Arte acadêmica

Arte acadêmica, ou academismo, é um estilo de pintura, escultura e arquitetura produzido sob a influência de academias de arte européias. Especificamente, a arte acadêmica é a arte e os artistas influenciados pelos padrões da Académie des Beaux-Arts francesa, praticada sob os movimentos do neoclassicismo e do romantismo, e a arte que seguiu esses dois movimentos na tentativa de sintetizar os dois estilos. , e que é melhor refletido pelas pinturas de William-Adolphe Bouguereau, Thomas Couture e Hans Makart. Nesse contexto, é freqüentemente chamado de “academismo”, “academismo”, “arte pompier” (pejorativamente) e “ecletismo”, e algumas vezes associado a “historicismo” e “sincretismo”.

A arte acadêmica inclui pinturas e esculturas criadas sob a influência das academias européias, nas quais muitos artistas dessa época receberam seu treinamento formal. A arte acadêmica se comprometeu com um cânone predominantemente literário, mitológico e histórico de tópicos permitidos ou desejados. Seus artistas não demonstraram interesse em retratar o cotidiano ou o profano. A arte acadêmica, portanto, não é realista, mas idealista.

Em termos de estilo, a arte acadêmica cultivou o ideal da imitação perfeita e seletiva da realidade de Aristóteles (mimese). Com perfeito domínio da cor, luz e sombra, as formas foram trabalhadas de uma maneira quase foto-realista. Algumas pinturas mostram um “acabamento polido”, no qual você não pode mais ver uma pincelada no trabalho final. Este ideal de arte foi abalado até os seus fundamentos em meados do século XIX pela invenção da fotografia.

A École des Beaux-Arts francesa, que foi influenciada pelo neoclassicismo e romantismo, foi particularmente influente para o estilo. Mais tarde, a arte acadêmica sintetizou esses dois estilos, que podem ser vistos muito bem nas pinturas de William Adolphe Bouguereau, Thomas Couture e Hans Makart.

Com o advento de estilos artísticos posteriores, especialmente o impressionismo, a arte acadêmica foi desprezada e descartada como “ecletismo”. Desde o início até o final do século XX, a maioria dos especialistas em arte considerou-a de pouca importância, por isso quase não foi mencionada e desapareceu nos depósitos do museu; ocasionalmente, eram depreciativamente chamados de “pompons de arte”. O estilo acadêmico da pintura também foi desacreditado pelo fato de ter sido elevado a um padrão absoluto pela política artística nacional-socialista. Apenas alguns artistas mais velhos permaneceram leais a ela até a década de 1960.

Foi apenas na década de 1990 que a arte acadêmica de fin de siècle foi “redescoberta” pouco a pouco e, desde então, ganhou crescente reconhecimento. Enquanto a pintura seguiu seu próprio caminho refletindo e questionando seus próprios pré-requisitos, o filme histórico em particular, particularmente o filme de sandália, continuou a luxúria do academismo pela reconstrução do passado.

Academismo francês
A origem do nome francês pompier – em italiano, bombeiro – é incerta: pode derivar dos capacetes das figuras de deuses e heróis clássicos, semelhantes aos capacetes de bombeiro, ou indicar os mesmos bombeiros presentes, com tarefas de segurança, durante as exposições aberto nos salões oficiais, ou então se refere aos pintores do círculo de Charles Gleyre, proponentes da imitação da pintura de Pompeia, ou, finalmente, para abordar muitas representações pictóricas pomposas e retóricas.

A corrente artística do neoclassicismo, que surgiu no século XVIII e se estendeu a parte da primeira metade do século XIX, teve no rigor racional de seu estilo o primeiro requisito para se prestar ao ensino nas escolas e sugeriu, em seu próprio conteúdo , o caminho da imitação, já não da natureza visível e da vida real da sociedade, mas dos produtos artísticos e da história e dos mitos daquele passado distante, grego e romano, que indicava como modelo de harmonia e beleza ideal. Na França, o exemplo sugestivo da arte de David – além disso pessoalmente contrário a qualquer academia – e o do estudante Ingres, transmitem consenso e produzem imitadores.

