Pintura de género – HiSoUR Arte Cultura Historia

La pintura de género, también llamada escena de género o pequeño género, describe aspectos de la vida cotidiana al retratar a personas comunes que participan en actividades comunes. Una definición común de escena de género es que muestra figuras a las que no se puede unir ninguna identidad, ya sea individual o colectivamente, distinguiendo así el género petit de las pinturas de historia (también llamado gran género) y los retratos. Una obra a menudo se consideraría un trabajo de género, incluso si se pudiera demostrar que el artista había utilizado a una persona conocida, por ejemplo, un miembro de su familia, como modelo. En este caso, dependerá de si el artista probablemente intentó que el trabajo se considere como un retrato, a veces una pregunta subjetiva. Las representaciones pueden ser realistas, imaginadas o idealizadas por el artista. Debido a su tema familiar y con frecuencia sentimental, las pinturas de género a menudo han demostrado ser populares entre la burguesía o la clase media.

Los temas de género aparecen en muchas tradiciones de arte. Las decoraciones pintadas en antiguas tumbas egipcias a menudo representan banquetes, recreaciones y escenas agrarias, y Peiraikos es mencionado por Plinio el Viejo como un pintor panel helenístico de temas «bajos», como sobrevivir en versiones de mosaico y pinturas murales provinciales en Pompeya: » barberías, puestos de zapateros, asnos, comestibles y temas similares «. Los manuscritos iluminados medievales a menudo ilustraban escenas de la vida cotidiana de los campesinos, especialmente en los Trabajos de los Meses en la sección del calendario de libros de horas, la más famosa es Très Riches Heures du Duc de Berry.

Una distinción clara del retrato o retrato de grupo no siempre es posible. Si bien este ser humano más identificable lo demuestra, los personajes de la pintura de género son anónimos y se caracterizan por su entorno; el interior está a menudo en primer plano.

A veces, la transición a la pintura de paisajes es fluida, especialmente en la época del Romanticismo. En España y América Latina, la pintura de género del siglo XIX también se conoce como costumbrismo.

Muchas supuestas escenas cotidianas se basan más en obras cómicas populares o proverbios y, por lo tanto, a menudo, si no siempre, son de carácter narrativo. Por ejemplo, un pintor de género italiano, el napolitano Gaspare Traversi, creó sus cuadros en paralelo con el desarrollo y el apogeo de la ópera buffa napolitana a mediados del siglo XVIII, cuando la vida cotidiana del medio social inferior quedó expuesta al ridículo al exponer situaciones Esto envió un mensaje moral a la audiencia. La mayoría de las imágenes de género también tienen una relevancia didáctica porque tienen un fuerte contenido moral. La presentación de conductas negativas debería desalentar y alentar un mejor comportamiento y los ejemplos positivos deberían incentivar al espectador a imitar. Por supuesto, a las imágenes no se les puede negar el valor visualmente entretenido. Debido a los enfoques interpretativos instructivo-moralizantes inherentes a las imágenes, sus propietarios pudieron enfatizar su trasfondo cultural. Por lo tanto, los comisionados para este tipo de arte provienen exclusivamente del medio burgués-secular.

Contenido:
Su rango en la jerarquía de géneros es bastante bajo, pero fue llevado a un punto de perfección en el siglo XVII por Caravaggio y sus seguidores. También es un género muy popular en los países del norte de Europa. La pintura de género fue muy popular desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la década de 1930, destronando la pintura histórica. Se impartió por separado en las diferentes academias de bellas artes europeas.

Los primeros enfoques de investigación a menudo interpretaban las representaciones de los llamados Gouden Eeuw como instantáneas de la vida cotidiana, a las que atribuían el valor de un testimonio histórico-cultural. Sin embargo, desde la década de 1970, ha sido posible descifrar el contexto iconográfico. Quedó claro que mientras las imágenes de género ejemplifican una escena cotidiana, detrás de la cual casi siempre se oculta una afirmación más profunda. En consecuencia, están en el sentido del popular lenguaje visual del Barroco, generalmente como alegorías, en parte con complejas declaraciones ambiguas, para comprender.

