Arte de género

El arte de género es la representación gráfica en cualquiera de los diversos medios de las escenas o eventos de la vida cotidiana, como mercados, entornos domésticos, interiores, fiestas, escenas de posada y escenas callejeras. Dichas representaciones (también llamadas obras de género, escenas de género o vistas de género) pueden ser realistas, imaginadas o idealizadas por el artista. Algunas variaciones del término arte del género especifican el medio o tipo de trabajo visual, como en la pintura de género, grabados de género, fotografías de género, etc.

Un género de género es un género de bellas artes, dedicado a la vida cotidiana, privada y pública, generalmente a un artista moderno. El arte de género incluye pintura, gráficos y escultura de todos los días (género), la mayoría de tamaño pequeño. El arte de género, conocido desde la antigüedad, se destacó en un género separado de arte solo en la época feudal. El florecimiento del género de la era moderna se asocia con el crecimiento de tendencias artísticas democráticas y realistas, con el atractivo de los artistas para la vida y la actividad laboral de la gente común, con la formulación de importantes cuestiones sociales en el arte.

Las obras de arte de un género incluyen: esculturas, pinturas, obras gráficas que representan el trabajo de la vida cotidiana, generalmente los estratos sociales inferiores, las costumbres, las vacaciones. Las figuras están tipificadas, transmitidas anónimamente. El género doméstico puede ser didáctico, satírico, humorístico, sentimental. Las imágenes de las viviendas se encontraban en el antiguo Egipto, en la Antigüedad (jarrones griegos, relieves romanos, mosaicos), en el arte medieval (esculturas, miniaturas). El género doméstico comenzó a desarrollarse durante el período de luto del Renacimiento, se hizo popular en el siglo XIX. – Siglo XX pr en el trabajo creativo de diversos campos y grupos (realismo, naturalismo, impresionismo, médicos de familia). El arte lituano apareció en el siglo XVIII.

El significado normal del género, que abarca cualquier combinación particular de un medio artístico y un tipo de tema (como, por ejemplo, en la novela romántica), también se utiliza en las artes visuales. Por lo tanto, las obras de género, especialmente cuando se refiere a la pintura de la Edad de Oro holandesa y la pintura barroca flamenca -los grandes períodos de las obras de género- también pueden usarse como un término general para pintar en diversas categorías especializadas, como la naturaleza muerta, la pintura marina , pintura arquitectónica y pintura de animales, así como escenas de género propiamente dichas donde el énfasis está en las figuras humanas. La pintura se dividió en una jerarquía de géneros, con la pintura de historia en la parte superior, como la pintura más difícil y, por lo tanto, más prestigiosa, y todavía muerta y arquitectónica en la parte inferior. Pero las pinturas de historia son un género en pintura, no obras de género.

Lo siguiente se concentra en la pintura, pero los motivos de género también fueron extremadamente populares en muchas formas de artes decorativas, especialmente del rococó de principios del siglo XVIII en adelante. Las figuras individuales o los grupos pequeños decoraban una gran variedad de objetos como porcelana, muebles, papel tapiz y textiles.

Arte visual:
El término arte de género se utiliza mucho en la historia y la crítica del arte visual, pero en la historia del arte tiene significados que se superponen de manera bastante confusa. La pintura de género es un término para las pinturas donde el sujeto principal presenta figuras humanas a las que no se le atribuye una identidad específica; en otras palabras, las figuras no son retratos, personajes de una historia o personificaciones alegóricas. Estos se distinguen del personal: figuras incidentales en lo que es principalmente un paisaje o pintura arquitectónica. La pintura de género también puede usarse como un término más amplio que cubre la pintura de género propiamente dicha, y otros tipos especializados de pinturas como la naturaleza muerta, paisajes, pinturas marinas y pinturas de animales.

