Le High Museum of Art, situé à Atlanta, est le principal musée d’art dans le sud-est des États-Unis. Situé sur Peachtree Street à Midtown, le quartier des arts de la ville, le High est une division du Woodruff Arts Centre.

Le High Museum of Art est le principal musée d’art du sud-est des États-Unis. Avec plus de 15 000 œuvres d’art dans sa collection permanente, le High présente une vaste anthologie de l’art américain des XIXe et XXe siècles; une importante collection d’arts décoratifs et de design historiques et contemporains; collections importantes de peintures européennes; et des collections florissantes d’art moderne et contemporain, de photographie, d’art populaire et autodidacte et d’art africain. The High est également dédié au soutien et à la collecte d’œuvres d’artistes du Sud.

La collection permanente du High Museum of Art comprend plus de 15 000 œuvres dans sept domaines de collection: art africain, art américain, arts décoratifs et design, art européen, art populaire et autodidacte, art moderne et contemporain et photographie. Plus d’un tiers de la collection du High a été acquise après que le musée eut annoncé ses plans d’expansion en 1999.

Le High abrite le programme de photographie le plus robuste du sud-est des États-Unis. Le musée a commencé à acquérir des photographies au début des années 1970, ce qui en fait l’un des premiers musées d’art américains à s’engager à collecter le médium. Aujourd’hui, la photographie est la collection la plus importante et la plus dynamique du High. Avec plus de 6 000 gravures, les fonds se concentrent sur le travail américain des XXe et XXIe siècles, avec une force particulière dans les traditions modernistes, la photographie documentaire et contemporaine.

Le musée a été fondé en 1905 sous le nom d’Atlanta Art Association. En 1926, la famille High, pour qui le musée porte le nom, a fait don de sa maison familiale sur la rue Peachtree pour abriter la collection suite à une série d’expositions impliquant les Grand Central Art Galleries organisées par J. J. Haverty, collectionneur d’Atlanta. De nombreuses pièces de la collection Haverty sont désormais exposées en permanence dans le High. Un bâtiment séparé pour le musée a été construit à côté de la maison familiale en 1955.

Le 3 juin 1962, 106 clients des arts d’Atlanta sont morts dans un accident d’avion à l’aéroport d’Orly à Paris, en France, lors d’un voyage parrainé par le musée. Y compris l’équipage et d’autres passagers, 130 personnes ont été tuées dans ce qui était, à l’époque, la pire catastrophe aérienne de l’histoire de l’aviation. Les membres des familles éminentes d’Atlanta ont été perdus, y compris les membres de la famille Berry qui a fondé Berry College. Au cours de leur visite à Paris, les mécènes d’Atlanta avaient vu la mère de Whistler au Louvre. À l’automne 1962, le Louvre, en signe de bonne volonté envers les habitants d’Atlanta, envoya la mère de Whistler à Atlanta pour l’exposer au musée de l’Atlanta Art Association, rue Peachtree.

Pour honorer les victimes de l’écrasement de 1962, l’Atlanta Memorial Arts Centre a été construit pour le High. Le gouvernement français a fait don d’une sculpture Rodin The Shade to the High en mémoire des victimes de l’accident.

En 1983, un bâtiment de 135 000 pieds carrés (12 500 m2) conçu par Richard Meier a été inauguré pour accueillir le High Museum of Art. Meier a remporté le prix Pritzker 1984 après avoir achevé le bâtiment. L’édifice Meier a été financé grâce à une subvention de 7,9 millions de dollars de l’ancien président de Coca-Cola Robert W. Woodruff, jumelée à 20 millions de dollars recueillis par le Musée. Le bâtiment très sculptural de Meier a été critiqué comme ayant plus de beauté que de cervelle. Par exemple, en béton blanc, le hall, un atrium géant au milieu du cube découpé du bâtiment, ne possède presque aucun espace d’exposition et les colonnes à l’intérieur limitent la façon dont les conservateurs peuvent exposer de grandes œuvres d’art moderne. De plus, l’atrium n’étant que l’un des quatre quadrants, il est considéré comme un sentier luxueux et structuré, mais inoccupé, menant aux autres expositions, ce qui est plutôt dommage si l’on considère la luminosité et la luminosité de la pièce. À 135 000 pieds carrés (12 500 m2), le bâtiment Meier ne dispose que d’environ trois pour cent de la collection permanente du musée. Bien que le bâtiment contienne officiellement 135 000 pieds carrés, seulement environ 48 000 m2 (52 000 pieds carrés) sont des espaces de galerie.

