Las artes visuales son formas de arte tales como cerámica, dibujo, pintura, escultura, grabado, diseño, artesanía, fotografía, video, cine y arquitectura. Muchas disciplinas artísticas (artes escénicas, arte conceptual, artes textiles) involucran aspectos de las artes visuales así como artes de otros tipos. También se incluyen dentro de las artes visuales las artes aplicadas, tales como diseño industrial, diseño gráfico, diseño de moda, diseño de interiores y arte decorativo.

El uso actual del término «artes visuales» incluye las bellas artes y las artes y oficios decorativos aplicados, pero este no fue siempre el caso. Antes del movimiento de Artes y oficios en Gran Bretaña y en otras partes a finales del siglo XX, el término «artista» a menudo se limitaba a una persona que trabaja en las bellas artes (como pintura, escultura o grabado) y no a la artesanía. , o medios de arte aplicado. La distinción fue enfatizada por los artistas del Movimiento de Artes y Oficios, quienes valoraron tanto las formas de arte vernáculo como las formas altas. Las escuelas de arte hicieron una distinción entre las bellas artes y las artesanías, sosteniendo que un artesano no podía ser considerado un practicante de las artes.

Una «obra de arte visual» es una pintura, dibujo, impresión o escultura, que existe en una sola copia. Una obra de arte visual no incluye ningún póster, mapa, globo, gráfico, dibujo técnico, diagrama, modelo, arte aplicado, película u otro trabajo audiovisual, libro, revista, periódico, periódico, base de datos, servicio de información electrónico, electrónico publicación, o publicación similar; no incluir ningún artículo de merchandising o material publicitario, promocional, descriptivo, de cobertura o de embalaje o contenedor;

La creciente tendencia a privilegiar la pintura, y en menor medida la escultura, por encima de otras artes ha sido una característica del arte occidental, así como del arte del este de Asia. En ambas regiones, la pintura se considera dependiente en el más alto grado de la imaginación del artista y la más alejada del trabajo manual: en la pintura china, los estilos más valorados eran los de «pintura erudita», al menos en teoría. por caballeros aficionados. La jerarquía occidental de géneros reflejaba actitudes similares.

Educación y entrenamiento:
La capacitación en artes visuales generalmente se ha realizado a través de variaciones de los sistemas de aprendices y talleres. En Europa, el movimiento renacentista para aumentar el prestigio del artista llevó al sistema de la academia para la formación de artistas, y hoy en día la mayoría de las personas que siguen una carrera en artes se forman en escuelas de arte en niveles terciarios. Las artes visuales ahora se han convertido en asignaturas optativas en la mayoría de los sistemas educativos. (Ver también educación artística.)

Dibujo:
El dibujo es un medio de hacer una imagen, utilizando cualquiera de una amplia variedad de herramientas y técnicas. Por lo general, implica hacer marcas en una superficie aplicando presión desde una herramienta o moviendo una herramienta sobre una superficie utilizando medios secos como lápices de grafito, pluma y tinta, pinceles entintados, lápices de cera, crayones, carboncillos, pasteles y marcadores. También se usan herramientas digitales que simulan los efectos de estos. Las principales técnicas utilizadas en el dibujo son: dibujo de líneas, sombreado, sombreado cruzado, sombreado aleatorio, garabatos, punteado y fusión. Un artista que se destaca en el dibujo se conoce como dibujante o dibujante.

El dibujo se remonta al menos a 16,000 años a las representaciones paleolíticas en cuevas de animales como los de Lascaux en Francia y Altamira en España. En el antiguo Egipto, se usaron dibujos a tinta sobre papiro, a menudo representando personas, como modelos para la pintura o la escultura. Dibujos en jarrones griegos, inicialmente geométricos, desarrollados más tarde a la forma humana con cerámica de figuras negras durante el siglo VII a.

Con el papel cada vez más común en Europa en el siglo XV, el dibujo fue adoptado por maestros como Sandro Botticelli, Rafael, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, que a veces trataban el dibujo como un arte por derecho propio en lugar de una etapa preparatoria para la pintura o la escultura.

Pintura:
La pintura tomada literalmente es la práctica de aplicar pigmento suspendido en un soporte (o medio) y un agente aglutinante (un pegamento) a una superficie (soporte) como papel, lienzo o una pared. Sin embargo, cuando se usa en un sentido artístico, significa el uso de esta actividad en combinación con el dibujo, la composición u otras consideraciones estéticas para manifestar la intención expresiva y conceptual del practicante. La pintura también se usa para expresar motivos e ideas espirituales; los sitios de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan figuras mitológicas sobre cerámica hasta La Capilla Sixtina y el cuerpo humano en sí.