El concepto de “jerarquía de géneros” fue poderoso en la teoría artística, especialmente entre los siglos XVII y XIX. Fue más fuerte en Francia, donde se asoció con la Académie française, que desempeñó un papel central en el arte académico. Los géneros en orden jerárquico son:

Pintura de historia, incluidos temas alegóricos y mitológicos religiosos narrativos
Retrato de pintura
Pintura de género o escenas de la vida cotidiana
Paisaje (los paisajistas eran los “hombres de a pie comunes en el ejército del arte” según el teórico holandés Samuel van Hoogstraten) y el paisaje urbano
Pintura animal
Naturaleza muerta

Orígenes
El género de la vida cotidiana surgió en la era de la antigüedad europea. Pero mucho antes de que la Grecia antigua se reprodujeran escenas de la vida cotidiana en África y en el antiguo Egipto. Las pinturas murales en los almacenes funerarios del faraón a menudo tienen imágenes de escenas cotidianas, ocupando un lugar adicional y subordinado después de las escenas religiosas. Ya en el arte del Antiguo Egipto, las escenas cotidianas se encuentran en la pintura, la escultura e incluso en los fragmentos de vasijas de cerámica, cuya superficie utilizaban los antiguos artistas egipcios para crear bocetos.

La antigua grecia
Talleres de escenas de género fueron creados por los artistas de la Antigua Grecia en los jarrones. El género también se desarrolló en la pintura de entonces, pero hasta ahora nuestras muestras aleatorias lo han alcanzado. El amplio uso de la pintura de jarrón reflejó parcialmente las escenas cotidianas que se encontraron en la pintura, y creó sus propias muestras (maestro Euphronius, pelícano “¡Mira, traga!”, Hermitage, maestro Ekseky, “Dionisio en un barco pirata”, maestro Evfimid , “Campaña de las reuniones del guerrero”, Munich). La observación de la vida cotidiana de los contemporáneos y el coraje en la reproducción de escenas cotidianas condujo a la extraordinaria variedad de escenas creadas por los pintores vass, desde el canto inspirado del actor en el papel de Apolo hasta las escenas eróticas y las desagradables consecuencias de la embriaguez en la fiesta reciente (Master Brig, Kilix, Wurzburg, University Museum).

China
El género también es conocido en el arte de los países del Este. Los primeros bocetos cotidianos aparecieron en la pintura de China del siglo IV. norte. e., aunque tenían un carácter instructivo y didáctico dentro de las ideas religiosas y filosóficas. En el período de Tang (siglos VII-X dC), se formaron escuelas de pintura de género chino. También hay conocidos artistas del género (Yan Li-ban, Han Huang, Zhou Fan), aunque en sus obras prevalecieron las escenas de género de la corte imperial. Durante el período Song (X-XIII siglos dC), los pintores de género chinos (Li Tan, Su Han-chen) crean escenas de la vida popular en pinturas que son interesantes por su coloración humorística o actitud respetuosa. Más o menos igual fue el desarrollo del género de la pintura doméstica en Japón y Corea, cuyo arte tuvo un impacto significativo en la pintura de China y sus muestras.

Medio este
El género cotidiano también se difundió en el arte de los países de habla árabe de la Edad Media, que dependía de una poderosa cultura local de los pueblos. En primer lugar, se refería a Egipto, India y Persia (Irán). Los maestros de estos países decidieron ignorar parcialmente la prohibición musulmana de crear imágenes figurativas.

India
Algunos de los manuscritos medievales de la época estaban decorados con miniaturas, cuyo valor artístico era alto. La miniatura medieval india, persa también fue audaz en la reproducción de escenas religiosas mitológicas y cotidianas (miniaturas para Shahnameh, Iskander y el emperador chino, el matrimonio de hijos de Faridun con las hijas de Emen, miniaturas para tratados de Avicena, miniaturas para el manuscrito de Alisher Navoi “Maravillas de la infancia” – el poeta escucha a músicos con amigos, miniaturas a leyendas sobre Baidar con un músico, una miniatura “Científico en una conferencia con alumnos” del manuscrito “Makamat” del siglo XIII). Los artistas dibujan no solo escenas de la vida de la corte, aunque a menudo son forzados a trabajar para los tiranos orientales.

