조경 예술이라고도하는 조경 회화는 산과 골짜기, 나무, 강, 숲과 같은 자연 경관, 특히 주요 주제가 넓은 시야의 풍경과 같은 풍경의 묘사입니다. 요소가 일관된 구성으로 배열되어 있습니다 . 다른 작품에서는 인물의 풍경 배경이 작품의 중요한 부분을 차지할 수 있습니다. 하늘은 거의 항상보기에 포함되며 날씨는 종종 구성의 요소입니다. 뚜렷한 주제로서의 상세한 풍경은 모든 예술적 전통에서 발견되지 않으며 이미 다른 주제를 대표하는 정교한 전통이있는 경우 발전합니다.

두 가지 주요 전통은 서양화와 중국 예술에서 비롯된 것으로, 두 경우 모두에서 천년이 넘었습니다. 조경 예술의 영적 요소에 대한 인식은 도교와 다른 철학적 전통을 바탕으로 한 동아시아 예술의 시작부터 나타나지만 서구에서는 낭만주의에 대해서만 명확해진다.

예술에서의 풍경보기는 완전히 상상 일 수도 있고 다양한 정도의 정확도로 현실에서 복사 될 수도 있습니다. 사진의 주된 목적이 실제의 특정 장소, 특히 건물을 두드러지게 묘사하는 것이면이를 지형도라고합니다. 구별이 항상 의미있는 것은 아니지만 서구의 지문과 같이 매우 흔한 이러한 견해는 미술 풍경보다 열등한 것으로 종종 여겨진다. 비슷한 편견이 중국 미술에 존재했다. 문학 회화가 상상의 견해를 묘사 한 반면, 전문 법원의 예술가들은 종종 궁전과 도시를 포함하여 실제 견해를 그렸다.

조경 유형 :
경관의 주제가 다루어지는 방식으로 인해 다음 세 가지 유형을 구분할 수 있습니다.

자연이 거친 방식으로 제시되는 “우주적”또는 “숭고한”풍경, 반드시 실제 존재하는 장소를 대표하지 않으며 사람이 잃어버린 느낌을주는 거대한 풍경. 이 선 안에는 대기 현상이 폭풍처럼 보이는 거대하고 풍요롭고 야생의 자연을 반영하는 “자연 주의적 풍경”이 있습니다. 그것은 북유럽 출신의 예술가들, 특히 듀어 (Dürer), 엘스 하이머 (Elsheimer) 또는 프리드리히 (Friedrich)와 같은 독일 화가들의 전형입니다.

플랑드르 (Flemish) 또는 네덜란드 (Dutch)의 경우와 마찬가지로 자연은 사람에 의해 지배적입니다. 사람의 존재로 인해 자연이 위협적으로 보이지 않습니다. 종종 그것은 “지형학 적 풍경”이되며, 이는 필연적으로 가장 겸손한 방식으로 제시된 자연과 함께 정확하고 식별 가능한 장소를 나타냅니다. 이 줄에는 Patinir, Pieter Brueghel 또는 17 세기의 네덜란드 주인이 언급 될 수 있습니다.

자연은 사람이 “식민지화”했는데 이탈리아의 전형적인 풍경입니다. 그들은 경작지, 언덕, 계곡, 평야에 경작지, 수로, 도로 및 기타 인간 구조물이있는 경작지로 보입니다. 자연은 더 이상 위협이 아니지만 인간도 그것을 만들었습니다. 이러한 유형의 경관 내에서 이상적이고 웅대 한 자연이 대표되는 “고전적 풍경”에 대해 이야기 할 수 있습니다. 그 표현은 믿을 만하지 만, 자연을 승화시키고 완벽하게 표현하도록 재구성된다. 이 유형의 풍경에서는 대개 이야기가 숨겨집니다. 산이나 언덕과 수면을 결합한 로마 건축의 요소가 존재하는 것이 화제입니다. 이러한 유형의 “이상적인 풍경”은 Annibale Carracci가, Domenichino와 프랑스 인 Poussin이 그 뒤를이었습니다. 수세기 동안 이탈리아의 풍경은 유럽 전역의 예술가들이 탄생 한 이탈리아 인 학술 모델이었습니다.

다른 관점에서 표현 된 주제에 대해 언급하고 다루는 방식에 그다지 집중하지 않으면 다음과 같이 구분할 수 있습니다.

바다, 해변 또는 해변을 보여주는 작품의 마리나.
하천이나 하천이있는 풍경이 아름다운 풍경.

자연 경관은 인간 존재없이 숲, 정글, 사막, 나무 숲 및 기타 영토와 같은 풍경을 나타냅니다.
Costumbristas 풍경은 인기있는 그림에서 대표되는 예를 들어 콜롬비아 도시의 전형적인 풍경과 같은 특정 장소의 풍습과 전통을 상징하는 풍경입니다.

스텔라 풍경이나 흐린 풍경은 구름, 기후 형성 및 대기 조건을 나타냅니다.
달의 풍경은 지구상의 달의 풍경을 보여줍니다.

