La Galleria Nazionale d’Arte Moderna en Roma es la mayor colección de arte contemporáneo italiano. Situado en Roma, tiene más de 4 400 obras de pintura y escultura y cerca de 13 000 dibujos y grabados de artistas, en su mayoría italianos, de los siglos XIX y XX. En sus 55 habitaciones se pueden ver las obras maestras de la colección, alrededor de 1 100 obras. Es el único museo nacional dedicado enteramente al arte moderno; de hecho, en muchas capitales regionales hay galerías de arte modernas, pero son municipales.
Historia de la galería
La galería fue fundada en 1883, unos años después del establecimiento del joven estado unitario italiano (Roma se había convertido en la capital de Italia en 1871), ya que sentía la necesidad de un museo dedicado a artistas contemporáneos que viven o han desaparecido recientemente. La primera sede de la Galería fue el Palazzo delle Esposizioni en Via Nazionale, su institución se debe al trabajo del ministro Guido Baccelli.
Pronto, sin embargo, el Palazzo delle Esposizioni demostró ser insuficiente para acomodar pinturas y esculturas que habían aumentado en número a lo largo del tiempo. Luego hubo otro inconveniente: cada vez que se realizaba una exposición temporal, las obras expuestas tenían que ser eliminadas.
Con motivo de la Exposición Internacional de Roma de 1911 (50 ° aniversario de la Unificación de Italia) se tomó la construcción del edificio actual en Valle Giulia como el sitio permanente de la Galería. El palacio de bellas artes fue diseñado por el arquitecto e ingeniero romano Cesare Bazzani (el mismo autor del Ministerio de Educación en viale Trastevere en Roma y del hospital Fatebenefratelli en la isla de Tiberina).
En 1933, este edificio también se volvió insuficiente para acomodar todas las obras que habían llegado a la galería para comprarlas o donarlas. También por Cesare Bazzani, una extensión fue planeada e inaugurada ese año, lo que duplicó el espacio de exhibición (esto corresponde a las habitaciones actualmente ocupadas por el siglo XX).
Estas nuevas salas no entraron en posesión de la Galería porque estaban ocupadas por una «Exposición de la Revolución Fascista», que con tablas, gráficos, fotos y obras artísticas quería «glorificar» los principales logros del régimen.
En 1941 (entonces en medio de la Segunda Guerra Mundial) se convirtió en superintendente de la Galleria Palma Bucarelli que aún no tenía treinta años, permaneció en esta oficina por más de 30 años hasta 1975. Debe una importante labor de rejuvenecimiento de la cultura italiana y apertura hacia experimentos internacionales más modernos. Se esforzó por equipar la Galería con todas las estructuras que hoy se consideran indispensables para un museo moderno: servicio de enseñanza, biblioteca, cafetería, librería, presentación de libros, reuniones con artistas. No faltaron reuniones mundanas como desfiles de moda. En este trabajo hizo uso de colaboradores de primera clase como Nello Ponente, Giovanni Carandente, Corrado Maltese, Maurizio Calvesi, Giorgio de Marchis.
Pero antes de hacer todo esto, tuviste que salvar las obras de arte de los peligros de la guerra, las llevó secretamente al palacio Farnese de Caprarola (en la provincia de Viterbo, en el lago de Vico), y luego al Castel Sant’Angelo.
Después de la liberación de Roma (4 de junio de 1944) fue posible proceder con la reapertura de la Galería entre muchas dificultades. Siguieron años de grandes exposiciones que permitieron a los italianos conocer artistas que el régimen había intentado no dar a conocer. En 1953 se realizó una gran exposición sobre Picasso, en 1956 sobre Mondrian, en 1958 sobre Pollock, en 1959 se exhibió el gran saco de Burri que suscitó escándalo, en 1971 con la exposición de Piero Manzoni el superintendente Palma Bucarelli arriesgó el su lugar. En esta obra de innovación cultural tuvo a su lado a los críticos e historiadores del arte Giulio Carlo Argan (Turín 1909 – Roma 1992) y Cesare Brandi (Siena 1906 – Vignano SI 1988).
En 1973, se recibió financiación estatal para una mayor expansión de la galería basada en un proyecto de Luigi Cosenza. La inauguración tuvo lugar en 1988.