En la Europa medieval:
El género de género estaba ganando poder en la Europa medieval. Sus muestras se encuentran en miniaturas, relieves y algunos ejemplos de pintura (miniaturas francesas con escenas de la construcción de catedrales góticas, vidrieras, relieves alemanes en la catedral de Naumburg, miniaturas de los hermanos Limburg, etc.).

El desarrollo del arte del género se ha basado en la autentificación fáctica de la vida cotidiana desde el significado interno de los fenómenos de la vida cotidiana y el descubrimiento psicológico del contenido histórico público. El arte de género se conoce desde la antigüedad (escenas primitivas, de caza, orientales), pero como un género especial de arte se ha separado de la época feudal (Extremo Oriente) y durante la formación de la sociedad burguesa (Europa).

En la Edad Media, las escenas de género a menudo se entrelazan con composiciones religiosas y alegóricas. En los siglos VII-XIII, las escuelas de pintura de género se formaron y funcionaron en China.

Renacimiento italiano:
Con el inicio del Renacimiento en Europa, primero en Italia (Giotto, Lorentzetti – siglo XIV), y luego en los Países Bajos (Jan van Eyck, Barcos, Gertgen Sint Jans – siglo XV). Y en otros países europeos, escenas religiosas en la pintura comenzó a saturar detalles brillantes del género. En el siglo XV, aparecieron imágenes de la vida laboral en miniatura (hermanos Limburg en Francia), grabado (Schongauer en Alemania), pinturas seculares (Cossa en Italia). En la pintura italiana del siglo XVI, el género cotidiano comenzó a separarse gradualmente de los géneros religiosos (venecianos – Carracci, Giorgione, Bassano).

En Italia, una “escuela” de pintura de género fue estimulada por la llegada a Roma del pintor holandés Pieter van Laer en 1625. Adquirió el apodo de “Il Bamboccio” y sus seguidores fueron llamados Bamboccianti, cuyas obras inspirarían a Giacomo Ceruti, Antonio Cifrondi y Giuseppe Maria Crespi entre muchos otros.

Cinco siglos del famoso desarrollo de la cultura y las artes en Italia hasta el siglo XVII llevaron a una rígida jerarquía de géneros. El nivel más alto estuvo ocupado por imágenes bíblicas y mitológicas, el más bajo y más prestigioso: el paisaje y el género cotidiano. Los italianos todavía percibían como sus imágenes de los caravagistas de Utrecht con escenas de pequeños banquetes con músicos y los compraban (Gerrit van Hoonthorst, “Conversación con el trovador”, la Galería de los Uffizi, Florencia, “El Concierto”, la Galería Borghese, Roma) , mientras que otros causan sorpresa desagradable y rechazo. Incluso en el espectador moderno, las tramas de los maestros del género holandés del siglo XVII. puede causar aburrimiento, y una sonrisa, y sorpresa, y risa.

Siglo XVII:
Edad de oro holandesa:
Los Países Bajos dominaron el campo hasta el siglo XVIII, y en el siglo XVII, tanto la pintura barroca flamenca como la pintura holandesa de la Edad de Oro produjeron numerosos especialistas que en su mayoría pintaron escenas de género. En el siglo anterior, el pintor renacentista flamenco Jan Sanders van Hemessen pintó escenas de género innovadoras a gran escala, a veces incluyendo un tema moral o una escena religiosa en el fondo en la primera mitad del siglo XVI. Estos fueron parte de un patrón de “inversión manierista” en la pintura de Amberes, dando a los elementos “bajos” previamente en el fondo decorativo de las imágenes un énfasis destacado. Joachim Patinir amplió sus paisajes, convirtiendo a las figuras en un pequeño elemento, y Pieter Aertsen pintó obras dominadas por productos de naturaleza muerta y géneros de cocineros o vendedores de mercado, con pequeñas escenas religiosas en espacios al fondo. Pieter Brueghel el Viejo hizo campesinos y sus actividades, tratados de forma muy naturalista, el tema de muchas de sus pinturas, y la pintura de género floreció en el norte de Europa en la estela de Brueghel.

