Ralph Rugoff가 감독 한 제 58 회 국제 미술 전시회 May You Live In Interesting Times가 2019 년 5 월 11 일부터 11 월 24 일까지 열렸습니다. 제목은 오랫동안 오해를 불러 일으키는 고대 중국의 저주로 잘못 인용 된 영어 발명의 문구입니다. 불확실성, 위기 및 혼란의시기; 오늘날 우리가 살고있는 것과 똑같은 “흥미로운 시간”.

전시회는 항상 그렇듯이 두 개의 주요 유적지 인 Giardini di Castello와 Arsenale에서 개최되지만, 여러 국가의 대표자들이 주최하고 전시회 및 부수적 인 행사가 개최되는 베니스 전역의 유명한 장소도 포함됩니다. 전 세계의 모든 미래는 79 개 국가 및 지역의 참여를 포함하여 정원 중앙관에서 아르 세 날레까지 연결되는 크고 통일 된 전시 경로를 형성합니다.

이 전시의 제목은 “흥미로운 시간”이라는 표현은 도전적이거나 심지어 “위협적인”시간이라는 생각을 불러 일으키지 만, 단순히 인간 사건의 진행 과정을 복잡하게보고 고려하는 초대 일 수도 있습니다. 너무 자주, 순응이나 두려움에 의해 생성 된 지나치게 단순화 된 것처럼 보이는시기에 특히 중요한 것으로 보입니다.

흥미로운 시대에 살기를 바랍니다. 여기에는 “전후 질서”의 주요 전통, 제도 및 관계에 대한 다양한 위협을 포함하여 오늘날 존재의 불안정한 측면을 반영하는 삽화가 포함됩니다. 그러나 처음부터 예술은 정치 영역에서 힘을 발휘하지 않는다는 것을 인정합시다. 예를 들어 예술은 세계 각지에서 민족주의 운동과 권위주의 정부의 부상을 막을 수 없으며 전 세계 이재민의 비극적 인 운명을 완화 할 수도 없습니다.

제 58 회 국제 미술 전시회는 쾌락과 비판적 사고를 모두 포용하는 예술의 사회적 기능과 예술에 대한 일반적인 접근 방식을 강조합니다. 이 전시는 기존의 사고 습관에 도전하고 사물과 이미지, 제스처 및 상황에 대한 우리의 독서를 개방하는 예술가의 작업에 중점을 둡니다.

이런 종류의 예술은 겉보기에 모순적이고 양립 할 수없는 개념을 염두에두고 세상을 이해하는 다양한 방법을 저글링하는 여러 관점을 즐겁게하는 관행에서 자랍니다. 이런 식으로 생각하는 예술가들은 사실을 연결하고 맥락화하는 다른 방법을 제안함으로써 소위 사실의 의미에 대한 대안을 제시합니다. 무한한 호기심과 꿰뚫는 재치로 움직이는 그들의 작품은 우리가 의심의 여지가없는 모든 범주, 개념 및 주관성에 대해 질문을 보도록 장려합니다.

예술 전시회는 무엇보다도 우리에게 예술과 예술가를 지나치게 단순화하는 태도에 대한 결정적인 도전으로 제시하려는 경우 우리가 주목할 가치가 있습니다. 간접적으로 예술은 ‘흥미로운 시대’에 살고 생각하는 방법에 대한 일종의 지침이 될 수 있습니다. 그것은 우리에게 여러 대안과 생소한 유리한 점을 고려하고 “질서”가 다양한 질서의 동시 존재가 된 방식을 식별하도록 초대합니다.

지 아르디 니 전시회
전시회는 중앙관 (Giardini)에서 Arsenale까지 발전하며 전 세계에서 온 79 명의 참가자를 포함합니다. 1895 년 초판 이후 La Biennale Art Exhibitions의 전통적인 장소 인 Giardini는 베니스의 동쪽 가장자리에 솟아 있으며 19 세기 초 나폴레옹이 제작했습니다. 이미 지어진 중앙관에 추가 된 1907 년 이후 외국 관의 건축을 촉발시킨 것은 첫 번째 판 (1895 년 20 만 명 이상, 1899 년 30 만 명 이상)의 성공이었습니다. Giardini에는 현재 29 개의 외국 파빌리온이 있으며, 그중 일부는 Josef Hoffmann의 오스트리아 파빌리온, Gerrit Thomas Rietveld의 네덜란드 파빌리온 또는 Alvar Aalto가 디자인 한 사다리꼴 계획으로 사전 제작 된 핀란드 파빌리온과 같은 유명한 건축가가 설계했습니다.

La Biennale 장소의 전시 개편의 일환으로 2009 년 Giardini의 역사적인 Central Pavillion은 3,500m2의 다기능 및 다목적 구조가되었으며, 이는 다른 Gardens Pavilions의 영구 활동의 중심지이자 랜드 마크가되었습니다. Massimo Bartolini (교육 지역 “Sala F”), Rirkrit Tiravanija (서점) 및 Tobias Rehberger (카페테리아)와 같은 국제적으로 유명한 예술가가 디자인 한 실내 공간이 있습니다.

2011 년 전시 공간 및 현관 개편을 통해 중앙관을 다기능 정원으로 탈바꿈했습니다. 그때부터 중앙관은 교육 활동, 워크샵 및 특별 프로젝트를 포함하여 각기 다른 수많은 목적지에 대해 최적의 공간과 미기후 조건을 즐길 수 있습니다. 복구 프로젝트의 중요한 부분은 2006 년 베니스 시의회에 의해 시작된 Ottagonale Hall 복원 완료, 1909 년 Galileo Chini 돔 내부의 그림 복원 및 장식 벽 및 바닥 시스템 복원으로 구성되었습니다. 베네치아 테라스에서. 대중의 접대를위한 모든 서비스를 갖춘 홀,따라서 모든 새로운 기능 영역에 도달 할 수있는 기념비적 인 아트리움의 형태로 파빌리온의지지 점이됩니다.

하이라이트

파트 IV

라라 파 바레토
Lara Favaretto의 다각적 인 예술 관행은 조각, 설치 및 공연 액션을 포함하며 종종 블랙 유머와 불경을 통해 표현됩니다. 그녀의 시리즈 Momentary Monuments (2009- 계속)에서 한 가지 예를 찾을 수 있습니다. 이는 역사적 사건을 미화하거나 국가 정체성에 대한 감정을 조성하기위한 것이 아닙니다. Favaretto의 기념물은 덜 이념적이고 비극적이며 단순히 썩고 무너지고 다른 방식으로 용해됩니다. 이것은 그 자체로 기념비를 건설하려는 엄청난 노력을하지만 인간의 노력은 무익합니다. Favaretto의 작업에서 암시적인 농담은 가치와 이데올로기를 영원히 결합시키려는 가장 안정적인 재료로 만들어진 물건조차도 결국 사라진다는 것입니다.

앙투안 카탈 라
Antoine Catala는 언어와 현실 사이에 새롭고 재미있는 관계를 만듭니다. 잘못된 의사 소통을 탐구하면서 그는 특히 의사 소통 플랫폼에서 단어, 기호, 텍스트, 이모티콘을 통해 의미가 전달되는 몇 가지 방법을 발견하려고합니다. 그의 텍스트 작업과 조각 설치를 통해 그는 메시지 자체가 아니라 메시지가 전달되는 방식이 우리에게 어떤 영향을 미치는지 종종 무의식적으로주의를 환기시킵니다.

센트럴 파빌리온 입구에는 컬러 실리콘으로 덮인 9 개의 대형 패널이 작품 It ‘s Over (2019)를 구성합니다. 각 패널에서 공기가 천천히 펌핑됨에 따라 엠보싱 텍스트가 표시되어 “걱정하지 마세요”, “끝났습니다”, “모든 것이 정상입니다”, “Tutto va bene”, “Hey, Relax”라는 모호하게 안심할 수있는 메시지를 전송합니다. , 또는 키스하는 두 곰 인형의 이미지. Arsenale에서 The Heart Atrophies (2018-2019) 설치는 중세의 수수께끼와 같은 현대적인 작품을 제안하여 인간이 항상 그들을 둘러싼 표지판과 밀접하고 적응 적이며 유연한 관계에 있었음을 보여줍니다.

마리아 로보 다
전달과 만남의 궤적을 통한 사물과 이미지의 지속적인 변형은 Maria Loboda의 실천의 핵심입니다. Loboda의 작품은 명백한 것에 대한 불신을 불러 일으키지 만, 그들이 소유하고있는 불확실성과 우리가 둘러싸고있는 것들과 친구가되도록 우리를 초대합니다. Loboda는 이미지가 순환하는 맥락에 의해 이미지가 영향을받는 방식에 관심이 있습니다.