도시 경관은 도시를 보여줍니다.
하드 스케이프 (Hardscape) 또는 경관이 좋은 곳. 포장 된 거리와 대규모 산업체 또는 산업 단지와 같은 지역이 대표됩니다.

항공기 또는 우주선에서 위에서 본 육지 표면을 보여주는 공중 또는 공중 풍경. 관점이 아래로 매우 발음 될 때 하늘은 높이 평가되지 않습니다. 이 장르는 조지아 오키프 (Georgia O’Keeffe)의 흐릿한 미묘한 예술, 낸시 그레이브스 (Nancy Graves)의 미묘한 달의 경관 또는 예본 (Yvone Jacquette)의 미묘한 도시 풍경과 같이 다른 사람들과 결합 될 수 있습니다.

3 차원 공간으로서 정신의 정신 분석적 시각을 표현하고자하는 풍경 (일반적으로 초현실적이거나 추상적 인)과 유사한 구성으로 풍경을 꿈꿉니다.

역사
전 세계에서 가장 초기의 형태의 예술은 땅의 선이나 때로는 산, 나무 또는 다른 자연적 특징의 표시가 포함되어 있지만 사실상 경관이라고 할 수있는 작은 것을 묘사합니다. 인물이없는 가장 초기의 “순수한 경관”은 기원전 1500 년경 미노아 (Minoan) 그리스의 벽화 다.

사냥 장면, 특히 고대 이집트에서 나일 델타의 갈대 침대 동봉 된 비스타에 설정된 것들은 장소의 강한 감각을 줄 수 있지만, 강조는 전반적인 조경 설정보다는 개별 식물 형태와 인간과 동물의 숫자에 있습니다. 현재 대영 박물관 (BC 1350 년)에있는 네바 무덤 (Nebamun) 무덤의 벽화는 유명한 예입니다.

전체적인 풍경을 일관성있게 묘사하기 위해서는 거친 원근법이나 거리에 대한 스케일링이 필요하며 이것은 대규모 사례가 생존하지는 못했지만 헬레니즘 시대의 고대 그리스에서 최초로 개발 된 문학적 증거로 보인다. 기원전 1 세기부터 폼페이, 유목민 및 기타 지역의 고고학 유적지와 모자이크에 보존 된 풍경을 장식하는 풍경의 프레스코 화가 계속되면서 고대 로마의 경관이 더욱 생생합니다.

인간의 삶의 유일한 징후가 그의 오두막을 엿볼 수있는 산수 (shan shui, “mountain-water”) 또는 “순수한”풍경의 중국 수묵화 전통은 정교한 경관 배경을 사용하여 주제, 이 기간의 조경 예술은 중국 전통의 고전적이고 모방 된 지위를 유지합니다.

로마와 중국의 전통은 전형적으로 상상의 풍경을 보여주는 대 파노라마로 일반적으로 다양한 산들로 뒷받침됩니다. 중국에서는 종종 폭포가 있고 로마에는 종종 바다, 호수 또는 강이 포함됩니다. 이들은 그림과 같이 포 그라운드 씬과 멀리있는 파노라마 조망 사이의 틈새를 없애기 위해 자주 사용되었습니다. 중국 스타일은 일반적으로 먼 거리의 시야를 보여 주었고, 그 어려움을 피하기 위해 죽은 땅이나 안개를 사용했습니다.

서양과 동아시아에서의 조경의 주요한 대조는 19 세기까지 서양에서는 허용 된 장르 계층에서 낮은 지위를 차지했으나 동아시아에서는 고전적인 중국산 산수 그림이 전통적으로 가장 많았다 시각 예술의 권위있는 형태. 두 지역 모두의 심미적 인 이론은 예술가로부터 가장 상상력을 필요로하는 작품에 가장 높은 지위를 부여했다. 서양에서는 역사 그림 이었지만 동아시아에서는 유명한 이론가들이 적어도 이론 상으로는 중국과 일본의 여러 황제를 포함하여 아마추어 지식인이었던 가상의 풍경이었습니다. 그들은 종종 선과 이미지가 서로를 묘사 한 시인이기도했습니다.

그러나 서구에서 역사 회화는 적절한 경우 광범위한 경관 배경을 요구하기 때문에 이론은 전경 조경의 발전에 반대하지는 않았다. 수세기의 경관은 정기적으로 역사 회화의 지위로 소규모 일반적으로 종교적이거나 신화적인 내러티브 장면을 만들기위한 수치.

서양 풍경 그림 :

중세의 풍경화
초기 중서부의 중세 미술에서 풍경에 대한 관심은 거의 완전히 사라지고 위트레흐트 시편 기와 같은 후기 골동품 작품의 사본에만 살아 있습니다. 초기 고딕 버전에서이 소스의 마지막 재 작업은 이전의 광범위한 풍경을 전체 공간의 의미가없는 컴포지션의 틈을 메우는 몇 개의 나무로 줄입니다. 자연에 대한 관심의 부활은 처음에는 Hortus Conclusus 나 millefleur 태피스트리와 같은 작은 정원의 묘사에 주로 나타났습니다. 교황의 궁전, 아비뇽의 울창한 나무의 배경 앞에서 일하는 인물들의 프레스코 화는 아마도 공통된 주제였던 것의 독특한 생존 일 것입니다. 리비 아 빌라 (Villa of Livia)와 같은 로마의 집에서 정원의 여러 프레스코 화 (frescos)가 살아남 았습니다.