En 1975, con la institución del Ministerio de Patrimonio Cultural, la Galería adquirió el título de Superintendencia Especial. En el mismo año, la jubilación del superintendente Palma Bucarelli marca una nueva fase, en la que el «museo de la vanguardia», concebido y desarrollado por ella, no mantiene el papel de apertura hacia el arte contemporáneo en el mismo nivel. Bajo la dirección de Italo Faldi, de 1975 a 1978, la Galería refuerza las tareas de conservación y mejora a través de un programa estructurado de exposiciones sobre arte italiano en los siglos XIX y XX y sobre arte europeo y estadounidense, en un marco de colaboración internacional. . Entre 1978 y 1982, el nuevo superintendente Giorgio de Marchisakes las líneas esenciales de los domicilios de Bucarelli, calmándolos en la nueva situación social y cultural de finales de los años setenta. La Galería es en su concepción un museo dinámico en sintonía con los tiempos, es un centro de estudios, un productor de cultura y servicio público. Como centro de estudio, el museo promueve, además del conocimiento de las colecciones y actividades de exhibición, el uso de las instalaciones de enseñanza, información y documentación (biblioteca, archivo, sala de proyección, conferencias). Como museo de arte moderno, es necesariamente un lugar de «allanamiento» que acoge y promueve actividades culturales de diversas disciplinas, desde teatro, música, cine y danza. El programa de las exposiciones organizadas corresponde a las líneas precisas de estudio del arte italiano y extranjero de los siglos XIX y XX, en consonancia con las colecciones y la historia del museo. Cuando comienza a manifestarse el fenómeno del consumo masivo de exposiciones, de Marchis hace hincapié en exponer las actividades de los museos como producción cultural. Las numerosas exposiciones organizadas en este período se refieren a contribuciones, a menudo todavía de vitalidad considerable, sobre la historia del arte del siglo XX (De Chirico, Arte abstracto, Leoncillo), sobre la historia del museo y colecciones, investigadas en la amplia perspectiva de la historia de la cultura (Roma 1911), sobre la situación contemporánea (Arte y crítica, 1980 y 1981), también en relación con el arte mínimo reciente a través de las esculturas de la colección Panza de Biumo (1980).
Desde los años setenta se han otorgado algunas donaciones importantes que, por su envergadura, se ubicaron en edificios separados de la Galería, a fin de formar una serie de museos satelitales. En 1979, se abrió la donación de Manzù di Ardea y se abrió al público en 1981. En 1986, se donó la galería Mario Praz (inaugurada en 1995 en el Palazzo Primoli en via Zanardelli). En 1995 abrió el museo Boncompagni Ludovisi de artes decorativas, moda y vestuario en Via Boncompagni (la donación de 1972 había sido obstaculizada por sus herederos).
Entre 1995 y 1999 todo el edificio se sometió a importantes trabajos de restauración y las colecciones se reorganizaron. Estas obras utilizaron los fondos asignados para el Jubileo 2000, bajo los auspicios de la superintendente Sandra Pinto.
En 1997, la Galería recibió la donación Schwarz de arte surrealista y Dada, llenando así una brecha importante.
En enero de 2000 comenzaron los trabajos sobre la construcción del MAXXI – Museo Nacional de las Artes del Siglo XXI en el lugar de los barracones en la vía Guido Reni (distrito de Flaminio) sobre el proyecto de la arquitecta anglo-iraquí Zaha Hadid. Esta es la continuación natural de la galería de arte moderno.
Desde el 1 de julio de 2004 es Maria Vittoria Marini Clarelli la superintendente de la Galería. En 2011 se llevó a cabo una reorganización y reorganización de las obras de la Galería, lo que le dio un aspecto caracterizado por un fuerte impacto visual y estético gracias al proyecto original del arquitecto. Federico Lardera.
En octubre de 2016, se inauguró la nueva configuración de la galería, basada en un proyecto original que, al reducir el número de obras expuestas, introduce la clave de lectura no cronológica en la base de la exposición principal «El tiempo está fuera de conjunto. » Además de la nueva configuración de las salas, se redefine el área de acceso para los servicios, llamada «área de bienvenida», la librería y la Sala delle Colonne. Mientras retiene el nombre institucional de la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, en su comunicación la galería toma un nuevo nombre, «La Galleria Nazionale».