이케다 료지
작곡가이자 예술가 인 이케다 료지 (Ryoji Ikeda)의 작업은 디지털로 렌더링 된 정보의 방대한 영역의 형태를 취하는 시각적 요소와 희박한 음향 구성을 결합하는 기념비적 인 미니멀리즘에 접근합니다. 이들은 통합되어 아티스트 자신의 광범위한 언어를 형성하며, 이는 수학이 우리 주변의 자연 세계를 포착하고 반영하는 수단으로 활용되는 알고리즘 방식에 의존합니다.

하리스에 파미 논다
Haris Epaminonda는 조각, 도자기, 서적 또는 사진과 같은 발견 된 재료를 사용하여 작업하며 종종 결합하여 독특한 설치를 신중하게 구성합니다. 이러한 대상은 대중과 아마도 그녀에게도 알려지지 않은 역사적, 개인적 의미의 그물에 얽혀 있습니다. 그녀는 이러한 이야기를 무시하는 것이 아닙니다. 그것들은 암묵적이며 본질적으로 힘을 발휘하는 반면, 설치물에 정착하면서 다른 무언가로 부드럽게 구부러집니다. 그녀는 그것들을 빛나게하고 눈에 띄게 만드는 그들의 감소 할 수없는 경험적 특성들 때문에 그들을 선택합니다.

니콜 아이젠만
역사와 현재, 공공성과 프라이버시 사이의 반향은 Nicole Eisenman의 그림과 조각 뒤에 힘을 제공합니다. 현대 생활의 역동성에 대한 그녀의 안테나는 세상이 권력, 탐식, 탐욕, 피의 욕망, 그리고 다른 무엇보다 가치있는 가치로서의 돈에 대한 그들의 믿음에 의해 움직이는 악한 사람들로 가득 차 있다는 변함없는 진실로 그녀를 인도합니다.

그녀의 조각 작품에서 Eisenman은 이러한 힘을 괴물적이고, 왜곡되고, 뒤틀리고, 적출되고, 암적인 것으로 표현합니다. Weeks on the Train (2015), Morning Studio (2016) 및 Dark Light (2017), iPhones, 청바지, 후드 티, 랩톱, 야구 모자 및 기타 작업에서 볼 수 있듯이 우리 순간의 세부 사항에 대한 그녀의 확고한 헌신 우유 상자를 가구로 사용하는 것은 그녀를 사실주의와 장르 장면의 유서 깊은 전통에 확고하게 위치시킵니다. 예술과 삶을 분리하는 막이 가능한 한 다공성으로 렌더링되는 그림입니다.

아우 구 스타스 세라피나 스
아우 구 스타스 세라피나 스 (Augustas Serapinas)는 대안 적 관점의 창조에 관심이 있으며, 그들은 종종 제도와 예술계에서 부족한 다양성을 더 많이 만듭니다 … 그는 ‘만들기’창의성에 대한 깊은 존경심을 가지고 있으며 그의 작품은 종종 매일의 감동적인 영감. 고향 빌니우스의 미술 학교에서도 Serapinas는 제도적 제한에 맞서 아카데미 내에서 비밀 스튜디오로 사용할 숨겨진 공간을 찾고 Vilnelė 강으로 공급되는 동굴 같은 수도관에 볼트 구멍을 만들었습니다. 빌니우스 예술 아카데미의 마지막 해인 2012 년에 그는 주변의 공공 공간을 놀이 공간으로 사용하는 어린이 그룹을 발견하고 자신의 스튜디오 내에 등반 구조물을 만들어 게임을 발견하고 통합 할 수 있도록했습니다.

카메론 제이미
Cameron Jamie는 사진과 비디오에서 드로잉, 도자기, 조각, 복사 한 진에 이르기까지 다양한 미디어에서 작품을 제작했습니다. 그러나 그의 경력 초기에 그를 가장 주목하게 만든 작품은 Krampuslauf의 알파인 크리스마스 전통을 기록한 비디오 인 Kranky Klaus (2002-2003)였습니다. 오스트리아의 한 시골 마을에서, 남자들은 밤에 거리에서 뿔 달린 짐승으로 옷을 입고 장난 꾸러기라고 알려진 어린이와 젊은 여성을 찾아 나섰습니다. Krampus 짐승은 문화적으로 승인 된 안무 의식입니다.

마이클 E. 스미스
인간 이후의 유령에 대한 감각은 Michael E. Smith의 조각, 설치, 비디오 및 가끔 그림에 만연합니다. 예술가는 일반적으로 자신의 작업에서 쓰레기 처리장이나 기껏해야 중고 가게에서 찾을 수있는 물건의 종류를 사용합니다. 이들은 표면에 인간의 손에 의해 사용, 닳아서 결국 부러 졌다는 증거를 담고있는 인공물입니다. 그들이 버려 졌다는 바로 그 사실은 그들에게 매혹적인 애정을 불어 넣어 그들을 사랑받지 못하고 무력하며 그들이 타락하거나 사라지기를 거부하는 물질적 연옥에 위탁 된 것으로 드러낸다. 다른 곳에서는 실제 죽은 동물 (또는 그 일부)이 마치 결합 된 인공 물체의 치명적인 품질을 강조하는 것처럼 Smith의 조각 어휘에 들어갑니다.

Ad Minoliti
Ad Minoliti에게 형이상학적인 회화는 모더니스트 유토피아와 그녀가 비난받을 수있는 모든 것의 상징입니다. 그 이상성에 대한 억압, 단단한 구조의 보수주의, 심지어는 자크 데리다의 생각과 관련하여 암시적인 이원 논리까지도 서구 적 사고는 남성-여성, 합리적-정서적 또는 자연 문화와 같은 이원 적 반대에 기초합니다. 그녀의 예술적 노력은 이러한 모더니스트 입장에 대응하기 위해 대안적인 표현 공간을 만드는 것이 었습니다. 그녀는 인형 집의 가상 세계에서 형이상학 적 그림의 공간에 대한 변증 법적 대안 동종을 발견했습니다.

17 세기 발명품 인이 인형의 집은 처음에는 소녀들에게 가정 주부, 집주인, 자녀 양육자, 남편 지원자로서의 역할을 가르치기위한 교육 도구로 만들어졌으며 소년들은이 노동 분업과 철학을 받아들이도록했습니다. . Minoliti는 인형 집과 소품의 미학을 적절하게 활용하고 Kandinsky, Picasso 또는 Matisse를 반영하는 모더니스트 이미지로 합성 한 다음 분해하고 비틀고 이동하고 새로 재구성합니다.

존 라프 만
모더니스트 운동에서 Jon Rafman은 미래에 대한 유토피아 적 비전이 널리 퍼져 있다고 관찰했습니다. 그러나 후기 자본주의 포스트 모던 비전은 디스토피아 적 비전이되었다. 미래 개념의 이러한 변화를 탐구하기 위해 Rafman의 작업은 움직이는 이미지와 컴퓨터 생성 그래픽을 사용하여 때때로 새로운 기술과 관련된 장밋빛 낙관주의를 피합니다.

아서 자파
30 년 동안 Arthur Jafa는 영화, 조각 및 공연과 같은 매체에서 역동적 인 관행을 발전시켜 왔습니다. 그의 경력 전반에 걸쳐 그는 특별히 흑인 표현 모드에 투자 해 왔으며, 그 기쁨, 공포, 아름다움, 모든면에서 흑인 존재의 관점에서 세상을 (시각적으로, 개념적으로, 문화적으로, 관용적으로) 렌더링하는 방법에 대한 도전에 투자했습니다. 고통, 기교, 소외, 힘과 마법. Jafa는 네트워크 기반 이미지, 역사적 사진, 현지인 초상화, 뮤직 비디오, 밈 및 바이러스 성 뉴스 영상을 모아 인종을 염려하는 이미지의 부조리와 필요성을 강조합니다.

닐 벨 루파
Neïl Beloufa – 영화, 조각, 설치에 걸친 업무를 수행하는 Neïl Beloufa는 지난 10 년 동안 현실과 그 표현을 이해할 때 무엇이 ​​위태로운 지에 대해 생각했습니다. 그의 관행은 권위의 어떤 지위도 받아들이기를 거부합니다. 그것은 관찰이 날카 롭고 전달하는 것에있어 눈에 거슬리지 않습니다.

작가는 마치 시청자에게 ‘이제 당신의 문제, 당신이 그것을 처리한다’고 말하듯 자신의 명제에서 끊임없이 자신을 제거합니다. 예를 들어, Global Agreement (2018-2019)의 동영상을보기 위해 시청자는 불편하고 움직임을 제한하는 체육관 장비를 연상시키는 구조물에 앉아야합니다. 동시에 공간의 구성은 각 시청자가 다른 사람을 관찰하는 모든 사람을 관찰 할 수 있음을 의미합니다. 귀하는 비디오를보고있을 수 있지만 누군가는 항상 귀하를보고 있습니다.

