Mamac이라고도 불리는 근현대 미술관은 1990 년 6 월 21 일부터 니스에서 개관 한 근현대 미술관입니다. Garibaldi 광장 옆과 “Coulée Verte”의 연장선에있는 도시 중심부에 위치한 MAMAC는 1950 년대부터 오늘날까지 국제 전후 예술에 대한 다이빙을 제공합니다. 350 명 이상의 예술가 (평균 200 개 전시)의 약 1,400 점의 작품을 소장하고있는이 박물관은 무엇보다도 유럽의 새로운 현실주의와 미국 팝 아트 간의 독창적 인 대화를 제공합니다. 박물관은 또한 최소한의 예술과 아르테 포 베라의 주요 작품을 전시합니다. 20 세기 예술의 두 주요 예술가가 컬렉션의 중심을 형성합니다. Yves Klein은 Yves Klein Archives와 Niki de Saint Phalle의 장기 대출 덕분에 가능했습니다.

박물관은 또한 1950 년대 후반부터 1970 년대 초까지 지역 예술 현장의 특이점과 중요성에 대해 조명합니다. Nice와 Côte d’ Azur는 Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben과 같은 저명한 예술가들과 Supports / Surface와 같은 그룹과 함께 새로운 예술적 제스처를 실험하고 발명하는 중요한 장소였습니다. 개성과 관행의 특이성에도 불구하고 세 가지 주요 문제가 발생합니다. 즉, 일상 생활을 전유하는 행위 (특히 New Realists와 함께), 제스처 및 태도의 예술 (Fluxus 사용), 그림의 분석적 탐구 (Support / 표면 및 그룹 70). 이 연구는 지난 60 년 동안의 유럽과 미국의 예술적 창작물에 대한 관점에서 볼 수 있습니다.

건축가 Yves Bayard와 Henri Vidal이 설계 한 Place Garibaldi 옆에 위치한 박물관 건물은 Cours du Paillon을 가로 지르는 4 각류 아치 모양입니다. Paillon 표지에 개발 된 프로젝트의 기념비 성은 Promenade des Arts라고 불리는 테라스를 통해 박물관과 극장을 연결할 수있게합니다. 광장 계획으로 건축은 신고전주의의 규칙에서 영감을 받았습니다. 사용 가능한 표면적은 3 개 층의 9 개 전시실에 걸쳐 약 4,000m2입니다. 부드러운 외관은 흰색 카라라 대리석으로 덮여 있습니다. 입구와 상점은 강당과 박물관의 현대 갤러리가있는 이브 클라인 광장이 내려다 보이는 Esplanade Niki de Saint Phalle 수준에 있습니다. 박물관 공간은 1 층에 임시 전시 전용으로,

이 공간은 박물관 소장품 전용 1.200m2 2 세트를 포함하여 5 층으로 구성되어 있습니다. 한 층과 프로젝트 룸은 지난 60 년 동안의 주요 예술가들의 주제별 전시와 모노 그래프를 번갈아 가며 국제적인 임시 쇼를 진행합니다. 대중이 이용할 수있는 옥상 테라스는 니스의 숨막히는 전경을 제공합니다.

역사
니스 근현대 미술관은 1990 년 6 월 21 일에 개관했습니다. 이러한 박물관을 만들기위한 몇 가지 일관된 프로젝트가 XX 세기 후반에 니스에서 나타났습니다. 첫 번째는 Henri Matisse와 Pierre Bonnard가 지원 한 프로젝트 인 Galerie des Ponchettes의 구조 조정과 관련이 있습니다.이 프로젝트는 Henri Matisse와 Pierre Bonnard가 지원하고 Thomas 박사가 개발 한 다음 Jean Cassarini가 니스에있는 현대 미술관의 첫 번째 사전 구성입니다. 두 번째 가설은 마세 나 박물관 정원에 현대적인 건물을 짓는 것이 었습니다. 이 프로젝트는 주차장을 짓기 위해 포기되었습니다.

이 아이디어는 70 년대 중반에 Claude Fournet이 니스 박물관의 책임자로 임명되면서 부활했습니다. GAC (Gallery of Contemporary Art)의 개관과 Galerie des Ponchettes의 컨템포러리 프로그램은 니스 대중에게 중요한 예술 쇼케이스를 제공했습니다.