14 세기 Giotto di Bondone과 그의 추종자들은 자신의 작품에서 자연의 존재를 인정하기 시작하면서 그림의 인물들의 행동을 배경으로 경관의 요소들을 점점 더 많이 소개하기 시작했습니다. 15 세기 초 조경 그림은 인간 활동의 배경으로 유럽에서 장르로 자리 잡았으며 종종 이집트에 도착한 휴식, 동방 박사의 여행과 같은 종교 주제로 표현되었습니다. 사막에있는 세인트 제롬. 호화로운 원고는 조경의 초기 개발, 특히 Très Riches Heures du Duc de Berry에있는 것과 같은 이달의 근로자 시리즈에서 매우 중요했습니다.이 작품은 전통적으로 점차 대형 조경 설정에서 작은 장르 인물을 보여주었습니다. 특별한 진보는 잘 알려지지 않은 토리노 – 밀라노 시간에 나타나는데, 이제는 대부분 불에 의해 파괴되었으며, 그 발전은 20 세기의 나머지 기간 동안 Early Netherlandish 회화에 반영되었습니다. Van Eyck 형제 중 한 명인 “손 G”로 알려진 예술가는 특히 빛의 효과를 재현하고 전경에서 멀리 보이는 자연스러운 진행에 성공했습니다. 이것은 다른 예술가들이 한 세기 이상 어려웠던 것처럼 보였습니다. 종종 상당한 높이에서와 같이 난간이나 창틀의 꼭대기에서 조경 배경을 보여줌으로써 문제를 해결했습니다.

르네상스 조경 회화
15 세기 동안 다양한 그림 유형의 조경 배경이 점차 눈에 잘 띄고 숙달되었습니다. 15 세기 말경에는 Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Fra Bartolomeo 등의 순수한 풍경 그림과 수채화가 보였으 나 그림과 인쇄물 제작의 순수한 풍경 주제는 Albrecht Altdorfer와 Albrecht Altdorfer에 의해 처음 제작되었습니다. 16 세기 초반의 독일 다뉴브 학교. 동시에 네덜란드의 요아킴 파티 니르 (Joachim Patinir)는 피터 브루겔 (Pieter Brueghel) 장로가 사용하고 완성시킨 1 세기 동안 영향력을 유지하면서 작은 인물과 높은 공중관을 사용하는 파노라마 풍경의 스타일을 개발했습니다. 이탈리아의 철저한 시각적 시각 체계 시스템 개발은 이제 유럽 곳곳에서 이루어졌으며 크고 복잡한 견해를 매우 효과적으로 그릴 수있었습니다.

이 시대에 풍경은 도시의 유토피아와 새로운 정책을 표현하는 데 사용되었습니다. 종종 내부 장면을 표현한 그림에서 창 프레임을 통해 “인식”되었지만 캔버스의 전체 표면을 차지할 때까지 점차 중요한 역할을하고있었습니다. 동시에, 풍경의 요소들 (예를 들어, 나사렛 예수 께서 산을 가리킴)에 의해서만 상징화 될 때까지 바깥의 종교 장면의 인물들은 “축소”되었습니다. 그러나 합성에서 풍경은 여전히 ​​역사 또는 초상의 그림의 일부일뿐입니다.

조르지오 네 (Giorgione)와 젊은 티치노 인 (Titian)이 처음으로 표현한 고전시에서 나온 목가적 이상을 반영한 풍경화가 이상적이었으며, 특히 이탈리아를 한번도 방문한 적이없는 북유럽 출신의 예술가들이 묘사 한 구릉이 우거진 숲이 우거진 이탈리아 풍경, 중국과 일본의 평범한 지식인들이 눈부신 산을 그린 것처럼. 종종 젊은 예술가들이 이탈리아의 빛을 경험하기 위해 이탈리아를 방문하는 것이 권장되었지만, 많은 북유럽 예술가들은 여행을 방해하지 않으면 서 이탈리아의 풍경을 판매 할 수있었습니다. 사실, 어떤 스타일은 너무나 유명하여 반복해서 복사 할 수있는 공식이되었습니다.

작은 경관의 주인이라고 불리는 익명의 예술가의 드로잉 이후 총 48 개의 지문 (작은 경관)의 두 가지 시리즈의 1559 년과 1561 년에 앤트워프에서 간행 된 간행물은 종교적인 내용이있는 상상의 먼 풍경에서 벗어난 변화를 신호로 보냈습니다 신분 확인이 가능한 국가 소유지와 일상 활동에 종사하는 인물로 채워진 마을의 눈높이에서 클로즈업 렌더링을 향한 세계 조경. 세계 경관의 탁 트인 전망을 포기하고 겸손하고 시골이며 심지어 지형에 초점을 맞춘 작은 경관은 17 세기에 네덜란드 랜드 스케이프 페인팅의 무대를 마련했습니다. 작은 경관을 발표 한 후, 저지대의 조경 예술가는 세계 경관을 계속 지키거나 작은 경관이 제시 한 새로운 방식을 따라갔습니다.

