Cinema surrealista

Il cinema surrealista è un approccio modernista alla teoria del cinema, alla critica e alla produzione con origini a Parigi negli anni ’20. Il movimento ha usato immagini scioccanti, irrazionali o assurde e il simbolismo del sogno freudiano per sfidare la tradizionale funzione dell’arte di rappresentare la realtà. Legato al cinema Dada, il cinema surrealista è caratterizzato da giustapposizioni, dal rifiuto della psicologia drammatica e da un uso frequente di immagini scioccanti. La collaborazione tra Philippe Soupault e André Breton del 1920, Les Champs Magnétiques, è spesso considerata come la prima opera surrealista, ma solo una volta che Breton aveva completato il suo Manifesto surrealista nel 1924 che “il Surrealismo si autoproclamava un certificato di nascita ufficiale”.

Il primo film surrealista fu The Seashell and the Clergyman del 1928, diretto da Germaine Dulac da una sceneggiatura di Antonin Artaud. Altri film comprendono Un Chien Andalou e L’Age d’Or di Luis Buñuel e Salvador Dalí; Buñuel ha continuato a dirigere molti altri film, con vari gradi di influenza surrealista.

Contenuto
Lo studio dei surrealisti in arte e letteratura con gli aspetti irrazionali del sogno e dell’inconscio, influenzato dalla psicoanalisi di Freud, ha portato anche a una traduzione cinematografica dell’alienazione grottesca e di elementi eccessivi di questo movimento artistico. A causa dell’intensa preparazione tecnica richiesta per i film, i film surreali mancavano dell’elemento inconscio, il design “automatico”, che nella pittura e nella letteratura del surrealismo faceva coincidere un ruolo significativo.

Caratteristiche
Proveniente dalla poesia e dalle arti plastiche, il cinema surrealista conserva molti dei suoi grandi motivi: la creazione al di fuori di tutti i principi estetici e morali, la fantasia onirica, l’umorismo spregiudicato e crudele, l’erotismo lirico, la deliberata confusione dei tempi e dei diversi spazi. I suoi direttori la usano per scandalizzare e sterminare una società borghese meschina e sordida. Danno alle immagini un valore in se stesse, usando le unioni fuse, accelerate, al rallentatore e arbitrarie tra piani di film e sequenze.

I precedenti del cinema surrealista sono nel più ampio movimento del cinema d’avanguardia di carattere cubista e dadaista, che iniziò a svilupparsi intorno al 1925. Esempi di questa tendenza sono il ballet mécanique, di Fernand Léger (un pittore cubista) o il film dadaista Entreacto ( fine 1924), di René Clair e Francis Picabia, caratterizzato dalla creazione di metafore visive. Un altro tentativo d’avanguardia fu La estrella de mar (1928), di Man Ray e Robert Desnos, che si limitò a una catena di aerei fusi che costituivano una serie fotografica piuttosto che un film surrealista.

Nel 1928 appare il primo film con alcuni contenuti surrealisti, La caracola y el cérigo, di Germaine Dulac e la sceneggiatura di Antonin Artaud. L’anno seguente fu pubblicato l’esponente più rappresentativo di questo genere cinematografico, Un perro andaluz (1929) di Luis Buñuel, il capolavoro del cinema surrealista. Buñuel avrebbe continuato la sua traiettoria cinematografica con un surrealismo più combattivo in The Golden Age (1930). Il sangue di un poeta (1930), di Jean Cocteau, influenzato dal surrealismo non è stato ben accolto dal gruppo surrealista e non può essere considerato come appartenente a questo movimento.

Teoria
Nel suo libro Surrealism and Cinema del 2006, Michael Richardson sostiene che le opere surrealiste non possono essere definite per stile o forma, ma piuttosto come risultati della pratica del surrealismo. Richardson scrive: “All’interno delle concezioni popolari, il surrealismo è frainteso in molti modi diversi, alcuni dei quali contraddicono gli altri, ma tutti questi fraintendimenti sono fondati sul fatto che cercano di ridurre il surrealismo a uno stile o una cosa in sé piuttosto che essere preparati vederlo come un’attività con orizzonti sempre più ampi, molti critici non riescono a riconoscere le qualità distintive che costituiscono l’atteggiamento surrealista, cercano qualcosa – un tema, un tipo particolare di immagini, determinati concetti – possono identificarsi come “surrealisti” per fornire un criterio di giudizio in base al quale un film o un’opera d’arte possono essere valutati, il problema è che ciò va contro l’essenza stessa del surrealismo, che rifiuta di essere qui, ma è sempre altrove, non è una cosa ma una relazione tra le cose e deve quindi essere trattato nel suo insieme. I surrealisti non si preoccupano di evocare un mondo magico che può essere definito “surreale”. Il loro interesse è quasi esclusivamente nell’esplorazione le congiunzioni, i punti di contatto, tra i diversi regni dell’esistenza. Il surrealismo riguarda sempre le partenze piuttosto che gli arrivi. “Più che un’estetica fissa, Richardson definisce il surrealismo come” un punto di svolta del magnetismo attorno al quale ruota l’attività collettiva dei surrealisti “.

