Teatro da Grécia antiga

O antigo drama grego era uma cultura teatral que floresceu na antiga Grécia a partir de c. 700 aC A cidade-estado de Atenas, que se tornou uma importante potência cultural, política e militar durante esse período, foi seu centro, onde foi institucionalizada como parte de um festival chamado Dionísia, que honrou o deus Dionísio. A tragédia (final de 500 aC), a comédia (490 aC) e a peça satírica foram os três gêneros dramáticos que surgiram ali. Atenas exportou o festival para suas numerosas colônias e aliados.

A história do teatro grego antigo abrange um período de quase mil anos. Já as pré-formas eram de natureza cultual e consistiam em canções corais (Dithyramben) e danças, que estavam cada vez mais conectadas com elementos de ação. Em particular, o culto dionisíaco foi essencial para o desenvolvimento do drama. O teatro da antiguidade grega atingiu seu clímax no século V com as peças dos três grandes trágicos Ésquilo, Sófocles e Eurípides e as peças da Velha Comédia, em particular de Kratinos e Aristófanes. Enquanto o propósito do culto ficava cada vez mais em segundo plano, o teatro desempenhava um papel importante no desenvolvimento da democracia ática: representava autoconfiança, representação e demonstração de poder da sociedade polis. O antigo teatro grego era um teatro dos cidadãos livres de ambos os sexos: a presença das performances era ao mesmo tempo direito democrático e dever religioso-moral ao mesmo tempo. Devido à diminuição do número de espectadores, o estado ateniense liderou no século IV aC. Um pagamento de substituição pela perda de ganhos durante a visita dos espetáculos.

Após o desaparecimento da democracia ática, o Estado romano integrou as formas do teatro grego em sua festa e transformou o teatro em um instrumento de massa de representação de poder político e de entretenimento.

O desenvolvimento de toda a cultura teatral ocidental remonta ao teatro da antiguidade grega e é determinado pelos dramas tradicionais, bem como pelos elementos estéticos do teatro (como o coro e o uso de máscaras) e, acima de tudo, pelo reflexo do social. papel do teatro foi gravado.

Origens
Os gregos clássicos valorizavam o poder da palavra falada, e esse era seu principal método de comunicação e narrativa. Bahn e Bahn escrevem: “Para os gregos, a palavra falada era uma coisa viva e infinitamente preferível aos símbolos mortos de uma língua escrita”. O próprio Sócrates acreditava que uma vez que algo fosse escrito, perderia sua capacidade de mudança e crescimento. Por estas razões, entre muitas outras, a narrativa oral floresceu na Grécia. [3]

A tragédia grega, tal como a conhecemos, foi criada em Atenas por volta de 532 aC, quando Thespis foi o primeiro ator gravado. Sendo um vencedor do primeiro concurso teatral realizado em Atenas, ele era o exarchon, ou líder, dos ditirambos realizados em torno da Ática, especialmente na Dionísia rural. Pela época de Thespis, o ditirambo evoluiu para longe de suas raízes cult. Sob a influência do épico heróico, da letra coral dórica e das inovações do poeta Arion, tornou-se um gênero narrativo, semelhante a uma balada. Por causa disso, Thespis é freqüentemente chamado de “Pai da Tragédia”; no entanto, sua importância é contestada e, às vezes, o Thespis é listado até 16 na ordem cronológica dos trágicos gregos; o estadista Solon, por exemplo, é creditado com a criação de poemas em que os personagens falam com sua própria voz, e os desempenhos falados dos épicos de Homero pelos rapsodos eram populares em festivais anteriores a 534 aC [5]. Assim, a verdadeira contribuição de Thespis para o drama não é clara, na melhor das hipóteses, mas seu nome recebeu uma vida mais longa, em inglês, como um termo comum para intérprete – isto é, um “ator”.

As performances dramáticas foram importantes para os atenienses – isso é claro pela criação de uma competição de tragédia e festival na cidade de Dionísia. Isso foi organizado possivelmente para promover a lealdade entre as tribos da Ática (recentemente criada por Cleisthenes). O festival foi criado por volta de 508 aC. Embora não existam textos dramáticos do sexto século aC, sabemos os nomes de três concorrentes além de Thespis: Choerilus, Pratinas e Phrynichus. Cada um é creditado com diferentes inovações no campo.

