L’exposition « Changeur de jeu: réinventer la silhouette du XXe siècle » présente le travail novateur du couturier Cristóbal Balenciaga, dont les innovations au milieu du XXe siècle ont créé une silhouette radicalement nouvelle, offrant au corps une liberté de mouvement et des volumes architecturaux l’espace autour de lui.

Aux côtés des pionniers de la haute couture dans les années 1920 et 1930 et, plus tard, des créateurs des années 1980 et 1990, Balenciaga s’est avéré une alternative à la silhouette de sablier constructive prédominante. Ces « Game Changers » ont abordé la mode du 20ème siècle sous un nouvel angle.

Les vêtements influents du Japon, tels que le kimono, ont libéré les femmes de leurs corsets serrés au début du XXe siècle. Des créateurs de mode tels que Madeleine Vionnet, Paul Poiret et Coco Chanel ont façonné cette liberté dans les années 1920-1930 avec des innovations techniques et des idées modernes sur la féminité. À la fin du XXe siècle, les contours de la silhouette féminine sont explorés plus avant par des créateurs japonais et belges tels que Issey Miyake, Yohji Yamamoto, Comme des garçons, Ann Demeulemeester et Martin Margiela. Ils ont ouvert la voie à de nouvelles formes corporelles et à des silhouettes abstraites et ont donné une nouvelle interprétation de ce que l’on pourrait considérer comme une mode.

La figure centrale de l’exposition est le couturier basque Cristóbal Balenciaga (1895-1972), considéré comme la figure charnière entre les deux périodes, l’architecte de l’innovation. Ses motifs et son travail constituent l’axe central de l’exposition. Chacun des designers a travaillé à sa manière sur des idées novatrices similaires et a modifié les limites de la silhouette féminine classique.

De cette façon, la mode devient plus qu’une suite de tendances; la mode est un moyen de modeler le corps, l’espace et le mouvement. La collection SS 1997 de « Body Meets Dress, Body Meets Body » de Ray Kawakubo montre comment ces nouvelles formes font désormais partie du vocabulaire de la mode.

L’exposition réunit 100 silhouettes uniques de haute couture et de prêt-à-porter de Cristobal Balenciaga, Paul Poiret, Madeleine Vionet, Gabrielle Chanel, mais aussi Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Yohji Yamamoto, Comme des garçons, Maison Martin Margiela. Avec des prêts de prestigieuses collections du musée du Fashion Technology Institute de New York, du V & A, du MUDE Lisbon et du Musée Galliera.

Découvrez les designers qui ont révolutionné la silhouette du XXe siècle et qui ont révolutionné le jeu.

L’exposition Game Changers s’est tenue au MoMu de mars 2016 à août 2016. Elle comprenait plus de 130 silhouettes créées par des designers qui changent la donne, dont le protagoniste est Cristóbal Balenciaga.

L’exposition combinait des archives du MoMu avec des prêts du Palais Galliera, du V & A, de FIT, des archives de Balenciaga à Paris, du SAIC Chicago, du Gemeentemuseum Den Haag, du musée Groninger, du MKG Hamburg, du Kunstgewerbemuseum Berlin et du Modemuseum Hasselt.

Le spectacle a été organisé par Miren Arzalluz et Karen Van Godtsenhoven.

Saut du tigre
Regarder en arrière vers le futur

Le thème introductif de l’exposition est intitulé «Le saut du tigre» et consiste en deux silhouettes qui changent la donne, une de Cristóbal Balenciaga et une de Rei Kawakubo.

Le slogan « bond de tigre » vient du concept allemand « Tigersprung » du philosophe Walter Benjamin, qui décrit la mode comme orientée vers l’avenir, tout en regardant dans le passé pour trouver l’inspiration: l’innovation en revisitant la Le passé est un principe directeur tout au long de l’exposition.

La silhouette emblématique de Rei Kawakubo, «Body Meets Dress, Dress Meets Body» printemps / été 1997, montre comment la silhouette en sablier occidental est mise au défi par les designers du 20ème siècle, ouvrant la voie à de nouvelles formes, courbes et constellations du 21ème siècle.

MoMu a acquis cette robe lors de la vente aux enchères Didier Ludot en juillet 2015. MoMu collectionne les créations belges et les créateurs d’avant-garde internationaux tels que Comme des garçons de Rei Kawakubo.