Il surrealismo si basa su immagini irrazionali e sulla mente subconscia. I surrealisti non dovrebbero, tuttavia, essere confusi come estrosi o incapaci di pensiero logico; piuttosto, la maggior parte dei surrealisti si promuove come rivoluzionari.

Storia
Il surrealismo fu il primo movimento letterario e artistico a essere seriamente associato al cinema, sebbene sia stato anche un movimento ampiamente trascurato dai critici e dagli storici del cinema. Per quanto la sua popolarità sia breve, divenne nota per la sua qualità onirica, la giustapposizione di persone e oggetti quotidiani in forme irrazionali e l’astrazione della vita, dei luoghi e delle cose reali. Fortemente influenzato dalla psicologia freudiana, il surrealismo ha cercato di portare la mente inconscia alla vita visiva. “Equilibrato tra simbolismo e realismo, il cinema surrealista ha commentato temi di vita, morte, modernità, politica, religione e arte stessa”.

Le basi del movimento sono iniziate in Francia e hanno coinciso con la nascita di film. La Francia è stata la culla del cinema surrealista grazie alla fortunata combinazione di facile accesso a materiale cinematografico, finanziamenti cinematografici e una pletora di artisti e di pubblico interessati. I surrealisti che hanno partecipato al movimento sono stati tra i primi ad essere cresciuti con il cinema come parte della vita quotidiana.

Lo stesso bretone, ancor prima del lancio del movimento, possedeva un avido interesse per il film: mentre prestava servizio nella prima guerra mondiale, era di stanza a Nantes e, durante il suo tempo libero, frequentava le sale cinematografiche con un superiore di nome Jacques Vaché. Secondo Breton, lui e Vaché hanno ignorato i titoli e i tempi dei film, preferendo entrare in un dato momento e vedere i film senza alcuna conoscenza preliminare. Quando si annoiavano, se ne andarono e visitarono il teatro successivo. Le abitudini cinematografiche di Breton gli hanno fornito un flusso di immagini senza ordine costruito su di loro. Poteva giustapporre le immagini di un film a quelle di un altro, e dall’esperienza crea la sua interpretazione.

Riferendosi alle sue esperienze con Vaché, una volta osservò: “Penso che ciò che ci [maggiormente apprezzato], al punto di non interessarci a nient’altro, era il suo potere di disorientare”. Breton credeva che il film potesse aiutare ad astrarsi dalla “vita reale” ogni volta che ne avesse voglia.

I serial, che spesso contenevano effetti cliffhanger e accenni di “altre mondanità”, erano attraenti per i primi surrealisti. Gli esempi includono le imprese temerarie di Houdini e le scappatelle di Musidora e Pearl White nei romanzi polizieschi. Ciò che più affascinava i surrealisti del genere era la sua capacità di evocare e sostenere un senso di mistero e suspense negli spettatori.

I surrealisti hanno visto nel film un mezzo che ha annullato i confini della realtà. Il critico cinematografico René Gardies ha scritto nel 1968: “Ora il cinema è, naturalmente, lo strumento privilegiato per derealizzare (sic) il mondo: le sue risorse tecniche … alleate con la sua magia fotografica, forniscono gli strumenti alchemici per trasformare la realtà.”

Gli artisti surrealisti erano interessati al cinema come mezzo di espressione. Mentre il cinema continuava a svilupparsi negli anni Venti, molti surrealisti videro in esso l’opportunità di ritrarre il ridicolo come razionale. “Gli artisti surrealisti si sono resi conto che la cinepresa poteva catturare il mondo reale in un modo da sogno che le penne e i pennelli non potevano: sovrapposizioni, sovraesposizioni, movimento rapido, rallentatore, movimento inverso, stop motion, riflesso lente, profondità elevata di campo, profondità di campo e trucchi di fotocamera più bizzarri potrebbero trasformare l’immagine originale davanti all’obiettivo in qualcosa di nuovo una volta esposta sulla lastra del film.Per i surrealisti, il film ha dato loro la capacità di sfidare e plasmare i confini tra fantasia e la realtà, soprattutto con lo spazio e il tempo. Come i sogni che desideravano dar vita, il film non aveva limiti né regole “. Il cinema forniva illusioni più convincenti del suo rivale più vicino, il teatro, e la tendenza dei surrealisti ad esprimersi attraverso il cinema era un segno della loro fiducia nell’adattabilità del cinema agli obiettivi e ai requisiti del surrealismo. Sono stati i primi a prendere sul serio la somiglianza tra le immagini immaginarie del film e quelle dei sogni e dell’inconscio. Luis Buñuel ha dichiarato: “Il film sembra essere l’involontaria imitazione del sogno”.