Sabe-se mais sobre Phrynichus. Ele ganhou sua primeira competição entre 511 aC e 508 aC. Ele produziu tragédias sobre temas e assuntos mais tarde explorados na idade de ouro, como os Danaids, Mulheres Fenícias e Alcestis. Ele foi o primeiro poeta que conhecemos a usar um assunto histórico – sua Queda de Mileto, produzida em 493-2, narrou o destino da cidade de Mileto depois de ter sido conquistada pelos persas. Heródoto relata que “os atenienses deixaram claro seu profundo pesar pela tomada de Mileto de muitas maneiras, mas especialmente nisto: quando Phrynichus escreveu uma peça intitulada” A Queda de Mileto “e a produziu, todo o teatro começou a chorar; Phrynichus mil dracmas por trazer à mente uma calamidade que os afetou de forma tão pessoal e proibiu o desempenho daquela peça para sempre. “[6] Ele também é considerado o primeiro a usar personagens femininos (embora não sejam mulheres). [7]

Até o período helenístico, todas as tragédias eram peças únicas escritas em homenagem a Dionísio e tocadas apenas uma vez, de modo que hoje temos as peças que ainda eram lembradas o suficiente para serem repetidas quando a repetição de velhas tragédias se tornou moda (os acidentes de Dionísio). a sobrevivência, assim como os gostos subjetivos dos bibliotecários helenísticos mais tarde na história grega, também desempenharam um papel no que sobreviveu desse período).

Novas invenções durante o período clássico
Após a Grande Destruição de Atenas pelo Império Persa em 480 aC, a cidade e a acrópole foram reconstruídas, e o teatro tornou-se formalizado e uma parte ainda maior da cultura ateniense e do orgulho cívico. Este século é normalmente considerado como a Era de Ouro do drama grego. A peça central da Dionísia anual, que aconteceu uma vez no inverno e uma vez na primavera, foi uma competição entre três dramaturgos trágicos no Teatro de Dionísio. Cada um apresentou três tragédias, além de uma peça satírica (uma versão cômica e burlesca de um sujeito mitológico). Começando em uma primeira competição em 486 aC, cada dramaturgo submeteu uma comédia. [8] Aristóteles alegou que Ésquilo acrescentou o segundo ator (deuteragonista), e que Sófocles introduziu o terceiro (tritagonista). Aparentemente, os dramaturgos gregos nunca usaram mais de três atores baseados no que se sabe sobre o teatro grego. [9]

Tragédia e comédia eram vistas como gêneros completamente separados, e nenhuma peça jamais mesclou aspectos dos dois. As peças de sátiro lidavam com o assunto mitológico das tragédias, mas de uma maneira puramente cômica.

Período helenístico
O poder de Atenas declinou após sua derrota na Guerra do Peloponeso contra os espartanos. A partir desse momento, o teatro começou a realizar antigas tragédias novamente. Embora suas tradições teatrais pareçam ter perdido sua vitalidade, o teatro grego continuou no período helenístico (o período que se seguiu às conquistas de Alexandre, o Grande, no século IV aC). No entanto, a forma teatral helenística primária não foi tragédia, mas “Nova Comédia”, episódios cômicos sobre a vida dos cidadãos comuns. O único dramaturgo existente do período é Menandro. Uma das contribuições mais importantes da New Comedy foi sua influência na comédia romana, uma influência que pode ser vista nas obras sobreviventes de Plauto e Terence.

Características dos edifícios
As peças tiveram um refrão de 12 a 15 [10] pessoas, que executaram as peças em verso acompanhadas de música, começando pela manhã e durando até a noite. O espaço de performance era um simples espaço circular, a orquestra, onde o coro dançava e cantava. A orquestra, que tinha um diâmetro médio de 78 pés, estava situada em um terraço achatado no sopé de uma colina, cuja inclinação produzia um teatro natural, literalmente “lugar de ver”. Mais tarde, o termo “teatro” passou a ser aplicado a toda a área do teatro, orquestra e skené. O corifeu era o principal membro do coro que podia entrar na história como um personagem capaz de interagir com os personagens de uma peça.