1985 년, 아크로 폴리스에서 열린 “Autour de Nice”( “Around Nice”) 전시회는 New Realists, 특히 Nice School 및 Support / Surfaces의 첫 번째 작품 그룹을 선보이며 박물관의 필요성을 증명하는 것이 었습니다. 니스의 근현대 미술. 같은 해, 국가와 체결 한 협정은 5 년에 걸친 야심 찬 예술 작품 구매 프로그램의 이행을 제공합니다. 인수 추진 과정에서시에 제공되는 주정부의 재정 지원은 “musée contrôlé par l’ état”라는 레이블로 미래 기관을 분류하는 과정을 시작할 것입니다. 일찍이 1987 년에 니스시와 주간에 건축 프로젝트에 자금을 지원하는 계약이 체결되었습니다.

건물
건축가 Yves Bayard와 Henri Vidal은 말을 타고, 한편으로는 Paillon 강에, 다른 한편으로는 항구 지구와 구시가지를 연결하는 고대 N7 고속도로의 축에 테트라포드 아치의 종류에 대한 독창적 인 제안을했습니다. 19 세기와 20 세기에 개발 된 지구에. 박물관의 건축은 니스의 도시 구조를 구성하는 두 가지 요소, 즉 사르디니아 도시 계획과 벨 에포크의 이국적인 유토피아를 조화시켜야했습니다.

고전주의 원칙 (사각형 계획, 아케이드)에서 영감을받은 기념비는 가리발디 광장의 레이아웃에 반응합니다. 베이스의 붉은 황토색 톤은 올리브 나무가 조각 된 탑의 매끄러운 카라라 대리석 표면과 짜여져있어 지중해 자연의 질서와 평화를 도시의 중심부로 바꾸는 광학적 상호 작용을 만듭니다. Paillon의 취재는 도심에 땅을 가질 수있는 드문 기회를 제공하고 박물관과 극장으로 구성되고 오늘날 “coulée verte”에 의해 확장 된 “Promenade des Arts”라는 장치의 충분한 개발을 허용합니다.

도시 중심부에있는이 중요한 위치는 30 미터 높이를 위해 각면에 20 미터의 바닥에 4 개의 정사각형 타워로 구성된 고층 개발이 필요했습니다. 외부에서 보면 그들은 장님이지만 유리로 된 인도교로 연결되어 있습니다. 전시 공간은 4 층으로 나뉘어 있으며, 1 층은 로비에 1 층은 일반인이 이용할 수있는 테라스에 있습니다. 두 번째 레벨은 임시 전시회를 개최하고 3, 4 레벨은 컬렉션 전용입니다. 1 층에는 박물관의 현대적인 갤러리가 있습니다. 전시 공간은 10 개 이상의 전시실에 배치되어 있습니다.

테라스는 전망이 도시를 대부분 포용하는 belvederes로 취급됩니다. 그 중 하나에는 “Direction des Musées de France”의 도움으로 만들어진 Yves Klein의 Le Mur de Feu (The Wall of Fire)가 있습니다. 1961 년 크레 펠트 전시를 위해 작가가 개발 한 프로젝트 중 하나의 판입니다.

박물관을 한편으로는 극장과 팔레 데 콩 그레를 연결하는 광장은 Alexander Calder의 Stabile Mobile 또는 Niki de Saint Phalle의 Loch Ness Monster와 같은 기념비적 인 조각품을 설치할 수 있습니다.

컬렉션
여기에는 1950 년대 말부터 현재까지의 아방가르드 한 예술적 창조물을 다양한 움직임을 중심으로 표현한 파노라마를 제공하는 436 점의 그림과 292 점의 조각 및 설치를 포함하여 2014 년 10 월 13 일에 346 명의 예술가의 1331 점의 작품이 포함됩니다.

새로운 사실주의 – 팝 아트
방 4
MAMAC 컬렉션은 1950 년대 말과 1960 년대 초반에 현실에서 빌려온 운동의 출현과 프랑스, ​​특히 파리와 예술가 센터 주변에서 등장한 초기 대중 문화를 재 해석했다는 증거를 담고 있습니다. 니스 – 그리고 미국에서.

이 새로운 예술적 운동은 새로운 시각적 언어를 창조 한만큼 목격했습니다. 의성어처럼 들리는이 “팝”운동은 “현대”, 위생적인 ​​것, 화려한 것, 화려 함, 여가 시간, 쾌락주의 및 미래의 삶의 방식에 대한 투영에 대한 집단적 열망을 구현합니다.

거리에서, 포스터, 광고 효과, 유행 아이콘의 초상화로 에나멜을 입힌 잡지에서 나옵니다. 둥글고, 유연하고, 플라스틱, 화려한 색상과 같은 새로운 재료가 제공하는 가능성에 의해 자극 된이 미학은 예술과 삶을 더 가깝게 만들고 대중적인 변형과 눈부신 창조물을 재 탄생 시키며 떠오르는 대중 문화를 포용합니다.