바로크 풍경화
바로크 시대 초기에 풍경은 여전히 ​​거의 재배되지 않았습니다. 독일인 Adam Elsheimer만이 일반적으로 신성한 역사를 대우 할 때 눈에 띄는 풍경으로 서서 대기 효과, 밝음 또는 새벽, 황혼 연구에 대한 탁월한 연구를합니다.

바로크 시대에 풍경화가 유럽에서 장르로 확립되었고 인간 활동을 방해하는 것으로 발전했습니다. 이는 개혁주의 개혁과 네덜란드의 자본주의 발전에 크게 기인 한 북유럽의 전형적인 현상이다. 귀족과 성직자들은 그때까지 화가의 주요 고객이 관련성을 잃어 상인 부르주아로 대체되었다. 이 유물의 선호는 고대의 고전주의, 신화 또는 신성한 역사의 주제, 복잡한 풍유의 주제와 더불어 역사의 복잡한 그림을 그리지 않았지만 단순하고 일상적인 주제를 선호했다. 정물, 풍경 또는 장르 장면과 같은 장르. 각 화가가 특정 유형의 경관에 전념 한 것과 같은 전문화가있었습니다. 따라서 화제의 대상으로 “저지대”, 즉 운하, 물결 모양과 풍차가있는 바다 수준 이하의 땅을 가진 화가들이있었습니다. Jacob Ruysdael과 Meindert Hobbema라는이 남자 Van Goyen에서 두드러졌습니다. Hendrick Avercamp는 얼어 붙은 연못과 스케이터가있는 겨울 지문 전문 회사입니다.

유럽의 북부에서는 온갖 종류의 순수한 경관이 개발되었지만, 남쪽에는 회화 경관의 구실로 여전히 종교적, 신화 적 또는 역사적 일화가 필요했습니다. 목가적 인 성격의«고전적»,«고전 주의자»또는«영웅적인»이라는 풍경 이었지만 실제로 존재했지만 콘크리트, 나무, 유적지, 건축물, 산 등 다양한 요소로 만들어졌습니다. 그림의 제목과 자연 속에서 잃어버린 작은 등장 인물들은 언뜻보기에 풍경으로 만 나타나는 이야기의 핵심을 제공합니다. 이 유형은 Roman-Bolognese 고전주의에 의해, 특히 화가 중 가장 뛰어난 인 Annibale Carracci가 이집트를 향한 비행에서 신성한 인물이 주변을 둘러싼 풍경보다 중요성이 적음으로 인해 만들어졌습니다.

17 세기와 18 세기의 풍경화
이국적인 풍경 장면의 인기는 1636-1644 년에 여행을 마치고 브라질의 풍경을 그리는 화가 프란스 포스트 (Frans Post)의 성공에서 볼 수 있습니다. 알프스를 결코 건너지 않은 다른 화가들은 라인에있는 풍경을 판매하는 돈을 벌 수 있었고 1639 년에 코넬리 스 데 맨 (Cornelis de Man)의 스미 렌 버그 (Smeerenburg)와 같은 특정위원회의 판타지 장면을 제작하기 위해 돈을 벌 수있었습니다.

repoussoir와 같은 요소를 사용하는 구성 수식은 진화되어 17 세기 로마에 거주하고 고전적인 주제를 주로 그린 Poussin과 Claude Lorrain과 같은 풍경에 설정된 성서 장면을 포함하여 현대 사진과 그림에 영향을 미쳤습니다. 네덜란드의 동시대 작가 들과는 달리 이탈리아와 프랑스의 조경 예술가들은 고전 신화 나 성경의 장면을 표현할 작은 인물을 포함시킴으로써 장르의 계층 구조 내에서의 분류를 역사 그림으로 삼기를 가장 자주 원했습니다. 살바토르트 로사 (Salvator Rosa)는 종종 밴드 니티 (Banditi)가 거주하는 더 이른 남부 이탈리아 국가를 보여줌으로써 풍경에 그림 같은 흥분을 안겨줍니다.

네덜란드 황금 시대의 17 세기 회화는 많은 예술가들이 전문화 한 풍경화의 극적인 성장과 빛과 날씨를 묘사하는 극도로 미묘한 사실주의 기법의 개발을 보았습니다. 다양한 스타일과 기간, 해양 동물 그림의 하위 세대, 이탈리아 풍의 독특한 풍경이 있습니다. 대부분의 네덜란드 풍경은 상대적으로 작았지만 플랑드르 바로크 그림의 풍경은 여전히 ​​평범했다. 피터 폴 루벤스 (Peter Paul Rubens)가 자신의 집을 위해 그렸던 일련의 작품에서 종종 매우 컸다. 조경 지문은 또한 Rembrandt의 사람들과 Hercules Seghers의 실험 작품이 보통 가장 훌륭하다고 간주되어 인기가있었습니다.