Comme vous pouvez le constater dans cette robe asymétrique en taffetas de la collection Automne / Hiver 1953 de Balenciaga, l’utilisation de formes à la fois historicistes et d’innovations fait de son travail un exemple du principe du saut du tigre.

Icônes de Balenciaga
Les silhouettes les plus emblématiques de Cristóbal Balenciaga

Les silhouettes les plus emblématiques de Balenciaga ont rompu avec l’idéal du sablier dominant au XXe siècle: la ligne de tonneau, le look semi-ajusté (1951), la tunique (1955), la robe de sac (1957), la robe à quatre coins (1968). et la poupée trapézoïdale de 1958 qui a marqué le début de sa phase la plus abstraite, où des vêtements conceptuels de qualité architecturale ont progressivement revêtu un corps plus libre, plus libre.

En 1942, pendant la période restrictive de l’occupation nazie à Paris, Balenciaga se lance dans un processus d’expérimentation de la forme avec des résultats sans précédent.

La même année (1947), Christian Dior séduit le monde avec le ‘New Look’, Balenciaga présente une nouvelle silhouette aux lignes fluides et incurvées qui enveloppe
que resserré le corps.

Cette robe de gazar en soie aux quatre coins de 1967 était l’une des créations sculpturales les plus abstraites de Balenciaga à la fin de sa carrière et demeure l’un de ses vêtements les plus emblématiques.

La robe de sac rompit avec les silhouettes structurées et soucieuses du corps de la couture des années 50 et libéra le corps de manière élégante et confortable.

Le vêtement ample était une évolution choquante qui annonçait la silhouette facile et minimale des années 1960.

Kimono
“J’ai appris de l’espace entre le corps et le tissu du kimono traditionnel … pas le style, mais l’espace.” – Issey Miyake

Ce groupe étudie l’adoption des principes du kimono à la mode occidentale.

Un élément important du changement et de l’innovation dans la mode occidentale du XX e siècle provient des notions vestimentaires orientales, notamment japonaise. Le Japon n’a ouvert ses portes à l’Occident que dans la seconde moitié du 19e siècle: une manie généralisée des arts décoratifs japonais, le japonisme, s’ensuit. A l’opposé des modes européennes complexes et coupées près du corps qui façonnent les courbes de la femme, les notions orientales de tenue vestimentaire se concentrent sur des pièces de tissu rectangulaires qui s’enroulent autour du corps, créant ainsi une «tenue plus douce».

La couturière française Madeleine Vionnet est devenue une fervente collectionneuse de kimonos et d’estampes d’ukiyo-e qui vont profondément influencer son travail.

Elle a déclaré: «La robe ne doit pas être suspendue au corps, mais suivre ses lignes. Elle doit accompagner son porteur et quand une femme sourit, la robe doit sourire avec elle.  »

Le kimono de Vionnet inspiré par l’innovation technique et l’assimilation esthétique allait avoir un impact fondamental sur le travail de Cristóbal Balenciaga, au cœur de sa vision alternative de la silhouette dans les années 1950-1960.

Les designers japonais de la fin du XXe siècle, tels que Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto et Issey Miyake, créent des modes internationales présentées à Paris.

L’influence de l’esthétique japonaise telle que le wabi-sabi et le principe du kimono, l’idée d’envelopper le tissu autour du corps sont présents dans leur travail et ont été repris par de nombreux contemporains.

Le photographe Peter Lindbergh a capturé certains des vêtements les plus emblématiques de Rei Kawakubo dans cette série de 1983 (voir aussi la photo suivante).

Volumes surdimensionnés
Les versions éclatées de la Maison Martin Margiela de vêtements de style italien de taille 78 déconstruisent les notions de haute couture (sur mesure) et de prêt-à-porter (prêt-à-porter): elles ne conviennent pas au corps du porteur. et ne viennent pas dans des tailles commerciales prédéfinies.

Les vêtements surdimensionnés de Margiela déconstruisent le système de mode, dans lequel des vêtements industriels préfabriqués sont produits pour une multitude de types de corps différents dans des tailles standard: ces vêtements effacent l’idée d’un type de corps standard avec la prémisse de la taille unique tout’.

La ligne droite
Ce groupe montre comment, à différentes époques du 20e siècle, dans les années 1920 et 1960, la silhouette en forme de S incurvée a cédé la place à une ligne plus droite et moderne.

La silhouette sinueuse à la mode de la fin du 19ème et du début du 20ème siècle, à son apogée dans l’Art Nouveau et caractérisée par une taille extrêmement petite et une poitrine ample, cède progressivement la place aux lignes plus droites des robes de réforme du début du 20ème siècle.