Venta del siglo XIX
La siguiente descripción se refiere a la preparación de las habitaciones antes de la reorganización de 2012. En 2016, los espacios también fueron re-tapizados.
Salone dell’Ercole (1)
La exposición está dedicada al período de transición entre neoclasicismo y romanticismo, entre fines del siglo XVIII y principios del siglo XIX.
Un ejemplo importante de escultura neoclásica es:
Antonio Canova: Hércules y Lica 1815. Mármol 350x152x212. La escultura está acompañada por las estatuas de los doce dioses del Olimpo que, como originalmente, lo hicieron volar en el demolido Palazzo Torlonia en Piazza Venezia. Canova se inspiró hoy en Ercole Farnese en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. El episodio tallado es uno de los más terribles en la mitología griega: Hércules, enloquecido por la pena por la muerte del centauro Neso, mata al mensajero de esta noticia. Lica está a punto de ser arrojada y en vano se aferra a la crin y al altar. Note la circularidad del esfuerzo opuesto. La estatua debe ser vista desde atrás, para entender la resistencia desesperada de Lica. Hasta hace unos años, la estatua se movió a tiempos fijos. En la habitación hay obras de Francesco Podesti, el pintor que pintó en el fresco el salón del Palazzo Torlonia del que provienen Hércules y Lica.
En las paredes, la gran pintura histórica y mitológica. Los artistas románticos representan episodios de la historia italiana para incitar a la gente a rebelarse contra el opresor austriaco. En los años que siguieron al congreso en Viena, de hecho, Italia se dividió en muchos estados, faltaban todas las formas de libertad y Austria dominaba directamente sobre la región de Lombardía, mientras que influía en otros estados. Entre las diversas pinturas en la sala, consideramos:
Francesco Hayez: Vísperas sicilianas 1846. La obra recuerda un episodio que realmente ocurrió en 1282 durante la dominación angevina de Sicilia, la ofensa llevada a una mujer por un soldado francés desencadenó la rebelión y la expulsión de los franceses. La mujer es sostenida por indignación de inmediato, y es apoyada por su familia, mientras que el novio con los puños apretados reflexiona sobre la venganza. La figura pintada detrás del soldado, en una actitud de oración, es un retrato excepcional, un género en el que Hayez fue particularmente apreciado. Detrás del grupo de figuras principales, el comienzo de la rebelión, el campesino recogiendo la piedra, el otro con la daga invocando a Dios. Monte Pellegrino en el fondo.
Otras obras en la sala son:
Federico Faruffini, La Virgen en el Nilo, 1865;
Silent Cremona, Marco Polo, 1863.
También hay pinturas de Vincenzo Camuccini, Bernardo Celentano y esculturas de Pelagio Palagi.
Habitación Psique (2)
La sala presenta el panorama compuesto e internacional de Roma a principios del siglo XIX («internacionalismo romano»). Se llama así por la presencia, en el centro de ella, de la estatua de:
Pietro Tenerani, Psiche desvanecido, 1822, mármol. La estatua representa el estilo purista, un movimiento artístico italiano nacido alrededor de 1833 a raíz de los Nazarenos. Refiriéndose a una concepción ética del arte, el Purismo reconoció los modelos primitivos, desde Cimabue hasta el primer Rafael. Importantes exponentes del purismo fueron además Tenerani, el pintor y escritor Antonio Bianchini (quien escribió el manifiesto del purismo en 1849), Friedrich Overbeck, Tommaso Minardi, Augusto Mussini y otros.
La estatua recuerda uno de los mitos más famosos de la antigüedad griega y romana, el de Psique y el Amor, de ahí el término psicología. Esta estatua es mencionada por Argan en su historia del arte. En la misma sala, otra vez por Pietro Tenerani: Retrato de la princesa Zenaide Wolkonsky, 1850 y Pellegrino Rossi.
Tommaso Minardi, La Virgen del Rosario, 1840.
Tommaso Minardi, Homero ciego en la casa del pastor Glauco, 1810.
Andrea Appiani, Retrato de Vincenzo Monti, 1809.
