decoração no período Art Deco passou por várias fases distintas. Entre 1910 e 1920, como Art Nouveau estava exausto, estilos de design viu um retorno à tradição, particularmente na obra de Paul Iribe. Em 1912, André Vera publicou um ensaio na revista L’Art décoratif chamando para um retorno ao artesanato e materiais de séculos anteriores, e usando um novo repertório de formas retiradas da natureza, particularmente cestas e guirlandas de frutas e flores. A segunda tendência de Art Deco, também de 1910 a 1920, foi inspirado pelas cores brilhantes do movimento artístico conhecido como o Fauves e pelos trajes coloridos e conjuntos de Ballets Russes. Este modelo foi muitas vezes expressa com materiais exóticos tais como pele de tubarão, madrepérola, marfim, couro matizado, lacado e madeira pintados, e inlays decorativos em mobiliário que enfatizou sua geometria. Este período do estilo atingiu o seuponto alto em 1925 Paris Exposição de Artes Decorativas. No final dos anos 1920 e os anos 1930, o estilo decorativo mudou, inspirado por novos materiais e tecnologias. Tornou-se mais elegante e menos ornamental. Móveis, como arquitetura, começou a ter bordas arredondadas e assumir uma aparência polida e aerodinâmico, tirada do estilo Streamline Moderne. Novos materiais, tais como cromado aço, alumínio e baquelite, uma forma primitiva de plástico, começaram a aparecer em mobiliário e decoração.

Ao longo do período Art Deco, e particularmente na década de 1930, os motivos da decoração expressa a função do edifício. Teatros foram decorados com escultura que ilustrou música, dança, e excitação; empresas de energia mostrou nascer do sol, o edifício Chrysler mostrou ornamentos de capuz estilizados; Os frisos de Palais de la Porte Dorée na exposição de Paris 1931 Colonial mostrou os rostos de diferentes nacionalidades dos colônias francesas. O estilo Streamline fez com que pareça que o próprio edifício estava em movimento. Os murais de WPA da década de 1930 caracterizou pessoas comuns; operários, trabalhadores dos correios, famílias e agricultores, no lugar de heróis clássicos.

Mobília:
mobiliário francês de 1910 até o início dos anos 1920 foi em grande parte uma actualização dos estilos de móveis tradicionais franceses, e os desenhos art nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet e de outros fabricantes. fabricantes de móveis franceses se sentiram ameaçados pela crescente popularidade dos fabricantes alemães e estilos, especialmente o estilo Biedermeier, que era simples e limpo-alinhado. O designer francês Frantz Jourdain, o presidente do Paris Salon d’Automne, convidou os designers deMuniquepara participar do 1910 Salon. designers franceses viu o novo estilo alemão, e decidiu enfrentar o desafio alemão. Os designers franceses decidiu apresentar novos estilos franceses no Salão de 1912. As regras do Salon indicaram que apenas estilos modernos seria permitido. Todos os principais designers de móveis franceses participaram Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare e Louis SUE participou, apresentando novas obras que atualizados os estilos franceses tradicionais de Louis XVI e Louis Philippe, com mais angular cantos inspirados pelo cubismo e cores mais vivas inspiradas pelo fauvismo e os Nabis.

O pintor André Mare e mobiliário de designer Louis Sue ambos participaram 1912 Salon. Após a Guerra, os dois homens se uniram para formar a sua própria empresa, formalmente chamado de Compagnie des Arts Française, mas geralmente conhecido simplesmente como Sue e Mare. Ao contrário dos designers de art nouveau de destaque, como Louis Majorelle, que desenhou pessoalmente cada peça, que montou uma equipe de artesãos e produziu projetos de interiores completos, incluindo mobiliário, artigos de vidro, tapetes, cerâmica, papel de parede e iluminação. O trabalho contou com cores vivas e móveis e finas madeiras, tais ébano incrustado com madrepérola, abalone e do metal prateado para criar bouquets de flores. Eles projetaram tudo, desde o interior de transatlânticos para frascos de perfume para o rótulo da empresa de Jean Patou.The prosperou no início de 1920, mas os dois homens eram melhores artesãos do que homens de negócios. A empresa foi vendida em 1928, e os dois homens deixaram.