네덜란드 사람들은 작은 집들에 작은 그림을 그리는 경향이있었습니다. 기간 인벤토리에 명명 된 일부 네덜란드 조경 특산품에는 바 탈제 (Batalje) 또는 전투 장면이 포함됩니다. Maneschijntje, 또는 달빛 장면; Bosjes, 또는 삼림 지대 장면; Boederijtje, 또는 농장 장면, Dorpje 또는 마을 장면. 특정 장르로 당시에는 지명되지 않았지만, 로마 유적의 인기는 베를린 스톰 (Beeldenstorm) 이후에 파괴 된 수도원 및 교회와 같이 자신의 지역의 유적을 페인트 칠하는 많은 네덜란드 조경가에게 영감을 불어 넣었습니다.

영국에서는 처음에는 풍경을 주로 인물의 배경으로 사용 했었습니다. 런던의 한 건축가는 공원이나 토지 소유자의 부동산을 제안했지만, 런던의 한 예술가는 방문한 적이 없었습니다. 영국의 전통은 Anthony van Dyck과 영국에서 일하는 플랑드르 예술가들에 의해 창안되었지만 18 세기에는 Claude Lorrain의 작품이 조경의 그림뿐만 아니라 Capability Brown 및 기타의 영국 조경 정원에 예리하게 수집되고 영향을 받았습니다.

18 세기는 또한 지형도 작성을위한 훌륭한 시대였으며, 조경 그림이보기 드문 방식으로 실제 모습을 다소 정확하게 묘사했습니다. 초기에는 건물 중심을 중심으로했지만, 세기의 흐름에 따라 낭만적 인 운동의 성장으로 순수한 경관이 보편화되었습니다. 지형도 물감은 벽에 걸리거나 벽에 매달려있는 경우가 많았지 만 20 세기에는 매우 대중적인 매체 였지만 종종 상상의 풍경보다 낮은 형태의 예술로 분류되었습니다.

종이에 수채화로 된 풍경은 다른 나라에서는 없었던 것처럼, 수채화 물감 만 개발 한 재능있는 예술가의 특별한 전통이있는 영국의 뚜렷한 특수성이되었습니다. 이들은 때로는 사실적인 견해 였지만 때때로 예술적 효과로 조정되었습니다. 그림은 비교적 싸게 팔았지만 생산하기가 훨씬 빠르다. 이 전문가들은 또한 “아마추어 군대”를 훈련하여 수입을 늘릴 수 있습니다.

19 세기와 20 세기의 풍경화
낭만주의 운동은 조경 예술에 대한 기존 관심을 강화 시켰고 조경 예술에서 반복적 인 요소였던 원거리 및 야생 경관이 더욱 두드러졌습니다. 독일 카스파르 데이비드 프리드리히 (Kypar David Friedrich)는 17 세기 네덜란드의 예를 흉내내는 독특한 국가 스타일이 개발 된 덴마크의 훈련에 영향을받은 독특한 스타일을 가지고있었습니다. 이것에 그는 준 신비 론적 낭만주의를 덧붙였다. 프랑스의 화가들은 풍경화를 개발하는 것이 더 느 렸지만 1830 년대부터는 장 – 밥 티스트 – 카밀 코로트와 바르 비 존스 학교의 다른 화가들이 인상파와 포스트 프레스와 함께 한 세기 동안 유럽에서 가장 영향력있는 프랑스 조경 전통을 수립했습니다. 풍경화를 모든 회화 유형에 걸쳐 일반적인 문체 혁신의 주요 원천으로 만드는 인상파.

모든 것은 필연적으로 풍경으로 이어지고, 풍경화는 19 세기의 위대한 예술적 창조물이었습니다. 사람들은 “자연의 아름다움과 풍경화에 대한 인식이 우리의 영적 활동의 정상적이고 영구적 인 부분이라고 생각할 수있었습니다. 풍경의 복잡성을 아이디어로 바꾸는 유럽의 근원적 인 방법은 네 가지 기본 접근 방식이었습니다. 자연의 진실에 대한 호기심, 자연의 깊은 뿌리에 대한 꿈을 푸는 환상의 창조, 그리고 황금 시대의 신념, 조화와 질서의 믿음으로 회복 될 수있는 환상의 창조.

낭만적 인 시대에 풍경은 감정과 주관적인 경험의 배우 또는 제작자가됩니다. 그림 같은 풍경과 숭고한 풍경이 풍경을 보는 두 가지 방법으로 나타납니다. 역사의 첫 번째 여행자 가이드는이 지점을 수집하여 사이트와 그 풍경에 대한 인기있는 추억을 남깁니다. 영국의 Constable은 Dedham Valley와 같이 어린 시절부터 그에게 알려진 곳을 포함하여 산업 혁명의 영향을받지 않고 농촌 잉글랜드의 풍경을 그리는 데 전념했습니다. 그는 인상주의의 선구자가되는 작은 획에서의 색 분해 기술로 그것을했습니다. 그는 대기 현상, 특히 구름을 연구했습니다. 1824 년 파리 살롱에서의 그의 작품 전시는 드라크 루아로 시작하여 프랑스 예술가들 사이에서 매우 성공적이었다. 영국인 윌리엄 터너 (William Turner)는 현대적이지만 더 긴 예술적 삶을 살면서 근대성을 반영했다. 그 중 가장 유명한 작품 : 비, 증기 및 속도, 진정한 새로운 주제가 등장한 철도공, 그리고 메이든 헤드 (Maidenhead)의 신비 당시 엔지니어링. 터너 (Turner)와 함께 풍경의 형태는 항상 회화에 반영되는 것을 인식하지 못하는 소용돌이에 용해되었습니다.