Tradicionalmente, se ha llamado pequeño género en oposición al gran género que era la pintura de historia. La representación artística de las cuestiones cotidianas es ahora muy común, pero era inusual en el Renacimiento y el Barroco, cuando se suponía que el arte tenía un contenido intelectual y creativo que debía recurrir a los cultos y alabar a los personajes de categoría, de las clases altas, o ejemplos nobles del pasado histórico, religioso o mitológico. Por esta razón, la pintura de la historia se consideraba el género superior y, por otro lado, representar a los campesinos y otra población modesta sin un argumento o pretexto moral era irreverente para los artistas intelectuales.

En la Grecia clásica, la tragedia era más valorada, es decir, la representación de una noble acción ejecutada por dioses o héroes, que la comedia, que se entendía como las acciones cotidianas de las personas vulgares. En este sentido, Aristóteles, en su Poética, termina dando prioridad a la ficción poética, porque narra qué podría pasar, qué es posible, creíble o necesario, más de lo que realmente sucedió, cuál sería el campo del historiador. A partir del siglo XVII comenzó a valorarse más la representación de lo que el arte clásico consideraba «comedia»: el cotidiano, las historias menores de la gente común. No es coincidencia que las representaciones de Hogarth de sus contemporáneos fueran llamadas por esta pintura de historia cómica («pintura de cómic»).

El propósito de este tipo de pintura, de cualquier manera, puede generar dudas. No se sabe con certeza si se trata de una representación simple de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o se buscó un propósito moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. Las escenas de género barrocas, aparentemente cotidianas, a menudo pueden esconder temas alegóricos. Por lo tanto, las escenas de grupos de personas que tienen músicos divertidos y borrachos permiten la representación iconográfica de los «cinco sentidos». El significado oculto de estas escenas de la vida cotidiana instruiría así a un observador atento. Entonces, hay dos maneras de interpretar estas imágenes: o bien son una iconografía críptica que oculta un aspecto didáctico, o es una mera anécdota de género para el entretenimiento del público burgués. No hay duda de que en la pintura de género del siglo XVIII, la intención satírica o moralizadora estaba presente en obras como Hogarth o Greuze.

Aunque en el sur de Europa la pintura de género fue hecha a partir de Caravaggio, la verdad es que fue cultivada y apreciada principalmente en los países nórdicos. Los grandes comitentes (la nobleza, el clero) no estaban interesados en este tipo de obras, normalmente de pequeño formato, que tenían, por otro lado, una gran fortuna y difusión entre la burguesía, la clase media y los mercaderes, debido a su tema familiar y a menudo sentimental. Eran cuadros que no requerían un esfuerzo especial al evaluarlos, ya que no había mensajes crípticos para desentrañar a través de símbolos, como solía ser el caso en la pintura de historia. Por lo tanto, no es casual que surgieran en los Países Bajos los primeros grandes pintores de escenas de género, con un fuerte componente mercantil.

La escena de género es un tipo de trabajo artístico, principalmente pictórico, en el que las personas normales se representan en escenas cotidianas, en la calle o en la vida privada, contemporáneas del autor. Lo que distingue a la escena de género es que representa escenas de la vida cotidiana, como mercados, interiores, fiestas, tabernas y calles. Tales representaciones pueden ser realistas, imaginarias o embellecidas por el artista. Algunas variaciones del término «trabajo» o «trabajo de género» especifican el medio o tipo de trabajo visual como «pintura de género», «hojas de género» o «fotografías de género». En todas estas expresiones, el término «género» se usa en una traducción algo forzada del «género» inglés. En español, el término pintura costumbrista o pintura de costumbres también se ha utilizado.