잔나 카디 로바
사진, 비디오, 조각, 공연 및 설치를 포함하는 Zhanna Kadyrova의 예술에서 가장 눈에 띄는 측면 중 하나는 형태, 재료 및 의미에 대한 실험입니다. 그녀는 종종 콘크리트 및 시멘트와 같은 무거운 건축 자재와 결합하여 모자이크에 값싼 타일링을 사용합니다.

Central Pavilion에서 볼 수있는 Second Hand 버전 (2014- 계속)은 베니스의 호텔에서 세라믹 타일의 용도를 변경하여 의류와 린넨을 구성합니다. 길거리 상인이 필요로하는 모든 것을 갖춘 음식 가판대 인 Market (2017 년 진행 중, Arsenale에 전시 됨)의 경우, 그녀는 콘크리트와 자연석으로 소시지와 살라미를 만들고 과일과 채소, 바나나, 수박, 석류, 가지를 만듭니다. 두툼한 모자이크.

이안 쳉
Ian Cheng은 컴퓨터 프로그래밍의 기술을 사용하여 돌연변이 및 진화 능력으로 정의 된 생활 환경을 만듭니다. 그는 기본 프로그래밍 된 속성으로 시작하지만 권한의 통제 나 끝없이 스스로 진화 할 수있는 살아있는 가상 생태계 인 ‘라이브 시뮬레이션’을 개발하고있었습니다. 끊임없는 변화의 경험에 수반되는 혼란, 불안 및인지 부조화의 감정을 의도적으로 행사하는 형식입니다.

Cheng의 가장 최근 생명체 인 BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019)는 중앙관에 전시되었으며, 뱀이나 산호를 떠올리게하는 성격, 가치, 신체가 지속적으로 성장하고있는 AI (인공 지능)의 한 형태입니다. . BOB의 행동 패턴과 라이프 스크립트는 iOS 앱을 통해 BOB의 행동에 영향을 미칠 수있는 인간과의 상호 작용에 의해 촉진됩니다. Life After BOB : First Tract (2019)는 Arsenale에 게재되어 BOB를 중심으로 한 내러티브 세계에 대한 일종의 “미리보기”역할을합니다.

나 이리 바그 라미안
Nairy Baghramian은 기계적인 형태와 의인화 된 형태를 융합하여 복잡한 조각품을 만듭니다. 그녀의 작품은 조각을 하이브리드 생물로 상상합니다. 완전히 기계적이거나 완전히 육체적이지 않은 Baghramian의 물체는 고정하기가 어렵습니다. 아르 세 날레의 외부 복도를 따라 전시 된 일련의 유리 부속물 인 Dwindlers는 “우리가보고있는 것이 무엇입니까? 손상된 환기 덕트 또는 괴물 같은 장의 모음? 장식 장식 또는 파괴적인 구조?”라는 질문을 강요합니다.

Central Pavilion에서 그녀는 긴밀하게 조립 된 그룹 (코르크 바와 래커 처리 된 버팀대에 의해지지되는 왁스 형태에 대해 단단히 눌러 진 원시 주조 알루미늄)에서 상호 의존적 인 조각 요소의 콜라주 인 Maintainers (2019)를 보여줍니다. 견고하고 완고한 형태의 콜라주는 재료지지와 공격 사이에 역동적 인 긴장감을 불러 일으 킵니다. 코르크와 옻칠 한 버팀대 없이는 작품이 잠재적으로 붕괴 될 수 있습니다.

줄리 메 레투
Julie Mehretu의 이전 캔버스는지도, 건축 다이어그램 및 도시 계획 그리드를 언급했습니다. 작가는 글로벌 이동성과 글로벌 불평등을 가리키는 일련의 벡터와 표기법을 사용했습니다. 그들은 규모와 음의 공간을 사용하는 데있어서 어지러 울 정도로 복잡하고 능숙합니다. 속도감을 전달합니다. 그녀의 최근 작품에서 그녀는 다른 유형의 방향 감각 상실을 포용하여 에어 브러시 획과 스크린 인쇄 요소를 더하고 지우고 소 실감과 상실감을 불러 일으키는 작품을 제작합니다. 언더 페인팅의 세부 사항은 더 이상 그림 정보로 시청자에게 제공되지 않지만,이 소스 이미지는 완성 된 그림의 분위기를 설정하는 감성 수준에 등록 할 수있는 능력을 여전히 가지고 있습니다.

헨리 테일러
자신의 회화 실습을 “풍부한”것으로 묘사 한 헨리 테일러는 빈곤 한 사람부터 눈부신 성공한 사람에 이르기까지 매우 다양한 주제로 작품을 채 웁니다. 가족과 친구의 친밀한 초상화를 통해서든, 서로 다른 지역과 역사를 결합하는 정치적으로 영향을받은 그룹 장면을 통해 Taylor의 목표는 흑인 경험의 현실과 종종 미국 생활의 악의적 작업을 정직하게 묘사하는 것입니다. 그러나 불의에 대한 날카로운 눈과 예술-역사적 참고 문헌의 빈번한 통합에도 불구하고 Taylor의 그림은 무겁지 않습니다. 대담한 형태와 블록 색상이 즉각적으로 시청자를 사로 잡습니다.

지미 더럼
또한 글과 공연의 요소를 통합 한 Jimmie Durham의 연습은 다양한 일상 용품과 천연 재료가 생생한 형태로 조립되는 조각 형태를 가장 자주 취합니다. 더럼이 “거부 된 물건과의 불법적 인 조합”이라고 부르는 생산 과정은 그의 작품을 가득 채우는 파괴적인 태도의 구체화로 볼 수 있습니다.

센트럴 파빌리온에서 더럼은 스테인리스 스틸 프레임으로 둘러싸인 큰 시조 바위 석판 인 Black Serpentine을 선보입니다. 반톤의 질량은 견딜 수없는 인내심에 도전합니다. 아르 세 날레에서 가구 부품, 매끄러운 산업 자재 또는 헌 옷의 조합으로 만들어진 각 조각은 직함 동물의 크기에 가깝지만 결과 형태는 존재의 초상화가 아니라 전통적인 계몽주의 개념에 도전하는 시적 얽힘입니다. 인간과 자연의 분리.

룰라 할라 와니
Rula Halawani의 유령 이미지는 그녀의 나라를 전쟁 지역으로 변화시킨주기적인 폭력의 여파를 포착합니다. 사진 기자로서의 그녀의 배경과 이스라엘 점령 당시의 삶에 대한 회상을 바탕으로 할라 와니는 지금은 낯선 풍경에서 역사적인 팔레스타인의 희미한 흔적을 찾습니다. 사진이라는 매체를 통해 점령의 공간적 함의는 건축 된 환경에서 정치적 구조를 표현하는 것뿐만 아니라 부정적인 공간과 어두운 환상의 공허함에도 더욱 뚜렷하게 반영됩니다.

소함 굽타
그의 유령 초상화에서 Soham Gupta는 콜카타의 밤문화에 빛을 비추 며 도시에서 가장 취약한 주민들이 어떻게 살고 있는지 보여줍니다. 그의 시리즈 Angst에서 우리는 그들이 살고있는 세계를 이동하면서 사진 작가의 상상력에 생생한 캐릭터가되는이 야행성 인물들을 따릅니다. 굽타는 그의 초상화가 그와 그의 주제가 서로 털어 놓는 친밀한 상호 작용에서 이끌어 낸 협업 과정의 결과라고 생각합니다. 사진 작가는 사회의 경계에있는 사람들과 본능적 인 인연을 갖고있다. 그는 그들 사이를 걸으며 그들의 고통과 투쟁을 확인합니다.

각 주제와 시간을 보낸 후 굽타는 그들의 이야기를 전기적으로 설명합니다. 굽타의 사진은 무력한 사람들에게 표현력을 부여합니다. 사진은 도시와 그 사람들에 대한 문서가 아니라 더 본질적인 것에 뿌리를 둔 심리적 상태의 표현입니다. 연약함과 외로움은 기쁨과 자발성의 순간으로 강조됩니다. 고뇌의 울부 짖음과 아픔은 사진 이미지로 잠잠해질 수 있지만 굽타의 사진은 밤에만 볼 수있는 다양한 인류의 그늘을 생생하게 표현한다.