Os teatros foram originalmente construídos em uma escala muito grande para acomodar o grande número de pessoas no palco, bem como o grande número de pessoas na platéia, até quatorze mil. A matemática desempenhou um papel importante na construção desses teatros, já que seus criadores tiveram que ser capazes de criar acústica neles, de modo que as vozes dos atores pudessem ser ouvidas em todo o teatro, incluindo a fileira de assentos mais alta. A compreensão da acústica do grego compara-se muito favoravelmente com o atual estado da arte. Os primeiros assentos nos teatros gregos (além de apenas sentados no chão) eram de madeira, mas por volta de 499 aC a prática de embutir blocos de pedra no lado da colina para criar assentos permanentes e estáveis ​​tornou-se mais comum. Eles foram chamados de “prohedria” e reservados para os padres e alguns cidadãos mais respeitados.

Em 465 aC, os dramaturgos começaram a usar um pano de fundo ou uma parede cênica, que pendia ou ficava atrás da orquestra, que também servia como uma área onde os atores podiam mudar suas fantasias. Era conhecido como o skênê (do qual deriva a palavra “cena”). A morte de um personagem sempre foi ouvida por trás do skênê, pois era considerado inadequado mostrar um assassinato diante do público. Por outro lado, há argumentos acadêmicos de que a morte na tragédia grega foi retratada fora do palco principalmente por causa da dramaticidade. considerações, e não prudishness ou sensibilidade do público [11]. Em 425 aC, um muro de pedra, chamado paraskenia, tornou-se um complemento comum ao skênê nos teatros. Um paraskenia era uma parede longa com lados salientes, que podem ter portas para entradas e saídas. Logo atrás do paraskenia estava a proskenion. O proskenion (“na frente da cena”) era bonito, e era semelhante ao proscenium moderno.

Os teatros gregos também tinham entradas arqueadas altas chamadas parodoi ou eisodoi, através das quais os atores e membros do coro entravam e saíam da orquestra. Até o final do século V aC, por volta da época da Guerra do Peloponeso, o skênê, a parede do fundo, tinha dois andares de altura. O andar de cima foi chamado de episkenion. Alguns teatros também tinham um lugar para falar na orquestra chamado logeion.

Gênese
A Dionísia e a parte mais importante do teatro de hoje, as tragédias, já estavam sob Peisistratos, um festival religioso importante para o estado, mas pela Phylenreform de Kleisthenes estava envolvida na Ática nos festivais dionisíacos. Inicialmente, havia apenas um ator, um dos quais era um coro, que presumivelmente não cantava, mas ocasionalmente respondia ao ator. Após a destruição pelos persas, um skené se desenvolveu para o teatro, e logo novos acréscimos foram inventados. As três tragédias foram seguidas pela peça satírica, uma sequela alegre e libertadora.

O florescimento clássico do teatro grego terminou com o declínio da polis clássica de Atenas e a fundação dos reinos helenísticos.

As características essenciais da arte de palco grega foram preservadas, principalmente por causa da poética de Aristóteles (384 a 322 aC). Por um lado, a influência no teatro europeu é mostrada pelo fato de que muitos dos materiais usados ​​pelos gregos clássicos mais tarde despertaram interesse e continuaram a ser usados, como os antigos poetas romanos de comédia Plauto e Terence. Por outro lado, também houve inúmeras tentativas de estimular um “renascimento” do período clássico, sempre levando em conta as correntes de tempo predominantes.

Construção
Os teatros gregos eram teatros ao ar livre construídos em uma encosta, principalmente norte-sul. A pesquisa sobre a prática do teatro grego é confrontada com o fato de que há muito poucos documentos para o teatro do século V aC. Chr., A chamada era clássica dos trágicos poetas Ésquilo, Sófocles e Eurípides. Até hoje, não se esclareceu conclusivamente se a orquestra e o auditório, o chamado Theatron, no teatro dionisíaco ateniense do quinto século, já tinham uma forma arredondada com uma casa de palco localizada em frente à orquestra (como em o esboço acompanhante) ou se a orquestra e o theatron eram retangulares. Os teatros gregos preservados do quinto século todos têm uma forma retangular e isso é provável para tornar o teatro de Atenas provável. Os seguintes componentes são considerados em grande parte garantidos para o quinto século:

Theatron (primeiro feito de madeira, depois de pedra),
Skené (casa de palco de madeira, daí “cena”),
Orquestra, a área de jogo para coral e atores,
Parodoi, as duas entradas laterais da Orquestra,
Ekkyklema, uma plataforma que foi rolada para fora da casa para visualizar cenas de cenas dentro da casa em um quadro,
Mechane, um guindaste com o qual o deus ex machina parecia flutuar no palco e intervir no trágico acontecimento.
A situação documental para a prática real de atuação também é ruim.