Historia:
A veces se puede considerar que la pintura de género ha existido desde la antigüedad, incluso si se la connota religiosamente. Algunos historiadores del arte consideran las pinturas egipcias de trabajo de campo, banquetes, fiestas, etc. como la pintura de género. Plinio el Viejo cita a Peiraikos como pintor helenístico de temas «bajos», ya que sobreviven en mosaicos y murales en Pompeya: «puestos de zapateros, peluquerías, puestos, burros, comida y cosas similares». en los jarrones griegos o etruscos a veces se pueden encontrar escenas de mercado o de caza que son similares a las escenas de género, como algunos mosaicos y pinturas romanas.

Con la Edad Media, que esencialmente produce un arte con vocación religiosa, la escena del género se limita a los márgenes y las iniciales de los manuscritos. Los manuscritos iluminados medievales a menudo ilustran las escenas de la vida cotidiana de los campesinos, especialmente en las Muy ricas horas del duque de Berry. Vuelve solo tímidamente en ciertos frescos del trecento, como en las Alegorías del buen y el mal gobierno de Lorenzetti, pero permanecen apegados a un tema moral o religioso.

Es con Van Eyck y los primitivos flamencos que la escena del género realmente parece renacer. El casado Arnolfini, más allá del retrato, presenta personajes en un interior burgués, separado del mundo religioso, y puede considerarse como la escena del primer género. Las otras composiciones de Van Eyck, ahora perdidas, como una Dama en su inodoro confirman esta interpretación. Es interesante notar que es en Flandes donde realmente comienza esta práctica: son especialmente las escuelas del Norte las que pondrán este género en el punto de mira.

El Renacimiento:
Con la disminución de la participación de la religión en el arte, la escena del género comienza a desarrollarse desde el Renacimiento, especialmente en Flandes. El Peseur d’Or y su esposa Quentin Matsys es un ejemplo perfecto, aunque como la mayoría de las veces, debe leerse simbólicamente. Hieronymus Bosch y Bruegel el Viejo no dudarán en explotar las escenas de género, para ilustrar proverbios e historias (hoy a menudo perdidas) que dan una sombra «secular» a la obra religiosa.

En Italia como en Francia, este tema es mucho menos bien recibido, a pesar de las mujeres frecuentes que se bañan en la escuela de Fontainebleau, pero más a menudo relacionado con la pintura mitológica o la historia, más que la escena del género en sí.

siglo 18:
Los Países Bajos dominaron el campo hasta el siglo XVIII, y en el siglo XVII, tanto la pintura barroca flamenca como la pintura holandesa de la Edad de Oro produjeron numerosos especialistas que en su mayoría pintaron escenas de género. En el siglo anterior, el pintor renacentista flamenco Jan Sanders van Hemessen pintó escenas de género innovadoras a gran escala, a veces incluyendo un tema moral o una escena religiosa en el fondo en la primera mitad del siglo XVI. Estos fueron parte de un patrón de «inversión manierista» en la pintura de Amberes, dando a los elementos «bajos» previamente en el fondo decorativo de las imágenes un énfasis destacado. Joachim Patinir amplió sus paisajes, convirtiendo a las figuras en un pequeño elemento, y Pieter Aertsen pintó obras dominadas por productos de naturaleza muerta y géneros de cocineros o vendedores de mercado, con pequeñas escenas religiosas en espacios al fondo. Pieter Brueghel el Viejo hizo campesinos y sus actividades, tratados de forma muy naturalista, el tema de muchas de sus pinturas, y la pintura de género floreció en el norte de Europa en la estela de Brueghel.

Adriaen e Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer y Pieter de Hooch fueron algunos de los pintores especializados en temas de género en los Países Bajos durante el siglo XVII. La escala generalmente pequeña de las pinturas de estos artistas fue apropiada para su exhibición en los hogares de compradores de clase media. A menudo, el tema de una pintura de género se basaba en un emblema popular de un libro de Emblem. Esto puede dar a la pintura un doble significado, como en El vendedor de aves de corral de Gabriel Metsu, 1662, que muestra a un anciano ofreciendo un gallo en una pose simbólica que se basa en un grabado lascivo de Gillis van Breen (1595-1622), con el misma escena La alegre compañía mostraba a un grupo de figuras en una fiesta, ya sea haciendo música en casa o simplemente bebiendo en una taberna. Otros tipos comunes de escenas mostraban mercados o ferias, fiestas del pueblo («kermesse») o soldados en el campamento.