이불
남한의 군사 독재 시절 좌익 활동가의 딸로 성장한 이불은 급속한 경제, 문화적 변화를 겪고있는 한 나라에서 억압 정권의 영향을 경험했다. 1980 년대 후반에 시작된 그녀의 초기 작품은 돌출부와 매달린 내장으로 장식 된 괴물 같은 ‘부드러운 조각’의상을 만들고 입었던 거리 공연이었습니다. 뒤이어 여성의 몸에 새겨진 사이보그 조각상이 기계로 변형되어 머리와 팔다리가없는 불완전한 잡종을 형성했습니다. 그 결과 그녀는 일본 만화와 애니메이션, 생명 공학, 브루노 타우트 (1880-1938)의 환상적 건축물에서 구상 된 꿈, 이상 및 유토피아에서 영감을받은 미래 도시 풍경에 대한 아이디어를 탐구하게되었습니다.

라라 파 바레토
Lara Favaretto의 다각적 인 예술 관행은 조각, 설치 및 공연 액션을 포함하며 종종 블랙 유머와 불경을 통해 표현됩니다. 그녀의 시리즈 Momentary Monuments (2009- 계속)에서 한 가지 예를 찾을 수 있습니다. 이는 역사적 사건을 미화하거나 국가 정체성에 대한 감정을 조성하기위한 것이 아닙니다. Favaretto의 기념비는 덜 이념적이고 비극적입니다. 그들은 단순히 썩고, 무너지고, 다른 방식으로 용해됩니다. 이것은 그 자체로 기념비를 건설하려는 엄청난 노력을하지만 인간의 노력은 무익합니다. Favaretto의 작업에서 암시적인 농담은 가치와 이데올로기를 영원히 결합시키려는 가장 안정적인 재료로 만들어진 물건조차도 결국 사라진다는 것입니다.

로렌스 아부 함단
자신을 “사적인 귀”라고 묘사하는 Lawrence Abu Hamdan은 청취의 정치, 소리의 법적 및 종교적 영향, 인간의 목소리 및 침묵에 중점을 둡니다. 그의 연습은 DIY 음악의 배경에서 비롯되었지만 현재는 영화, 시청각 설치 및 라이브 오디오 에세이에 걸쳐 있습니다.이 용어는 음성과 콘텐츠의 얽힘을 더 잘 설명하기 때문에 그가 “강의 공연”을 선호하는 용어입니다. 담화와 그것이 발음되는 조건. 그는 인간의 목소리를 정부 나 데이터 회사가 쉽게 이해할 수있는 정치적 자료로 다룹니다.

파트 V

테레사 마골 레스
Teresa Margolles는 고국 인 멕시코에 퍼져있는 마약 폭력의 잔인함에 대해 페미니스트 렌즈를 훈련시킵니다. 법의학을 연구하고 데스 메탈 영감을받은 예술가의 집단 SEMEFO를 공동 창립 한 Margolles는 연습 내내 정부의 과실, 마약 범죄 화로 인한 사회적 경제적 비용, 특정 질감, 냄새 및 물리적 유골을 주제로했습니다.

Sun Yuan & Peng Yu
The artist couple Sun Yuan and Peng Yu started their collaboration in 2000. In 2009, they created the installation Sun Yuan Peng Yu, a self-portrait describing the relationship and dynamic of their artistic alliance. A recurring smoke circle was persistently dispersed by a broom powered by a mechanical arm that kept on sweeping in the air; the smoke would persistently reappear, only to be dissolved when the broom hit again.

Sun과 Peng에게 두 구성 요소가 만나는 순간과 서로가 해체되는 순간은 작업 방식에서 공동 예술적 창작의 순간을 상징합니다. Sun Yuan과 Peng Yu의 거의 모든 설치물은 관중의 경이와 긴장감을 불러 일으키고 있습니다. 청중의 입장을 바라 보는 행위는 최근 작품의 구성 요소로, 종종 위협적인 안경을 연출하기도한다.

크리스찬 마 클레이
Christian Marclay의 작품은 이미 존재하는 사물, 이미지 및 소리로 만들어지며이를 적절하게 활용하고 조작합니다. 사운드와 이미지의 관계에 대한 그의 탐구를 통해 그는 할리우드 영화에 샘플링 기법을 적용하게되었습니다. 그는 클립 몽타주를 만들어 새로운 내러티브와 다중 화면 투영을 형성했습니다.

그는 발견 된 물건, 이미지 및 소리를 사용하고 함께 합성하고 사용할 수있는 것과 새롭고 다른 것을 만들려고했습니다. 완전히 독창적이고 처음부터 시작하는 것은 항상 헛된 것처럼 보였습니다. 그는 존재하고 내 주변의 일부인 무언가를 잘라 내고 비틀고 다른 무언가로 바꾸는 데 더 관심이있었습니다. 그것을 전유하고 조작과 병치를 통해 그의 것으로 만듭니다.

프리다 오 루파 보
Frida Orupabo의 중심 관심사는 흑인 여성의 신체 묘사이며, 특히 미디어 문화에서 이미지의 순환과 관련이 있습니다. 그녀는 개인 아카이브에서 찾은 사진과 이미지를 결합하여 인종, 성별, 정체성, 성, 시선 및 식민지 폭력의 주제를 탐구하는 디지털 콜라주를 만듭니다. 독학 예술가이자 훈련 된 사회학자인 Orupabo는 원래 소스 자료를 얻고 미술사에 의해 생성 된 흑인 여성의 몸을 구성하는 이미지의 끝없는주기에 개입하는 수단으로 소셜 미디어 플랫폼에 그녀의 콜라주를 업로드하고 스트리밍하기 시작했습니다. 식민주의, 과학, 대중 문화.

Cyprien Gaillard
인간이 만든 것과 자연적인 것 모두의 엔트로피를 그의 중심 관심사로 만드는 Cyprien Gaillard는 그의 비디오, 조각, 사진, 콜라주 및 공공 예술을 통해 진보의 아이디어에 대한 지적 비평을 수행합니다. 유목민 관찰자 인 Gaillard는 도시 환경과 자연 경관을 여행하며 주변에 깊은 시간의 흔적을 찾습니다. 그는 외부 세계의 파편을 내부로 가져와 시대 착오적 병치를 형성하고 파괴와 재건, 재생 및 타락의 이미지를 결합합니다.

Gaillard의 관행은 물리적 형태의 침식이든 사회적 및 역사적 의미이든 상관없이 부패의 시각적 고고학입니다. 그의 작품에서 종종 시간을 무너 뜨리는 Gaillard는 폐허의 낭만주의에 맞서 싸우며, 주기적 시간의 통일 된 틀을 통해 사건과 장소의 잔재를 이해할 수있는 무관심한 시선을 제안합니다.

Danh Vo
2019 년 비엔날레 아르테를위한 Danh Vo의 절충적인 협력자 집단에는 남자 친구, 조카, 아버지, 전 교수가 포함됩니다. Vo의 설치에서 역사는 문화적 아이콘이나 손상된 종교적 이미지와 같은 충전 된 상징적 대상과 그의 가족과 친구들의 문자 적, 은유 적 참여를 통해 작가 자신의 전기를 만난다.

슬라브와 타타르
2006 년에 설립 된 Slavs와 Tatars는 북 클럽으로 시작하여 문자 적, 비 유적 방식 모두에서 다방면의 관행이 언어에 매우 근접한 예술가 집단으로 발전했습니다. 조각과 설치부터 강의 공연과 출판에 이르기까지 그들의 작업은 이전 베를린 장벽과 만리장성이라는 두 개의 상징적 및 물리적 장벽으로 둘러싸인 지리적 영역의 문화적 풍부함과 복잡성에 대한 비 전통적인 연구 접근 방식입니다. 이 광대 한 땅은 동쪽과 서쪽이 충돌하여 서로 합쳐지고 재정의되는 곳입니다.

류 웨이
Liu Wei의 초기 작업은 종종 도시 건축, 도시 풍경 및 일상적인 물건을 다루었으며 회화와 설치에서 반복되는 기하학적 스키마를 사용하여 물리적 세계의 다양한 측면을 표현했습니다. 지난 20 년 동안 그는 쇠가죽 개 씹기에서 책, 가정용 전자 장치에서 중국 도자기, 버려진 건축 자재에 이르기까지 눈부신 다양한 재료를 다루었습니다. 그의 최근 대규모 설치는 기하학적 모양과 형태로 가득 찬 모더니스트 무대 세트의 형식과 화려 함을 연상시킵니다.

