L’arte accademica, o accademismo, è uno stile di pittura, scultura e architettura prodotto sotto l’influenza delle accademie d’arte europee. In particolare, l’arte accademica è l’arte e gli artisti influenzati dagli standard dell’Académie des Beaux-Arts francese, praticata sotto i movimenti del Neoclassicismo e del Romanticismo, e l’arte che ha seguito questi due movimenti nel tentativo di sintetizzare entrambi i loro stili e che si riflette meglio nei dipinti di William-Adolphe Bouguereau, Thomas Couture e Hans Makart. In questo contesto viene spesso chiamato “accademismo”, “accademismo”, “arte pomeridiana” (in senso peggiorativo) ed “eclettismo”, e talvolta collegato con “storicismo” e “sincretismo”.

L’arte accademica comprende dipinti e sculture che sono stati creati sotto l’influenza delle accademie europee, in cui molti artisti di questo tempo hanno ricevuto la loro formazione formale. L’arte accademica si è impegnata in un canone prevalentemente letterario, mitologico e storico motivato di argomenti consentiti o desiderati. I suoi artisti non hanno mostrato alcun interesse a ritrarre il quotidiano o il profano. L’arte accademica non è quindi realistica, ma idealistica.

In termini di stile, l’arte accademica coltivava l’ideale della perfetta e selettiva imitazione della realtà di Aristotele (mimesi). Con una perfetta padronanza del colore, della luce e dell’ombra, le forme sono state elaborate in modo quasi fotorealistico. Alcuni dipinti mostrano una “finitura lucida” in cui non è più possibile vedere una pennellata sul lavoro finito. Questo ideale artistico fu scosso alle sue fondamenta a metà del XIX secolo dall’invenzione della fotografia.

L’École des Beaux-Arts francese, influenzata dal neoclassicismo e dal romanticismo, fu particolarmente influente per lo stile. L’arte accademica successiva ha sintetizzato questi due stili, che possono essere visti molto bene nei dipinti di William Adolphe Bouguereau, Thomas Couture e Hans Makart.

Con l’avvento degli stili artistici successivi, in particolare dell’impressionismo, l’arte accademica fu disprezzata e liquidata come “eclettismo”. Dall’inizio alla fine del 20 ° secolo, la maggior parte degli esperti d’arte lo considerava di scarsa importanza, quindi veniva appena menzionato e scompariva nei depositi del museo; a volte venivano denigrati in modo denigratorio “arte pompier”. Lo stile accademico della pittura è stato anche screditato dal fatto che è stato elevato a uno standard assoluto dalla politica dell’arte nazionalsocialista. Solo pochi artisti per lo più anziani le sono rimasti fedeli fino agli anni ’60.

Fu solo negli anni ’90 che l’arte accademica di fin de siècle fu “riscoperta” a poco a poco e da allora ha guadagnato sempre più apprezzamento. Mentre la pittura ha preso la sua strada riflettendo e mettendo in discussione i propri prerequisiti, il film storico in particolare, in particolare il film sandalo, ha continuato la brama dell’accademismo per la ricostruzione del passato.

Accademismo francese
L’origine del nome francese pompier – in italiano, pompiere – è incerta: potrebbe derivare dai caschi delle figure di divinità ed eroi classici, simili ai caschi dei pompieri, o indicare gli stessi vigili del fuoco presenti, con compiti di sicurezza, durante le mostre aperto nei Saloni ufficiali, oppure si riferiscono ai pittori del circolo di Charles Gleyre, sostenitori dell’imitazione della pittura pompeiana, o, infine, per affrontare molte rappresentazioni pittoriche pompose e retoriche.

La corrente artistica del Neoclassicismo, nata nel XVIII secolo e estesa a parte della prima metà del XIX secolo, aveva nel rigore razionale del suo stile il primo requisito per prestarsi all’insegnamento nelle scuole e suggerito, nel suo stesso contenuto , il percorso dell’imitazione, non già della natura visibile e della vita reale della società, ma dei prodotti artistici e della storia e dei miti di quel lontano passato, greco e romano, che indicava come modello di armonia e bellezza ideale. In Francia, il suggestivo esempio dell’arte di David – peraltro personalmente contrario a qualsiasi Accademia – e poi quello dello studente Ingres, trasmetterà consenso e produrrà imitatori.