동시에 키네틱 아트와 마찬가지로 팝은 정치적이지 않고 민주적 이상, 지각의 즉각적인 도전, 새로운 세계를 발명하고자하는 청년의 열정을 전달합니다. 이 무브먼트의 이름은 영국-미국 궤적과 국제 궤도에서 Pop이 될 것입니다. 프랑스-유럽의 우위와 다다 태도의 재창조에서 “새로운 현실주의”..

니키 드 생 팔
방 5
“미술사에서 니키 드 생 팔 (1930-2002)은 예외입니다. 그녀와 같은 수준의 인정을받는 여성 예술가는 거의 없습니다. 그녀는 표현의 자유를 통해 이름과 운명을지었습니다. , 그녀의 제스처의 도상 파괴와 그녀의 프로젝트의 과도 함. 그러나 그녀는 오랫동안 오해의 대상이되었고, 그녀의 상징적 인 “나 나스”, 그녀의 열정적 인 말과 그녀의 치열한 장식 감각에 국한되어 왔으며, 그녀는 남성의 변두리에 의해 외면당했습니다. 그녀의 “여성적인”작품에 대한 비평가와 모계에 대한 그녀의 논평, 그리고 성 차별 고정 관념과의 공모 가능성에 대한 구실에 대한 페미니스트 미술사 학자들의 비판. 그녀의 작품은 마침내 오늘날 모든 풍부함과 복잡성을 통해 재검토됩니다. 형태와 몸짓의 역사;그녀의 시간의 어려움과 투쟁에 대한 그녀의 헌신과 관심으로 측정됩니다.

MAMAC은 1950 년대 후반의 첫 번째 그림과 조립, 1960 년대 초의 최초의 총상 그림, 상징적 인 “나나”와 신부에 이르기까지 프랑스계 미국인 예술가의 작품 세계에서 세 가지 참고 컬렉션 중 하나를 소유하고 있습니다. 다작 인쇄 “.
Hélène Guenin

Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle은 1930 년 10 월 29 일 뇌이 쉬르 센에서 태어났습니다. 그녀는 원래 프랑스 은행가에서 태어난 Jeanne Jacqueline (née Harper)과 André Marie Fal de Saint Phalle 사이에서 태어난 다섯 자녀 중 두 번째였습니다. 월스트리트 충돌은 가족 사업에 많은 영향을 미쳤고 미국으로 이주했습니다. Niki는 미국 학교에서 교육을 받았으며 프랑스에서 여름 방학을 정기적으로 보냈습니다.

이 이중 소속감은 1960 년대 초부터 프랑스와 미국 사이에 존재했던 예술적 연결의 상징입니다. 이것은 Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Jackson Pollock과 같은 국제적으로 유명한 예술가들이 파리에 존재하면서 Ileana Sonnaben과 같은 유명한 파리 갤러리에 전시하도록 초대되었습니다. 파리 현대 미술관.

자신의 본능이 아닌 공식적인 예술 교육없이, 그것이 그녀의 운명이라는 확신없이, Niki de Saint Phalle – Matisse, Ensor, de Dubuffet 및 Pollock으로부터 물려받은 방식으로 환상으로 가득 찬 그녀의 정신 우주를 그리기 시작했습니다 – 어셈블리를 만들었습니다. , 모든 종류의 작은 물체와 파편을 수집합니다. 그녀는 이러한 아이디어를 기념비적 구호와 액션 타이 르에서 완성 시켰으며, 그 성격 상 비평가 Pierre Restany는이를 “Nouveaux Réalistes”그룹에 포함시켜야 할 절대적인 필요성을 확신했습니다.

Niki de Saint Phalle은 특정 폭력을 추방해야하는 필요성을 반영하여 일종의 석방을 포함하는 접근 방식을 개발하면서 1963 년에 조각 작업을 시작했습니다. 옅은 조립에서 1964 년 첫 번째 Nanas와 함께 3D 작품으로 옮겼습니다. 이러한 조각품 , 대담한 색상과 넉넉한 곡선으로 전통에서 해방 된 현대 여성을 상징합니다. Nanas는 검은 색, 노란색 및 분홍색이며 세계를 반영하기 위해 다인종입니다.

그녀는 문화적 소수 민족을 보호하고 흑인 인구를 미국 사회로 통합하는 데 수년 동안 지칠 줄 모르는 헌신을했습니다.