아피 찻퐁 위라 세타 쿨
Apichatpong Weerasethakul의 작품은 고국 태국의 사회 생활, 다양한 문화 및 격동적인 정치에 흠뻑 젖어 있으며, 잠, 꿈, 기억의 일시적인 무대는 탐험, 해방 및 조용한 전복의 공간으로 되풀이됩니다. 이러한 주제들은 일본 예술가 히사 카도 츠요시 (1981, 일본)와 함께 만들어지고 위라 세타 쿨의 문턱 공간이 물리적 인 형태를 부여받는 아르 세 날레에서 선보인 동시성 (2018)의 빛, 소리 및 화면의 복잡한 상호 작용으로 이어집니다.

Central Pavilion의 두 작품은 현재 프로젝트 Memoria를 위해 처음으로 태국 밖에서 콜롬비아에서 일한 Weerasethakul에게 중요한 변화를 의미합니다. 콜롬비아의 지형과 수십 년간의 내전으로 인한 상처는 Weerasethakul에 대한 본능적 인 친화력을 가지고 있습니다. 집단 기억의 트라우마는 나 부아 에서처럼 일상 생활의 일부입니다.

Handiwirman Saputra
지난 10 년 동안 Handiwirman Saputra는 일상 생활에서 발견 한 임의의 물건에 의해 촉발 된 뿌리 없음, 싹 없음이라는 제목의 수수께끼 같은 조각과 그림을 제작했습니다. 이 작품들 중 일부의 원동력은 그의 집 근처에 펼쳐진 강이었는데, 그곳에 노출 된 대나무 숲과 나무의 뿌리가 집 쓰레기와 얽혀있었습니다. Saputra는 그가 그곳에서 발견 한 것뿐만 아니라 그들 사이의 연관성에 흥미를 느꼈습니다.

케망와 르훌 레레
Kemang Wa Lehulere의 풍부하게 겹쳐진 작품은 방문객들이 함께 생각하면서 주변에 모이도록 장려합니다. 집단에 대한 이러한 개념은 예술가의 광범위한 실천의 핵심입니다. 그는 케이프 타운에서 활동가로 수년간의 경험을 쌓은 후 20 대 후반에 예술가가되었습니다. 그는 공연과 사회적 개입을위한 예술적 플랫폼 인 Gugulective를 2006 년에 설립했습니다.

Arsenale과 Central Pavilion에 전시 된 설치물은 모두 학교 책상과 의자에서 회수 한 목재와 금속으로 만들어졌습니다. Wa Lehulere의 경우 개인 전기와 집단 역사는 뗄 수없는 관계이기 때문에이 작품의 각 요소는 연관성, 참고 문헌 및 이야기의 웹으로 함께 제공됩니다.

가우리 길
더 먼 곳을 여행하면서 Gill은 새로운 교외의 “잔해의 황무지에 존재하는 식민지, 그들을 둘러싼 이주 노동자의 임시 집과 모조 영국 성”을 보았다. 그녀의 건축 데드 판은 달성 할 수없는 꿈을 행하는 개발자들의 비축을 포함합니다. 건축 및 건설에 관한 교육 전시; 진짜 나무 사이에 심은 가짜 손바닥; 에어컨 유닛 위에있는 여신; 마하트마 간디로드 (Mahatma Gandhi Road)에서 철거되는 과정에서 찢어진 시트로 덮인 새 건물; Grand Trunk Road 옆에 썩은 쓰레기 다발; 모든 곳에서 특징없는 고층 건물입니다.

마이클 아미티지
환상적인 현실과 현대 생활의 정치적 혼란 사이에 위치한 Michael Armitage의 그림은 여러 내러티브 스레드를 결합합니다. 복잡한 사회 역학의 예리한 관찰자로서 그는 내러티브 페인팅의 언어를 통해 기존의 표현 코드를 파괴합니다. 불평등과 정치적 불확실성의 문제를 확대하는 그의 생생한 테이블의 그림 같은 아름다움은 화려한 디테일과 생생한 색상의 충돌이 나이로비의 일상 생활을 지배하는 사회적 관습과 정치적 이념에 대한 통찰력을 제공하는 불길한 현실을 믿습니다.

제시 달링
Jesse Darling의 조각품은 상처를 입었고 촌스럽고 불안정하지만 생명으로 가득 차 있습니다. 저비용의 일상적인 재료로 만든이 겸손한 조합은 몸에 특이한 신랄함을 불러 일으 킵니다. 그들은 또한 확실히 비 기념 적입니다. 신경 질환으로 인해 오른팔을 거의 다 쓸 수 없었던 달링은 처음에 조각에 대한 이해를 알려 주었던 상속 된 이데올로기와 유능한 마치 모에 충격을 받았습니다.

Khyentse Norbu
예술가이자 영화 제작자 인 Khyentse Norbu의 작업에서 맥락에 대한 철학적 질문이 중심적인 역할을합니다. 이해와 해석은 항상 변화에 개방적이며 더 넓은 시야의 여지가 있다는 제안이 있습니다. 불교 세계에서 Dzongsar Khyentse Rinpoche로 알려진 Norbu는 그의 가르침과 글쓰기로 존경받는 티베트와 부탄 라마입니다.

알렉산드라 비르 켄
Alexandra Bircken의 관행은 인간 형태를 중심으로 구축되었습니다. 그녀의 작품은 실리콘, 나일론 스타킹, 무기 및 기계와 같은 제조 품목에서 양모, 가죽, 가지 및 말린 과일과 같은 유기 재료에 이르기까지 특이한 범위의 재료를 통합합니다. 예전의 목적을 벗어난 이들은 비범하고 불편한 배열로 조립되며, 각각의 작업은 반대되는 긴장으로 살아 있습니다.

센트럴 파빌리온에서 Bircken은 젠더, 권력, 취약성, 동물과 기계를 주제로 한 6 개의 작품을 선보입니다. 이것은 우리의 취약성, 신체성, 그리고 우리가 외부로부터 그리고 서로로부터 자신을 보호하기 위해 만든 오만 적 도구를 상기시키는 작업입니다. Arsenale에서 예술가들은 인류의 종말이 어떻게 생겼는지에 대한 디스토피아 적 관점 인 본능적이고 묵시적이며 역동적 인 설치 ESKALATION (2016)을 전시합니다.

나 부치
Nabuqi는 조각품의 미적 및 물질적 측면을 탐구하는 데 깊이 전념합니다. 작가에게있어 야외의 모방은 본래의 특성을 충실히 유지 한 제작물들의 집합체를 통해 실현되는 것이 중요하다. “내 손으로 타협하지 않고 재료의 초기 상태와 특성을 회복하고 싶었다. 꼼꼼하게 창작 한 작품을 전시 공간에 보여주지 않고, 야외 (외부)와 내부 (내부) 모두에 관련된 환경을 만들고 싶었다.

여기에 사용 된 모든 재료는 본질적으로 장식 적이며 일종의 현실을 시뮬레이션하거나 자극하거나 미학의 상상력을 키우는 것입니다 : 가상의 미학, 쾌적하고 환대 할 수 있습니다. 관객들에게 마치 실제와 같은 감정적 공명을 불러 일으키는 지, 그녀의 작품은 그러한 질문에 답하려고 노력한다.

실파 굽타
실파 굽타는 경계의 물리적, 이데올로기 적 존재를 중심으로 작업하며 동시에 임의적이고 억압적인 기능을 드러냅니다. 그녀의 관행은 국가 간 틈새 영역, 민족 종교적 분열 및 감시 구조, 즉 합법적 정의와 불법적 정의, 소속감과 격리 사이에 있습니다. 일상적인 상황은 간결한 개념적 제스처로 추출됩니다. Gupta는 시민 또는 무국적자로서 우리의 삶을 지배하는 감지 할 수없는 힘을 다루는 텍스트, 행동, 객체 및 설치로 구성됩니다.

안드라 우르 수타
강박 적 강박과 폭력적인 욕망 성적 및 정치적 지배에 대한 복종; 인간 존재의 취약성; 건설과 허구로서의 정체성 : 이것들은 Andra Ursuţa의 조각과 설치에서 탐구 된 허무주의적이고 비극적 인 시나리오를 뒷받침하는 몇 가지 주제입니다. 역설과 아이러니에 얽매인이 작가의 작업은 정치적 사건, 진부한 표현과 우화뿐만 아니라 개인적인 기억을 바탕으로 폭력과 진부함, 무관심과 공감, 비참함, 그리고 기분.

크리스틴 & 마가렛 베르트 하임
Christine과 Margaret Wertheim의 Crochet Coral Reef는 조각과 학습용 장치, 식물, 생물학적 모델 사이 어딘가에 있습니다. 이러한 3 차원 모델은 한때 유리로 만들어졌습니다. Wertheims의 프로젝트에서 양식은 크로 셰 뜨개질로 만들어집니다. 실, 실, 철사, 오래된 비디오 테이프, 구슬, 한 땀이 다른 꿰매어지고 모두 점차적으로 결합하여 일련의 산호초를 만듭니다. 과학과 예술의 우아한 동맹 인 Crochet Coral Reef는 쌍둥이의 전기를 반영합니다. 물리학 자 훈련을받은 Margaret은 유명한 과학 작가입니다. 시인이자 전 화가 인 크리스틴은 비평 연구 교수입니다.