La Royal Academy of Painting and Sculpture è stata creata in Francia nel 1648, con l’obiettivo di garantire agli artisti un certificato di qualità, dotandoli di uno stile basato sulla semplicità e insieme a grandiosità, armonia e purezza. A tal fine, è stata dichiarata la necessità di osservare i seguenti principi:

studio del nudo e dell’anatomia
imitazione degli antichi e natura idealizzata
realizzazione delle opere in studio invece di en plein air
primato del design sul colore
completezza dell’opera

Questi criteri di formazione non sono cambiati nel corso dei secoli e sono stati mantenuti dai professori dell’Ecole des Beaux-Arts, studenti di David e poi di Ingres, che hanno seguito i principi formulati dai loro insegnanti: per essere ammessi, gli studenti hanno dovuto superare un competizione consistente nell’esecuzione di un nudo come modello vivente.

Le accademie nella storia
La prima accademia d’arte fu fondata a Firenze in Italia da Cosimo I de ‘Medici, il 13 gennaio 1563, sotto l’influenza dell’architetto Giorgio Vasari che la chiamò Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno Disegno) in quanto era diviso in due diversi rami operativi. Mentre la Compagnia era una specie di corporazione alla quale ogni artista di lavoro in Toscana poteva unirsi, l’Accademia comprendeva solo le personalità artistiche più eminenti della corte di Cosimo e aveva il compito di supervisionare l’intera produzione artistica dello stato mediceo. In questa istituzione medicea gli studenti hanno imparato l’arte del disegno (un termine coniato dal Vasari) e hanno ascoltato lezioni di anatomia e geometria. Un’altra accademia, l’Accademia di San Luca (dal nome del santo patrono dei pittori, San Luca), fu fondata circa un decennio più tardi a Roma. L’Accademia di San Luca ha svolto una funzione educativa ed era più interessata alla teoria dell’arte che a quella fiorentina. Nel 1582 Annibale Carracci aprì la sua influente Accademia dei Desiderosi a Bologna senza supporto ufficiale; per certi versi era più simile a un laboratorio di un artista tradizionale, ma il fatto che sentisse il bisogno di etichettarlo come una “accademia” dimostra l’attrazione dell’idea in quel momento.

L’Accademia di San Luca servì in seguito come modello per l’Académie Royale de peinture et de sculpture fondata in Francia nel 1648 e che in seguito divenne l’Académie des beaux-arts. L’Académie Royale de Peinture et de sculpture è stata fondata nel tentativo di distinguere gli artisti “che erano signori che praticano un’arte liberale” dagli artigiani, che erano impegnati nel lavoro manuale. Questa enfasi sulla componente intellettuale dell’arte ha avuto un notevole impatto sui temi e gli stili dell’arte accademica.

Dopo che l’Académie Royale de Peinture et de Sculpture fu riorganizzata nel 1661 da Luigi XIV il cui scopo era controllare tutta l’attività artistica in Francia, si verificò una controversia tra i membri che dominarono gli atteggiamenti artistici per il resto del secolo. Questa “battaglia di stili” fu un conflitto sul fatto che Peter Paul Rubens o Nicolas Poussin fossero un modello adatto da seguire. I seguaci di Poussin, chiamati “poussinistes”, sostenevano che la linea (disegno) avrebbe dovuto dominare l’arte, a causa del suo fascino per l’intelletto, mentre i seguaci di Rubens, chiamati “rubenistes”, sostenevano che il colore (colore) dovrebbe dominare l’arte, a causa della sua appello alle emozioni.

Il dibattito fu ripreso all’inizio del XIX secolo, sotto i movimenti del neoclassicismo caratterizzati dalle opere d’arte di Jean Auguste Dominique Ingres e dal romanticismo caratterizzato dalle opere d’arte di Eugène Delacroix. Si è anche discusso se fosse meglio imparare l’arte guardando la natura o imparare guardando i maestri artistici del passato.

Le accademie che utilizzavano il modello francese si formarono in tutta Europa e imitarono gli insegnamenti e gli stili dell’Académie francese. In Inghilterra, questa era la Royal Academy. La Royal Danish Academy of Fine Arts fondata nel 1754, può essere presa come esempio di successo in un paese più piccolo, che ha raggiunto il suo obiettivo di produrre una scuola nazionale e ridurre la dipendenza da artisti importati. I pittori dell’età d’oro danese all’incirca dal 1800-1850 furono quasi tutti formati lì, e molti tornarono a insegnare e la storia dell’arte della Danimarca è molto meno segnata dalla tensione tra l’arte accademica e altri stili di quanto non sia il caso in altri paesi .