독일에서, Blechen은 이전의 풍경과 매우 다른 방식으로 이탈리아의 전통적인 풍경을 계속 반영했습니다. 그는 매우 아름답고 목가적이지 않은 비평가 인 이탈리아를 발표했다. 필리포 오토 러그 (Philipp Otto Runge)와 카스파르 (Caspar David Friedrich)는 독일의 낭만적 인 회화의 가장 뛰어난 두 예술가로서 각국의 풍경에 헌신했습니다. 경건주의의 정신에 힘 입어 종교 그림을 만들려고했지만, 그런 주제로 장면을 표현하는 것이 아니라 풍경의 위대함을 경건으로 옮기는 방식으로 반영합니다.

«고전적 풍경»에서 현실적인 풍경으로의 전환은 Blechen이나 Turner처럼 이탈리아에서의 결성 단계를 통과 한 Camille Corot에 의해 주어집니다. 그와 함께 로맨틱과 다른 풍경을 다루는 또 다른 방법을 시작했습니다. 그는 바르 비 옹이 학교와 인상주의 이후에 그랬듯이 그 풍경을 낭만주의와 매우 다른 역할로 부여했습니다. 그들은 관찰자가 가질 수있는 지각에 충실한 표현을 창조하기 위해 빛과 색의 관점에서 세심하고 상대적인 방식으로 관찰했다. 이 충실도는 예를 들어 “생생한”방식의 대조와 감동에서 경험할 수 있습니다.

포스트 인상주의 자 빈센트 반 고흐 (Vincent van Gogh)의 전임자 작업에 대한 열정은 1888 년부터 프로방스 풍경을 그렸습니다. 강렬한 색채로 인물이 변형되고 구부러지고, 사실주의에서 벗어나고, 표현주의 경향의 선례 다.

북아메리카에서 그림을 그리는 국립 학교는 지구를 그린 조경사를 통해 크게 나타났습니다. 미국에서는 프레 더릭 에드윈 교회 (1857 년 나이아가라 폭포)의 위대함과 광대 함을 상징하는 광범위한 작품을 만들었습니다. 허드슨 강 학교는 19 세기 후반에 가장 잘 알려진 토착 발현이었습니다. 그의 화가들은 영감을 준 풍경의 서사시 범위를 포착하려고하는 거대한 규모의 작품을 만들었습니다. 일반적으로 학교 창립자로 인정 받고있는 토마스 콜 (Thomas Cole)의 작품은 유럽의 풍경화의 철학적 이상, 즉 아름다움에 대한 묵상에서 얻을 수있는 영적 이익에 대한 세속적 인 믿음과 매우 흡사합니다. 자연스러운. 앨버트 비어 슈타 트 (Albert Bierstadt)와 같은 허드슨 강 (Hudson River) 학교의 후기 예술가들 중 일부는 더 거칠고 심지어 끔찍한 자연의 힘을 강조한 낭만적 인 자연의 작품을 만들었습니다.

새로운 유네스코의 민족주의는 17 세기 네덜란드의 풍경화가 인기를 얻은 요인이었고 19 세기에는 다른 국가들이 독특한 그림 학교를 개척하려고 시도하면서 풍경의 특별한 본질을 표현하려는 시도였다. 고국은 일반적인 경향이되었다. 러시아와 마찬가지로 미국에서도 거대한 크기의 그림은 그 자체로 민족주의적인 성명서였다.

미국에서는 허드슨 강 학교 (Hudson River School)가 19 세기 중반에서 중반에 걸쳐 유명 해졌으며 아마 조경 예술 분야에서 가장 잘 알려진 토착 개발물 일 것입니다. 이 화가들은 그들에게 영감을 준 풍경의 장엄한 영역을 포착하려고 시도한 거대한 규모의 작품을 만들었습니다. 학교의 일반적으로 인정받은 창립자 인 Thomas Cole의 작업은 유럽의 풍경화의 철학적 이상 – 자연의 아름다움을 바라 보는 것으로부터 얻을 수있는 영적 이익에 대한 세속적 인 믿음 -과 공통점이 많습니다. 앨버트 비어 슈타 트 (Albert Bierstadt)와 같은 이후의 허드슨 강 학교 예술가들 중 일부는 자연의 원시, 심지어 무서운 힘에 더 중점을 두는 덜 위안적인 작품을 만들었습니다 (많은 낭만주의 과장으로). 캐나다 조경 예술의 가장 좋은 예는 1920 년대에 저명한 7 개 그룹의 작품에서 찾아 볼 수 있습니다.