Varias circunstancias contribuyeron a esto:
La difusión en el país del protestantismo de varias direcciones con el rechazo de las pinturas religiosas
Posiciones débiles del catolicismo en el país, el principal cliente de la pintura religiosa
La reducción de pedidos de pinturas religiosas del patrón católico contribuyó al desarrollo de otros géneros (retrato, paisaje y pintura de género).

Los artistas de Holanda no fueron disuadidos por los paisajes bajos y monótonos del país, la ausencia de los restos de edificios antiguos en él, ni el prestigio de los retratos de los marineros y los barcos de pesca, los campesinos y el ganado o las imágenes de la vida soñolienta de los pequeños pueblos, barrios deshabitados, calles y calles tranquilas y esquinas llenas de basura del patio. Varios maestros holandeses recurrieron al género doméstico, desde los altamente dotados (Frans Huls, Jan Vermeer, Matthias Stom) hasta los semi-profesionales, provinciales y no profesionales, que no fueron llevados a gremios de arte y que tenían prohibido vender imágenes de sus producción propia.

Adriaen e Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer y Pieter de Hooch fueron algunos de los pintores especializados en temas de género en los Países Bajos durante el siglo XVII. La escala generalmente pequeña de las pinturas de estos artistas fue apropiada para su exhibición en los hogares de compradores de clase media. A menudo, el tema de una pintura de género se basaba en un emblema popular de un libro de Emblem. Esto puede dar a la pintura un doble significado, como en El vendedor de aves de corral de Gabriel Metsu, 1662, que muestra a un anciano ofreciendo un gallo en una pose simbólica que se basa en un grabado lascivo de Gillis van Breen (1595-1622), con el misma escena La alegre compañía mostraba a un grupo de figuras en una fiesta, ya sea haciendo música en casa o simplemente bebiendo en una taberna. Otros tipos comunes de escenas mostraban mercados o ferias, fiestas del pueblo (“kermesse”) o soldados en el campamento.

Siglo XVIII:
Francia
Los aristócratas franceses a menudo coleccionan pinturas no tanto por amor al arte, sino por la moda y el prestigio. En 1768, el ex secretario del rey Luis XV, de Genya, falleció, y sus colecciones fueron subastadas, donde comenzó la emoción. Denis Diderot escribe emocionado al respecto: “Murió, esta persona increíble que recopiló tantas obras hermosas en la literatura, casi sin inclinación a leer, tantas obras de arte, entendiéndolas como ciegas … Es imposible perder un minuto si no queremos colisionar con una multitud de competidores nacionales o extranjeros “. Pero había verdaderos conocedores del arte, valientes en la búsqueda y poco dependientes de la moda, entre los que se encontraba Pierre Crozet, que se preocupaba por el gravemente enfermo Watteau, sobre Rosalbe Career , y compró algunos artistas que necesitaban entonces las obras de artistas pasados ​​de moda.