Un effetto del passaggio alle accademie fu di rendere la formazione più difficile per le donne artisti, che furono escluse dalla maggior parte delle accademie fino all’ultima metà del XIX secolo (1861 per la Royal Academy). Ciò è stato in parte a causa delle preoccupazioni per l’improprietà presentata dalla nudità. Accordi speciali venivano spesso presi per le studentesse fino al 20 ° secolo.

Sviluppo dello stile accademico
Dall’inizio del dibattito Poussiniste-Rubeniste, molti artisti hanno lavorato tra i due stili. Nel diciannovesimo secolo, nella forma rianimata del dibattito, l’attenzione e gli scopi del mondo dell’arte divennero per sintetizzare la linea del neoclassicismo con il colore del romanticismo. Un artista dopo l’altro è stato affermato dalla critica di aver raggiunto la sintesi, tra cui Théodore Chassériau, Ary Scheffer, Francesco Hayez, Alexandre-Gabriel Decamps e Thomas Couture. William-Adolphe Bouguereau, un successivo artista accademico, ha commentato che il trucco per essere un buon pittore è vedere “il colore e la linea come la stessa cosa”. Thomas Couture promuoveva la stessa idea in un libro di cui era autore sul metodo dell’arte, sostenendo che ogni volta che si diceva che un dipinto aveva un colore o una linea migliore era una sciocchezza, perché ogni volta che il colore appariva brillante dipendeva dalla linea per trasmetterlo, e viceversa; e quel colore era davvero un modo per parlare del “valore” della forma.

Un altro sviluppo durante questo periodo includeva l’adozione di stili storici per mostrare l’era della storia che il dipinto rappresentava, chiamato storicismo. Questo è meglio visibile nell’opera del barone Jan August Hendrik Leys, una successiva influenza su James Tissot. Si vede anche nello sviluppo dello stile Neo-Grec. Lo storicismo intende anche riferirsi alla credenza e alla pratica associate all’arte accademica secondo cui si dovrebbero incorporare e conciliare le innovazioni delle diverse tradizioni dell’arte del passato.

Il mondo dell’arte è cresciuto anche per dare sempre maggiore attenzione all’allegoria nell’arte. Le teorie sull’importanza della linea e del colore hanno affermato che attraverso questi elementi un artista esercita il controllo sul mezzo per creare effetti psicologici, in cui temi, emozioni e idee possono essere rappresentati. Mentre gli artisti tentavano di sintetizzare queste teorie in pratica, l’attenzione sull’opera d’arte come veicolo allegorico o figurativo è stata enfatizzata. Si riteneva che le rappresentazioni nella pittura e nella scultura dovessero evocare forme platoniche, o ideali, dove dietro le rappresentazioni ordinarie si potesse intravedere qualcosa di astratto, una verità eterna. Quindi, la famosa riflessione di Keats “La bellezza è verità, verità bellezza”. Si desiderava che i dipinti fossero un “idée”, un’idea completa e completa. Bouguereau è noto per aver detto che non avrebbe dipinto “una guerra”, ma avrebbe dipinto “Guerra”. Molti dipinti di artisti accademici sono semplici allegorie della natura con titoli come Dawn, Dusk, Seeing e Tasting, in cui queste idee sono personificate da una singola figura nuda, composta in modo tale da far emergere l’essenza dell’idea.

La tendenza nell’arte era anche verso un maggiore idealismo, il che è contrario al realismo, in quanto le figure rappresentate sono state rese più semplici e più astratte – idealizzate – al fine di essere in grado di rappresentare gli ideali in cui sostenevano. Ciò implicherebbe sia la generalizzazione delle forme viste in natura, sia la subordinazione all’unità e al tema dell’opera d’arte.

Poiché la storia e la mitologia erano considerate rappresentazioni teatrali o dialettiche delle idee, un terreno fertile per importanti allegorie, l’uso di temi di questi soggetti era considerato la forma più seria della pittura. Una gerarchia di generi, originariamente creata nel 17 ° secolo, è stata valutata, dove la pittura di storia – argomenti classici, religiosi, mitologici, letterari e allegorici – è stata collocata in alto, la pittura di genere successiva, quindi ritrattistica, natura morta e paesaggio . La pittura di storia era anche conosciuta come il “grande genere”. I dipinti di Hans Makart sono spesso più grandi dei drammi storici della vita, e ha combinato questo con uno storicismo nella decorazione per dominare lo stile della cultura viennese del XIX secolo. Paul Delaroche è un esempio emblematico della pittura di storia francese.