A origem da tragédia grega são os ditirambos, canções corais solenes em homenagem a Dioniso, cujo mestre é Arion de Lesbos. O primeiro poeta da tragédia foi Thespis, para quem o nome do teatro ainda é lembrado como um Thespiskarren, ele confrontou o coro de um único ator solo, o protagonista, na máscara de Dionísio. Ésquilo apresentou o segundo ator, o antagonista, e finalmente Sófocles o terceiro, o tritagonista.

O número de atores permaneceu limitado a três. Se mais pessoas aparecerem, nunca mais que três ao mesmo tempo, e pelo menos um ator tiver que mudar a máscara.

O coro consistia em 12 ou 15 coros, mudou-se para o prólogo através do parodoi no teatro e geralmente permaneceu durante todo o espetáculo na Orquestra.

Como atores e coros (membros do coro), apenas homens podiam se apresentar. Foi jogado com máscaras.

As seqüências de movimento dos coreógrafos e atores, o modo de falar ou o canto e a música são pouco transmitidos. Há muita controvérsia na pesquisa sobre como os textos dramáticos obtidos podem ser usados ​​para tirar conclusões sobre a prática do palco. Apesar de um grande interesse de pesquisa, pouco se sabe sobre o antigo teatro grego.

Função social
O teatro grego não era apenas para homens. Embora apenas cidadãos livres pudessem participar (sem escravos), para as mulheres as fileiras de trás dos assentos eram reservadas.

O equipamento do coro e sua manutenção eram tarefa do coreógrafo. O coro era uma importante Leiturgia, ou seja, a performance de uma pessoa privada para a comunidade polis.

O teatro serviu para o entretenimento da população e desde o surgimento da comédia também por diversão. Embora a visita tenha sido socialmente obrigatória devido ao seu caráter religioso, o reconhecimento dos atores e autores testemunha uma apreciação mais ampla; porque os participantes famosos foram premiados e atendidos pelo estado.

Elementos cênicos
Havia vários elementos cênicos comumente usados ​​no teatro grego:

Mecanismo, um guindaste que deu a impressão de um ator voador (assim, deus ex machina)
ekkyklêma, uma plataforma de rodas usada frequentemente para exibir personagens mortos para o público
pinakes, fotos penduradas para criar cenário
thyromata, imagens mais complexas incorporadas na cena do segundo nível (3º nível do solo)
adereços fálicos foram usados ​​para peças de sátiros, simbolizando a fertilidade em honra de Dionísio.

Máscaras

Máscaras
O termo grego antigo para uma máscara é prosopon (lit., “face”), [12] e foi um elemento significativo na adoração de Dionísio em Atenas, provavelmente usado em ritos e celebrações cerimoniais. A maioria das evidências vem de apenas algumas pinturas de vasos do século 5 aC, como uma que mostra uma máscara do deus suspenso de uma árvore com um manto decorado pendurado abaixo dela e dançando e o vaso Pronomos, que mostra atores se preparando. para uma peça de sátiro. [14] Nenhuma evidência física permanece disponível para nós, já que as máscaras eram feitas de materiais orgânicos e não eram consideradas objetos permanentes, sendo dedicadas no altar de Dionísio depois de apresentações. No entanto, a máscara é conhecida por ter sido usada desde o tempo de Ésquilo e considerada uma das convenções icônicas do teatro grego clássico. [15]

Também foram feitas máscaras para os membros do coro, que participam da ação e fornecem comentários sobre os eventos em que foram capturados. Embora haja doze ou quinze membros do refrão trágico, todos eles usam a mesma máscara porque são considerados como representando um personagem.

Detalhes da máscara
Ilustrações de máscaras teatrais do século 5 mostram máscaras semelhantes a capacetes, cobrindo todo o rosto e cabeça, com buracos para os olhos e uma pequena abertura para a boca, bem como uma peruca integrada. Essas pinturas nunca mostram máscaras reais sobre os atores na performance; eles são mais freqüentemente mostrados sendo manipulados pelos atores antes ou depois de uma performance, aquele espaço liminar entre o público e o palco, entre o mito e a realidade. [16] Efetivamente, a máscara transformou o ator tanto quanto a memorização do texto. Portanto, a performance na Grécia antiga não distinguia o ator mascarado do personagem teatral.