이브 클라인
방 6
1928 년 니스에서 태어난 Yves Klein은 처음으로 유도 카가되었습니다. 1954 년에 그는 확실히 예술로 전환하여 “흑백 모험”을 시작했습니다. 그는 군청색을 입고«IKB»(International Klein Blue)라는 이름을 붙였습니다. 그런 다음 그는 비 물질에 대한 탐구에 착수했고 그의«리빙 브러쉬»로 공연을 실현했습니다. 클라인은 아름다움이 보이지 않는 상태에 존재하고 예술가로서의 그의 임무는 그것이있을 수있는 곳이면 어디에서나 그것을 포착하는 것임을 받아들이는 모든 예술적 표현을 넘어선 다. 그의 작품은 개념적, 육체적 예술, 그리고 일어나는 일의 한계를 넘어 이브 클라인을 당대의 가장 혁신적인 예술가 중 한 명으로 만드는 다양한 관행과 형태를 보여줍니다.

XX 세기 후반에는 Yves Klein의 독창성이 그의 단색, 공허의 중추적 사건, 삼부작 중 금과 분홍색의 사용을 통해 깊이 표시되었습니다. 그는 순수한 색의 스펀지를 사용하고 불을 붓으로 활용 한 덕분에 시간을 쏟았습니다. 오늘날 그의 창의력은 여전히 ​​새로운 세대의 예술가와 연구자에게 영향을 미치고 있습니다. Yves Klein은 1962 년 34 세의 나이로 세상을 떠났고, 대담하고 무한한 일을 남겼습니다.

전 세계적으로 독특한이 방은 Archives Klein과 자신의 작품을 MAMAC에 아낌없이 보관 한 개인 수집가들의 지원으로 혜택을 받았습니다.

Klein이 1947-1948 년경에 처음으로 파란색 단색을 그린 것은 Arman의 가족 소유 지하실 벽에 있습니다. 1955 년 그는 파리에서 Tinguely, César, Raysse, Restany를 만났고 하나의 단색으로 만든 새로운 그림 인 Salon des Réalités Nouvelles에서 상영을했는데 거절 당했고 논쟁을 불러 일으켰습니다. 1956 년부터 Monochromes 전시회는 서로를 이어갔습니다.

클라인에 따르면 그는 1956 년에 이미 존재하는 군청색을 선택하면서«청색 시대»를 시작했습니다. 이는 클라인에 따르면«파란색의 가장 완벽한 표현»입니다. 클라인은 당시 비교할 수없는 강도의 군청색 순수 안료에 매료되었습니다. 그는 1957 년 5 월 Colette Allendy ‘s에서«순수 안료»설치물을 처음으로 선보이며«그 자체로 색상»을 보여 주려고 시도했습니다.

순수한 안료 – 땅에 전시 된 순수한 안료는 매달린 그림이 아니라 그림 자체가되었습니다. 고정 매체는 가능한 가장 비 물질적 인 것입니다. 다시 말해서 그것은 자기 자신만을 향한 끌어 당기는 힘입니다. 필연적으로 기름, 접착제 또는 심지어 내 자신의 특수 고정 제처럼 안료 입자를 변경하지 않았습니다. 이것에 대한 유일한 문제는 자연스럽게 똑바로 서서 수평선을 응시한다는 것입니다. »

운동과 예술가
세자르, 크리스토, 니키 드 생 팔, 미모 로텔 라, 프랑수아 뒤 프렌, 장 팅 겔리, 제라르 데샹, 다니엘 스포 에리, 레이몬드 하인스, 자크 빌 글레, 알랭 자케와 함께 니스 예술가 아르 만, 이브 클라인, 무술 가이 세와 함께하는 신 유럽 현실 주의자
팝 아트가있는 미국 버전은 Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, John Chamberlain, Jim Dine, George Segal 및 신다 다 이스트 Robert Rauschenberg의 작품 모음으로 대표됩니다.
Ben과 Nice School은 Robert Filliou와 마찬가지로 Fluxus의 여러 대표 작품과 연결되어 있습니다.
Arte Povera는 Pier Paolo Calzolari, Michelangelo Pistoletto 또는 Enrica Borghi를 포함한 여러 예술가를 모았습니다.
Supports / Surfaces는 Noël Dolla, Marcel Alocco, André-Pierre Arnal, Louis Cane, Daniel Dezeuze, Vincent Bioulès, Marcel Devade, Christian Jaccard, Bernard Pagès, Jean-Pierre Pincemin 및 Claude Viallat으로 대표됩니다.
미국의 미니멀리즘과 컬러 필드는 Morris Louis, Paul Jenkins, Kenneth Noland, Jules Olitski, Ellsworth Kelly, Sol Lewitt, Larry Poons (en), Frank Stella 및 Joseph Kosuth가 설명합니다.
François Morellet, Olivier Mosset, Jean-Pierre Raynaud, John Armleder, Bernar Venet, Jan Voss의 유럽 미니멀리즘
60 년대와 80 년대의 형상, Hervé Télémaque, Bernard Rancillac, Antonio Recalcati, Ernest Pignon-Ernest, Keith Haring, Sandro Chia, Robert Combas, Hervé di Rosa, Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Longo, Jean-Charles Blais
Serge Charchoune, Alexander Calder, Joseph Cornell, Hans Hartung, Lucio Fontana, Nicolas de Staël, Simon Hantai, Pierre Soulages, Olivier Debré, Victor Vasarely, Karel Appel, Paul Mansouroff, Annette Messager, Jan Fabre, Ai Weiwei의 작품도 있습니다. 등