Tutte queste tendenze furono influenzate dalle teorie del filosofo Hegel, che sosteneva che la storia fosse una dialettica di idee concorrenti, che alla fine si risolse in sintesi.

Verso la fine del XIX secolo, l’arte accademica aveva saturato la società europea. Le mostre si svolgevano spesso e la mostra più popolare era il Salon di Parigi e, a partire dal 1903, il Salon d’Automne. Questi saloni erano eventi sensazionali che attiravano folle di visitatori, sia nativi che stranieri. Tanto un affare sociale quanto artistico, 50.000 persone potrebbero visitare una sola domenica e ben 500.000 potrebbero vedere la mostra durante i suoi due mesi. Migliaia di immagini sono state esposte, appese appena sotto l’altezza degli occhi fino al soffitto in un modo ora noto come “stile Salon”. Una mostra di successo nel salone è stata un sigillo di approvazione per un artista, rendendo il suo lavoro vendibile ai ranghi crescenti di collezionisti privati. Bouguereau, Alexandre Cabanel e Jean-Léon Gérôme sono stati i protagonisti di questo mondo dell’arte.

Durante il regno dell’arte accademica, i dipinti dell’era rococò, precedentemente ritenuti poco favorevoli, furono riportati in auge e i temi spesso usati nell’arte rococò come Eros e Psiche furono di nuovo popolari. Il mondo dell’arte accademica idolatrava anche Raffaello, per l’ideale del suo lavoro, preferendolo invece a Michelangelo.

L’arte accademica in Polonia fiorì sotto Jan Matejko, che fondò l’Accademia di Belle Arti di Cracovia. Molte di queste opere possono essere ammirate nella Galleria di arte polacca del XIX secolo a Sukiennice a Cracovia.

L’arte accademica non solo ebbe influenza in Europa e negli Stati Uniti, ma estese anche la sua influenza ad altri paesi occidentali. Ciò era particolarmente vero per le nazioni dell’America Latina, che, poiché le loro rivoluzioni erano modellate sulla Rivoluzione francese, cercarono di emulare la cultura francese. Un esempio di artista accademico latinoamericano è Ángel Zárraga del Messico.

Sconfitta ed evoluzione dell’accademismo
L’anno 1897 confermò la sconfitta dell’accademismo. Edouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir, Sisley e Paul Cézanne entrarono in un’istituzione ufficiale, il Musée du Luxembourg, riservato agli ordini del governo. L’eredità di Gustave Caillebotte, patrona degli impressionisti, collezionista e pittore stesso, fu accettata dopo tre anni di aspri combattimenti (furono ammessi per la prima volta solo dipinti di Degas). Fu il Consiglio di Stato a decidere, sostenendo che queste opere erano in realtà parte della storia della pittura francese. In realtà, la pera era stata tagliata a metà: su 67 tele, 29 furono respinte. Gérôme aveva minacciato di dimettersi dalla sua cattedra come professore di Belle Arti, descrivendo questi dipinti come “spazzatura” e vedendo nel loro ingresso in Lussemburgo il segno della “fine della nazione”.

Le correnti d’avanguardia si moltiplicarono. L’Accademia e la stessa Scuola di Belle Arti sono diventate più eclettiche, osserva Claire Barbillon. Dopo essere stata respinta durante il Secondo Impero, tranne che in alcune forme annacquate, il naturalismo è stato adottato dai pittori più ufficiali della Terza Repubblica, scrive. Per quanto riguarda il simbolismo, riunisce artisti formalmente abbastanza tradizionali, come Gustave Moreau, e pittori radicalmente innovativi come Gauguin o Odilon Redon.

L’apertura del Musée d’Orsay nel 1986 sarà occasione di accese controversie in Francia. Molti vedranno in esso una riabilitazione dei “vigili del fuoco”, persino del “revisionismo”. André Chastel considerò, tuttavia, già nel 1973 che c’erano solo vantaggi da sostituire per un giudizio globale di riprovazione, l’eredità di vecchie battaglie, una calma e obiettiva curiosità.

Formazione accademica
I giovani artisti hanno trascorso quattro anni in una formazione rigorosa. In Francia, solo gli studenti che hanno superato un esame e portato una lettera di referenza da un noto professore d’arte sono stati ammessi alla scuola dell’Accademia, l’École des Beaux-Arts. Disegni e dipinti di nudo, chiamati “académies”, erano i mattoni fondamentali dell’arte accademica e la procedura per imparare a realizzarli era chiaramente definita. In primo luogo, gli studenti hanno copiato stampe dopo sculture classiche, acquisendo familiarità con i principi di contorno, luce e ombra. La copia era ritenuta cruciale per l’educazione accademica; dalla copia di opere di artisti passati si assimilerebbero i loro metodi di creazione artistica. Per avanzare al passaggio successivo e ad ogni successivo, gli studenti hanno presentato i disegni per la valutazione.