La garçonne avait les cheveux courts, une robe droite et une silhouette enfantine.

Chanel a non seulement «libéré» la nouvelle femme, elle a également imposé un nouvel idéal de beauté mince, dont les échos se font encore sentir aujourd’hui.

Les vêtements de sport ont influencé la haute couture et des créateurs tels que Chanel, Jean Patou et Madeleine Vionnet ont pris en charge la New Woman libérée, sportive et chique.

Balenciaga a réinterprété la ligne droite dans sa célèbre silhouette «tunique» de 1955, un vêtement long jusqu’au genou porté par-dessus une jupe longue et droite. La tenue suggère le contour de la silhouette tandis que l’espace entre le corps du vêtement et le vêtement permet un mouvement libre. Son élégante simplicité garantissait un succès et un impact instantanés.

La réinterprétation de la tunique par Balenciaga est rapidement devenue un nouveau classique dans son travail et elle est réapparue dans toutes les collections de Balenciaga, de février 1955 à février 1968.

L’esprit révolutionnaire des années 1920 se retrouve dans les années 1960 avec des silhouettes tout aussi rectilignes, symboles de liberté et de modernité pour la génération de l’ère spatiale. Les designers jeunesse et futuristes des années 1960 ont éliminé le tour de taille des années 1950 et présenté à nouveau une silhouette gamine. André Courrèges et Paco Rabanne étaient en apprentissage ou travaillaient pour le label de Balenciaga et reprenaient ses formes géométriques pures.

Le photographe français Peter Knapp était un proche collaborateur d’André Courrèges et a créé certaines des images les plus remarquables de l’ère spatiale dans les années 1960.

Repenser le corps
La robe rencontre le corps, le corps rencontre la robe et ne fait plus qu’un, Rei Kawakubo S / S 1997

Le corps, une fois sorti du corset, était prêt à assumer un nouveau rôle en ce qui concerne le vêtement à la fin du XXe siècle.

Au printemps et à l’été 1997, Rei Kawakubo a poussé plus loin l’idée de «repenser le corps» et a lancé sa célèbre collection «Lumps ‘n Bumps», intitulée «Robe rencontre corps, robe épouse et deviens un»: une collection qui formes matelassées organiques intégrées, déformant ainsi le corps humain.

Kawakubo l’appelait simplement « repenser le corps », alors que la presse surnommait la collection Quasimodo, ou pire « la collection la plus moche de l’année ».

« Ce n’est pas ce qui a été vu auparavant, ce qui a été répété, mais plutôt de nouvelles découvertes tournées vers l’avenir, libérées et vivantes. »
– Communiqué de presse Comme des Garçons 1997

Le chorégraphe Merce Cunningham, qui a travaillé avec la collection dans sa production Scenario, déclare simplement: «Les bosses sont des formes familières que nous pouvons voir tous les jours, un messager à vélo avec un sac à l’épaule, un touriste avec un sac banane, un bébé sur une mère bras. »

De même, le travail de Georgina Godley, artiste et créatrice de mode britannique, échappe à la représentation du corps féminin sexy ou asexué: elle a plutôt opté pour la «troisième voie», vénérant le corps féminin inspiré par le style africain.
déesses de la fertilité ainsi que les femmes de Vermeer.

Martin Margiela déconstruit de manière ludique l’idée occidentale de la femme en tant que « poupée vivante » ou de la poupée en une version plus parfaite de la femme: ses collections de mannequins transformés en gilets sont devenues des gilets (printemps / été 1997, automne? Hiver 1997–98), et une veste factice en fil métallique adaptable des années 1950 (automne-hiver 1989–90).
En habillant le corps réel et vivant d’un mannequin, qui agit comme une version fétichisée du corps féminin, il montre à quel point le mannequin normalisé est étranger au corps vivant réel.

« Les poupées … c’est ce que beaucoup d’hommes veulent que les femmes soient … juste des poupées. »
– Yohji Yamamoto

Pour placer le corps au centre de l’exposition, MoMu a créé une vidéo holographique réalisée par le photographe Daniel Sannwald (diplômé de l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers). Dans une chorégraphie de Sidi Larbi Cherkaoui (Eastman) présentant une sélection de documents d’archives de Balenciaga sélectionnés par Demna Gvasalia, directrice artistique actuelle de la maison Balenciaga – et diplômée du département de la mode de l’Académie royale des beaux-arts.