La actitud hacia el género doméstico está cambiando gradualmente. Y en el siglo XVIII aparecen como sus seguidores entre los artistas, y los primeros coleccionistas importantes. El legislador en los modos y en el arte se convierte en Francia. Entre los artistas franceses que trabajan en el género doméstico:

Dependiendo de los dones e instrucciones que adhiere el artista, el género cotidiano se interpreta como falsamente idealizado y limpiado artificialmente (Francois Boucher), luego algo fantástica y poéticamente (Antoine Watteau), luego con un toque de instrucción, didáctica, sentimentalismo ( Jean Baptiste Gröze), luego como escenas de la realidad (bocetos de Fragonard). El género de los elementos rococó (Antoine Watteau, Jacques de Lajoux, Francisco Goya) traen el género de la vida cotidiana, recurren a diversas técnicas (óleos, pasteles, dibujos, porcelana, grabado). Hay una reevaluación de obras y artistas holandeses del siglo XVII. Y en las subastas de París se están desarrollando verdaderas batallas por el derecho a poseer imágenes de maestros del género doméstico.
Louis le Nain fue un importante exponente de la pintura de género en la Francia del siglo XVII, pintando grupos de campesinos en el hogar, donde el siglo XVIII despertaría un gran interés en la representación de la vida cotidiana, ya fuera a través de pinturas románticas de Watteau y Fragonard, o el cuidadoso realismo de Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) y otros pintaron grupos detallados y más bien sentimentales o retratos individuales de campesinos que iban a ser influyentes en la pintura del siglo XIX.

Inglaterra
En Inglaterra, William Hogarth (1697-1764) transmitió comedias, críticas sociales y lecciones morales a través de lienzos que contaban historias de gente común llena de detalles narrativos (ayudados por largos subtítulos), a menudo en forma de serie, como en A Rake’s Progress. , pintado por primera vez en 1732-33, luego grabado y publicado en forma impresa en 1735.

España
España tenía una tradición anterior al Libro del buen amor de la observación social y comentario basado en la tradición del Antiguo Romano Latino, practicada por muchos de sus pintores e iluminadores. En el apogeo del Imperio español y el comienzo de su lento declive, muchas escenas de género picarescas de la vida en la calle, así como las escenas de cocina conocidas como bodegones, fueron pintadas por los artistas de El Siglo de Oro español, notablemente Velázquez (1599-1660) ) y Murillo (1617-82). Más de un siglo después, el artista español Francisco de Goya (1746-1828) utilizó escenas de género en la pintura y el grabado como medio para comentarios oscuros sobre la condición humana. The Disasters of War, una serie de 82 incidentes de género de la Guerra de la Independencia, llevó el arte de género a alturas sin precedentes de expresividad.

Con el declive de la pintura religiosa e histórica en el siglo XIX, los artistas encontraron cada vez más su tema en la vida que los rodeaba. Realistas como Gustave Courbet (1819-77) alteraron las expectativas al representar escenas cotidianas en grandes cuadros -en la escala tradicionalmente reservada para sujetos “importantes”-borrando así el límite que había separado a la pintura de género como categoría “menor”. La pintura de la historia en sí cambió de la representación exclusiva de eventos de gran importancia pública a la representación de escenas de género en tiempos históricos, tanto los momentos privados de grandes figuras, como la vida cotidiana de la gente común. En el arte francés esto se conoce como el estilo Troubador. Esta tendencia, ya evidente en 1817 cuando Ingres pintó Henri IV Playing with His Children, culminó en el arte más pompier de académicos franceses como Jean-Léon Gérôme (1824-1904) y Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). En la segunda mitad del siglo, el interés por las escenas de género, a menudo en contextos históricos o con agudos comentarios sociales o morales, aumentó enormemente en toda Europa.

William Powell Frith (1819-1909) fue quizás el pintor de géneros ingleses más famoso de la época victoriana, pintando escenas grandes y extremadamente concurridas; la expansión en tamaño y ambición en la pintura de género del siglo XIX fue una tendencia común. Otros pintores ingleses del siglo XIX incluyen a Augustus Leopold Egg, George Elgar Hicks, William Holman Hunt y John Everett Millais. Escocia produjo dos pintores de género influyentes, David Allan (1744-96) y Sir David Wilkie (1785-1841). Wilkie’s The Cottar’s Saturday Night (1837) inspiró una importante obra del pintor francés Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Famosos pintores realistas rusos como Pavel Fedotov, Vasily Perov e Ilya Repin también produjeron pinturas de género.