Se approvati, attingerebbero da calchi in gesso di famose sculture classiche. Solo dopo aver acquisito queste abilità, agli artisti è stato permesso di accedere alle lezioni in cui si esibiva un modello dal vivo. La pittura non fu insegnata all’École des Beaux-Arts fino al 1863. Per imparare a dipingere con un pennello, lo studente doveva prima dimostrare competenza nel disegno, che era considerato il fondamento della pittura accademica. Solo allora l’allievo poteva unirsi allo studio di un accademico e imparare a dipingere. Durante l’intero processo, le competizioni con una materia predeterminata e uno specifico periodo di tempo assegnato hanno misurato i progressi di ogni studente.

La difficoltà del test ha comportato che lo studente doveva generalmente sottoporsi al concorso solo dopo aver seguito un lungo corso di apprendistato in un atelier privato, nel quale aveva seguito un rigoroso itinerario di studio. Inizialmente, i disegni o le stampe dovevano essere copiati e, dopo mesi di esercizio, siamo passati alla cova e all’estorsione, all’ombreggiatura. Un passo successivo e importante è consistito nella copia dei gessi, nelle riproduzioni di busti o in intere opere classiche, accompagnata dallo studio della storia dell’arte, della letteratura e della mitologia, essendo frequenti i temi che sono stati ripresi qui nella pittura e nella scultura.

Dopo questa fase, lo studente potrebbe iniziare lo “studio della natura”, disegnando il modello vivente secondo i passaggi che andavano dal semplice schizzo – l’esquisse – lo scheletro della composizione – alla maggiore definizione dello schizzo – l’ébauche – in cui le ombre sono state divise da mezz’ombra e luce, fino alla cura dei dettagli – la mise en place – e al design finito. Ma il modello vivente doveva ancora essere “corretto”, eliminando le “imperfezioni della natura”, correggendole secondo un modello ideale di nobiltà e decoro.

Il concorso artistico più famoso per studenti è stato il Prix de Rome. Il vincitore del Prix de Rome ha ottenuto una borsa di studio per studiare fino alla scuola Académie française a Villa Medici a Roma per un massimo di cinque anni. Per competere, un artista doveva essere di nazionalità francese, maschio, di età inferiore ai 30 anni e single. Doveva aver soddisfatto i requisiti di ammissione all’École e avere il sostegno di un noto insegnante d’arte. La competizione è stata estenuante, coinvolgendo diverse fasi prima di quella finale, in cui 10 concorrenti sono stati sequestrati in studio per 72 giorni per dipingere i loro quadri di storia finali. Al vincitore è stata sostanzialmente assicurata una carriera professionale di successo.

Come notato, una mostra di successo al Salon è stata un sigillo di approvazione per un artista. Gli artisti hanno presentato una petizione al comitato sospeso per un posizionamento ottimale “sulla linea” o all’altezza degli occhi. Dopo l’apertura della mostra, gli artisti si sono lamentati del fatto che le loro opere fossero “esaltate” o appese troppo in alto. Il risultato finale per l’artista professionista è stata l’elezione all’adesione all’Académie française e il diritto di essere conosciuto come accademico.

Nel frattempo, l’allievo ha continuato il suo studio di composizione con la pratica del croquis, il rapido schizzo dei momenti della vita quotidiana per stimolare l’immaginazione personale, che è stata tradotta nei suoi quaderni, i carnet de poche.

Lo studente dell’Accademia ha ripetuto il corso di disegno già seguito nell’atelier per raggiungere finalmente il corso di pittura, simile a quello del disegno. Grande importanza è stata data al disegno, per il quale si sono tenuti corsi speciali in Accademia, seguiti da concorsi: era un’espressione della creatività dello studente che, trascurando i dettagli, ha dato forma generale alla sua stessa concezione della composizione. Tuttavia, questa creatività ha dovuto essere disciplinata e regolata dallo studio del maestro. Quindi, dall’esquisse procedette all’ébauche, fatto in carbone, su cui passava la salsa, un mattone rosso chiaro; le radure sono state quindi impastate e le ombre diluite per renderle quasi trasparenti.