탐험가, 자연 주의자, 선원, 대서양 연안을 식민지화 한 상인들은 때로는 과학적이고 때로는 환상적이고 사치스러운 일련의 관찰을 남겼습니다.지도와 그림에 기록되어 있습니다.

비록 제 1 차 세계 대전 이후에는 분명히 덜 지배적 이었지만, 많은 중요한 예술가들은 여전히 ​​Charles E. Burchfield, Neil Welliver, Alex Katz, Milton Avery, Peter Doig, Andrew Wyeth, David Hockney 및 Sidney 등 다양한 스타일의 풍경을 그렸습니다. 놀란.

현대 풍경 그림
현대의 풍경화는 장르의 존재를 해체 시켰지만 다른 전위 적 “이즘 (isms)”에서 우리는 그 풍경이 풍경 인 그림을 작가의 스타일로 구별 할 수 있습니다. “현대 회화의 아버지”인 Cézanne은 Sainte-Victoire 산에 그림 전체를 헌정했습니다. Derain, Dufy, Vlaminck 및 Marquet은 풍경 fovistas를 그리고 Braque는 큐비즘의 창시자 중 한 명으로 L’ Estaque의 풍경을 반복적으로 시도했습니다. 세기 초 비엔나에서 이런 종류의 작품은 근대 주의자 인 구스타프 클림트 (Gustav Klimt)와 표현 주의자 인 에곤 실레 (Egon Schiele)에 의해 만들어졌습니다.

표현주의자는 Dangast의 어촌 마을에서 그린 그림에서 Erich Heckel이나 Karl Schmidt-Rottluff와 마찬가지로 풍경을 통해 자신의 감정과 색채 감각을 전달했습니다.

다양한 형태의 추상화는 풍경의 중요성을 억제하여 사실주의와 표현의 범위를 제한했습니다. 그러나 “추상적 풍경화”라는 용어는 비 유적 화가 (Bazaine, Le Moal 또는 Manessier)와 관련하여 자주 사용됩니다. 시칠리아의 풍경은 사회 표현주의 화가 인 레나토 구투 수 (Renato Guttuso)의 작품에 영감을 불어 넣었습니다.

최근 몇 년 동안, 아르헨티나의 헬무트 디취 (Helmut Ditsch)는 자연의 극한 지점에서 영감을받은 그림으로 눈에 띄었다. 그의 작품은 생생한 리얼리즘이라고 불려지는데, Ditsch의 그림은 그림 적, 자연주의적, 현실적 개념의 대상이 아니라 자연의 생생하고 신비로운 경험에서 태어났다.

동양 프리 페인팅 :

중국 풍경 그림
조경 회화는 “세계의 예술에 대한 중국의 가장 큰 공헌”이라고 불려졌으며 중국 문화의 도교 (도교) 전통에 그 특별한 성격을 빚지고있다. 윌리엄 왓슨 (William Watson)은 “중국 미술에서의 풍경 예술의 역할은 서구의 누드의 풍경과 상응하고 주제는 변함이 없지만 시각과 감각의 무한한 미묘한 차이를 만들어 낸다”고 말했다.

한 왕조의 사냥, 농사 또는 동물을 전시하는 주제가 점점 더 정교해진 풍경 배경이 있으며 회화의 지배적 인 스타일을 따라 잡을 것으로 추정되는 무덤의 석재 또는 점토 부조에 대부분 생존 한 사례가 있으며 의심의 여지없이 전체를 포획하지 않고 있습니다 원래 그림의 효과. 10 세기 이전에 유명 화가 (많은 사람들이 문학 작품에 기록되어 있음)의 평판이 높은 작품의 정확한 사본 상태는 분명하지 않습니다. 예를 들어, Shu에서 여행하는 The Emperor Ming Huang이라는 제목의 제국 컬렉션의 유명한 8 세기 그림이 그 예입니다. 이 그림은 이후의 회화에서 흔히 볼 수있는 유형의 산들을 통과하는 측근을 보여 주지만, 대중적이고 세련된 법원 스타일에서 “거의 페르시아어 인 전반적인 패턴을 만들어내는”풀 컬러입니다.

인물이 거의없는 단색 경관 스타일로의 결정적인 변화는 시인으로도 유명한 왕 웨이 (699-759)에 기인합니다. 대부분 그의 저작물의 사본 만이 살아남습니다. 10 세기 이후부터는 원래 그림이 점점 더 많이 생겨 났고, 송나라 (960-1279) 남부 학교의 최고 작품은 현재까지 중단되지 않은 전통에서 가장 높이 평가받습니다. 중국 대회는 아마추어 학자 – 신사의 그림, 심지어 시인들도 전문가가 제작 한 그림을 가치있게 여겼지 만 상황은 그보다 복잡했다. 그들이 어떤 숫자를 포함한다면, 그들은 종종 산을 염두에 둔 그런 사람이나 현자입니다. 유명한 작품에는 적색 “감사 인감”이 누적되어 있으며 나중에 소유자가 추가 한 시가 자주 등장합니다. Qianlong Emperor (1711-1799)는 초기 황제를 따라 자신의시를 많이 쓴 사람입니다.