Ces pièces d’archives sont accompagnées de dessins révolutionnaires d’Issey Miyake, d’Ann Demeulemeester, de Maison Martin Margiela, de Comme des Garçons et du label de Gvasalia, Vêtements.

Dans une évocation de la phase pré-linguistique de la vie humaine (13 mois), dans laquelle il n’y a pas de «je» ni de distinction entre le corps de l’enfant, le corps de la mère et le monde extérieur, les vêtements abstraits et les corps vivants se fondent dans nouvelles constellations.

Vu de dos
«Je ne peux voir une femme que comme une personne qui passe, une personne qui disparaît. Je pense que les vêtements doivent être confectionnés à l’arrière et non à l’avant.» – Yohji Yamamoto

Le dos de la silhouette féminine est devenu un élément central du travail de Cristóbal Balenciaga. Le décolleté retombant gracieusement sur la nuque ou plus bas dans le dos formait un drapé fluide.

Balenciaga a été inspiré par le décolleté traditionnel du kimono, incorporant des cols découpés dans le cou qui dévoilent en douceur la nuque dans ses costumes et ses ensembles de jour.

Au Japon, la nuque est considérée comme l’une des plus belles caractéristiques du corps d’une femme.

Par conséquent, le dos du col kimono est plongé pour exposer la nuque et la faire paraître plus longue.

Contrairement aux lignes fluides du col, le kimono est solidement serré autour de la poitrine et orné d’autres accessoires importants à l’arrière, tels que le nœud obi volumineux et la coiffure à haut chignon ornée de peignes.

Balenciaga incorporera également son interprétation personnelle de ces éléments dans ses créations les plus célèbres des années 1960, telles que la robe de soirée rose de sa collection Automne / Hiver 1965, également exposée dans cette exposition.

La nuisette
Le chemin de l’abstraction

La chemise ou la poupée, qui tire son nom des négligés des années 1950, a été introduite pour la première fois par Balenciaga dans sa collection Hiver 1957.

C’était un motif de cocktail en forme de trapèze fait de dentelle et porté sur une robe moulante qui soulignait la forme réelle du porteur, résultant en un compromis entre une expression de la taille et son déni.

Dans la collection suivante de l’été 1958, Cristóbal Balenciaga est allé encore plus loin et a exagéré le volume en tenue de soirée où toute référence au corps était radicalement éliminée.

La taille, les hanches et les seins sont passés inaperçus dans le nouvel espace vide qui sert de médiateur entre le corps et le vêtement.

La poupée peut être considérée comme le dernier repère de l’expérimentation de forme de Balenciaga dans les années 1950.

La forme trapézoïdale de la nuisette est un point de départ reconnaissant pour les designers contemporains.

Abstraction ultime
La dernière étape

En 1968, Cristóbal Balenciaga ferme sa maison après avoir confié au monde ses créations les plus créatives et les plus pures des années 1960, ce qui conduit à une abstraction maximale du corps, comme on peut le voir dans son Le Chou Noir ou sa célèbre robe à quatre coins, une partie de sa collection hiver 1967.

La dernière couture de Balenciaga a été qualifiée de « déconnectée » du boom du prêt-à-porter des années 1960, mais son abstraction progressive du corps et ses lignes pures se retrouvent dans les créations des générations qui l’ont suivi, notamment Pierre Cardin (parfois reproché pour ses formes de champignons et son abstraction), Issey Miyake et les générations suivantes de designers internationaux tels que Sybilla (Espagne), Hussein Chalayan (Chypre), Junya Watanabe (Japon) et les robes imprimées en 3D d’Iris van Herpen (Pays-Bas). ).

Ils poussent la mode plus loin dans une tradition d’innovation, tout comme leurs prédécesseurs. De cette façon, les idées du passé se heurtent aux formes de l’avenir dans un éternel Tiger’s Leap.

La silhouette de fermeture provient de «Horn of Plenty» d’Alexander McQueen. Cette collection est la dernière collection créée par McQueen «avant qu’il ne soit prêt», selon ses propres mots, «traitant de l’histoire de la mode et pouvant débuter en tant que designer mature».

Il évoque des designers emblématiques du XXe siècle, tels que Chanel, Dior et Balenciaga, et les marque de son propre chef. Les motifs typiques pied de poule de Chanel et Dior transforment cette robe en un imprimé oiseau, signature de McQueen.