A Academia Real de Pintura e Escultura foi criada na França em 1648, com o objetivo de garantir aos artistas um certificado de qualidade, dotando-os de um estilo baseado na simplicidade e junto com grandeza, harmonia e pureza. Para esse fim, foi declarada a necessidade de observar os seguintes princípios:

estudo do nu e anatomia
imitação dos antigos e natureza idealizada
realização dos trabalhos em estúdio em vez de en plein air
primazia do design sobre a cor
completude do trabalho

Esses critérios de treinamento não mudaram ao longo dos séculos e foram mantidos pelos professores da École des Beaux-Arts, alunos de David e depois de Ingres, que seguiram os princípios formulados por seus professores: para serem admitidos, os alunos tiveram que passar um competição que consiste na execução de um nu como modelo vivo.

As academias da história
A primeira academia de arte foi fundada em Florença, na Itália, por Cosimo I de ‘Medici, em 13 de janeiro de 1563, sob a influência do arquiteto Giorgio Vasari, que a chamou de Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Academia e Companhia de Artes de Desenho), pois foi dividido em dois ramos operativos diferentes. Enquanto a Companhia era um tipo de corporação à qual todos os artistas trabalhadores da Toscana podiam se unir, a Academia compreendia apenas as personalidades artísticas mais eminentes da corte de Cosimo e tinha a tarefa de supervisionar toda a produção artística do estado medicinal. Nesta instituição médica, os alunos aprenderam o “arti del disegno” (termo cunhado por Vasari) e ouviram palestras sobre anatomia e geometria. Outra academia, a Accademia di San Luca (batizada em homenagem ao santo padroeiro dos pintores, São Lucas), foi fundada cerca de uma década depois em Roma. A Accademia di San Luca exercia uma função educacional e estava mais preocupada com a teoria da arte do que com a florentina. Em 1582, Annibale Carracci abriu sua muito influente Academia de Desiderosi, em Bolonha, sem apoio oficial; de certa forma, isso era mais como a oficina de um artista tradicional, mas ele sentiu a necessidade de rotulá-la como uma “academia”, demonstrando a atração da ideia na época.

A Accademia di San Luca mais tarde serviu de modelo para a Académie royale de peinture et de sculpture, fundada na França em 1648, e que mais tarde se tornou a Académie des beaux-arts. A Académie royale de peinture et de sculpture foi fundada em um esforço para distinguir artistas “que eram cavalheiros praticando uma arte liberal” de artesãos, envolvidos em trabalhos manuais. Essa ênfase no componente intelectual da arte teve um impacto considerável nas disciplinas e estilos da arte acadêmica.

Depois que a Académie royale de peinture et de sculpture foi reorganizada em 1661 por Louis XIV, cujo objetivo era controlar toda a atividade artística na França, ocorreu uma controvérsia entre os membros que dominaram as atitudes artísticas durante o resto do século. Essa “batalha de estilos” foi um conflito sobre se Peter Paul Rubens ou Nicolas Poussin eram um modelo adequado a seguir. Os seguidores de Poussin, chamados “poussinistes”, argumentavam que a linha (disegno) deveria dominar a arte, por causa de seu apelo ao intelecto, enquanto os seguidores de Rubens, chamados “rubenistes”, argumentavam que a cor (cor) deveria dominar a arte, devido à sua apelo à emoção.

O debate foi revivido no início do século XIX, sob os movimentos do neoclassicismo tipificado pela obra de Jean Auguste Dominique Ingres e o romantismo tipificado pela obra de Eugène Delacroix. Também ocorreram debates sobre se era melhor aprender arte olhando a natureza ou aprender olhando os mestres artísticos do passado.

As academias que usam o modelo francês se formaram em toda a Europa e imitaram os ensinamentos e os estilos da Academia Francesa. Na Inglaterra, essa era a Academia Real. A Academia Real Dinamarquesa de Belas Artes, fundada em 1754, pode ser considerada um exemplo de sucesso em um país menor, que alcançou seu objetivo de produzir uma escola nacional e reduzir a dependência de artistas importados. Os pintores da era de ouro dinamarquesa de aproximadamente 1800-1850 foram quase todos treinados lá, e muitos voltaram a ensinar e a história da arte da Dinamarca é muito menos marcada pela tensão entre a arte acadêmica e outros estilos do que é o caso em outros países. .

