美術批評

美術批評は、視覚芸術の議論や評価です。 美術評論家は、通常、美学や美の理論の文脈で芸術を批判する。 芸術批評の目標は美術鑑賞の合理的基盤の追求ですが、そのような批判が社会的・政治的支配的状況を超越できるかどうかは疑問です。

色々な芸術的な動きのために、芸術の批判が異なる学問分野に分かれ、それぞれが異なる判断基準を用いる可能​​性があります。 批判の分野における最も一般的な部門は、歴史的批評と評価、芸術史の一形態、生きた芸術家による現代的批判の間のものです。

美術批評は芸術を作ることよりもリスク活動がはるかに低いという認識にもかかわらず、現在の芸術の意見は常に時間の経過と共に劇的な修正を受ける傾向があります。 過去の批評家は、(19世紀後半の学術家のような)敬遠された芸術家や、(印象派の初期の作品のような)現在崇拝されている芸術家を嘲笑することが多い。 芸術運動そのものの中には、批評家たちによって蔑視されるものもありますが、その名前は後にスタイルの芸術家(例えば印象派、キュービズム)の名誉のバッジとして採用され、元の否定的な意味は忘れています。

アーティストはしばしば彼らの評論家と不安な関係を持っています。 アーティストは、通常、批評家からの肯定的な意見が必要です。 残念ながらアーティストのために、後の世代だけがそれを理解するかもしれません。

芸術は人間であることの重要な部分であり、文化や時代にかかわらず、私たちの生活のすべての側面から見つけることができます。 美学、認知、知覚など、美術の判断を決めるさまざまな変数があります。 芸術は、美学と形態に対する個人的な好みに基づいて、客観的でも主観的でもあり得る。 それは、デザインの要素と原則、そして社会的および文化的受け入れに基づいています。 芸術は、多様な形態と表現の基本的な人間の本能です。 芸術は瞬間的な判断で独立していることができますし、より深い知識を持って見ることもできます。 芸術を批評し評価する多くの理論の中には、審美的、実用的、表現的、形式主義的、相対主義的、行進的、模倣的、儀式的、認知的、模倣的およびポストモダン理論がある。 アートの批評と感謝は、美学と形態に対する個人的な好みに基づいて主観的であるか、またはデザインの要素と原則に基づいて、そして社会的および文化的に受け入れられることができる。

定義
美術批評には、それを練習している人ほど変わらない、多くの、そしてしばしば数多くの主観的視点がある。 芸術とその価値の議論や解釈に関連する活動よりも、より安定した定義で来ることは困難です。 誰が主題に書いているかに応じて、「芸術批評」自体が直接的な目標として取り除かれるか、フレームワーク内に芸術史が含まれるかもしれない。 定義上の問題にかかわらず、美術批評は、そのエッセイにおける工芸の歴史を参照することができ、美術史自体は、暗黙のうちに重要な方法を使用する可能性がある。 美術史家R・シヴァ・クマールによれば、「美術史と芸術批評の境目は、もはやしっかりと描かれたものではなく、近代美術に関心を持つ美術史家から始まったのではないか」

芸術批評は、芸術作品を記述、分析、解釈、および判断するプロセスです。 より広い範囲での芸術批評(視覚芸術に焦点を当てる)とは異なる。 建築批評、絵画(視覚芸術批評)、公演(舞踊批評、劇場批評)、音楽(音楽批評)など、方法哲学の分析ではなく、考えられている目的によって、芸術批評の規律を定義することができます。ビジュアルメディア(映画批評、テレビ批評)、文学テキスト(文学批評)のいずれかである。

芸術の批判は大きく2つに分けることができる。 学術研究や専門誌に見られるような学問的な批判があり、新聞、テレビ、ラジオを通じてより広範な人々に見られるよりジャーナリズム的な性質(しばしば「レビュー」と呼ばれる)に対する批判がある。 学術批評は、ジャーナリズムよりも活発で分析的な性質のものであり、ジャーナリズムは、議論中の芸術についての詳細を犠牲にして読者を楽しませることにも焦点を当てているかもしれない。

方法論
芸術批評は、芸術作品が言葉に十分に翻訳され、事件を起こすことができる記述的側面を含む。 その記述に従った(あるいはその中に散在している)芸術作品の評価は、批評家の経験と同様にアーティストの成果にも大きく依存する。 そのような顕著な主観的構成要素には、それが追求されることができる様々な方法がある。 可能なスペクトルの極端なものとして、芸術的な対象によって引き起こされる即時の印象に単に言及している人もいるが、技術的な知識、芸術的な理論、 。