Alemania
En Alemania, Carl Spitzweg (1808-85) se especializó en escenas de género suavemente humorísticas, y en Italia, Gerolamo Induno (1825-90) pintó escenas de la vida militar. Posteriormente, los impresionistas, así como artistas del siglo XX como Pierre Bonnard, Itshak Holtz, Edward Hopper y David Park pintaron escenas de la vida cotidiana. Pero en el contexto del arte moderno, el término “pintura de género” se ha asociado principalmente con la pintura de naturaleza especialmente anecdótica o sentimental, pintada con una técnica tradicionalmente realista.

El primer pintor de género verdadero en los Estados Unidos fue el inmigrante alemán John Lewis Krimmel, quien aprendiendo de Wilkie y Hogarth, produjo escenas de vida suavemente humorísticas en Filadelfia desde 1812-21. Otros pintores notables del siglo XIX de los Estados Unidos son George Caleb Bingham, William Sidney Mount y Eastman Johnson. Harry Roseland se centró en escenas de afroamericanos pobres en el sur de la Guerra Civil estadounidense, y John Rogers (1829-1904) fue un escultor cuyas obras de pequeño género, producidas en masa en yeso fundido, fueron inmensamente populares en Estados Unidos. Las obras del pintor estadounidense Ernie Barnes (1938-2009) y las del ilustrador Norman Rockwell (1894-1978) podrían ejemplificar un tipo más moderno de pintura de género.

Japón
Los grabados japoneses de ukiyo-e son ricos en representaciones de personas en el ocio y en el trabajo, al igual que las pinturas coreanas, especialmente las creadas en el siglo XVIII.

Siglo XIX:
A pesar del monopolio de los aristócratas por el arte, conservado en el siglo XIX, se democratiza incansablemente. Pero esta democratización es de un carácter algo diferente al de los holandeses en el siglo XVII, cuando atraían situaciones humorísticas prosaicas, cotidianas y divertidas (Jan Sten, autorretrato con su esposa bajo Hop, Karel Fabricius, Sleeping Guard). En el arte del siglo XIX. salen héroes de pleno derecho marginados, mendigos enfermos, abandonados, lisiados, esclavos, prisioneros o prisioneros de guerra, personas de la base social. Los ignoraron durante siglos, no se dieron cuenta del arte. Los prisioneros y los esclavos regresaron en el arte del barroco, pero son tratados allí como un detalle decorativo de la vida del monarca, un signo de sus victorias, la gloria militar, la capacidad de conquistar.

En las pinturas de maestros del siglo XIX. los desposeídos y los esclavos pierden su decoración, sufren francamente, sin ocultar su confusión, dolor y anhelo. Nada decorativo, la poesía en la vida de los tejedores holandeses, los pescadores europeos y estadounidenses, los habitantes pobres de Japón, en la vida de los campesinos de los rincones de los osos de Francia, Rusia o el norte de Italia del siglo XIX. Los problemas sociales no resueltos están explotando por un levantamiento, luego por una guerra de liberación nacional, por una revolución. Una ola de la abolición de la esclavitud y la servidumbre arrasó el mundo, pero sin mejorar significativamente la difícil situación de millones de personas.

En el siglo XIX. el género cotidiano está experimentando otro florecimiento en diferentes países, donde las escenas de la vida cotidiana se representan de una manera muy realista, extremadamente veraz, con una mayor o menor participación de actitudes ideológicas. Entre los artistas – partidarios del género doméstico:

Un lugar especial en el arte del siglo XIX. y las obras del francés Francois Millet, el italiano Giovanni Segantini, el holandés Vincent van Gogh, Winslow Homer (EE. UU.) tomaron el género artístico. Y sin pistas vagas y símbolos oscuros, las imágenes de estos maestros se convierten en un símbolo de la existencia agotadora de los representantes del pueblo, de la vida rural severa en general, cuya verdadera reproducción rara vez se atrevió con el arte de todo el siglo XIX debido a las posiciones dominantes del academismo, el arte de salón, debido al firme apoyo oficial del arte burgués superficial.