기부 및 예금
개장 이후, Yves Klein은 그의 작품 중 20 개가 수집 된 방에서 혜택을 받았으며 그중 일부는 박물관의 영구 컬렉션에 속합니다.

2001 년 10 월 Niki de Saint Phalle은 컬렉션의 상당 부분을 박물관을 위해 니스시에 물려줍니다. 기부금의 본문은 63 점의 회화와 조각, 18 점의 판화, 40 점의 석판화, 54 점의 세리 그래프를 포함한 170 점의 작품으로 구성됩니다. 많은 원본 문서. 기념비적 인 조각품 중에는 Lochness Monster가 있습니다.

Christo의 포장은 Lilja Art Fund Foundation에서 만든 보증금의 일부입니다.

2004 년 스위스 예술가 인 Albert Chubac는 Musée Niçois에 약 100 개의 작품을 제공했습니다.

2010 년에 수집가 인 Khalil Nahoul은 Pierre Soulages, Francis Bacon, Hans Hartung의 작품을 포함하여 94 점의 작품 (그림, 드로잉, 판화)을 기증했습니다.

2014 년, Berggreen 유산은 John Armleder, Jean-Charles Blais, François Morellet, Claude Viallat 또는 Jean Michel Alberola의 작품으로 구성됩니다.

임시 전시회
수년 동안 MAMAC는 주요 국제 그룹 전시회를 제안했습니다. Klein Byars Kapoor (2012), Intra-Muros (2004), De Klein à Warhol (1997); Chimériques polymères, le plastique dans l’ art du XXème siècle (1996); 저명한 예술가 Liz Magor (2017), Ernest Pignon-Ernest (2016), Wim Delvoye (2010), Robert Longo (2009), Richard Long (2008), Robert Rauschenberg (2005), Niki de Saint-Phalle (2002)의 모노 그래픽 쇼 ), Arman (2001), Yves Klein (2000), Tom Wesselmann (1996); Giovanni Anselmo (1996), Gilberto Zorio (1992), Pier Paolo Calzolari (2003) 또는 Michelangelo Pistoletto (2007)의 개인전을 통해 북부 이탈리아의 이웃 지역과의 특별한 관계를 강조합니다.

니스에 대해. 1947-1977
여기에 모인 요소는 비엔날레 “Nice 2017. Ecole (s) de Nice”의 일환으로 2017 년에 개최 된 주요 전시회 “니스에 관하여. 1947-1977″의 일부입니다. 이 예술적 비등.

니스 학교 또는 주요 인물 목록은 1950 년대 후반부터 니스에 강력하고 역동적이며 예술적인 힘의 물결이있었습니다. 박물관과 컬렉션은 이러한 제스처가 나타 났을 때 국제적 맥락에서 관점에서 볼 수있는이 역사의 풍부함을 증거합니다. 카리스마 넘치는 성격이 니스와 예술 세계의 국제 수도를 연결하는 것을 목표로 한 표식을 만들면서 행동과 태도의 집합 이이 지역에 나타났습니다.

1977 년 파리에서 퐁피두 센터는이 서사시 운동의 주역 중 한 명인 벤이 조율 한 “A propos de Nice”(니스 정보) 전시회를 통해 이러한 활력을 축하했습니다. 유명한 에피소드는 1947 년 니스 해변에서 세 젊은이가 공유 한 세계의 상징적 분열 인 운동의 전설적인 탄생을 시작했습니다. Yves Klein은 하늘의 무한한 푸른 색을 사용했습니다. 시인 클로드 파스칼은 공기를 장악하고 아르만은 땅과 부를 되찾았다. 절대적인 것에 대한 탐구, 도전과 무관심의 정신 인이 첫 번째 행동은 해변 마을의 평온함과 그에 대한 반응으로 활동적인 장면을위한 길을 열었습니다.