Le bâtiment Meier, maintenant l’aile de la famille Stent, a été qualifié de «couronnement» par le directeur Gudmund Vigtel par son successeur Michael Shapiro. Pendant le mandat de Vigtel en 1963-1991, la taille de la collection permanente du musée a triplé, des fonds de dotation et de fiducie de plus de 15 millions de dollars ont été créés, le budget de fonctionnement est passé de 60 000 à 9 millions de dollars.

En 2005, Renzo Piano a conçu trois nouveaux bâtiments qui ont plus que doublé la superficie du Musée pour atteindre 312 000 pieds carrés (29 000 m2), pour un coût de 124 millions de dollars. Les bâtiments de piano ont été conçus dans le cadre d’une mise à niveau globale de l’ensemble du complexe Woodruff Arts Centre. Les trois nouveaux bâtiments érigés dans le cadre de l’agrandissement du High sont revêtus de panneaux d’aluminium pour s’harmoniser avec le choix original de façade en émail blanc de Meier. La conception de piano du nouveau pavillon de Wieland et de l’aile d’Anne Cox Chambers comporte un système spécial de toit de 1.000 scoops légers qui capturent la lumière du nord et la filtrent dans les galeries de skyway.

Collection:
La collection permanente du High – plus de 16 000 objets forts et en croissance – se concentre sur sept zones de collecte clés. Apprenez à connaître les chefs-d’œuvre qui ont fait du High un des principaux musées du pays, ainsi que les forces distinctives qui nous distinguent.

La photographie:
La photographie est le premier langage visuel de notre temps. Ce n’est pas seulement un moyen d’enregistrer des histoires personnelles et collectives, c’est aussi une forme riche d’expression créative. Le High Museum of Art a commencé à collectionner des photographies au début des années 1970, ce qui en fait l’un des premiers musées à s’engager dans le milieu. Aujourd’hui, le service de photographie du lycée est l’un des programmes phares du pays et, avec quelque 6 500 gravures, il constitue la plus grande collection du musée.

Ces fonds englobent des œuvres du monde entier faites par divers praticiens, des artistes, aux entrepreneurs, aux journalistes, aux scientifiques. Couvrant les débuts du médium dans les années 1840 à nos jours, la collection du High a des points forts particuliers dans les traditions modernistes et documentaires américaines du milieu du XXe siècle, ainsi que dans les tendances contemporaines actuelles.

La collection de photographies conserve une base solide d’images liées au Sud des États-Unis et situe ce travail dans un contexte mondial à la fois pertinent sur le plan régional et international. Le haut possède l’une des plus grandes collections de photographies du mouvement des droits civiques et certaines des collections monographiques les plus fortes du pays par Eugene Atget, Wynn Bullock, Harry Callahan, William Christenberry, Walker Evans, Leonard Freed, Evelyn Hofer, Clarence John Laughlin , Abelardo Morell et Peter Sekaer.

Arts décoratifs et design
Un seul objet peut cristalliser la vision d’un designer et exprimer l’esprit du temps. Le design est une partie intrinsèque de l’expérience humaine et reflète les valeurs, les idéaux et les réalités de la vie quotidienne. Qu’il s’agisse de services de thé ornementés ou de corbeilles à papier utilitaires, ce que nous possédons, recueillons et convoitons reflète la façon dont nous nous identifions et comment nous voulons être perçus.