O designer de móveis mais proeminente na exposição de 1925 Artes Decorativas foi Émile-Jacques Ruhlmann, a partir de Alsácia. Ele primeiro expôs seus trabalhos em 1913 Salão de Outono, em seguida, teve seu próprio pavilhão, o “House of the Rich Collector”, na Exposição de 1925. Ele usou apenas mais materiais raros e caros, incluindo ébano, mogno, pau-rosa, Ambon e outras madeiras exóticas, decorado com incrustações de marfim, carapaça de tartaruga, madrepérola, pouco pompons de seda decoradas as alças de gavetas dos armários. Seu mobiliário foi baseada em modelos do século 18, mas simplificado e reformulado. Em todo o seu trabalho, a estrutura interior do mobiliário foi completamente escondido. O quadro geralmente de carvalho, foi completamente coberto com uma cobertura de finas tiras de madeira, em seguida, coberta por uma segunda camada de tiras de madeiras raras e dispendiosas. Este foi então coberto com um verniz e polido, de modo que a peça parecia como se tivesse sido cortado de um único bloco de madeira. Contraste com a madeira escura foi fornecida por incrustações de marfim, e placas principais marfim e alças. De acordo com Ruhlmann, poltronas tinham de ser concebidos de forma diferente de acordo com as funções dos quartos onde eles apareceram; poltronas da sala foram projetados para ser acolhedor, escritório, cadeiras confortáveis, e salão preside voluptuoso. Apenas um pequeno número de peças de cada projeto de mobiliário foi feito, e o preço médio de uma de suas camas ou armários foi maior do que o preço de uma casa média. escritório cadeiras confortáveis, e salão preside voluptuoso. Apenas um pequeno número de peças de cada projeto de mobiliário foi feito, e o preço médio de uma de suas camas ou armários foi maior do que o preço de uma casa média. escritório cadeiras confortáveis, e salão preside voluptuoso. Apenas um pequeno número de peças de cada projeto de mobiliário foi feito, e o preço médio de uma de suas camas ou armários foi maior do que o preço de uma casa média.

Jules Leleu era um designer de mobiliário tradicional que se mudou suavemente em Art Deco na década de 1920; ele desenhou o mobiliário para a sala de jantar doElysee PalácioE, para as cabines de primeira classe do navio a vapor Normandie. seu estilo foi caracterizado pela utilização de Ebony, madeira Macassar, noz, com decoração de placas de marfim e madrepérola. Ele introduziu o estilo de arte móveis lacados deco no final no final de 1920, e no final de 1930 móveis introduziu feita de metal com painéis de vidro fumado. Na Itália, o designer Gio Ponti era famoso por seus projetos simplificados. NoEstados Unidos,

O mobiliário caro e exótico Ruhlmann e outros tradicionalistas enfureceu modernistas, incluindo o arquiteto Le Corbusier, levando-o a escrever uma famosa série de artigos denunciando estilo das artes décoratif. Ele atacou móveis feitos apenas para os ricos, e invocou os designers para criar móveis feitos com materiais baratos e estilo moderno, que as pessoas comuns podiam pagar. Ele projetou seus próprios cadeiras, criado para ser barato e produzidos em massa.

Na década de 1930, mobiliário desenhos adaptada à forma, com superfícies mais lisas e formas curvas. Os mestres da tarde estilo incluído Donald Deskey foi um dos designers mais influentes; ele criou o interior doRádio Cidade Salão de música. Ele utilizado uma mistura de materiais tradicionais e muito modernas, incluindo alumínio, crómio, e baquelite, uma primeira forma de plástico.

Desenhar:
Streamline foi uma variedade de Art Deco que surgiu em meados dos anos 1930. Ele foi influenciado por princípios aerodinâmicos modernos desenvolvidos para aviação e balística para reduzir o atrito do ar em altas velocidades. As formas de bala foram aplicados por designers para carros, trens, navios e até mesmo objetos não pretende mover, tais como refrigeradores, bombas de gasolina, e edifícios. Um dos primeiros veículos de produção neste estilo foi o Chrysler Airflow de 1933. Foi um fracasso comercial, mas a beleza e funcionalidade ao seu design um precedente; modernidade significava. Ele continuou a ser usado no projeto do carro bem depois da Segunda Guerra Mundial.