새로운 현실주의, 플럭서스, 지지대 / 표면 등의 연속적인 운동에서 니스 학교를 전통적으로 정의하는 내러티브를 넘어서, 원시적 태도와 제스처는 이러한 세대의 예술가들을 이질적인 관행으로한데 모았습니다 : 형식의 혁명, 무례 태도, 불경 스러움에 대한 욕구, 내러티브에 대한 매혹. 미학의 역사를 넘어서, “니스의 학교”는 국제적 맥락에서 그리고 그 후 완전한 변이를 겪은 도시에서 성격의 출현을 증언합니다.

프렌치 리비에라
1930 년 영화 A Propos de Nice에서 영화 감독 Jean Vigo는 부유하고 게으른 관광객들이 계절의 활동으로 바쁜 지역 주민들과 함께 사는 레저 타운을 풍자적으로 바라 봅니다. 한 세대 후 니스는 “밝고 화려한 색상의 대서양 횡단 라이너 무리, 값싼 플라스틱 식기의 쇼케이스”*와 여름 글로브 트로터, 그리고에 집착하는 젊은 예술가들의 문화적 고립을 통해 특정 현대성 사이의 현저한 대조를 제공합니다. 창조의 행위 – 그러한 대조는 의심 할 여지없이 그들의 에너지와 반체제 행동의 번식지 역할을합니다.

예술 장면의 출현을 그 지역적 맥락만으로 설명 할 수는 없지만 도시로서의 니스의 특수성과 1960 년대 초반에 생산하고 금지 한 것을 무시하는 것은 똑같이 비생산적입니다. Yves Klein이 하늘의 무한함과 바닷가 산책을 꿈꾸던 것은 니스의 해변에서 Ben과 그의 동료들이 예술과 삶을 연결하는 행동을 꿈꿨습니다. 파란 의자와 여름 군중 사이에서 예술가들은 세계를 만나고 재구성하여 해외 코트 다 쥐르의 매력을 대표하는 고정 관념에 도전했습니다. Arman은 카지노 토큰을 수집했고 Martial Raysse는 해변 세계의 눈부신 팝 연상을 만들었으며 Claude Gilli는 밝은 색상의 컷 패널에서 Azure 풍경을 불러 일으켰습니다. 즐거움을 추구하는 사람들에 대한 언급

현대의 불가사의?
1960 년대 초, 국제 관광의 발전과 프랑스 사회의 미국화의 영향을 받아 니스는 젊음, 쾌락주의 및 번성하는 대량 소비로 식별되었습니다. 새롭고 대량 생산에 대한 이러한 끊임없는 탐구는 현실의 전유 및 전복과 예술가의 관계를위한 토대를 마련 할 것입니다. “예, 니스는 우리의 평화 롭고 저온 살균 된 천국입니다. 여기에서이 조작 된 현실을 고수하는 예술이 만들어 질 수 있습니다.”비평가 Jean-Jacques Lévêque는 1967 년에 썼습니다.

새롭고 값싼 물건을 만들고 환상을 만드는 것에 대한이 아찔한 집착에 직면하여 예술가들은 새로운 형태를 발명했습니다. 그들은 소유에 대한 우스꽝스러운 열망으로이 세상을 풍자적이거나 반체제적인 방식으로 왜곡하고, ​​무균 자들의 영원한 젊음을위한 치명적인 탐구에 매료되었습니다. 이러한 일상의 광경에서 예술가들은 과잉과 나쁜 맛을 결합한 새로운 아름다움을 만들어 냈다. 그들은 축적에 의해 주도되는 사회의 유물에서 영감을 얻은 “현대 경이”의 사회학을 제안했습니다. 파괴 점까지 반복을 반복하고 대상을 부패하고 타락하게 만들고 현대 세계의 아이콘을 즐겁게 파괴했습니다. 그렇게하면서 그들은 소유 숭배와 프로그램 된 노후화의 과잉에 대한 자유로운 찬사를 작곡했습니다.