2005 년 어느 날 저녁 Wertheim 자매의 거실에서 커피 테이블에 흩어져있는 털복숭이 형태를 바라보며 Christine은 “우리는 산호초를 뜨개질 할 수 있습니다!”라는 말을했습니다. 마가렛은 온라인으로 프로젝트에 참여하라는 초대장을 올렸고, 자매들이 만들고있는 형태와 결합하기 위해 크고 작은 모델이 우편으로 나타나기 시작했습니다. 떠오른 것은 광대 한 제안이었습니다. 크로 셰 산호초는 시간과 상상력을 필요로하고 표현하는 것으로, 비 계층 적 협력이었습니다. 현재까지 10,000 명 이상의 참가자가 서로 다른 도시와 국가에서 40 개가 넘는 새틀 라이트 리프를 집합 적으로 뜨개질했습니다.

강서 경
회화, 조각, 영상, 작가가 ‘활성화’라고 표현한 것을 통합 한 강석경의 다변량 실천은 오늘날 개인의 위치와 역할을 중심으로한다. 강씨는 한국 문화 유산의 측면과 자신의 개인사를 활용하여 이데올로기 구조를 재 구상하고 권한있는 이해 관계자가 현재의 시공간에서 자신의 선택 의지를 표현하고 행사할 수있는 정치적 무대를 구상한다.

오토 봉은 캉가
광물, 에너지, 상품 및 사람의 (종종 폭력적인) 움직임과 교환을 언급하는 Otobong Nkanga의 작업은 사물과 행동이 고립되어 존재하지 않는다는 것을 상기시켜줍니다. 항상 연결이 있고 항상 영향이 있습니다. “우리 중 누구도 정적 인 상태에 있지 않다”고 작가는 말했다. “정체성은 끊임없이 진화하고 있습니다. 아프리카 정체성은 여러 가지입니다. 예를 들어 나이지리아, 세네갈, 케냐, 프랑스 또는 인도 문화를 살펴보면 식민지 영향과이 교환의 영향에 대해 이야기하지 않고는 특정 정체성에 대해 말할 수 없습니다. – 무역, 상품 및 문화 “.

알렉스 다 코르 테
Alex Da Corte의 몰입 형 작품은 자기 세계를 만드는 행위를 증언합니다. 그는 그런 것이 아닌 것을 의미하고 암시하는 대상들의 춤을 안무합니다. 그는 코드와 상징을 통해 이야기를 들려줍니다.이 이야기는 적절하고, 조립되고, 무대 화되고, 제작 된 아메리카나의 회오리 바람이 높고 낮은 문화적 참조와 달러 상점 발견 물과 동시에 주입됩니다.

중앙 파빌리온에서 시청자는 사람들이 연방에서 발표 된 인기 TV 시리즈 Mister Rogers ‘Neighborhood의 미니어처 미국 교외 마을을 정확히 복제 한 The Decorated Shed (2019)의 집에서 조용한 삶을 사는 것을 보는 거인이됩니다. 스타일 마호가니 테이블, 기업 레스토랑 체인 간판이 추가되었습니다. Arsenale에서 네온 조명 고무 연필 악마는 벤치에 앉아 다양한 캐릭터가 최면술처럼 느린 안무를 수행하는 친숙한 TV 프로그램의 크기가 크고 포화 상태 인 성인용 버전을 시청하면서 시청자를 소형화합니다.

파트 VI

할릴 알틴 데레
Halil Altındere는 비디오, 사진, 설치 및 그림에서 일상의 정치를 면밀히 조사합니다. 사회 정치적 메커니즘과 개인에 대한 침해를 예리하게 관찰 한 그는 종종 권위를 주장하고 민족 국가의 제도가 차이를 제한하는 바로 그 수단을 사용합니다. 신분증, 우표, 지폐, 신문 첫 페이지, 군국주의 적 슬로건 및 정치 지도자의 사진은 사회적 또는 정치적 조작 및 정상화를 파괴하는 데 사용됩니다.

쿠르드족 출신으로 터키-쿠르드 전쟁이 절정에 달했을 때 성장한 Altındere는 수많은 작품에서 소수의 방치와 학대를 다룹니다. 최근 몇 년 동안 Altındere는 소련 팀과 함께 우주를 여행 한 시리아 최초이자 유일한 우주 비행사 Muhammed Ahmed Faris와의 만남에서 영감을 얻은 시리즈 인 Space Refugee (2016)를 비롯한 여러 작품에서 전 세계 난민 위기에 참여했습니다. 1987.

인 시우 전
1990 년대 초부터 Yin Xiuzhen은 재활용 재료를 사용하여 사회적 참조가 담긴 야심 찬 조각품을 만들어 왔습니다. 1989 년 이후 중국을 대체로 정의한 과도한 개발, 소비 및 세계화를 반영하여 그녀의 작품에서 그녀는 부드러운 직물에 가방, 콘크리트 파편, 파편, 금속 및 산업 개체.

캐롤 보브
Carol Bove의 조각은 모더니즘의 깔끔한 선을 머리에 뒤집습니다. 그녀의 형식적인 구문은 구부러짐, 움푹 들어간 곳, 토크, 꼬임, 구겨진 부분, 주름 및 조각 표면을 애니메이션으로 만드는 기타 접힘의 능숙한 언어입니다. 작가는 이러한 작품을 “콜라주 조각”이라고 불렀는데, 이는 산업적으로 형성된 것과 단지 발견 된 것, 구식과 새로 주조 된 것 사이의 생산적 긴장을 탐색하는 일종의 활동이다.

그녀의 소재의 물리적 마찰은 거칠고 처리되지 않은 강철과 역동적 인 대조를 이루는 빨간색, 노란색, 분홍색 및 녹색의 대담한 캔디 색상 팔레트를 통해 애니메이션됩니다. 그녀가 발견 한 물건의 거칠고 퇴색 된 물질 성으로 그녀의 페인트 항아리의 매끄러운 마감. 이 모드에서 표면 색상은 강철 튜브가 부드럽고 가단성있는 물질로 만들어 졌다는 착각을 불러 일으 킵니다. Bove의 솜씨 좋은 비틀기, 접힘 및 구부림은 보는 사람의 운동 학적 접근을 요구합니다. 그들은 신체, 눈, 마음이 작업을 이동하고, 움직이고, 일주하도록 강제합니다. 이 물건들이 이야기를한다면 그것은 움직임과 압력, 힘과 부드러움에 대한 설명 일 것입니다.

에이버리 가수
Avery Singer의 그림은 매체의 한계를 탐구합니다. 브러시로 페인팅하는 대신 건축가와 엔지니어에게 인기있는 3D 모델링 소프트웨어 인 SketchUp을 사용하여 캔버스에 투영되고 에어 브러싱되는 디지털 구성을 만듭니다. Singer는 성 중립적 인 얼굴과 비 성적인 모양을 묘사함으로써 얼굴 특징을 일련의 선, 격자 및 기하학적 형태로 줄여 정체성 모호성을 강조합니다.

지난 2 년 동안 Singer는 그리 사유 팔레트에 색상을 도입했습니다. 캔디 컬러의 칼더 (토요일 밤) (2017), 중앙관에서 볼 수있는 음소거 된 반 추상 그림과 대조되는 그림 그룹. 표현의 한계를 가지고 노는 동안, 그림의 가능성을 확장하려는 Singer의 지속적인 탐구는 예술가의 성별에 대한 환원 적 이론과 가정에 맞서 싸우기도합니다.

은지 데카 아쿠 닐리 크로스비
Njideka Akunyili Crosby의 그림은 동시대 나이지리아 디아스포라의 일원으로서 그녀의 경험을 반영하며, 비슷한 길을 따라 간 사람들에게는 즉시 알아볼 수 있지만 많은 사람들에게 익숙하지 않은 특정 문화 및 국가 정체성을 묘사합니다. 십대 때 미국에서 공부하기 위해 이주한 Akunyili Crosby는 다양한 미적, 지적, 경제적, 정치적 맥락 사이에서 자신있게 (아마도 내재화 된 마찰 없이는 아닐지라도) 움직이며, 그녀의 그림을 그들의 그림에 제공하는 것은 이러한 맥락의 충돌과 오정렬입니다. 긴장과 신랄함.