歴史
主な記事:美術批評の歴史
アートの批判は、アート批判の初期の形態を含むプラトン、ヴィトウビウス、またはヒッポのアウグスティヌスの作品に見られるテキストによって証明されるように、芸術そのものの起源に由来する可能性が高い。 また、裕福な利用者は、少なくともルネッサンス開始以来、手数料や完成品の調達を支援する仲介芸術評価者を雇用してきた。

起源
執筆のジャンルとしての芸術批評は、18世紀にその現代的な形を得ました。 アート批評という言葉の最初の使用は、英国の画家、ジョナサン・リチャードソン(Jonathan Richardson)が1719年に出版した「批評全体の芸術に関するエッセイ」であった。 この作品では、彼は芸術作品のランキングのための客観的なシステムを作り出そうとしました。 描画、構成、発明、色付けを含む7つのカテゴリに0〜18のスコアを与え、それらを組み合わせて最終スコアを得た。 彼が紹介した言葉は、特に英国の中産階級が、彼らの誇り高い社会的地位の象徴として、彼らの芸術の買収においてより分かり始めたときに、すぐに理解されました。

1700年代半ばのフランスとイギリスでは、美術に対する一般の関心が広がり始め、パリのサロンやロンドンの夏の展覧会でアートが定期的に展示されました。 18世紀のフランスで美術評論家としての個人的評判を獲得した最初の作家は、Jean-Baptiste Dubosであり、Réflexionscritiques sur la lapésieet sur la peinture(1718)であり、彼は美学理論への彼のアプローチの賛同を称賛した; ÉtienneLa Font de Saint-YenneとReflexionsの関係は、1746年のサロンについて書いたフランスの原作であり、その後人気のあるバロック様式の芸術スタイルの制作の社会経済的枠組みについて論じている。文章の反モナーク主義的感情の認識。

18世紀フランスの作家デニス・ディドロは、美術批評の媒体を大幅に進歩させました。 ディドロの「1765年のサロン」は、芸術を語る最初の真の試みの1つでした。 芸術史家のトーマス・E.・クロウ(Thomas E. Crow)によれば、「ディデロが美術批評を取り上げたとき、それは現代の絵画と彫刻の記述と判断を提供することに成功したプロの作家の第一世代のヒーローであった。最新の芸術の定期的、自由、公の展覧会の同様に新しい制度の産物である。

一方、イングランドでは、1762年以降、1766年に芸術協会が出展され、匿名の批判的なパンフレットが出てきました。 ロンドン・クロニクルなどの新聞や定期刊行物は、美術批評のコラムを運び始めました。 1768年にロイヤルアカデミーの設立に伴って登場したフォームです。1770年代、Morning Chronicleは、展覧会で紹介されたアートを体系的にレビューする最初の新聞となりました。

フランス
17世紀と18世紀のパリ・サロンでのアカデミー・ロワイヤル・デ・ピントルと彫刻の公的展覧会までは、非芸術家の専門家の芸術批評(いわゆるレイ・ビクティズム)が主張する評価の独占よりも勝ったアカデミーメンバー。 最初の美術評論家の中には、ÉtienneLa Font de Saint-YenneとDenis Diderotの作家がいました。 La Font des Saint-Yenneは、1年後にハーグで匿名で独立した小冊子として登場した1746年のサロンのラインナップの詳細なレビューを書いた。 ディデロは1759年と1781年の間に、彼の友人であるフリードリッヒ・メルヒオール・グリム氏の1人であるコレリーポンス・リテラレ(Correspondancelittéraire)の9つのサロンレポートを書いた。これは隔週編集された手書きの雑誌で、特に貴族のサークルから得た。

百年後、アバンギャルド時代の詩人チャールズ・ボーデレール(Charles Baudelaire)は、1845年から若手作家として、ロマンチックな絵画と現実的で心地よい空気絵画の拒否に対して、パリのサロンのいくつかのレビューを書いた。

ドイツ
ドイツでは、フランス芸術談話の文化移転として、特に本の印刷と本の貿易ライプツィヒでのヨハン・クリストフ・ゴッチェッテの雑誌によって促進された啓蒙時代の芸術批評が浮上した。 Gottschedsのレビュージャーナル(1747年から)で、文献は取り上げられたが、パリのAcadémieroyale des Inscriptions et Belles-Lettresの講義の審査の芸術的な文章と翻訳対処しました。 例外的な場合に限り、それらは直接芸術作品に関連していました。