I cineasti surrealisti hanno cercato di ridefinire la consapevolezza umana della realtà illustrando che il “reale” era poco più di ciò che era percepito come reale; quella realtà non era soggetta a limiti oltre a quelli che l’umanità gli imponeva. Breton ha paragonato l’esperienza della letteratura surrealista al “punto in cui lo stato di veglia si unisce al sonno”. La sua analogia aiuta a spiegare il vantaggio del cinema sui libri nel facilitare il tipo di rilascio che i surrealisti cercavano dalle loro pressioni quotidiane. Anche la modernità del film era attraente.

I critici hanno discusso se il “film surrealista” costituisca un genere distinto. Il riconoscimento di un genere cinematografico implica la possibilità di citare molte opere che condividono tratti tematici, formali e stilistici. Fare riferimento al genere del Surrealismo significa implicare la ripetizione di elementi e una “formula generica” ​​riconoscibile che descrive il loro trucco. Diversi critici hanno sostenuto che, a causa dell’uso irrazionale e non sequituristico del Surrealismo, è impossibile per i film surrealisti costituire un genere.

Mentre ci sono numerosi film che sono vere espressioni del movimento, molti altri film che sono stati classificati come surrealisti contengono semplicemente frammenti surrealisti. Piuttosto che “film surrealista”, il termine più accurato per tali opere potrebbe essere “Surrealismo nel film”.

Film e registi surrealisti
Film del movimento originale
Entr’acte: un film francese di 22 minuti, silenzioso, scritto da René Clair e Francis Picabia e diretto da Clair, pubblicato il 4 dicembre 1924.
The Seashell and the Clergyman: un film muto di 31 minuti, scritto da Antonin Artaud e diretto da Germaine Dulac, pubblicato nel febbraio 1928.
L’Étoile de Mer: un film francese silenzioso di 15 minuti scritto e diretto da Man Ray, pubblicato nel 1928.
Un Chien Andalou: un film francese di 21 minuti, muto, scritto da Salvador Dalí e Luis Buñuel e diretto da Buñuel, pubblicato nel 1929.
Les Mystères du Château de Dé: un film francese silenzioso di 27 minuti scritto e diretto da Man Ray, pubblicato nel 1929.
L’Age d’Or: un film francese di 60 minuti con suono, scritto da Dalí e Buñuel, e diretto da Buñuel, pubblicato nel 1930.
The Blood of a Poet: un film francese di 50 minuti, diretto e scritto da Jean Cocteau, pubblicato nel 1931.

Film successivi
Joseph Cornell ha prodotto film surrealisti negli Stati Uniti negli ultimi anni ’30 (come Rose Hobart nel 1936). Antonin Artaud, Philippe Soupault e Robert Desnos hanno scritto sceneggiature per film successivi. Salvador Dalí ha progettato una sequenza da sogno per il film Spellbound (1945) di Alfred Hitchcock. È stato uno dei primi film americani ad utilizzare la psicoanalisi come elemento principale della storia. Hitchcock voleva catturare la vividezza dei sogni come mai prima e sentiva che Dalí era la persona che lo aiutava a farlo. Data l’importanza della sequenza dei sogni, il regista ha lasciato libero l’artista per portare sullo schermo una visione innovativa del modo in cui i sogni potevano essere rappresentati.

Nel 1946, Dalí e Walt Disney iniziarono a lavorare su un film intitolato Destino; il progetto è stato finalmente completato nel 2003.

Le opere del cineasta americano David Lynch come Eraserhead (1977) Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) e Mulholland Drive (2001), tra gli altri, sono state considerate surrealiste. I film di scrittore spagnolo, drammaturgo, regista e membro del gruppo surrealista bretone, Fernando Arrabal (I Will Walk Like a Crazy Horse), scrittore e regista cileno Alejandro Jodorowsky (El Topo, The Holy Mountain), il regista americano Stephen Sayadian (Dr. Caligari),