Shan Shui의 전통은 Eight Views 대회와 마찬가지로 실제 위치를 나타 내기위한 의도가 전혀 없었습니다. A different style, produced by workshops of professional court artists, painted official views of Imperial tours and ceremonies, with the primary emphasis on highly detailed scenes of crowded cities and grand ceremonials from a high viewpoint. These were painted on scrolls of enormous length in bright colour.

Chinese sculpture also achieves the difficult feat of creating effective landscapes in three dimensions. There is a long tradition of the appreciation of “viewing stones” – naturally formed boulders, typically limestone from the banks of mountain rivers that has been eroded into fantastic shapes, were transported to the courtyards and gardens of the literati. Probably associated with these is the tradition of carving much smaller boulders of jade or some other semi-precious stone into the shape of a mountain, including tiny figures of monks or sages. Chinese gardens also developed a highly sophisticated aesthetic much earlier than those in the West; the karensansui or Japanese dry garden of Zen Buddhism takes the garden even closer to being a work of sculpture, representing a highly abstracted landscape.

Japan landscape painting
Japanese art initially adapted Chinese styles to reflect their interest in narrative themes in art, with scenes set in landscapes mixing with those showing palace or city scenes using the same high view point, cutting away roofs as necessary. These appeared in the very long yamato-e scrolls of scenes illustrating the Tale of Genji and other subjects, mostly from the 12th and 13th centuries. The concept of the gentleman-amateur painter had little resonance in feudal Japan, where artists were generally professionals with a strong bond to their master and his school, rather than the classic artists from the distant past, from which Chinese painters tended to draw their inspiration. Painting was initially fully coloured, often brightly so, and the landscape never overwhelms the figures who are often rather over-sized.

Many more pure landscape subjects survive from the 15th century onwards; several key artists are Zen Buddhist clergy, and worked in a monochrome style with greater emphasis on brush strokes in the Chinese manner. Some schools adopted a less refined style, with smaller views giving greater emphasis to the foreground. A type of image that had an enduring appeal for Japanese artists, and came to be called the “Japanese style”, is in fact first found in China. This combines one or more large birds, animals or trees in the foreground, typically to one side in a horizontal composition, with a wider landscape beyond, often only covering portions of the background. Later versions of this style often dispensed with a landscape background altogether.

The ukiyo-e style that developed from the 16th century onwards, first in painting and then in coloured woodblock prints that were cheap and widely available, initially concentrated on the human figure, individually and in groups. But from the late 18th century landscape ukiyo-e developed under Hokusai and Hiroshige to become much the best known type of Japanese landscape art.

Landscape painting techniques
Most early landscapes are clearly imaginary, although from very early on townscape views are clearly intended to represent actual cities, with varying degrees of accuracy. Various techniques were used to simulate the randomness of natural forms in invented compositions: the medieval advice of Cennino Cennini to copy ragged crags from small rough rocks was apparently followed by both Poussin and Thomas Gainsborough, while Degas copied cloud forms from a crumpled handkerchief held up against the light. The system of Alexander Cozens used random ink blots to give the basic shape of an invented landscape, to be elaborated by the artist.

The distinctive background view across Lake Geneva to the Le Môle peak in The Miraculous Draught of Fishes by Konrad Witz (1444) is often cited as the first Western rural landscape to show a specific scene. The landscape studies by Dürer clearly represent actual scenes, which can be identified in many cases, and were at least partly made on the spot; the drawings by Fra Bartolomeo also seem clearly sketched from nature. Dürer’s finished works seem generally to use invented landscapes, although the spectacular bird’s-eye view in his engraving Nemesis shows an actual view in the Alps, with additional elements. Several landscapists are known to have made drawings and watercolour sketches from nature, but the evidence for early oil painting being done outside is limited. The Pre-Raphaelite Brotherhood made special efforts in this direction, but it was not until the introduction of ready-mixed oil paints in tubes in the 1870s, followed by the portable “box easel”, that painting en plein air became widely practiced.

A curtain of mountains at the back of the landscape is standard in wide Roman views and even more so in Chinese landscapes. Relatively little space is given to the sky in early works in either tradition; the Chinese often used mist or clouds between mountains, and also sometimes show clouds in the sky far earlier than Western artists, who initially mainly use clouds as supports or covers for divine figures or heaven. Both panel paintings and miniatures in manuscripts usually had a patterned or gold “sky” or background above the horizon until about 1400, but frescos by Giotto and other Italian artists had long shown plain blue skies. The single surviving altarpiece from Melchior Broederlam, completed for Champmol in 1399, has a gold sky populated not only by God and angels, but also a flying bird. A coastal scene in the Turin-Milan Hours has a sky overcast with carefully observed clouds. In woodcuts a large blank space can cause the paper to sag during printing, so Dürer and other artists often include clouds or squiggles representing birds to avoid this.

The monochrome Chinese tradition has used ink on silk or paper since its inception, with a great emphasis on the individual brushstroke to define the ts’un or “wrinkles” in mountain-sides, and the other features of the landscape. Western watercolour is a more tonal medium, even with underdrawing visible.