La collection d’arts décoratifs et de design du High explore la fusion de la fonction et de l’esthétique à travers la forme, le matériau, le processus, le lieu et l’intention. Il présente la célèbre collection Virginia Carroll Crawford – l’étude la plus complète des arts décoratifs américains du XIXe et du début du XXe siècle dans le sud-est des États-Unis – avec des œuvres importantes d’Alexander Roux, Herter Brothers, Tiffany & Co. et Frank Lloyd Wright. D’autres cadeaux notables incluent la collection Frances et Emory Cocke de la céramique anglaise de 1640 à 1840.

Les collections internationales de design contemporain de la collection se sont récemment agrandies avec l’ajout d’œuvres significatives de Joris Laarman Lab, de Jaime Hayon, de Ron Arad et de nendo. Avec plus de 2 300 objets datant de 1640 à nos jours, la collection explore les intersections entre l’art, l’artisanat et le design; artisanat et technologie; et l’innovation et la fabrication.

Art africain
Pour refléter l’histoire profonde et riche du continent tout en mettant en avant les innovations récentes, la collection d’art africain du High inclut une diversité de formes d’art de l’ancien temps à l’époque contemporaine. Pour représenter la profondeur et l’ampleur de la diaspora africaine, le Haut continue à renforcer ses collections d’œuvres d’artistes d’ascendance africaine, y compris des artistes afro-américains, pour mettre en valeur les liens culturels dans le monde atlantique noir et au-delà.

Le cœur et l’âme de la collection d’art africain du High Museum of Art se composent d’exemples extraordinaires de masques et de sculptures figuratives, enrichis de textiles exceptionnellement fins, de perles, de ferronnerie et de céramique. Les antiquités comprennent une sculpture en terre cuite animée d’un torse féminin enveloppé de serpents (vers 1200-1500). De la région de l’ancienne Djenné, l’une des plus anciennes villes d’Afrique, cette œuvre représente Sogolon, mère de Sundiata, fondatrice de l’empire du Mali. Parallèlement à ce travail, un Coran (environ 1600) de Tombouctou, la ville jumelle de Djenné, met en valeur l’art de l’Empire du Mali, l’un des plus grands et des plus importants royaumes du monde.

Art européen
La collection d’art européen du High Museum of Art représente des siècles de réalisations artistiques. À une époque antérieure aux médias de masse et à l’alphabétisation généralisée, l’art a servi de forme de communication. La collection de plus de 900 peintures, sculptures et œuvres sur papier du High couvre les années 1300 jusqu’aux années 1900 et retrace le développement de la religion, des découvertes scientifiques et des changements sociaux reflétés dans la culture visuelle du continent.

En 1958, la Fondation Samuel H. Kress a fait don de ce qui est devenu le noyau de la collection d’art européen du High. La collection Kress comprend Madonna and Child de Giovanni Bellini, Prudence and Temperance de Vittore Carpaccio et d’autres œuvres de la Renaissance et de l’Europe baroque. Depuis 1960, le Haut a acquis des œuvres impressionnistes et postimpressionnistes de Claude Monet, de Camille Pissarro, de Pierre-Auguste Renoir, d’Edgar Degas, d’Émile Bernard et d’autres.

Les œuvres imprimées européennes du High, présentées à tour de rôle, comprennent des travaux allant des gravures du XVIe siècle d’Albrecht Dürer à l’édition complète du portfolio de lithographies Elles d’Henri de Toulouse-Lautrec.

Art américain
La collection d’art historique américaine du High Museum comprend plus de 1 200 peintures, sculptures, dessins et estampes réalisés par des artistes américains entre 1780 et 1980. Avec des points forts dans la sculpture et la peinture historiques américaines, la collection démontre l’évolution d’un point de vue représentation artistique.

Au cours des années 1800, l’Amérique a perdu son identité coloniale en tant qu’endroit culturel pour son nouveau rôle international en tant que société cosmopolite avec une influence mondiale croissante. Du début du portrait américain à la splendeur de l’âge d’or, la collection du XIXe siècle comprend des œuvres de John Singleton Copley, de Benjamin West, de Eastman Johnson, de Sanford Robinson Gifford, de Frederick Kensett, de John Henry Twachtman, d’Harriet Hosmer et d’Henry Ossawa. Tanner, Mary Cassatt et John Singer Sargent.