Influenze del surrealismo e del dadaismo del dopoguerra
Passato il periodo storico degli anni ’20 e ’30, non possiamo parlare di cinema surrealista nel senso proprio (o forte) del termine, in quanto i film che reclamano, o che si riferiscono (o che cataloghiamo in quanto tali), sono eterogenei e ibrido. Notiamo che è specialmente nelle opere di narrativa (narrativa o dissidente) che si possono trovare eredità, ammesse o no, del surrealismo, perché è una corrente di pensiero che opera sull’inconscio, sul sogno, sulla psiche: specialmente con Luis Buñuel (che lo rivendicherà per tutta la vita), Federico Fellini, David Lynch, Shūji Terayama, Terry Gilliam, Raoul Ruiz o, ancora, Alejandro Jodorowsky 5. Intere generazioni, come il cinema fantastico, possono, a un livello o un altro, scegliere su di loro. Le influenze del surrealismo sono presenti anche nel cinema d’animazione, quello dei paesi orientali, ma anche in Tex Avery e in altri.

Il cinema del dadaismo, l’altro grande multidisciplinare avanzato dell’epoca (che ha dato film come Il ritorno alla ragione, a Man Ray, 1923 Entr’acte di René Clair, An2424 Cinema del 1924, di Marcel Duchamp, 1925), influenzerà , dagli anni ’50, un gran numero di correnti del cinema sperimentale: il cinema Lettrist, quello di Fluxus, il filmato Found, o, ancora, il cinema strutturale. Perché, in queste correnti estetiche, la forma ha la precedenza sul contenuto. Il modulo diventa il contenuto:

Elenco dei film
Film surrealisti
1924: Entr’acte di René Clair [Originariamente film dadaista]
1928 The Seashell and the Clergyman di Germaine Dulac
1929: un cane andaluso di Luis Buñuel e Salvador Dalí
1929: Starfish of Man Ray
1930: L’età d’oro di Luis Buñuel (con l’aiuto di Salvador Dalí)
1930: Il sangue di un poeta di Jean Cocteau
1943: Meshes of the Afternoon di Maya Deren e Alexander Hammid
1957: Il legame di Alejandro Jodorowsky
1959: L’imitazione di Marcel Mariën’s Cinema in Sharing Social Network [archivio]
1980: Oltre il reale di Ken Russell
1988: Alice di Jan Švankmajer.
2003: Destino di Dominique Monféry, da un progetto incompiuto, avviato nel 1946 da Walt Disney e Salvador Dalí.
2003: Doppelherz di Marilyn Manson (cortometraggio)

Film influenze surrealiste
1945: La casa del dott. Edwardes di Alfred Hitchcock (la sequenza del sogno di Gregory Peck i cui set furono dipinti dallo stesso Salvador Dalí, ispirati dal suo lavoro sull’occhio per un cane andaluso)
1946: La bella e la bestia di Jean Cocteau
1950: Orfeo di Jean Cocteau
1970: The Grandmother di David Lynch
1974: Il fantasma della libertà di Luis Buñuel
1986 Blue Velvet di David Lynch
1990: Sailor e Lula di David Lynch
1997: Las Vegas Parano di Terry Gilliam
1999: Dead or Alive di Takashi Miike
2005: I fratelli Grimm di Terry Gilliam

Neo-Surrealismo
1962: La bambola di Jacques Baratier
1965: Giulietta degli spiriti di Federico Fellini
1967: Fando e Lis di Alejandro Jodorowsky
1968: Lo stupro del vampiro di Jean Rollin
1968: The Alphabet di David Lynch
1970: El Topo di Alejandro Jodorowsky
1971: Il brivido dei vampiri di Jean Rollin
1973: Camminerò come un cavallo pazzo di Fernando Arrabal
1973: La montagna sacra di Alejandro Jodorowsky
1974: L’amputato di David Lynch
1974: ricerca pastorale di Shūji Terayama
1975: Monty Python: Holy Grail! di Terry Gilliam
1976: Eraserhead di David Lynch
1976: Jabberwocky di Terry Gilliam
1979: Fascino di Jean Rollin
1980: The Carousel di Marc Caro e Jean-Pierre Jeunet
1985 Brasile di Terry Gilliam
1989: Marchese di Henri Xhonneux, sceneggiatura di Roland Topor
1989: Tetsuo di Shinya Tsukamoto
1995: tre vite e una morte di Raoul Ruiz
1997: Lost Highway di David Lynch
2001: Mulholland Drive di David Lynch
2002: Arzach di Moebius
2002: Darkened Room di David Lynch
2004: Aaltra di Benoît Delépine e Gustave Kervern
2005: KO Kid di Marc Caro
2006: Tassidermia di György Pálfi
2007: Inland Empire di David Lynch
2010: Maximum Shame di Carlos Atanes
2010: Rubber of Dupieux
2012: sbagliato da Quentin Dupieux
2014: Wrong Cops di Quentin Dupieux