Il focus del corso accademico era quindi nella copia: del modello vivente, dei gessi, che riproducono l’antica statua, e dei dipinti dei maestri del Rinascimento. In questo modo lo studente non solo padroneggiava la sua tecnica manuale e il suo modo di organizzare i volumi, ma assumeva una mentalità orientata al passato, da cui attingeva costantemente la fonte della sua invenzione, che spesso era una citazione di opere classiche: il pittore che lasciò l’Accademia fu così indotto a rifare il già fatto o a cambiare il già inventato o a camuffare le fonti utilizzate.

Il background accademico attestava la professionalità dell’artista, che poteva così presentarsi nella società con “documenti in regola”. Per ottenere il riconoscimento definitivo e garantire le commissioni statali ufficiali e le commissioni dei collezionisti privati, tuttavia, è stato necessario consacrare pubblicamente un successo al Prix de Rome e al Salon di Parigi.

Critica ed eredità
L’arte accademica è stata inizialmente criticata per l’uso dell’idealismo, da artisti realisti come Gustave Courbet, essendo basato su cliché idealistici e rappresentando motivi mitici e leggendari mentre le preoccupazioni sociali contemporanee venivano ignorate. Un’altra critica da parte dei realisti è stata la “falsa superficie” dei dipinti – gli oggetti raffigurati apparivano lisci, lucidi e idealizzati – senza mostrare una vera trama. Il realista Théodule Ribot ha lavorato contro questo, sperimentando trame ruvide e non finite nella sua pittura.

Stilisticamente, gli impressionisti, che sostenevano rapidamente dipingendo all’aperto esattamente ciò che l’occhio vede e la mano posava, criticavano lo stile pittorico finito e idealizzato. Sebbene i pittori accademici iniziarono un dipinto facendo prima disegni e poi dipingendo schizzi ad olio della loro materia, l’elevata lucidatura che davano ai loro disegni sembrò agli impressionisti equivale a una bugia. Dopo lo schizzo ad olio, l’artista avrebbe prodotto il dipinto finale con le “fini” accademiche, cambiando il quadro per soddisfare gli standard stilistici e tentando di idealizzare le immagini e aggiungere dettagli perfetti. Allo stesso modo, la prospettiva è costruita geometricamente su una superficie piana e non è realmente il prodotto della vista, gli impressionisti hanno negato la devozione alle tecniche meccaniche.

Realisti e impressionisti hanno anche sfidato il posizionamento della natura morta e del paesaggio in fondo alla gerarchia dei generi. È importante notare che la maggior parte dei realisti e degli impressionisti e altri tra le prime avanguardie che si ribellarono contro il mondo accademico erano originariamente studenti di atelier accademici. Claude Monet, Gustave Courbet, Édouard Manet e persino Henri Matisse erano studenti di artisti accademici.

Man mano che l’arte moderna e le sue avanguardie acquistavano più potere, l’arte accademica veniva ulteriormente denigrata e vista come sentimentale, cliché, conservatrice, non innovativa, borghese e “senza stile”. I francesi si riferivano in modo derisorio allo stile dell’arte accademica come L’art Pompier (pompier significa “pompiere”) alludendo ai dipinti di Jacques-Louis David (che era tenuto in considerazione dall’accademia) che spesso raffiguravano soldati con elmetti da pompiere . I dipinti erano chiamati “macchine grandes” che avrebbero prodotto false emozioni attraverso congetture e trucchi.

Questa denigrazione dell’arte accademica raggiunse l’apice attraverso gli scritti del critico d’arte Clement Greenberg che affermava che tutta l’arte accademica è “kitsch”. Altri artisti, come i pittori simbolisti e alcuni surrealisti, furono più gentili con la tradizione. Come pittori che cercavano di dare vita a panorami immaginari, questi artisti erano più disposti a imparare da una tradizione fortemente rappresentativa. Una volta che la tradizione era diventata alla vecchia maniera, i nudi allegorici e le figure teatralmente poste colpivano alcuni spettatori come bizzarri e onirici.

Con gli obiettivi del Postmodernismo nel fornire un resoconto più completo, più sociologico e pluralistico della storia, l’arte accademica è stata riportata nei libri di storia e nella discussione. Dall’inizio degli anni ’90, l’arte accademica ha persino vissuto una rinascita limitata attraverso il movimento dell’atelier realista classico. Inoltre, l’arte sta guadagnando un più ampio apprezzamento da parte del pubblico in generale, e mentre i dipinti accademici una volta avrebbero raccolto solo poche centinaia di dollari nelle aste, alcuni ora ne ottengono milioni.