Novos materiais industriais começaram a influenciar o desenho de carros e objetos domésticos. Estes incluíram alumínio, crómio, e baquelite, uma primeira forma de plástico. Bakelite poderia ser facilmente moldado em diferentes formas, e logo foi usado em telefones, rádios e outros aparelhos.

transatlânticos também adotou um estilo de Art Deco, conhecido em francês como o Paquebot Style, ou “Liner Style Ocean”. O exemplo mais famoso foi o SS Normandie, que fez sua primeira viagem transatlântica em 1935. Ele foi projetado especialmente para trazer os americanos ricos paraParis comprar. As cabines e salões caracterizou as últimas mobiliário Art Deco e decoração. O Grande Salão do navio, que foi o restaurante para passageiros de primeira classe, era maior do que o Salão dos Espelhos doPalácio do Versailles. Ele foi iluminado por luzes elétricas no prazo de doze pilares de Lalique cristal; trinta e seis colunas correspondentes cobriam as paredes. Este foi um dos primeiros exemplos de iluminação a ser diretamente integrado em arquitetura. O estilo de navios logo foi adaptado para edifícios. Um exemplo notável é encontrado noSão Francisco orla, onde o marítimo Museu edifício, construído como um banho público em 1937, se assemelha a uma balsa, com grades de navios e cantos arredondados. O Terminal Star Ferry emHong Kong também usada uma variação do modelo.

Joalheria:
Em 1920 e 1930, designers, incluindo René Lalique e Cartier tentou reduzir a dominância tradicional dos diamantes através da introdução de pedras mais coloridas, tais como pequenas esmeraldas, rubis e safiras. Eles também colocou maior ênfase em configurações muito elaborados e elegantes, com materiais menos caros, como esmalte, vidro, chifre e marfim. Diamonds si mesmos foram cortados em formas menos tradicionais; Exposição 1925 viu um grande número de diamantes lapidados na forma de pequenas varetas ou palitos de fósforo. As configurações de diamantes também mudou; Mais e mais frequentemente joalheiros usado platina em vez de ouro, já que era forte e flexível, e pode definir grupos de pedras. Joalheiros também começaram a utilizar materiais de mais escuras, tais como esmaltes e Onyx preto, o que proporcionou um maior contraste com diamantes.

Jóias tornou-se muito mais colorida e variada em grande estilo. Cartier e a empresa de Boucheron combinado diamantes com coloridos outras pedras preciosas cortadas em forma de folhas, frutas ou flores. para fazer broches, anéis, brincos, clips e pingentes Extremo temas orientais também se tornou popular; placas de jade e coral foram combinados com platina e diamantes, e casos vaidade, casos de cigarros e caixas de pó foram decorados com paisagens japoneses e chineses feitas com madrepérola, esmalte e laca.

Que mudam rapidamente modas em roupas trouxe novos estilos de jóias. Vestidos sem mangas da década de 1920 fez com que os braços necessário decoração, e os designers rapidamente criado pulseiras de ouro, prata e platina incrustada com lápis-lazúli, ônix, coral, e outras pedras coloridas; Outros pulseiras foram destinados para os braços, e várias pulseiras foram muitas vezes usado ao mesmo tempo. Os curtos cortes de cabelo de mulheres nos anos vinte chamadas para projetos elaborados deco brinco. Como as mulheres começaram a fumar em público, designers criaram cigarreiras muito ornamentado e detentores de marfim de cigarro. A invenção do relógio de pulso antes da Primeira Guerra Mundial inspirada joalheiros para criar relógios extraordinárias decorados, incrustado com diamantes e revestida com esmalte, ouro e prata. relógios de pingente, pendurado em uma fita, também tornou-se moda.

As casas de jóias estabelecidos de Paris no período, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, e Van Cleef & Arpels todos criados jóia e objetos na nova moda. A empresa de Chaumet fez caixas altamente geométricas de cigarros, isqueiros, casamatas e notebooks, feitas de pedras duras decorados com jade, o lápis-lazúli, diamantes e safiras. Eles se juntaram a muitos novos designers jovens, cada um com sua própria idéia de deco. Raymond Templier peças com padrões geométricos altamente complexas, incluindo brincos de prata que pareciam arranha-céus projetados. Gerard Sandoz tinha apenas 18 anos quando ele começou a desenhar jóias em 1921; ele projetou muitas peças célebres baseada na aparência lisa e polida de máquinas modernas. O designer de vidro René Lalique também entrou no campo, criando pingentes de frutas, flores, sapos, fadas de sereias de vidro esculpido em cores brilhantes, pendurado em cordas de seda com franjas. O joalheiro Paul Brandt contrastou retangular e padrões triangulares, e pérolas embutidas em linhas em placas de ônix. Jean Despres fez colares de cores contrastantes, reunindo prata e laca preta ou ouro com lápis-lazúli. Muitos de seus desenhos pareciam peças altamente polidas de máquinas. Jean Dunand também foi inspirado por máquinas modernas, combinadas com vermelhos brilhantes e negros contrastando com metal polido. Muitos de seus desenhos pareciam peças altamente polidas de máquinas. Jean Dunand também foi inspirado por máquinas modernas, combinadas com vermelhos brilhantes e negros contrastando com metal polido. Muitos de seus desenhos pareciam peças altamente polidas de máquinas. Jean Dunand também foi inspirado por máquinas modernas, combinadas com vermelhos brilhantes e negros contrastando com metal polido.