19世紀
19世紀以降、美術批評はより一般的な職業であり、時には特定の美学理論に基づいた形式化された方法を開発する職業にもなった。 フランスでは、伝統的な新古典派の芸術家の支持者と新しいロマンチックなファッションの間に1820年代の隆起が浮かび上がった。 Étienne-JeanDelécluzeの下の新古典主義者は、古典的な理想を擁護し、絵画の中で慎重に完成した形を選んだ。 Stendhalのようなロマン主義者は、過度に定式化されたような古いスタイルを批判し、何の感情も欠いていた。 代わりに、彼らはロマンチックな芸術の新しい表現力豊かで理想主義的で感情的なニュアンスを擁護しました。 同様の、より鈍い議論がイギリスでも起こった。

当時のイギリスの著名な批評家の1人は、画家とエッセイストであったウィリアム・ハズリット(William Hazlitt)でした。 彼は、芸術が人類の寛大さとその周りの世界の知識を向上させるために使用できるという芸術への彼の深い喜びと彼の信念について書いた。 彼は、JMW Turnerのランドスケープ・アートが動き出しているという、ますます抽象的な方向に向かって不安を抱くようになった英国の評論家の潮流のひとつです。

19世紀の偉大な批評家の1人はジョン・ラスキンでした。 1843年に彼はModern Paintersを出版し、Turnerが自然に不誠実であると主張した彼の批評家からJMW Turnerの仕事をしっかりと守った。 骨の折れた分析と詳細への注意を通じ、ラスキンは美術史家EH Gombrichが「これまでに試みた科学芸術批評の最も意欲的な作品」とは全く反対の立場を立てることができました。 ラスキンは彼の豊かな流行の文章で知られるようになり、その後は活気に満ちた幅広い批評家になり、ヴェネツィアの石を含む建築とルネサンスの芸術作品を出版しています。

19世紀の美術評論のもう一つの著名人であるフランスの詩人、チャールズ・ボーデレール(Charles Baudelaire)は、1845年のアート・レビュー・サロン(Salon of 1845)を出版しました。 彼の批判的な意見の多くは、ユージーン・ドラクロワのチャンピオン争いを含む、時代においては斬新であった。 ÉdouardManetの有名なオリンピア(1865年)が、ヌードの娼婦の肖像画が、露骨なリアリズムのスキャンダルを誘発したとき、ボーデレールは彼の友人をサポートするために個人的に働いた。 彼は、「批判は部分的、熱狂的、政治的、つまり排他的な観点から形成されるべきであり、最も多くの視野を開く視点から」と主張した。 彼は過去数十年の古いバイナリポジションからの議論を進めようとしました。「真の画家は、現代の生活から叙事詩的な面を逸らすことができ、色や描写で、私たちは私たちのクラバットと洗練されたブーツにいます。

1877年、ジョン・ラスキンはブラック・アンド・ゴールドでノクターンを嘲笑しました。アーティスト、ジェームス・マクニール・ウィスラーの後のFalling Rocketはグロヴナーギャラリーで次のように示しました:「私は今までにコックニーの怒りを見てきました。コックスコムは、公衆の顔に塗料の壺を投げつけるために200人のギニアを頼む。 この批判により、ウィスラーは名誉毀損批判訴訟を起こした。 その後の裁判事件は、ウィスラーにとってのPyrrhic勝利であることが判明した。

20世紀のターン
19世紀の終わりに向けて、具体的な内容とは対照的に、抽象化への動きは、特に劇作家オスカー・ワイルドによって擁護されたイングランドでの地歩を築き始めました。 20世紀初頭までに、これらの態度は、ブルームズベリー・グループのメンバー、ロジャー・フライとクライヴ・ベルの仕事を通じて、一貫した哲学に正式に合体しました。 1890年代の美術史家として、フライは新しいモダニズムの芸術と伝統的な描写から離れたものに興味をそそられました。 ポスト・インプレッション・アートと呼ばれる1910年の彼の展覧会では、その象徴クラスについて多くの批評が寄せられました。 彼は講義で積極的に自分自身を擁護した。そこでは、芸術は静かではなく純粋な想像力の言葉を発見しようとしていたと主張した。 フライの議論は、当時、特に進歩的なエリートの間で、非常に影響力があることが判明した。 バージニアウルフは、「1910年12月(フライが講演した日)に、人間の性格が変わった」と述べた。