Orígenes e historia temprana:
Al igual que el dibujo, la pintura tiene sus orígenes documentados en las cuevas y en las paredes rocosas. Los mejores ejemplos, que según creen algunos tienen 32,000 años, se encuentran en las cuevas de Chauvet y Lascaux en el sur de Francia. En tonos de rojo, marrón, amarillo y negro, las pinturas en las paredes y techos son de bisontes, ganado, caballos y ciervos.

Pinturas de figuras humanas se pueden encontrar en las tumbas del antiguo Egipto. En el gran templo de Ramsés II, se representa a Nefertari, su reina, conducida por Isis. Los griegos contribuyeron a la pintura, pero gran parte de su trabajo se ha perdido. Una de las mejores representaciones restantes son los retratos helenísticos de la momia Fayum. Otro ejemplo es el mosaico de la Batalla de Issus en Pompeya, que probablemente se basó en una pintura griega. El arte griego y romano contribuyeron al arte bizantino en el siglo IV aC, lo que inició una tradición en la pintura de iconos.

El Renacimiento:
Además de los manuscritos iluminados producidos por los monjes durante la Edad Media, la siguiente contribución significativa al arte europeo fue de los pintores renacentistas de Italia. Desde Giotto en el siglo XIII hasta Leonardo da Vinci y Rafael a principios del siglo XVI, este fue el período más rico en el arte italiano, ya que las técnicas de claroscuro se utilizaron para crear la ilusión del espacio tridimensional.

Los pintores en el norte de Europa también fueron influenciados por la escuela italiana. Jan van Eyck de Bélgica, Pieter Bruegel el Viejo de los Países Bajos y Hans Holbein el Joven de Alemania se encuentran entre los pintores más exitosos de la época. Usaron la técnica de acristalamiento con aceites para lograr profundidad y luminosidad.

Maestros holandeses:
En el siglo XVII surgieron los grandes maestros holandeses, como el versátil Rembrandt, especialmente recordado por sus retratos y escenas bíblicas, y Vermeer, que se especializó en escenas interiores de la vida holandesa.

Barroco:
El Barroco comenzó después del Renacimiento, desde finales del siglo XVI hasta finales del siglo XVII. Los principales artistas del Barroco incluyeron a Caravaggio, que hizo un uso intensivo del tenebrismo. Peter Paul Rubens fue un pintor flamenco que estudió en Italia, trabajó para las iglesias locales en Amberes y también pintó una serie para Marie de ‘Medici. Annibale Carracci tomó influencias de la Capilla Sixtina y creó el género de la pintura del techo ilusionista. Gran parte del desarrollo que ocurrió en el Barroco fue a causa de la Reforma Protestante y la Contrarreforma resultante. Mucho de lo que define el Barroco es una iluminación espectacular y visuales generales.

Impresionismo:
El impresionismo comenzó en Francia en el siglo XIX con una asociación informal de artistas como Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne que trajeron un nuevo estilo libremente cepillado a la pintura, eligiendo a menudo pintar escenas realistas de la vida moderna fuera del estudio . Esto se logró a través de una nueva expresión de las características estéticas demostradas por pinceladas y la impresión de la realidad. Lograron una intensa vibración de color al usar colores puros, sin mezclar y pinceladas cortas. El movimiento influenció el arte como una dinámica, moviéndose a través del tiempo y ajustándose a las nuevas técnicas y percepción del arte encontradas. La atención al detalle se convirtió en una prioridad menor para lograrlo, al tiempo que se exploraba una visión sesgada de los paisajes y la naturaleza a los ojos de los artistas.

Post impresionismo:
Hacia el final del siglo XIX, varios pintores jóvenes tomaron el impresionismo un paso más allá, utilizando formas geométricas y colores antinaturales para representar emociones mientras luchaban por un simbolismo más profundo. De particular interés son Paul Gauguin, quien estuvo fuertemente influenciado por el arte asiático, africano y japonés, Vincent van Gogh, un holandés que se mudó a Francia donde se inspiró en la fuerte luz del sol del sur, y Toulouse-Lautrec, recordado por sus vívidas pinturas de la vida nocturna en el barrio parisino de Montmartre.