arte em vidro:
Como o período Art Nouveau, antes disso, Art Deco foi um período excepcional para o vidro fino e outros objectos decorativos, projetado para caber seus arredores de arquitectura. O produtor mais famoso dos objetos de vidro foi René Lalique, cujas obras, a partir de vasos para ornamentos de capô para automóveis, tornaram-se símbolos do período. Ele tinha feito empreendimentos em vidro antes da Primeira Guerra Mundial, projetando garrafas para os perfumes de François Coty, mas ele não iniciar a produção grave de vidro da arte até depois da Primeira Guerra Mundial I. Em 1918, com a idade de 58, ele comprou um grande copo trabalha em Combs-la-Ville e começou a fabricar ambos os objetos de vidro artísticos e práticos. Ele tratou de vidro como uma forma de escultura, e criou estatuetas, vasos, tigelas, lâmpadas e enfeites. Ele usou demi-cristal em vez de cristal de chumbo, o que era mais suave e mais fácil de formar, embora não tão brilhante. Ele por vezes utilizado vidro colorido, mas mais frequentemente utilizado vidro opalescente, em que parte ou a totalidade da superfície exterior foi corada com uma lavagem. Lalique desde que os painéis decorativos em vidro, luzes e tetos de vidro iluminadas para os transatlânticos SS Ile de France em 1927 e a SS Normandie em 1935, e para alguns dos carros de primeira classe de sono das ferrovias francesas. Ao 1925 Exposição de Artes Decorativas, ele teve seu próprio pavilhão, projetada uma sala de jantar com um acerto mesa e teto de vidro de harmonização para a Sèvres Pavilion, e projetou uma fonte de vidro para o pátio do Cours des Métier, uma coluna de vidro delgado que jorro de água a partir dos lados e foi iluminada à noite. Lalique desde que os painéis decorativos em vidro, luzes e tetos de vidro iluminadas para os transatlânticos SS Ile de France em 1927 e a SS Normandie em 1935, e para alguns dos carros de primeira classe de sono das ferrovias francesas. Ao 1925 Exposição de Artes Decorativas, ele teve seu próprio pavilhão, projetada uma sala de jantar com um acerto mesa e teto de vidro de harmonização para a Sèvres Pavilion, e projetou uma fonte de vidro para o pátio do Cours des Métier, uma coluna de vidro delgado que jorro de água a partir dos lados e foi iluminada à noite. Lalique desde que os painéis decorativos em vidro, luzes e tetos de vidro iluminadas para os transatlânticos SS Ile de France em 1927 e a SS Normandie em 1935, e para alguns dos carros de primeira classe de sono das ferrovias francesas. Ao 1925 Exposição de Artes Decorativas, ele teve seu próprio pavilhão, projetada uma sala de jantar com um acerto mesa e teto de vidro de harmonização para a Sèvres Pavilion, e projetou uma fonte de vidro para o pátio do Cours des Métier, uma coluna de vidro delgado que jorro de água a partir dos lados e foi iluminada à noite.

Outros fabricantes notáveis ​​vidro Art Deco incluído Marius-Ernest Sabino, que se especializou em estatuetas, vasos, tigelas e esculturas de vidro de peixes, nus, e animais. Para estes muitas vezes ele usou um vidro opalescente que poderia mudar de branco para azul para amarelo, dependendo da luz. Seus vasos e tigelas caracterizou frisos de animais, nus ou bustos de mulheres com frutas ou flores moldado. Seu trabalho foi menos sutil, mas mais colorido do que a de Lalique.