独立して、同時に、Clive Bellは、1914年の本書Artにおいて、すべての芸術作品がその重要な形をとっていると主張したが、従来の主題は本質的に無関係であった。 この作品は、フォーマル主義的な芸術へのアプローチの基礎を築いた。 1920年、フライは、「私がキリストや鍋を代表するなら、それは形であり、対象自体ではなく、興味をそそるので、私はすべて同じです」と主張しました。 形式主義の支持者であるだけでなく、彼は、芸術の価値は、見る人に独特の美的経験を生み出す能力にあると主張した。 彼は「美的感情」と呼ばれる経験をしています。 彼はそれを重要な形で起こったその経験と定義しました。 彼はまた、芸術作品の重要な形態に応じて美的感情を経験する理由は、その形態がアーティストが持つ経験の表出であると認識しているということでした。 芸術家の経験は、世界の普通のものを純粋な形で見る経験でした。つまり、何かが他のものへの手段ではなく、それ自身の目的であると感じる時の経験です。

ハーバート・リードは、ポール・ナッシュ、ベン・ニコルソン、ヘンリー・ムーア、バーバラ・ヘップワースなどの現代英国人の芸術家のチャンピオンであり、ナッシュの現代芸術団体であるユニット・ワンと結びついた。 彼はPablo PicassoとGeorges Braqueのモダニズムに焦点を当て、The Listenerのアートの意味に関する有力な1929年のエッセーを発表した。 彼はまた、トレンドセッティングのバーリントン誌(1933-38年)を編集し、1936年にロンドン国際超現実主義者展を組織するのを手伝った。

1945年以来
19世紀のボーデレールの場合と同様に、詩人としての評論家の現象は、フランスの詩人アポリネールがキュービズムのチャンピオンになった20日に再び登場しました。 その後、フランスの作家と抵抗のアンドレ・マルロウの英雄は、彼の母国のヨーロッパの限界をはるかに越えて、芸術を広範囲に書きました。 1958年にブエノスアイレスを訪れた後、メキシコのムラシズム(オロスコ、リベラ、シケイロス)に残っていたラテンアメリカの先駆者が変わったという彼の信念は、近代美術館の若手監督のアルゼンチンのいくつかのスタジオを訪れた後ブエノスアイレスのラファエル・シードル(Rafael Squirru)のマルローは、アルゼンチンの新しい芸術的な動きの中に新しい先駆者が存在すると宣言しました。 1960年代にワシントンDCのOASの文化部長に就任した詩人のSquirruは、死去する前にEdward Hopperにインタビューした最後の人物であり、アメリカ人アーティストの関心の復活に貢献しました。

1940年代にはギャラリー(この世紀の芸術)だけでなく、ニューヨーク・ヴァンガードの仕事に従事する批評家もほとんどいませんでした。 また、批評家としても機能していたRobert MotherwellとBarnett Newmanの文学的背景を持つ少数のアーティストがいました。

ニューヨークと世界はニューヨークのアヴァンギャルドに精通していませんでしたが、1940年代後半には今日、家庭名になったアーティストのほとんどが、よく確立されたパトロン批評家を抱えていました。 クレメント・グリーンバーグは、ジャクソン・ポロックと、Clyfford Still、Mark Rothko、Barnett Newman、Adolph Gottlieb、Hans Hofmannのようなカラーフィールド画家を主張しました。 Harold RosenbergはWillem de KooningやFranz Klineなどのアクションペインターを好んでいたようだ。 ARTnewsの編集長Thomas B. Hessは、Willem de Kooningを擁護しました。

新たな批評家は、他のアーティストを「フォロワー」としてキャスティングしたり、プロモーションの目標を達成できなかった人々を無視したりして、保護者を昇格させました。 一例として、1958年にマーク・トビーはウィスラー(1895年)以来初めてベニスのビエンナーレで最優秀賞を受賞しており、ニューヨークの2つの大手アート・マガジンには興味がありませんでした。アート・ニュース(編集:トーマス・B・ヘス編集)はそれを完全に無視した。ニューヨーク・タイムズとライフは特集記事を印刷した。

アップタウングループの後期メンバーであるBarnett Newmanは、カタログの序文とレビューを書いており、1940年代後半にはBetty Parsons Galleryの出品作家になった。 彼の最初の個展は1948年です。最初の展覧会の後すぐに、Barnett Newmanはスタジオ35でのアーティストセッションの1つに注目しました。「私たちは、世界をある程度、私たち自身のイメージで作り上げています。 ニューマンは、作文力を活かし、新たに確立されたイメージをアーティストとして強化し、仕事を促進するためにあらゆる方法で戦った。 一例は、1955年4月9日にシドニー・ジャニスへの手紙です。