En Italia, una «escuela» de pintura de género fue estimulada por la llegada a Roma del pintor holandés Pieter van Laer en 1625. Adquirió el apodo de «Il Bamboccio» y sus seguidores fueron llamados Bamboccianti, cuyas obras inspirarían a Giacomo Ceruti, Antonio Cifrondi y Giuseppe Maria Crespi entre muchos otros.

Louis le Nain fue un importante exponente de la pintura de género en la Francia del siglo XVII, pintando grupos de campesinos en el hogar, donde el siglo XVIII despertaría un gran interés en la representación de la vida cotidiana, ya fuera a través de pinturas románticas de Watteau y Fragonard, o el cuidadoso realismo de Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) y otros pintaron grupos detallados y más bien sentimentales o retratos individuales de campesinos que iban a ser influyentes en la pintura del siglo XIX.

En Inglaterra, William Hogarth (1697-1764) transmitió comedias, críticas sociales y lecciones morales a través de lienzos que contaban historias de gente común llena de detalles narrativos (ayudados por largos subtítulos), a menudo en forma de serie, como en A Rake’s Progress. , pintado por primera vez en 1732-33, luego grabado y publicado en forma impresa en 1735.

España tenía una tradición anterior al Libro del buen amor de la observación social y comentario basado en la tradición del Antiguo Romano Latino, practicada por muchos de sus pintores e iluminadores. En el apogeo del Imperio español y el comienzo de su lento declive, muchas escenas de género picarescas de la vida en la calle, así como las escenas de cocina conocidas como bodegones, fueron pintadas por los artistas de El Siglo de Oro español, notablemente Velázquez (1599-1660) ) y Murillo (1617-82). Más de un siglo después, el artista español Francisco de Goya (1746-1828) utilizó escenas de género en la pintura y el grabado como medio para comentarios oscuros sobre la condición humana. The Disasters of War, una serie de 82 incidentes de género de la Guerra de la Independencia, llevó el arte de género a alturas sin precedentes de expresividad.

Siglo 19:
En el siglo XIX, la expresión «pintura de género» reemplazó por abreviación las expresiones «pintura de género vulgar», «bajo género», «género menor» que designaba obras que representaban escenas de la vida cotidiana o íntima, oposición a «pinturas históricas de género». Las escenas de la Biblia pueden tomarse para escenas de género por ignorancia del tema. Los bambúes se llamaban pinturas vulgares de campesinos o escenas de posadas. En la Italia del siglo XIX, los máximos exponentes de la pintura de género son Antonio Rotta y Vincenzo Petrocelli.

Con el declive de la pintura religiosa e histórica en el siglo XIX, los artistas encontraron cada vez más su tema en la vida que los rodeaba. Realistas como Gustave Courbet (1819-77) alteraron las expectativas al representar escenas cotidianas en grandes cuadros -en la escala tradicionalmente reservada para sujetos «importantes»-borrando así el límite que había separado a la pintura de género como categoría «menor». La pintura de la historia en sí cambió de la representación exclusiva de eventos de gran importancia pública a la representación de escenas de género en tiempos históricos, tanto los momentos privados de grandes figuras, como la vida cotidiana de la gente común. En el arte francés esto se conoce como el estilo Troubador. Esta tendencia, ya evidente en 1817 cuando Ingres pintó Henri IV Playing with His Children, culminó en el arte más pompier de académicos franceses como Jean-Léon Gérôme (1824-1904) y Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). En la segunda mitad del siglo, el interés por las escenas de género, a menudo en contextos históricos o con agudos comentarios sociales o morales, aumentó enormemente en toda Europa.