Outros designers de vidro notável Deco incluído Edmond Etling, que também usou cores opalescentes brilhantes, muitas vezes com padrões geométricos e nus esculpidos; Albert Simonet, e Aristide Colotte e Maurice Marinot, que era conhecido por suas garrafas esculturais profundamente gravadas e vasos. A empresa de Daum da cidade deNancy, Que tinha sido famosa por seu vidro Art Nouveau, produziu uma linha de vasos de Deco e escultura de vidro, sólidas, geométricas e robusto em forma. Mais delicadas obras multicoloridas foram feitas por Gabriel Argy-Rousseau, que produziu delicada colorido vasos com borboletas e ninfas esculpidas, e François Decorchemont, cujos vasos estavam manchadas e mármore.

A Grande Depressão arruinou uma grande parte da indústria de vidro decorativo, que dependia de clientes ricos. Alguns artistas se voltaram para projetar vitrais para igrejas. Em 1937, a empresa de vidro Steuben começou a prática de comissionamento artistas famosos para produzir copos. Louis Majorelle, famosa por seus móveis Art Nouveau, projetada uma notável vitral Art Deco retratando trabalhadores de aço para os escritórios da Aciéries de Longwy, uma usina siderúrgica em Longwy, França.

arte Metal:
artistas Art Deco produziu uma grande variedade de objetos práticos em estilo Art Deco, feitos de materiais industriais em ferro forjado tradicional para aço cromado. O artista norte-americano Norman Bel Geddes concebido um conjunto cocktail semelhante a um arranha-céu feito de aço cromado. Raymond Subes projetou uma grade de metal elegante para a entrada do Palais de la Porte Dorée, a peça central da exposição de Paris 1931 Colonial. O escultor francês Jean Dunand produzido portas magníficas sobre o tema “The Hunt”, coberto com folhas de ouro e pintura em gesso (1935).

influências:
Art Deco não era um estilo único, mas uma coleção de estilos diferentes e por vezes contraditórias. Na arquitetura, Art Deco foi o sucessor e reação contra Art Nouveau, um estilo que floresceu naEuropaentre 1895 e 1900, e também substituiu gradualmente o Beaux-Arts e neoclássico que foram predominantes na arquitectura europeia e norte-americanos. Em 1905, Eugène Grasset escreveu e publicou Méthode de Composição ornementale, elementos Rectilignes, no qual ele sistematicamente explorou os aspectos decorativos (ornamentais) de elementos geométricos, formas, motivos e suas variações, em contraste com (e como um afastamento) do Art ondulante estilo do nouveau de Hector Guimard, tão popular em Paris, alguns anos antes. Grasset sublinhou o princípio de que várias formas geométricas simples, como triângulos e quadrados são a base de todas as modalidades de composição. Os edifícios de betão armado de Auguste Perret e Henri Sauvage, e particularmente o Theatre des Champs-Elysees, ofereceu uma nova forma de construção e decoração que foi copiado em todo o mundo.

Na decoração, muitos estilos diferentes foram emprestados e utilizados por Art Deco. Eles incluíram arte pré-moderna de todo o mundo e observável no Musée du Louvre, Musée de l’Homme e do Musée National des Arts d’Afrique et d’Oceanie. Houve também interesse popular em arqueologia devido a escavações emPompéia, Troy, Eo túmulo da 18a dinastia faraó Tutankhamon. Artistas e designers integrados motivos do antigoEgito, Mesopotâmia, Grécia, Roma, Ásia, Mesoamérica e Oceânia com elementos da máquina Idade.

Outros estilos emprestados incluído construtivismo russo e futurismo italiano, bem como Orfismo, Funcionalismo, e modernismo em geral. Art Deco também usou as cores berrantes e desenhos de Fauvismo, nomeadamente na obra de Henri Matisse e André Derain, inspirado os desenhos de têxteis art deco, papel de parede e cerâmica pintada. Levou ideias do vocabulário de moda de alta do período, que contou com geométricos projeta, vigas, ziguezagues, e buquês estilizadas de flores. Foi influenciado pelas descobertas em Egiptologia e um interesse crescente no Oriente e na arte Africano. De 1925 em diante, foi muitas vezes inspirados por uma paixão por novas máquinas, tais como aeronaves, automóveis e transatlânticos, e em 1930 essa influência resultou no estilo chamado moderne aerodinâmica.