Um efeito da mudança para as academias foi tornar o treinamento mais difícil para as mulheres artistas, que foram excluídas da maioria das academias até a última metade do século XIX (1861 para a Royal Academy). Isso ocorreu em parte devido a preocupações com a impropriedade apresentada pela nudez. Muitas vezes, foram feitos arranjos especiais para estudantes do sexo feminino até o século XX.

Desenvolvimento do estilo acadêmico
Desde o início do debate Poussiniste-Rubeniste, muitos artistas trabalharam entre os dois estilos. No século XIX, na forma reavivada do debate, a atenção e os objetivos do mundo da arte passaram a sintetizar a linha do neoclassicismo com a cor do romantismo. Os críticos afirmam que um artista após o outro alcançou a síntese, entre eles Théodore Chassériau, Ary Scheffer, Francesco Hayez, Alexandre-Gabriel Decamps e Thomas Couture. William-Adolphe Bouguereau, um artista acadêmico posterior, comentou que o truque para ser um bom pintor é ver “cor e linha como a mesma coisa”. Thomas Couture promoveu a mesma idéia em um livro que ele escreveu sobre o método artístico – argumentando que sempre que alguém dizia que uma pintura tinha uma cor ou uma linha melhor, isso não fazia sentido, porque sempre que a cor parecia brilhante, dependia da linha para transmiti-la e vice-versa; e essa cor era realmente uma maneira de falar sobre o “valor” da forma.

Outro desenvolvimento durante esse período incluiu a adoção de estilos históricos para mostrar a época da história que a pintura retratou, chamada historicismo. Isso é melhor observado no trabalho do barão Jan August Hendrik Leys, uma influência posterior sobre James Tissot. Também é visto no desenvolvimento do estilo Neo-Grec. O historicismo também se refere à crença e prática associadas à arte acadêmica de que se deve incorporar e conciliar as inovações de diferentes tradições de arte do passado.

O mundo da arte também cresceu para dar um foco crescente à alegoria na arte. As teorias da importância da linha e da cor afirmaram que, através desses elementos, um artista exerce controle sobre o meio para criar efeitos psicológicos, nos quais temas, emoções e idéias podem ser representados. Como os artistas tentaram sintetizar essas teorias na prática, enfatizou-se a atenção na obra de arte como veículo alegórico ou figurativo. Defendeu-se que as representações na pintura e na escultura evocavam formas platônicas, ou ideais, onde por trás das representações comuns se vislumbrava algo abstrato, alguma verdade eterna. Por isso, a famosa reflexão de Keats “Beleza é verdade, verdade é beleza”. As pinturas foram desejadas para ser um “idée”, uma idéia completa e completa. Sabe-se que Bouguereau disse que não pintaria “uma guerra”, mas pintaria “Guerra”. Muitas pinturas de artistas acadêmicos são alegorias simples da natureza, com títulos como Dawn, Dusk, Seeing e Tasting, onde essas idéias são personificadas por uma única figura nua, composta de maneira a trazer à tona a essência da idéia.

A tendência na arte também foi em direção a um idealismo maior, o que é contrário ao realismo, na medida em que as figuras retratadas foram simplificadas e abstratas – idealizadas – para poder representar os ideais em que defendiam. Isso envolveria formas generalizadas vistas na natureza e subordiná-las à unidade e ao tema da obra de arte.

Como a história e a mitologia eram consideradas peças ou dialética de idéias, um terreno fértil para alegorias importantes, o uso de temas desses assuntos era considerado a forma mais séria de pintura. Uma hierarquia de gêneros, originalmente criada no século XVII, foi avaliada, onde a pintura histórica – assuntos clássicos, religiosos, mitológicos, literários e alegóricos – foi colocada no topo, pintura de gênero seguinte, depois retrato, natureza-morta e paisagem . A pintura histórica também era conhecida como “grande gênero”. As pinturas de Hans Makart costumam ser maiores que os dramas históricos da vida, e ele combinou isso com um historicismo na decoração para dominar o estilo da cultura de Viena do século XIX. Paul Delaroche é um exemplo tipográfico da pintura da história francesa.