작가는 자신과 가족을 대표하는 초상화와 국내 인테리어를 그립니다. 이 장면들은 한 번에 평평하고 무한히 깊으며, 창문과 출입구가 다른 공간으로 열려있는 반면,이 그림에 묘사 된 공간은 불확실합니다. 예를 들어 주철 라디에이터와 같은 특정 세부 사항은 추운 기후 (예 : 예술가가 한동안 살았던 뉴욕)를 나타내며, 테이블에 놓인 파라핀 램프와 같은 다른 세부 사항은 Akunyili Crosby의 나이지리아의 추억.

안토니 에르난데스
Anthony Hernandez의 사진 작업은 어렵고 감성적이지 않습니다. 지난 30 년 동안 사진 작가에게는 널리 퍼진 질문이있었습니다. 도시의 현대 유적과 도시 생활이 유리하지 않은 시민들에게 미치는 가혹한 영향을 어떻게 그려야할까요? Hernandez는 사진 작가 Lewis Baltz가 “패배자의 풍경”이라고 부르는 것에 초점을 맞춰이 질문에 접근했습니다. 노숙자 캠프, 실업 사무실, 자동차 파멸 야드, 버스 정류소 및 도시 외곽에있는 기타 방치 된 공간. 낭만적이거나 향수를 불러 일으키지 않는 Hernandez의 작업은 자본주의의 행복에 대한 약속이 타락한 장소와 공간을 자세히 설명했습니다.

제 넬레 무 홀리
남아공 흑인 레즈비언 초상화의 진화하는 아카이브 인 Faces and Phases (2006- 계속)로 유명한 Zanele Muholi는 음소거와 투명화에 대해 격렬하게 작업하는 사진 작가입니다. 예술가 라기보다는 “시각적 활동가”로 불리기를 선호하는 Muholi는 퀴어와 시각 활동을위한 플랫폼 인 Inkanyiso뿐만 아니라 여성 권한 부여 포럼의 공동 창립자입니다.

자기 대표의 중요성은 남부 흑인 레즈비언의 삶에서 1 년 365 개의 이미지로 만들려는 일련의 무죄 한 자화상 시리즈 인 Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012- 계속)의 중심입니다. 아프리카. 이 시리즈에는 아티스트가 Arsenale에서보기에 도전적으로 또는 시청자의 시선을 직접 만나는 작업과 중앙관에서보기에 Muholi가 그것을 피하고 좌절시키는 작은 은색 젤라틴 프린트가 포함됩니다.

스탠 더글라스
Stan Douglas의 영화, 비디오, 사진 및 시네마틱 설치물은 종종 그가 “사변적 역사”라고 부르는 것과 관련이 있으며 사건이 매우 다른 방향으로 전환 될 수있는 중추적 인 순간을 묘사합니다. Douglas는 사진을 “움직이는 이미지가없는 영화”라고 간주하고 영화의 한 장면과 거의 같은 방식으로 사진을 만듭니다. 그는 특정 이벤트를 다시 제정하여 세트, 배우 및 세심한 조명으로 재조정하기 전에 긴 연구 과정을 거칩니다.

코라 크리트 아루나 논 차이
공연, 비디오 및 설치 사이에서 작업하는 Korakrit Arunanondchai는 가족, 미신, 영성, 역사, 정치 및 예술이 얽힌 영역을 만듭니다. 2013 년부터 시작된 재미있는 이름을 가진 사람들로 가득 찬 방에서 그의 역사와 연계 된 연작. 반복되는 중심 인물 인 가상의 태국 화가는 전통적 신념, 자연 환경, 기술 발전 간의 상호 작용을 반영하는 상황에서 묘사됩니다. 변화하는 태국의 정치, 문화.

Central Pavilion에 전시 된 조각 설치물은 일련의 ‘포스트 자연’나무와 같은 형태이며 Arsenale은 Alex Gvojic (1984, 미국)이 제작 한 3 개의 스크린 설치물을 개최합니다. 갤러리는 잠재력과 함께 모이는 공간으로 옷을 입습니다. 최근에 그는 인류 세에서 살아남을 수있는 쥐와 같은 생물의 서식지 인 기묘한 숲 환경을 건설했습니다.

에드 앳킨스
Ed Atkins는 모든 종류의 자화상을 만듭니다. 그는 불편할 정도로 친밀하고 타원적인 예언을 쓰고 끔찍한 캐리커처를 그리고 종종 설명 할 수없는 정신적 위기의 고통 속에서 남성 인물이 등장하는 사실적인 컴퓨터 생성 비디오를 만듭니다. Arsenale에서 설치 Old Food (2017-2019)는 역사 성, 우울함, 어리 석음으로 가득 차 있습니다. 여기에서 Atkins는 더 광범위한 문제와 인용으로 자서전 적 형상에 영향을 미치는 그의 감성 영역을 확장했습니다.

Bloom을 구성하는 그림 (1에서 10까지 번호가 매겨지고 중앙관에 표시됨)에는 타란툴라가 잠정적 인 손을 내리거나 자세를 취한 발에 앉는 것이 특징이며, 각각은 거미의 복부가 있어야하는 에드 앳킨스의 머리가 줄어 들었습니다. 거미류의 털로 뒤덮인 앳킨스의 얼굴은 네 번째 벽을 부수고 우리를 비 웃으며 양가 적이며 의심스러운 표정을 지었다.

가브리엘 리코
버려진 문화 물 수집가, 자칭 존재 학자, 동물에 대한 친화력을 가진 훈련 된 건축가 및 인간 경험 연구자 인 Gabriel Rico는 “배고픈 눈”을 가지고 있다고 말할 수 있습니다. 그의 질문, 탐구 및 수집은 박제 및 자연 물체에서 네온 모양 및 기타 인공 품목의 잔재에 이르기까지 다양한 재료를 채굴하는 초현실주의 이후 / Arte povera 접근 방식으로 이어집니다. 이로 인해 환경, 건축 및 문명의 미래 폐허 사이의 관계를 다루는 생각을 자극하는 조각품이 만들어집니다.

Rico의 모든 작업에서 이야기의 아름다움은 세부 사항에 있습니다. 구성 요소는 특정 위치, 멕시코가 직면 한 문제를 반영하며 동시에 우리가 공유하는 글로벌 관심사에 공감합니다. 리코는 형식적으로나 철학적으로 공간의 취약성을 고려하여 현재의 불안정한 순간을 제시합니다.

Anicka Yi
유기와 합성, 과학과 소설, 인간과 비인간 사이의 경계를 불안정하게 만드는 Anicka Yi의 프로 테아 적 창조물은 예술가가 “감각의 생물 정치”라고 묘사하는 것에 의해 뒷받침됩니다. Yi의 새로운 작업 기관은 기계의 감각에 초점을 맞추고 인공 지능 (AI) 개체와 유기적 생명체 사이에 새로운 통신 채널을 구축 할 수있는 방법에 대해 고민하면서 “기계 생물학 화”에 대한 최근의 질문에 중점을 둡니다.

칼릴 조셉
주류와 박물관, 예술가이자 영화 감독 인 Kahlil Joseph의 혼합 관행은 영화, 시각 예술 및 문화 미디어에 걸쳐 있습니다. 그의 몰입감 넘치는 영화와 몰입 형 비디오 설치는 영화와 현대 미술 사이의 상한 문화와 낮은 문화 사이의 이분법을 뒤흔든다.

안드레아스 롤리스
Andreas Lolis는 대리석으로 trompe-l’œil 개체를 만듭니다. 지난 몇 년 동안 그는 거리 모퉁이 또는 공원 벤치에서 본 순간적인 물체를 모방 한 일련의 바닥 기반 조각품 (초현실적 인 빈 가방, 판지 상자 및 나무 상자)을 만들었습니다. 이러한 조각품의 대부분은 표면이 으스러 지거나 더러워 지거나 부서 지거나 부서진 것처럼 보이는 마모 흔적이 있습니다. 고품격 매체로 잔해물을 재현함으로써 그는 기존의 가치와 지위 체계를 의도적으로 괴롭힌다. 경력 전반에 걸쳐 대리석으로 만 일한 Lolis는 재료와의 관계를 경건한 것으로 묘사했습니다. 세부 사항에 대한 그의 강렬한 관심은 각 실물 크기의 물체가 거의 완전히 눈을 속일 수 있음을 의미합니다.

토마스 사라 세노
Tomás Saraceno의 연구는 무수히 많은 세계에서 영양분을 얻습니다. 그의 Arachnophilia Society, Aerocene Foundation, 커뮤니티 프로젝트 및 대화 형 설치는 학문 (예술, 건축, 자연 과학, 천체 물리학, 철학, 인류학, 공학) 및 감성을 연결하여 환경에 서식하는 지속 가능한 방법을 탐구합니다.