La robe en forme de chenille de Balenciaga se transforme en un volume gonflé dramatique.

Musée de la mode d’Anvers, Belgique

MoMu (Mode Museum) est le musée de la mode de la province d’Anvers, en Belgique. Fondé le 21 septembre 2002, le musée rassemble, conserve, étudie et expose la mode belge. Le musée s’intéresse plus particulièrement aux créateurs de mode contemporains belges en raison de la création d’un groupe de créateurs de mode formés à Anvers au cours des années 1980 et 1990 (Martin Margiela, Dries Van Noten, Ann Demeulemeester, Walter Van Beirendonck, Dirk Van Saene, AF Vandevorst, etc.). La première directrice du musée a été Linda Loppa, fondatrice et directrice de l’école de mode de l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers. Le directeur actuel est Kaat Debo.

Collection
MoMu possède une collection de plus de 33 000 articles: vêtements, chaussures, textiles, accessoires, dentelles,…. Les vêtements et les accessoires sont au cœur de la collection issue d’achats, mais aussi de dons de particuliers, de créateurs et de mode. maisons et par le biais d’un certain nombre de prêts à long terme. Par exemple, les premiers cadeaux de Linda Loppa et Christine Matthijs ont lancé la collection de créateurs de MoMu. Cette sous-collection s’est enrichie de généreux dons, notamment de Dries Van Noten et Bernhard Willhelm. Mais aussi avec des prêts à long terme, y compris 100 silhouettes de Walter Van Beirendonckin 2012, quelques dizaines de chaussures de créateurs et plus de 100 chapeaux du designer britannique Stephen Jones par des collectionneurs et fondateurs du magasin de chaussures Anvers Coccodrillo Geert Bruloot et Eddy Michiels. La collection du musée s’est enrichie de quelques centaines de pièces en 2012 grâce à la donation et à l’achat partiel de la collection de mode historique des collectionneurs néerlandais Jacoba de Jonge. Avec les anciennes collections de l’ancien musée du textile et du costume de Vrieselhof, le MoMu gère aujourd’hui une collection d’environ 33 000 objets qui sont en grande partie conservés à la maison.

La collection comprend des vêtements, des accessoires et des textiles, ainsi que des pièces plus inattendues telles que des outils, des machines pour la production de textiles, des patrons et des invitations à des défilés de mode.

La politique de collection de MoMu se concentre sur le travail de designers belges et d’anciens du département de la mode de l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers. Des noms éminents du monde de la mode internationale contemporaine sont également représentés dans la collection.

La collection grandit chaque année grâce à des acquisitions, des prêts et de nombreux dons. Elle compte désormais plus de 33 000 pièces. Cela fait de la collection MoMu la plus grande et la plus importante collection de mode belge contemporaine au monde. Le musée reçoit continuellement des demandes de prêt international pour des œuvres de sa collection de designers.

La collection historique de costumes et de textiles d’Europe occidentale du MoMu est une continuation de la collection de l’ancien Musée du costume et du textile de Vrieselhof.

En 2011, la collection historique a été élargie avec une acquisition importante. Plus de 2 000 objets datant des 18e, 19e et première années du 20e siècle ont été acquis de la collection privée de Mme Jacoba de Jonge, en complément de la collection existante du MoMu.

Outre la collection de vêtements et de costumes, le musée abrite également une vaste collection de bibliothèques. La bibliothèque MoMu est une bibliothèque universitaire consacrée à la mode, aux textiles et aux costumes ethniques, tant historiques que contemporains. Avec plus de 15 000 livres, des archives remplies d’ouvrages de référence précieux, des centaines de magazines contemporains et historiques et une base de données numérique en croissance rapide, la bibliothèque MoMu est l’un des plus performants au monde dans son domaine.

En 2017, la collection d’étude a été ajoutée à la collection du musée. La collection d’études est une collection séparée destinée à renseigner les visiteurs sur la mode en leur permettant d’étudier les objets de près. La collection d’études peut être utilisée pour la recherche universitaire, comme matériel pédagogique ou comme source d’inspiration. Il pourra être consulté à partir de l’automne 2018.

La collection d’étude comprend des vêtements, des fragments et des échantillons historiques, contemporains et ethniques. Cette collection plus accessible consiste en un don de Mme Jacoba de Jonge, un prêt à long terme du département de la conservation-restauration de l’Université d’Anvers et des œuvres du MoMu.