Simbolismo, expresionismo y cubismo:
Edvard Munch, un artista noruego, desarrolló su enfoque simbólico a finales del siglo XIX, inspirado por el impresionista francés Manet. El Scream (1893), su obra más famosa, se interpreta ampliamente como la representación de la ansiedad universal del hombre moderno. En parte como resultado de la influencia de Munch, el movimiento expresionista alemán se originó en Alemania a principios del siglo XX cuando artistas como Ernst Kirschner y Erich Heckel comenzaron a distorsionar la realidad para obtener un efecto emocional. Paralelamente, el estilo conocido como cubismo se desarrolló en Francia como artistas centrados en el volumen y el espacio de estructuras nítidas dentro de una composición. Pablo Picasso y Georges Braque fueron los principales defensores del movimiento. Los objetos se dividen, analizan y vuelven a ensamblar en forma resumida. En la década de 1920, el estilo se había convertido en surrealismo con Dali y Magritte.

Grabado:
El grabado crea, con fines artísticos, una imagen en una matriz que luego se transfiere a una superficie bidimensional (plana) mediante tinta (u otra forma de pigmentación). Excepto en el caso de un monotipo, la misma matriz se puede usar para producir muchos ejemplos de la impresión.

Históricamente, las técnicas principales (también llamadas medios) involucradas son grabado en madera, grabado de líneas, grabado, litografía y serigrafía (serigrafía, serigrafía), pero hay muchas otras, incluidas las técnicas digitales modernas. Normalmente, la impresión se imprime en papel, pero otros medios van desde tela y vitela a materiales más modernos. Las principales tradiciones de grabado incluyen la de Japón (ukiyo-e).

Historia europea:
Las impresiones de la tradición occidental producidas antes de 1830 son conocidas como copias maestras antiguas. En Europa, desde alrededor de 1400 dC grabado en madera, se utilizó para impresiones maestras en papel mediante el uso de técnicas de impresión desarrolladas en los mundos bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejoró la xilografía alemana de alrededor de 1475, y Erhard Reuwich, un holandés, fue el primero en usar el rayado cruzado. Al final del siglo, Albrecht Dürer llevó la xilografía occidental a un escenario que nunca se ha superado, aumentando el estado del grabado en madera de una sola hoja.

Origen y práctica chinos:
En China, el arte del grabado se desarrolló hace unos 1.100 años como ilustraciones junto con el corte de texto en bloques de madera para imprimir en papel. Inicialmente, las imágenes eran principalmente religiosas, pero en la dinastía Song, los artistas comenzaron a cortar paisajes. Durante las dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1616-1911), la técnica fue perfeccionada tanto para grabados religiosos como artísticos.

Desarrollo en Japón 1603-1867:
La impresión de Woodblock en Japón (japonés: 木 版画, moku hanga) es una técnica más conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e; sin embargo, también se usó ampliamente para imprimir libros en el mismo período. La impresión de Woodblock había sido utilizada en China durante siglos para imprimir libros, mucho antes del advenimiento del tipo móvil, pero fue adoptada ampliamente en Japón sorprendentemente tarde, durante el período Edo (1603-1867). Aunque similar al grabado en madera en la impresión occidental en algunos aspectos, moku hanga difiere mucho en que se utilizan tintas a base de agua (en comparación con xilografía occidental, que utiliza tintas a base de aceite), lo que permite una amplia gama de colores vivos, esmaltes y color transparencia.

Fotografía
La fotografía es el proceso de hacer imágenes por medio de la acción de la luz. Los patrones de luz reflejados o emitidos por los objetos se graban en un medio sensible o chip de almacenamiento a través de una exposición temporizada. El proceso se lleva a cabo a través de obturadores mecánicos o la exposición de fotones en tiempo electrónico a procesos de procesamiento químico o dispositivos de digitalización conocidos como cámaras.

La palabra proviene de las palabras griegas φως phos («luz»), y γραφις graphis («stylus», «paintbrush») o γραφη graphê, juntas que significan «dibujar con luz» o «representación mediante líneas» o «dibujar». » Tradicionalmente, el producto de la fotografía ha sido llamado una fotografía. El término foto es una abreviación; muchas personas también los llaman imágenes. En fotografía digital, el término imagen ha comenzado a reemplazar la fotografía. (El término imagen es tradicional en óptica geométrica).