절대자를위한 탐구 – 행동의 발명
1947 년에 세 명의 청년이 예술 활동을 시작하면서 “노인들이 프랑스와 예술을 소비하는이 어리석은 바다를 마주하고”세상을 공유했습니다. *이 독창적이고 신화적인 이야기는 야망의 지평을 보여 주었고, 정복에 무관심하고 집착하는 절대적. 파리 서클과는 거리가 먼 보수주의와 모더니즘 사이에서 여전히 분열 된 도시에서, 그것은 수행 적 제스처와 초과 추구를 기반으로 한 일련의 급진적 행동과 예술적 관행을 시작했습니다. Yves Klein은 파리 교외에서 Saut dans le vide (Leap into the Void)를 만들었고 Bernar Venet은 Tarascon에서 군 복무 중에 쓰레기 더미에 자신의 “낙하”를 구성했으며 Ben은 항구에서 신을 바다에 던졌습니다. 좋은.

이러한 행동은 사소함, 불경 스러움, 그리고 유치한 유머와 경쟁에 대한 취향을 포함하여 전능함에 대한 욕망 사이에서이 탐구 정신의 초상화를 묘사합니다. 어떤 행동은 당시 여전히 지배적 인 서정적 추상화의 패러디, 사회를 비판하는 행동으로 볼 수 있습니다. 다른 이들은 분석적이고 물질적 인 접근법을 사용하거나 존재와 세계의 “순간적 상태”를 포착하려고 시도했습니다. 불의 세례에서 일상적인 물건이나 자연 요소의 표식에서 이러한 행동이 존재의 일시적인 본성을 예술의 영원에 대한 욕망과 연결하는 방법을 제공 할 수 있을까요?

그림과 태도에 대한 질문 – Théâtre Total
1960 년대 중반, Ben의 잡지와 Nice School of Decorative Arts에 의해 다수의 젊은 예술가들이 모여 Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla 및 그들의 교수 Viallat이 정치적 불안을 유발 한 1966-67 년에 해고당했습니다. . 그림의 분석 및 재료 탐구에 참여한 Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen 및 Isnard는 1971 년 1 월 Vieux-Nice에있는 Chacallis의 집에서 열린 전시회의 맥락에서 모였습니다.이 행사는 Groupe 70의 첫 번째 공식 전시회였습니다. 니스 극장에 초대되었습니다.

집단적 경험은 1973 년 파리 비엔날레에 참가한 후 끝났다. 1968 년과 1973 년 사이에 예술 평론가이자 시인 인 Raphaël Monticelli와 예술가 Marcel Alocco는 Groupe 70의 구성원과 다양한 Supports / Surface 구성원을 모아 이론적 토론과 전시회를 조직하는 “INterVENTION”을 만들었습니다. 그때 Marcel Alocco가 인물 작업을 시작하여 먼저 양식화 된 패턴을 침대 시트에 적용한 후 유명한 패치 워크에서 잘라 내고 분해했습니다. 마지막으로,이 학술 연구의 여백에서이 분야에서 일한 자크 마르티네즈는 표면, 재료 및 행동의 개념을 바탕으로 자신의 회화 언어를 공개했습니다.

La Cédille qui Sourit
개념 미술의 선구자 인 미국 예술가 조지 브레히트 (George Brecht)와 평범한 예술을 마스터 한 프랑스 예술가 로버트 필리 우 (Robert Filliou)는 니스 근처의 빌 프랑 슈 쉬르 메르 (Villefranche-sur-Mer)에 상점이 아닌 서점을 열기로 결정했습니다. ” 유머의 상징 인 La Cédille qui Sourit (The Cedilla that Smiles) 아래에있는 영구 창조의 국제 중심지 “.

1965 년 10 월부터 1968 년 3 월까지 주얼리, 팩시밀리 에디션, 프린트 및 오리지널 아트 워크가 계층없이 전시되었습니다. La Cédille qui Sourit의 활동은 때때로 12 Rue de May의 장소에서 열렸습니다.이 장소는 “항상 폐쇄되고 요청시에만 개방”되었지만 대부분은 구시 가지의 거리와 바에서 열립니다. Robert Filliou는 이것을 다음과 같이 설명했습니다. “우리는 게임을하고, 물건을 발명하고 재창조하고, 겸손하고 강력한 사람들과 연락하고, 술을 마시고 이웃과 이야기했습니다.”* 우리 존재와 그 세계의 의미를 반영하는 비판적 형태를 예표합니다. 1968 년 5 월에 서양 문화 운동에서 등장한 La Cedille qui Sourit는 현대 국제 예술 창작물을 뒤 흔드는 역사가있는 코트 다 쥐르의 작은 마을에서 예술과 삶을 더 가깝게 만들려는 시도였습니다.