Todas essas tendências foram influenciadas pelas teorias do filósofo Hegel, que sustentava que a história era uma dialética de idéias concorrentes, que acabou resolvendo em síntese.

No final do século XIX, a arte acadêmica saturou a sociedade européia. As exposições eram realizadas com freqüência, e a exposição mais popular era o Salão de Paris e, a partir de 1903, o Salon d’Automne. Esses salões foram eventos sensacionais que atraíram multidões de visitantes, nativos e estrangeiros. Tanto social quanto artístico, 50.000 pessoas podem visitá-lo em um único domingo e 500.000 podem ver a exposição durante seus dois meses de duração. Milhares de fotos foram exibidas, penduradas logo abaixo do nível dos olhos, até o teto, de uma maneira agora conhecida como “estilo de salão”. Uma exibição bem-sucedida no salão era um selo de aprovação de um artista, tornando seu trabalho vendável para as fileiras crescentes de colecionadores particulares. Bouguereau, Alexandre Cabanel e Jean-Léon Gérôme foram figuras importantes deste mundo da arte.

Durante o reinado da arte acadêmica, as pinturas da era rococó, anteriormente mantidas a baixo favor, foram revividas à popularidade, e os temas frequentemente usados ​​na arte rococó, como Eros e Psyche, voltaram a ser populares. O mundo da arte acadêmica também idolatrava Rafael, pela idealidade de seu trabalho, preferindo-o a Michelangelo.

A arte acadêmica na Polônia floresceu sob Jan Matejko, que estabeleceu a Academia de Belas Artes de Cracóvia. Muitas dessas obras podem ser vistas na Galeria de Arte Polonesa do século XIX, em Sukiennice, em Cracóvia.

A arte acadêmica não apenas exerceu influência na Europa e nos Estados Unidos, mas também estendeu sua influência a outros países ocidentais. Isso era especialmente verdade para as nações latino-americanas, que, por causa de suas revoluções baseadas na Revolução Francesa, procuravam imitar a cultura francesa. Um exemplo de um artista acadêmico latino-americano é Ángel Zárraga, do México.

Derrota e evolução do academismo
O ano de 1897 confirmou a derrota do academismo. Edouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir, Sisley e Paul Cézanne entraram em uma instituição oficial, o Musée du Luxembourg, reservada para ordens do governo. O legado de Gustave Caillebotte, patrono dos impressionistas, colecionador e pintor, foi aceito após três anos de combates violentos (apenas as pinturas de Degas foram admitidas pela primeira vez). Foi o Conselho de Estado que decidiu, argumentando que essas obras faziam parte da história da pintura francesa. Na realidade, a pêra havia sido cortada ao meio: das 67 telas, 29 foram rejeitadas. Gérôme ameaçara demitir-se de sua cadeira de professor de Belas Artes, descrevendo essas pinturas como “lixo” e vendo em sua entrada no Luxemburgo o sinal de “o fim da nação”.

As correntes de vanguarda multiplicaram-se. A Academia e a Escola de Belas Artes se tornaram mais ecléticas, observa Claire Barbillon. Depois de ser rejeitado durante o Segundo Império, exceto em certas formas diluídas, o naturalismo foi adotado pelos pintores mais oficiais da Terceira República, ela escreve. Quanto ao simbolismo, reúne artistas formalmente bastante tradicionais, como Gustave Moreau, e pintores radicalmente inovadores, como Gauguin ou Odilon Redon.

A abertura do Museu de Orsay, em 1986, será o momento de controvérsias acaloradas na França. Muitos verão nela uma reabilitação dos “bombeiros”, até do “revisionismo”. André Chastel considerou, no entanto, desde 1973 que havia apenas vantagens em substituir um julgamento global de reprovação, o legado de batalhas antigas, uma curiosidade calma e objetiva.

Formação acadêmica
Jovens artistas passaram quatro anos em treinamento rigoroso. Na França, apenas os alunos que passaram no exame e levaram uma carta de referência de um professor de arte notável foram aceitos na escola da academia, a École des Beaux-Arts. Desenhos e pinturas do nu, chamados “academias”, eram os elementos básicos da arte acadêmica e o procedimento para aprender a produzi-los era claramente definido. Primeiro, os alunos copiaram as impressões após esculturas clássicas, familiarizando-se com os princípios de contorno, luz e sombra. A cópia era considerada crucial para a educação acadêmica; copiando obras de artistas anteriores, assimilaríamos seus métodos de fazer arte. Para avançar para a próxima etapa, e todas as sucessivas, os alunos apresentaram desenhos para avaliação.