Au vingtième siècle, les artistes américains ont commencé à jouer un rôle de premier plan dans la formation de l’expression moderne. Le High présente des œuvres des artistes les plus progressistes de l’Amérique moderne, du Cercle de Stieglitz et des peintres abstraits, aux artistes soucieux de justice sociale et de réforme, à ceux ancrés dans la scène artistique américaine.

Art Moderne et Contemporain
L’art moderne et contemporain du High Museum retrace le développement de langages visuels innovants depuis 1945 qui ont influencé la façon dont les gens perçoivent, comprennent et interprètent le monde, son histoire et l’expérience humaine.

Dans les décennies qui ont suivi la seconde guerre mondiale, les artistes modernes ont développé des formes d’avant-garde dans la première moitié du siècle en explorant de nouvelles perspectives et de nouveaux modes d’expression. Vers la fin du siècle, les artistes contemporains ont rejeté le point de vue singulier d’un mouvement ou d’un style et ont commencé à traiter l’art comme une forme d’enquête critique. L’art contemporain a depuis assumé une multiplicité de formes pour exprimer des expériences variées.

L’art moderne et contemporain du High Museum offre un large aperçu de l’art de notre temps avec des exemples remarquables d’œuvres d’artistes influents, d’artistes débutants et d’artistes émergents. La collection met en évidence plusieurs œuvres d’artistes tels que Radcliffe Bailey, Alex Katz et Ellsworth Kelly ainsi qu’une collection croissante d’œuvres individuelles importantes d’artistes tels que Michaël Borremans, Alfredo Jaar, Anish Kapoor, KAWS, Julie Mehretu, Judy Pfaff, Sarah Sze, et Kara Walker, avec un accent particulier sur le travail des artistes afro-américains.

Art populaire et autodidacte
Tous les grands artistes n’ont pas fréquenté les écoles d’art. Les artistes présentés dans la collection d’art populaire et autodidacte du High Museum ont plutôt été façonnés principalement par les leçons apprises de la famille, de la communauté, du travail et des expériences spirituelles. Certains peignaient sur toile, d’autres dépendaient de matériaux plus facilement disponibles: pierre des carrières locales, portes démantelées, ferraille et même bubble-gum.

Le High Museum a commencé à collectionner le travail des artistes autodidactes vivants en 1975 et a été le premier musée d’intérêt général à créer un département dédié en 1994. Cette collection est particulièrement riche en œuvres d’artistes sud-africains et afro-américains et présente les plus grands groupes de travail par Bill Traylor, Howard Finster, et Nellie Mae Rowe détenus par un musée.

Bien que la majorité de ces artistes puissent être identifiés comme américains ou contemporains, nous les appelons aussi «folk», ce qui souligne leur statut d’artistes du peuple, ou «autodidactes», pour souligner qu’ils n’ont pas été formellement formés. Cependant, ils sont étiquetés, leur héritage a grandement diversifié et enrichi l’histoire de l’art, en le rendant plus inclusif de toutes les personnes, indépendamment de la race, de l’éducation, de la région ou du niveau de revenu.

En collaboration avec des artistes et des designers, le Haut Musée a développé chaque été depuis 2014 des installations interactives et immersives pour le centre-ville de Sifly Piazza. Ces installations, accessibles au public, visent à rendre le campus plus ouvert et accueillant pour la communauté. . À ce jour, les installations de piazza comprennent Mi Casa, Your Casa (2014) et Los Trompos (2015), toutes deux conçues par Héctor Esrawe et Ignacio Cadena, et Tiovivo (2016), et Merry Go Zoo conçu par Jaime Hayon.

Le soutien important de la Fondation Lettie Pate Evans a permis le lancement d’une importante initiative auprès des familles en collaboration avec l’ensemble du Woodruff Arts Centre à compter de 2015. Cette initiative comprend une nouvelle programmation, qui comprend les Second Sundays gratuits, les Festivals familiaux et le High série d’expositions d’art de livre d’images originales. Ce projet souligne l’engagement du High en matière d’éducation artistique et permet au Musée d’accueillir chaque année des milliers de familles sur le campus.