Os fabricantes de máscaras eram chamados de skeuopoios ou “criadores das propriedades”, sugerindo assim que seu papel abrangia múltiplos deveres e tarefas. As máscaras provavelmente eram feitas de materiais orgânicos leves como linho endurecido, couro, madeira ou cortiça, com a peruca consistindo em pêlos humanos ou animais. [17] Devido às restrições visuais impostas por essas máscaras, era imperativo que os atores ouvissem para se orientar e se equilibrar. Assim, acredita-se que as orelhas foram cobertas por quantidades substanciais de cabelo e não o capacete-máscara em si. A abertura da boca era relativamente pequena, impedindo que a boca fosse vista durante as apresentações. Vervain e Wiles postulam que esse pequeno tamanho desencoraja a idéia de que a máscara funcionava como um megafone, como originalmente apresentado na década de 1960. [14] O fabricante grego de máscara, Thanos Vovolis, sugere que a máscara serve como um ressonador para a cabeça, aumentando assim a acústica vocal e alterando sua qualidade. Isso leva a um aumento de energia e presença, permitindo a metamorfose mais completa do ator em seu personagem. [18]

Funções de máscara
Em um grande teatro ao ar livre, como o Teatro de Dionísio, em Atenas, as máscaras clássicas foram capazes de criar uma sensação de pavor na platéia, criando pânico em larga escala, especialmente porque tinham exagerado intensamente características faciais e expressões. Eles permitiram que um ator aparecesse e reaparecesse em vários papéis diferentes, evitando assim que o público identificasse o ator para um personagem específico. Suas variações ajudam o público a distinguir sexo, idade e status social, além de revelar uma mudança na aparência de um personagem em particular, por exemplo, Édipo depois de cegar a si mesmo. [19] Máscaras únicas também foram criadas para personagens e eventos específicos em uma peça, como As Fúrias em Eumênides de Aeschylus e Pentheus e Cadmus em As bacantes de Eurípides. Desgastadas pelo coro, as máscaras criavam um senso de unidade e uniformidade, enquanto representavam uma persona ou um único organismo de múltiplas vozes e, ao mesmo tempo, encorajavam a interdependência e uma sensibilidade aumentada entre cada indivíduo do grupo. Apenas 2-3 atores eram permitidos no palco ao mesmo tempo e as máscaras permitiam transições rápidas de um personagem para outro. Havia apenas atores masculinos, mas as máscaras permitiam que eles representassem personagens femininos.

Outros detalhes do traje
Os atores dessas peças que tinham papéis trágicos usavam botas chamadas cothurni que as elevavam acima dos outros atores. Os atores com papéis cômicos usavam apenas um sapato de sola fina chamado meia. Por esta razão, a arte dramática é por vezes mencionada como “Sock and Buskin”.

Melpomene é a musa da tragédia e é frequentemente retratado segurando a máscara trágica e vestindo cothurni. Thalia é a musa da comédia e é similarmente associada à máscara da comédia e às “meias” cômicas.

Atores masculinos representando papéis femininos usariam uma estrutura de madeira em seus peitos (posterneda) para imitar a aparência de seios e outra estrutura em seus estômagos (progastreda) para fazê-los parecer mais macios e mais parecidos com mulheres. Eles também usariam meias brancas sob os trajes para fazer a pele parecer mais justa.

A maioria dos detalhes vem de pinturas de cerâmica da época, como fantasias e máscaras foram fabricadas com material descartável, por isso há pouco ou nenhum vestígio de qualquer traje da época. A maior fonte de informação é o vaso Pronomos, onde os atores são pintados em um show depois da festa.

O figurino daria um senso de caráter, como em gênero, idade, status social e classe. Por exemplo, personagens de classe alta se vestiam com roupas mais legais, apesar de todos estarem vestidos muito bem. Ao contrário da crença popular, eles não se vestiam apenas com farrapos e sandálias, como queriam impressionar. Alguns exemplos de trajes gregos para o teatro incluem longas túnicas chamadas chiton, que chegaram ao chão para atores que interpretam deuses, heróis e velhos. Atores que jogavam deusas e personagens femininas que possuíam muito poder usavam púrpuras e ouro. Atores que tocavam rainhas e princesas usavam longas capas que arrastavam no chão e eram decoradas com estrelas de ouro e outras jóias, e os guerreiros usavam uma variedade de armaduras e usavam capacetes adornados com plumas. Fantasias deveriam ser coloridas e óbvias para serem vistas facilmente por todos os lugares na plateia.