Se aprovados, eles desenhariam moldes de gesso de famosas esculturas clássicas. Somente após a aquisição dessas habilidades os artistas puderam entrar nas aulas nas quais um modelo ao vivo era apresentado. A pintura não foi ensinada na École des Beaux-Arts até depois de 1863. Para aprender a pintar com um pincel, o aluno primeiro teve que demonstrar proficiência em desenho, considerada a base da pintura acadêmica. Só então o aluno poderia entrar no estúdio de um acadêmico e aprender a pintar. Durante todo o processo, competições com um assunto predeterminado e um período de tempo específico mediram o progresso de cada aluno.

A dificuldade do teste significava que o aluno geralmente só se submetia à competição depois de seguir um longo curso de aprendizagem em um ateliê particular, no qual seguia um rigoroso itinerário de estudo. No início, os desenhos ou impressões tinham que ser copiados e, após meses de exercício, passamos a chocar e extorquir, a sombrear. Uma etapa subsequente e importante consistiu na cópia dos gizes, reproduções de bustos ou obras clássicas inteiras, acompanhadas pelo estudo da história da arte, literatura e mitologia, sendo frequentes os temas que foram abordados aqui na pintura e na escultura.

Após esta fase, o aluno pôde iniciar o “estudo da natureza”, traçando o modelo vivo de acordo com as etapas que iam do esboço simples – o esquisse – o esqueleto da composição – à maior definição do esboço – o ébauche – na qual as sombras eram divididas por meias-sombras e luz, até a atenção aos detalhes – la mise en place – e o design final. Mas o modelo vivo ainda precisava ser “corrigido”, eliminando as “imperfeições da natureza”, corrigindo-as de acordo com um modelo ideal de nobreza e decoro.

O concurso de arte mais famoso para os estudantes foi o Prix de Rome. O vencedor do Prix de Rome recebeu uma bolsa para estudar na escola da Académie Française na Villa Medici em Roma por até cinco anos. Para competir, um artista tinha que ser de nacionalidade francesa, do sexo masculino, com menos de 30 anos de idade e solteiro. Ele precisava atender aos requisitos de entrada do École e contar com o apoio de um conhecido professor de arte. A competição foi árdua, envolvendo várias etapas antes da final, na qual 10 concorrentes foram seqüestrados em estúdios por 72 dias para pintar suas pinturas finais da história. O vencedor foi garantido essencialmente uma carreira profissional bem sucedida.

Como observado, uma exibição bem-sucedida no Salon foi um selo de aprovação para um artista. Os artistas pediram ao comitê suspenso a colocação ideal “na linha” ou no nível dos olhos. Após a abertura da exposição, os artistas reclamaram se seus trabalhos foram “exibidos no céu” ou pendurados demais. A conquista final para o artista profissional foi a eleição para ingressar na Academia Francesa e o direito de ser conhecido como acadêmico.

Enquanto isso, o aluno continuava estudando a composição com a prática dos croquis, o rápido esboço de momentos da vida cotidiana para estimular a imaginação pessoal, traduzida em seus próprios cadernos, as carnets de poche.

O aluno da Academia repetiu o curso de desenho já seguido no ateliê para finalmente chegar ao curso de pintura, semelhante ao do desenho. Foi dada grande importância ao desenho, para o qual foram realizados cursos especiais na Academia, seguidos de competições: era uma expressão da criatividade do aluno que, negligenciando os detalhes, deu forma geral à sua própria concepção da composição. No entanto, essa criatividade teve que ser disciplinada e regulada pelo estudo do mestrado. Assim, desde o esquisito, passou para o ébauche, feito em carvão vegetal, sobre o qual passava o molho, um tijolo vermelho claro; as clareiras foram então amassadas e as sombras diluídas para torná-las quase transparentes.