Cinematografía:
Hacer cine es el proceso de hacer una película, desde una concepción e investigación inicial, a través de guiones, rodaje y grabación, animación u otros efectos especiales, edición, sonido y trabajo de música y finalmente distribución a una audiencia; se refiere ampliamente a la creación de todo tipo de películas, abarcando documentales, variedades de teatro y literatura en cine, y prácticas poéticas o experimentales, y se usa a menudo para referirse también a procesos basados ​​en video.

Arte de computadora
Los artistas visuales ya no se limitan a los medios de arte tradicionales. Las computadoras se han utilizado como una herramienta cada vez más común en las artes visuales desde la década de 1960. Los usos incluyen la captura o creación de imágenes y formularios, la edición de esas imágenes y formularios (incluida la exploración de múltiples composiciones) y la representación o impresión final (incluida la impresión 3D).

El arte de la computadora es aquel en que las computadoras desempeñaron un papel en la producción o exhibición. Tal arte puede ser una imagen, sonido, animación, video, CD-ROM, DVD, videojuego, sitio web, algoritmo, rendimiento o instalación de galería. Muchas disciplinas tradicionales ahora están integrando tecnologías digitales y, como resultado, las líneas entre las obras de arte tradicionales y las nuevas obras de medios creadas usando computadoras se han difuminado. Por ejemplo, un artista puede combinar la pintura tradicional con el arte algorítmico y otras técnicas digitales. Como resultado, la definición de arte de computadora por su producto final puede ser difícil. Sin embargo, este tipo de arte está comenzando a aparecer en las exhibiciones de los museos de arte, aunque todavía tiene que probar su legitimidad como una forma en sí misma y esta tecnología se ve ampliamente en el arte contemporáneo más como una herramienta que como una forma de pintura.

El uso de computadoras ha borrado las distinciones entre ilustradores, fotógrafos, editores de fotos, modeladores 3D y artistas de artesanía. Sofisticado software de renderizado y edición ha llevado a desarrolladores de imágenes con múltiples habilidades. Los fotógrafos pueden convertirse en artistas digitales. Los ilustradores pueden convertirse en animadores. La artesanía puede ser asistida por computadora o utilizar imágenes generadas por computadora como una plantilla. El uso de imágenes prediseñadas por computadora también ha hecho que la clara distinción entre artes visuales y diseño de página sea menos obvia debido al fácil acceso y edición de imágenes prediseñadas en el proceso de paginación de un documento, especialmente al observador no calificado.

Artes plásticas:
Las artes plásticas es un término, ahora en gran parte olvidado, que abarca las formas de arte que implican la manipulación física de un medio de plástico por moldeado o modelado, como la escultura o la cerámica. El término también se ha aplicado a todas las artes visuales (no literarias, no musicales).

Los materiales que se pueden tallar o conformar, como piedra o madera, hormigón o acero, también se han incluido en la definición más restringida, ya que, con las herramientas adecuadas, dichos materiales también son capaces de modulación. [Cita requerida] Este uso del término El «plástico» en las artes no debe confundirse con el uso de Piet Mondrian, ni con el movimiento que denominó, en francés e inglés, «neoplasticismo».

Escultura:
La escultura es una obra de arte tridimensional creada al moldear o combinar material duro o plástico, sonido o texto y / o luz, comúnmente piedra (roca o mármol), arcilla, metal, vidrio o madera. Algunas esculturas se crean directamente al encontrarlas o tallarlas; otros se ensamblan, construyen juntos y disparan, sueldan, moldean o moldean. Las esculturas a menudo están pintadas. Una persona que crea esculturas se llama escultor.

Como la escultura implica el uso de materiales que pueden moldearse o modularse, se considera una de las artes plásticas. La mayoría del arte público es escultura. Muchas esculturas juntas en un jardín pueden denominarse un jardín de esculturas.

Los escultores no siempre hacen esculturas a mano. Con el aumento de la tecnología en el siglo 20 y la popularidad del arte conceptual sobre el dominio técnico, más escultores recurrieron a los fabricantes de arte para producir sus obras de arte. Con la fabricación, el artista crea un diseño y le paga a un fabricante para que lo produzca. Esto permite a los escultores crear esculturas más grandes y complejas a partir de materiales como cemento, metal y plástico, que no podrían crear a mano. Las esculturas también se pueden hacer con tecnología de impresión 3-d.