Siglo XX:
La significativa agravación de los problemas y contradicciones sociales en todas las esferas del siglo XX: guerras, revoluciones, desvinculación social, movimientos de liberación nacional, revoluciones industriales y científicas, el desarrollo explosivo de la tecnología, la urbanización, todo esto cambió decisivamente las vidas de millones de las personas, le impartió impulsividad, inestabilidad. La falta de espiritualidad extremadamente aumentada, la confusión de las personas ante los cambios momentáneos, el peligro de los regímenes políticos, la deshumanización de la ciencia, la incertidumbre de su propio futuro. Respondió a estos cambios y al género cotidiano, cuyos artistas se comprometieron a analizar y explorar todos los rincones de la vida personal y social, sus deficiencias, los sufrimientos de una persona común de la multitud, su soledad, sus esperanzas, su resistencia, su disposición a luchar por el bien de protegerse a sí misma y a los niños.

Tipos:
Pintura de género:
La pintura de género, también llamada escena de género o pequeño género, describe aspectos de la vida cotidiana al retratar a personas comunes que participan en actividades comunes. Una definición común de escena de género es que muestra figuras a las que no se puede unir ninguna identidad, ya sea individual o colectivamente, distinguiendo así el género petit de las pinturas de historia (también llamado gran género) y los retratos. Una obra a menudo se consideraría un trabajo de género, incluso si se pudiera demostrar que el artista había utilizado a una persona conocida, por ejemplo, un miembro de su familia, como modelo. En este caso, dependerá de si el artista probablemente intentó que el trabajo se considere como un retrato, a veces una pregunta subjetiva. Las representaciones pueden ser realistas, imaginadas o idealizadas por el artista. Debido a su tema familiar y con frecuencia sentimental, las pinturas de género a menudo han demostrado ser populares entre la burguesía o la clase media. Los temas de género aparecen en casi todas las tradiciones artísticas. Las decoraciones pintadas en antiguas tumbas egipcias a menudo representan banquetes, recreaciones y escenas agrarias, y Peiraikos es mencionado por Plinio el Viejo como un pintor panel helenístico de temas “bajos”, como sobrevivir en versiones de mosaico y pinturas murales provinciales en Pompeya: ” barberías, puestos de zapateros, asnos, comestibles y temas similares “. Los manuscritos iluminados medievales a menudo ilustraban escenas de la vida cotidiana de los campesinos, especialmente en los Trabajos de los meses en la sección del calendario de libros de horas, la más famosa es Les Tres Riches Heures du Duc de Berry.

Fotografía de género:
Mientras que la pintura de género comenzó, en el siglo XVII, con representaciones de europeos de la vida europea, la invención y el desarrollo temprano de la fotografía coincidieron con la era más expansiva y agresiva del imperialismo europeo, a mediados y finales del siglo XIX, y por eso las fotografías, generalmente realizadas en las proximidades de expediciones militares, científicas y comerciales, a menudo también representan a personas de otras culturas que los europeos encontraron en todo el mundo.

Aunque las distinciones no son claras, las obras de género deben distinguirse de los estudios etnográficos, que son representaciones pictóricas resultantes de la observación directa y el estudio descriptivo de la cultura y forma de vida de sociedades particulares, y que constituyen una clase de productos de disciplinas tales como la antropología y las ciencias del comportamiento.

El desarrollo de la tecnología fotográfica para hacer que las cámaras sean portátiles y expone a los fotógrafos habilitados instantáneamente a aventurarse más allá del estudio para seguir otras formas de arte en la descripción de la vida cotidiana. Esta categoría se conoce como fotografía de calle.