지원 / 표면
프랑스 아방가르드 운동의 마지막 예술적 모험으로 간주되는 Supports / Surfaces는 니스에 대한 단명하지만 강력한 영향 (1970-1972)으로 중요한 실험의 장소가되었습니다. 전유 예술과 태도 예술이 지닌 도전에 직면 한 운동의 예술가들은 회화가 여전히 가능하다고 주장하고 예술의 기본을 재발 명하기 시작했습니다. 전통적인 도구는 원료로 대체되었습니다. 프레임 위에 펼쳐진 캔버스는 무료 캔버스와 일반 직물로 대체되었습니다. 예술적 과정과 행동과 지원 간의 상호 작용에 중점을 두었습니다. 이러한 비판적 행위와 병행하여, 예술 작품의 표현은 틀에 얽매이지 않는 전시 방법을 사용하여 의문을 제기했습니다.

Jacques Lepage의 자극으로 1969 년 여름에 Coaraze 마을 거리에서 야외에서 진행된 프로젝트는 1970 년 여름에 지중해 연안에서 실험과 청중과의 상호 작용의 중요한 기간을 나타내며 유목민과 Supports / Surfaces 작품의 실험적인 캐릭터.

그림 질문
1960 년대 중반, Ben의 잡지와 Nice School of Decorative Arts에 의해 다수의 젊은 예술가들이 모여 Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla 및 그들의 교수 Viallat이 정치적 불안을 유발 한 1966-67 년에 해고당했습니다. . 그림의 분석 및 재료 탐구에 참여한 Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen 및 Isnard는 1971 년 1 월 Vieux-Nice에있는 Chacallis의 집에서 열린 전시회의 맥락에서 모였습니다.이 행사는 Groupe 70의 첫 번째 공식 전시회였습니다. 니스 극장에 초대되었습니다. 집단적 경험은 1973 년 파리 비엔날레에 참가한 후 끝났다.

1968 년과 1973 년 사이에 예술 평론가이자 시인 인 Raphaël Monticelli와 예술가 Marcel Alocco는 Groupe 70의 구성원과 다양한 Supports / Surface 구성원을 모아 이론적 토론과 전시회를 조직하는 “INterVENTION”을 만들었습니다. 그때 Marcel Alocco가 인물 작업을 시작하여 먼저 양식화 된 패턴을 침대 시트에 적용한 후 유명한 패치 워크에서 잘라 내고 분해했습니다. 마지막으로,이 학술 연구의 여백에이 분야에서 일한 자크 마르티네즈는 표면, 재료 및 행동의 개념을 바탕으로 자신의 회화 언어를 공개했습니다.

프로젝트
1 년에 약 100 개의 이벤트가 박물관을 살고 공유하는 장소로 만듭니다. 가이드 투어, 워크숍, 예술가 또는 연구원과의 만남, 스토리 텔링 투어, 강의 또는 프로젝션, 댄스 방문, 콘서트, 공연 및 이벤트는 더 많은 청중에게 현대 미술의 접근성을 높이고 다양한 분야의 예술가들을위한 놀이터로 박물관을 변화시킵니다. 1 년 내내 박물관 팀은 기업, 협회, 학생, 사회 복지사와 네트워크를 구축하여 박물관을 재창조하는 특정 프로그램과 방법을 발명합니다.

수년 동안 MAMAC은 현대 사회 문제에 기반을 둔 미술사에 대한 적극적인 새로운 독서에 전념하고 있습니다. 특이한 인물의 강조와 새로운 이야기의 제작. 자연과의 관계와 예술가가 생태 문제를 다루는 방식은 프로그램에서 제기 된 주요 주제 중 하나입니다.

프로젝트 룸 또는 현대 갤러리는 지역 및 국제 현대 미술의 최신 실험 또는 시각 언어에 전념합니다.

도서관
박물관은 전후 국제 예술 현장에 초점을 맞춘 자체 라이브러리를 보유하고 있으며 다음을 수집합니다. 박물관 활동과 관련된 문서 : 카탈로그, 예술가의 판화 및 소책자; 13000 개 이상의 전시회 카탈로그, 수필, 단행본, 잡지…

분기
MAMAC는 Gustav Metzger를 조직했습니다. Remember Nature (2017 년 2 월); 니스 제안. 1947 – 1977 (2017 년 여름); Cosmogonies, au gré des éléments, Yves Klein에서 Thu-Van Tran 및 Otobong Nkanga에 이르기까지 Nature와의 공동 창작에 초점을 맞춘 다 분야 및 역사 그룹 쇼 (2018 년 여름); 댄스 발명 : 1959-1970 년 뉴욕 ​​주드 슨과 그 주변 (2018 년 겨울); Le diable au corps. 1960 년대 예술과 영화의 관계에 관한 Quand l’ Op art électrise le cinéma (2019 년 여름).