이 모든 프로젝트에서 Saraceno는 우리 주변에 존재하는 생명체의 형태에 참여하고 생태 학적 격변의 시대에 거미 군락에서 중력에 이르기까지 미시적이든 거시적이든 다른 종과 시스템에 대한 우리의 관점을 조율하도록 장려합니다. 공유 행성에 서식하는 하이브리드 및 대체 방법에 참여합니다.

마리아 로보 다
전달과 만남의 궤적을 통한 사물과 이미지의 지속적인 변형은 Maria Loboda의 실천의 핵심입니다. Loboda의 작품은 명백한 것에 대한 불신을 불러 일으키지 만, 그들이 소유하고있는 불확실성과 우리가 둘러싸고있는 것들과 친구가되도록 우리를 초대합니다. Loboda는 이미지가 순환하는 맥락에 의해 이미지가 영향을받는 방식에 관심이 있습니다.

타렉 아투이
음악과 현대 미술을 연결하는 Tarek Atoui의 연습은 참여 및 협업 사운드 공연을 통해 청취의 개념을 확장합니다. 음악에 대한 이해를 넓히고 시각 예술의 영역에 가까워진 1960 년대 예술가들이 제시 한 개방형 형식의 유산에 영향을받은 Atoui는 복잡한 환경을 구상하고 조정하여 소리를 배양합니다. 그의 설치, 공연 및 협업을 통해 그는 공연자와 청중 모두에게 기대되는 성능 개념을 세분화하여 시각적, 청각 적 및 신체적 경험의 다양한 방식을 제안합니다.

Anthea 해밀턴
Anthea Hamilton의 작품 전체에 소외감이 느껴집니다. 대중 문화, 패션 및 디자인의 빈티지 참조는 몰입 형 환경과 기괴한 물체로 열리 며, 원래 의미는 그녀의 조각과 설치에서 비워지고 변형됩니다. 지난 수십 년 동안 예술과 문화에서 일시적인 거리를 두는 것은 오해의 소지가 있습니다. 시간의 경과는 특정 참조를 기념하고 키치하며 심지어 중립적으로 만들 수 있습니다.

해밀턴의 작업에서 패션과 디자인의 온화한 요소가 다시 고려됩니다. 이전 작품에서 그녀는 역사적인 디자이너, 유명인 및 상징적 패션 트렌드를 빌려 그 의미를 증폭시키고 뒤집어 놓았습니다. 도발은 공백과 표면의 반복과 전개를 통해 발생합니다. 그 결과는 거의 밀실 공포증에 걸렸고 해밀턴의 변화가 드러내는 욕망에 억압 적입니다.

제페 하인
Jeppe Hein의 Modified Social Benches는 놀이에서 휴식에 이르기까지 다양한 활동을 통해 탐험과 실험을 장려합니다. 그것들은 공간에서 신체의 움직임을 지시하는 건축 도구에 대한 반작용입니다. Giardini를 위해 작가는 청록색 석호에서 자라는 것처럼 보이는 4 개의 벤치 세트를 제작하여 장난감 기차 트랙처럼 공중에서 반복됩니다. 브라질, 폴란드, 루마니아 파빌리온 사이의 잔디밭에 위치한 Modified Social Benches for Venice (2019)는 사회적 상호 작용을위한 공간을 만들고 감속을 유도합니다.

기타 시설

지 아르디 니의 국립 관
1894 년에 처음으로 핵을 건설 한 후 여러 차례 확장 및 복원 한 오늘날의 중앙관과 함께 대형 공원에는 전시 국가가 여러 차례에 걸쳐 지은 29 개의 파빌리온이 세워졌습니다. 공원의 녹지로 둘러싸인 파빌리온은 Aalto, Hoffmann, Rietveld, Scarpa 및 Stirling을 포함한 많은 경영진의 이름으로 20 세기 건축에서 높은 가치의 선집을 나타냅니다.

비엔날레 도서관
2009 년부터 La Biennale Library는 Giardini의 Central Pavilion의 필수적인 부분입니다. 복원은 800m가 넘는 선반이 배치 된 2 층 갤러리로 둘러싸인 대형 열람실의 개방과 함께 2010 년에 완료되었습니다. 열람실은 회의 및 워크숍에도 사용됩니다.

도서관은 현대 미술을 전문으로하며 재단 활동의 문서화 및 심화에 특별히 중점을두고 비엔날레 활동의 모든 카탈로그를 보존하고 건축, 시각 예술, 영화, 무용, 사진, 음악, 연극 분야와 관련된 서지 자료를 수집합니다. . 151,000 권 이상의 책과 3,000 권 이상의 정기 간행물을 보유한 책 유산 덕분에 이탈리아 최고의 현대 미술 도서관 중 하나입니다.

ASAC 도서 아카이브에서 시작된 도서관의 유산은 구매, 기부, 그리고 무엇보다도 현대, 국가 및 국제 예술의 주요 생산, 연구 및 보존 기관과의 교류를 통해 지속적으로 개발 및 업데이트되고 있습니다. 2009 년부터는 북 파빌리온을 통해 미술 전시회와 건축 전시회에 참여하는 예술가와 건축가들이 기증 한 책도 환영하고 습득하고 있습니다. 라 비엔날레 재단이 구현 한이 프로젝트 덕분에 수집 된 책들은 미술 및 건축 전시회 디렉터들과 끊임없는 협업의 결과입니다.

서점
아티스트 Rirkrit Tiravanija가 디자인 한 Giardini의 도서관은 중복 된 세부 사항과 장식이없는 작고 실용적인 공간입니다.

구내 식당
Tobias Rehberger가 디자인하고 특정 그림 스타일 Razzle Dazzle (특히 제 1 차 세계 대전 중 군함에서 사용됨)에 따라 그린 카페테리아는 약간의 다과를 찾기 위해 앉아서 자신을 (즐겁게) 혼란스럽게 할 수있는 곳입니다. 교차하는 대조적 인 색상의 기하학적 모양을 짜서 복잡하고 생생한 광학 패턴을 만듭니다.

Was du liebst를 디자인 한 카페테리아 예술 작품은 La Biennale Arte 2009에서 Rehberger에게 황금 사자상을 수상했습니다.

베니스 비엔날레 2019
제 58 회 베니스 비엔날레는 2019 년 5 월과 11 월 사이에 열린 국제 현대 미술 전시회였습니다. 베니스 비엔날레는 이탈리아 베니스에서 격년으로 개최됩니다. 예술 감독 랄프 러 고프 (Ralph Rugoff)는 중앙 전시회 인 May You Live in Interesting Times를 기획했으며 90 개국이 국립 관을 기증했습니다.

베니스 비엔날레는 이탈리아 베니스에서 열리는 국제 미술 비엔날레 전시회입니다. 종종 “예술계의 올림픽”으로 묘사되는 비엔날레 참가는 현대 예술가들에게 권위있는 행사입니다. 축제는 그해의 예술 감독이 큐레이팅 한 중앙 전시, 개별 국가가 주최하는 국립 관, 베니스 전역의 독립 전시 등 쇼의 집합체가되었습니다. 비엔날레 모 조직은 건축, 무용, 영화, 음악, 연극 등 다른 예술 분야의 정기적 인 축제도 개최합니다.

중앙 국제 전시회 외에 개별 국가는 파빌리온으로 알려진 자체 쇼를 국가 대표로 제작합니다. Giardini에 보관 된 30 채와 같이 파빌리온 건물을 소유 한 국가는 자체 유지 관리 및 건설 비용도 부담합니다. 전용 건물이없는 국가는 베니스 아르 세 날레 (Venice Arsenale)와 도시 전역의 궁전에 파빌리온을 만듭니다.

La Biennale di Venezia는 1895 년에 설립되었습니다. Paolo Baratta는 2008 년부터 사장을 역임했으며 그 이전에는 1998 년부터 2001 년까지. 새로운 현대 미술 트렌드의 연구 및 홍보에 앞장서고있는 La Biennale은 전시회, 축제 및 연구를 주관합니다. 예술 (1895), 건축 (1980), 영화 (1932), 무용 (1999), 음악 (1930), 연극 (1934) 등 모든 특정 부문에서. 그것의 활동은 최근에 완전히 개조 된 현대 미술의 역사 아카이브 (ASAC)에 기록되어 있습니다.

모든 분야에서 저명한 교사들과 직접 접촉하여 젊은 세대의 예술가들에게 더 많은 연구와 제작 기회가 주어졌습니다. 이것은 현재 무용, 연극, 음악 및 영화 부문에서 운영되는 국제 프로젝트 비엔날레 대학을 통해 더욱 체계적이고 지속적으로되었습니다.