ロスコが戦闘機を話すのは事実です。 しかし、彼は戦争の世界に提出するために戦う。 ブルジョア社会に対する私の闘いは、それを完全に拒否したことに関連しています。

このスタイルを推進することと最も関係があったと思われる人物は、ニューヨークのトロツキスト、クレメント・グリーンバーグでした。 パルチザン評論と国家のための長い時間の芸術評論家として、彼は抽象表現主義の早期かつ学問的な支持者になった。 裕福な芸術家、ロバート・マザーウェル(Robert Motherwell)は、時代の政治的気候と知的反抗にふさわしいスタイルを推進するためにグリーンバーグに加わりました。

クレメント・グリーンバーグは抽象表現主義とジャクソン・ポロックを特に審美的価値の典型と宣言した。 グリーンバーグはポロックの作品を、その日の最高の絵画とキュービズムとセザンヌを経て絵画が「より純粋」になり、「本質的」であることに集中したモネへと戻っていった、平らな表面に印をつけること。

ジャクソン・ポロックの作品は常に批評家を鼓舞しています。 Harold Rosenbergは、ポロックの作品では、「絵画は絵ではなく事象である」という実在的なドラマに絵画を変えたと語った。 キャンバスのジェスチャーは、価値政治的、審美的、道徳的なものから解放されたジェスチャーであった」と語った。

当時抽象表現主義の最も批評家の一人は、ニューヨークタイムズの芸術評論家John Canadayでした。 メイヤー・シャピロとレオ・スタインバーグは抽象表現主義の支持を表明した重要な戦後美術史家でもあった。 若い芸術家の批評家マイケル・フライド、ロザリンド・クラウス、ロバート・ヒューズは、抽象表現主義の中で成長し続けている重要な弁証法について、かなりの洞察を加えました。

アート評論家
美術評論家、または芸術文化批評家は、美術史、美術批評、および芸術批評のすべての分野において、技術者または卒業生、教師、教師または修士、または独学者(専門家)である可能性のある専門家です。国や地域の芸術的 – プラスチック的、文化的環境。 エドガー・アラン・ポー(Edgar Allan Poe)とチャールズ・ボーデレール(Charles Baudelaire)は、最初の美術評論家の一人である 美術評論家は、芸術と文化に関連するすべてを分析するための訓練されたプロフィールを持っているので、宇宙、時間、および傾向における芸術作品の分析、したがって芸術の「批評」の名前、口頭で、そして書面で。 それは評価的であるため、通常、アートの研究に関連するすべての分野の中で最も主観的であると考えられています。 つまり、仕事に関して個人的な判断を下す。

批評家が答えようとしている非常に一般的な質問には、

特定の芸術作品の動機とテーマは何ですか?
空間と容積の錯覚はどのようにして作られましたか?
どのようなアイデアや感情が表現されていますか?
美術評論家は、彼の知識や控除をさらに拡大し、芸術家、他の美術評論家の文学的断片、文化の歴史学者でもあります。 そういうわけで、芸術文化批評家は、芸術的な動向や動きがもたらす道筋を担う、先見性のある、文学的で文化的なアニメーターになることができます。

ジャーナリズム美術評論家
ジャーナリズム芸術評論家がいて、アート評論家とは異なり、コミュニケーションやジャーナリズムで始まり、メディアで芸術的批評を終わらせました。 これは最近XXI世紀に現れたが、それは文化芸術評論家に含めることができ、逆もまた同様である。 これは現在、アート評論家の人格の大幅な変化、メディアの進歩と発展、そして現代における新しい技術のために可能です。 ジャーナリズム芸術評論家は、映画、娯楽、テレビ、ラジオなど、文化芸術評論家のものとは非常に異なる追加の芸術科目に幅広く含まれています。

フェミニストの芸術批評
女性芸術批評は、1970年代に、より広いフェミニズム運動から、女性が作り出した芸術と芸術における女性の視覚的表現の批判的検討として浮上した。 それは引き続きアート批評の主要分野です。

今日
美術評論家は今日、印刷媒体や専門誌、新聞だけでなく、 美術評論家は、インターネット、テレビ、ラジオ、美術館やギャラリーにも出演しています。 多くは大学や美術館の美術教育者としても雇用されています。 美術評論家は展覧会を企画し、展覧会カタログを書くのによく使われます。 美術評論家には、国際芸術批評家協会と呼ばれる独自の組織、UNESCOの非政府組織があり、これには約76の国家セクションと、難民と亡命者のための政治的な非整合セクションがあります。

アートブログ
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