O foco do curso acadêmico estava, portanto, na cópia: do modelo vivo, dos gizes que reproduzem a antiga estatuária e das pinturas dos mestres do Renascimento. Dessa maneira, o aluno não apenas dominou sua técnica manual e sua maneira de organizar os volumes, mas também adotou uma mentalidade voltada para o passado, de onde constantemente extraía a fonte de sua invenção, que costumava ser uma citação de obras clássicas: o pintor que deixou a Academia foi assim induzido a refazer o que já havia sido feito, a mudar o já inventado ou a camuflar as fontes utilizadas.

A formação acadêmica atestava o profissionalismo do artista, que poderia se apresentar na sociedade com “papéis em ordem”. Para obter o reconhecimento definitivo e garantir as comissões oficiais do Estado e as comissões de colecionadores particulares, foi necessário consagrar publicamente um sucesso no Prix de Rome e no Salão de Paris.

Crítica e legado
A arte acadêmica foi primeiro criticada por seu uso do idealismo, por artistas realistas como Gustave Courbet, por basear-se em clichês idealistas e representar motivos míticos e lendários, enquanto as preocupações sociais contemporâneas estavam sendo ignoradas. Outra crítica dos realistas foi a “superfície falsa” das pinturas – os objetos retratados pareciam lisos, lisos e idealizados – sem textura real. O realista Théodule Ribot trabalhou contra isso experimentando texturas ásperas e inacabadas em sua pintura.

Estilisticamente, os impressionistas, que defendiam pintar rapidamente ao ar livre exatamente o que os olhos veem e as mãos abaixam, criticaram o estilo de pintura finalizado e idealizado. Embora os pintores acadêmicos tenham começado a pintar primeiro fazendo desenhos e depois pintando esboços a óleo de seu assunto, o alto brilho que eles deram a seus desenhos pareceu aos impressionistas uma mentira. Após o esboço a óleo, o artista produziria a pintura final com o “fini” acadêmico, alterando a pintura para atender aos padrões estilísticos e tentando idealizar as imagens e adicionar detalhes perfeitos. Da mesma forma, a perspectiva é construída geometricamente em uma superfície plana e não é realmente o produto da vista, os impressionistas negaram a devoção às técnicas mecânicas.

Realistas e impressionistas também desafiaram a colocação da natureza-morta e da paisagem na parte inferior da hierarquia de gêneros. É importante notar que a maioria dos realistas e impressionistas e outros entre os primeiros avant-garde que se rebelaram contra o academismo eram originalmente estudantes de ateliês acadêmicos. Claude Monet, Gustave Courbet, Édouard Manet e até Henri Matisse eram estudantes de artistas acadêmicos.

À medida que a arte moderna e sua vanguarda ganhavam mais poder, a arte acadêmica foi ainda mais denegrida e vista como sentimental, clichê, conservadora, não inovadora, burguesa e “sem estilo”. Os franceses se referiam com desprezo ao estilo da arte acadêmica como L’art Pompier (pompier significa “bombeiro”), aludindo às pinturas de Jacques-Louis David (que era estimado pela academia), que frequentemente mostravam soldados usando capacetes semelhantes a bombeiros . As pinturas eram chamadas de “grandes máquinas”, que se diz terem fabricado falsas emoções através de artifícios e truques.

Essa denegrição da arte acadêmica atingiu seu auge através dos escritos do crítico de arte Clement Greenberg, que afirmou que toda arte acadêmica é “kitsch”. Outros artistas, como os pintores simbolistas e alguns dos surrealistas, foram mais gentis com a tradição. Como pintores que procuravam dar vida a vistas imaginárias, esses artistas estavam mais dispostos a aprender com uma tradição fortemente representacional. Depois que a tradição passou a ser vista como antiquada, os nus alegóricos e figuras posadas teatralmente pareciam alguns espectadores bizarros e oníricos.

Com os objetivos do pós-modernismo em fornecer um relato mais completo, mais sociológico e pluralista da história, a arte acadêmica foi trazida de volta aos livros e discussões de história. Desde o início dos anos 90, a arte acadêmica até experimentou um ressurgimento limitado através do movimento do ateliê de realista clássico. Além disso, a arte está ganhando uma valorização mais ampla do público em geral, e, enquanto as pinturas acadêmicas costumavam buscar apenas algumas centenas de dólares em leilões, algumas agora buscam milhões.