William Powell Frith (1819-1909) fue quizás el pintor de géneros ingleses más famoso de la época victoriana, pintando escenas grandes y extremadamente concurridas; la expansión en tamaño y ambición en la pintura de género del siglo XIX fue una tendencia común. Otros pintores ingleses del siglo XIX incluyen a Augustus Leopold Egg, George Elgar Hicks, William Holman Hunt y John Everett Millais. Escocia produjo dos pintores de género influyentes, David Allan (1744-96) y Sir David Wilkie (1785-1841). Wilkie’s The Cottar’s Saturday Night (1837) inspiró una importante obra del pintor francés Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Famosos pintores realistas rusos como Vasily Perov e Ilya Repin también produjeron pinturas de género.

En Alemania, Carl Spitzweg (1808-85) se especializó en escenas de género suavemente humorísticas, y en Italia, Gerolamo Induno (1825-90) pintó escenas de la vida militar. Posteriormente, los impresionistas, así como artistas del siglo XX como Pierre Bonnard, Itshak Holtz, Edward Hopper y David Park pintaron escenas de la vida cotidiana. Pero en el contexto del arte moderno, el término «pintura de género» se ha asociado principalmente con la pintura de naturaleza especialmente anecdótica o sentimental, pintada con una técnica tradicionalmente realista.

El primer pintor de género verdadero en los Estados Unidos fue el inmigrante alemán John Lewis Krimmel, quien aprendiendo de Wilkie y Hogarth, produjo escenas de vida suavemente humorísticas en Filadelfia desde 1812-21. Otros pintores notables del siglo XIX de los Estados Unidos son George Caleb Bingham, William Sidney Mount y Eastman Johnson. Harry Roseland se centró en escenas de afroamericanos pobres en el sur de la Guerra Civil estadounidense, y John Rogers (1829-1904) fue un escultor cuyas obras de pequeño género, producidas en masa en yeso fundido, fueron inmensamente populares en Estados Unidos. Las obras del pintor estadounidense Ernie Barnes (1938-2009) y las del ilustrador Norman Rockwell (1894-1978) podrían ejemplificar un tipo más moderno de pintura de género.

Realismo Social:
En la primera mitad del siglo XIX (Biedermeier), la imagen del género revive nuevamente como una «imagen de tendencia social», especialmente por la Escuela de Pintura de Düsseldorf, especialmente en relación con un mayor giro al realismo, como Johann Peter Hasenclever. Después de 1848 representó en Alemania a artistas como Ludwig Knaus, Benjamin Vautier o Franz von Defregger, una pintura de género, que se relacionó con la corriente literaria del Realismo Civil. La pintura de género de esas décadas puede considerarse como un pionero de los movimientos de arte moderno como el Impresionismo. Un número cada vez mayor de compradores interesados en el arte, especialmente de hogares de clase media, cumplió con el deseo de tener su propia obra de arte en la pared. En particular, la vida rural campesina, que se ha puesto de moda en el curso de la creciente actividad de viajes, se presentó en formatos medianos en los Estados Unidos también. En las metrópolis del arte como Berlín, Dusseldorf y Munich, un gran número de pintores de toda Europa se reunieron para ganarse la vida con la pintura de género. Entre los pintores de género más conocidos, cuyas obras también se abrieron camino en las revistas mensuales, se encontraban representantes de la Escuela de Munich como Franz Defregger, Rudolf Epp, Nikolaus Gysis, Hermann von Kaulbach.

siglo 20:
Posteriormente, impresionistas y artistas del siglo XX como Vincenzo Petrocelli, Pierre Bonnard, Edward Hopper o David Park pintaron escenas de la vida cotidiana. Sin embargo, en el contexto del arte moderno, el término «pintura de género» se ha relacionado principalmente con la pintura de una naturaleza especialmente sentimental o anecdótica, pintada con una técnica tradicionalmente realista. Las obras del pintor estadounidense Ernie Barnes y las del ilustrador Norman Rockwell pueden ejemplificar un tipo moderno de pintura de género.