Marianna Candidi Dionigi, Paisaje (L’Aniene, cerca de Tivoli), 1798.
Sala della Saffo (3)
ESCUELAS TOSCANA. La sala está dedicada a la pintura toscana de la primera parte del siglo XIX, caracterizada por la presencia del movimiento Macchiaiolo, quizás el movimiento artístico italiano más importante y original de ese siglo. El movimiento se basó en el principio de que la visión de la realidad no es más que un conjunto de manchas coloreadas, más o menos intensas por el efecto de la luz, y que la tarea del pintor no era retratar las cosas como sabemos que son obligatorias, pero hacer la impresión óptica de la manera más directa. La cafetería Michelangelo (en Via Larga, hoy Cavour, una placa conmemorativa) en Florencia fue el lugar de reunión de los Macchiaioli, mientras que Pergentina (a las afueras de Florencia, a lo largo del torrente Affrico) y Castiglioncello (en la costa, no muy lejos de Livorno) fueron los lugares favoritos para pintar. El pintor más importante y justamente famoso fue Giovanni Fattori (Livorno 1825 – Florencia 1908), Telemaco Signorini fue el cerebro del movimiento, Adriano Cecioni y Nino Costa fueron los teóricos. Fueron conocidos en la Exposición Nacional de 1861 en Florencia. Su mejor momento fue desde 1855 hasta 1865.
En el centro de la sala, la escultura de:
Giovanni Duprè, Saffo, 1857, que da nombre a la sala.
Silvestro Lega, La visita, 1868.
Giovanni Fattori, Retrato de la primera esposa, 1865.
Nino Costa, mujeres que suben a la madera en el puerto de Anzio, 1852.
Adriano Cecioni, Interior con figura, 1867.
Vincenzo Cabianca, Estudio de la Mujer en Montemurlo, 1862. Esta pintura puede tomarse como un ejemplo del estilo Macchiaioli.
Giovanni Fattori, La Batalla de Magenta. Es el boceto de una imagen más grande, para darse cuenta de lo antirretórica que es.
Raffaello Sernesi, Cupolino en Cascine. Tenga en cuenta el efecto de las manchas de sol en verde
Odoardo Borrani, Mugnone.
Vincenzo Cabianca, Castiglioncello.
Vincenzo Cabianca, Casas en Lerici.
Salón de los Jenner (4)
ESCUELAS DEL NORTE DE PIEDMONTESE Y LOMBARDO – VENETA. La pintura del norte de Italia de aquellos años se caracteriza por la presencia del Scapigliati que se puede ver sobre todo en Giovanni Carnovali, llamado Piccio. Piccio es el autor de una pintura reproducida en transparencias y velos. Los Scapigliati se caracterizan por la disolución de la forma en el color forzando la difuminación de los contornos y el uso de pinceladas discontinuas y luminosas, a estos Tranquillo Cremona le otorga una caracterización patética y sensual.
Scapigliatura fue un movimiento literario y artístico que se desarrolló en Lombardía entre 1860 y 1900. Los principales exponentes fueron Emilio Praga y Arrigo Boito. De: Universal Garzanti.
Giulio Monteverde, Edoardo Jenner, 1873, bronce. La escultura le da el nombre a la sala. «La obra retrata al médico inglés, descubridor de la vacuna contra la viruela (1796), que realiza el experimento en el hijo» … escultura en su época famosa, incluso para el tema, pero, sin duda tiene todos los límites de la escultura histórica – anecdótica »
Domenico Induno, Bollettino di Villafranca, 1861. Durante la Segunda Guerra de la Independencia los ejércitos piamontés y francés avanzan victoriosos sobre los austriacos en retirada, la liberación de Venecia también parece cercana cuando llegan las noticias de paz entre Austria y Francia que Napoleón III firmó sin el Italianos sabiendo. En la cara de los patriotas leemos la decepción por la llegada del boletín con las noticias. Tenga en cuenta ciertos detalles que dan un tono verista como la bandera italiana con los colores colocados en un orden incorrecto. «Induno da al marco histórico un acento de actualidad, lo traduce en escenas de un verismo anecdótico». De: Bucarelli, La Galería Nacional de Arte Moderno, 1973, Istituto Poligrafico dello Stato.
Tranquilo Cremona, los dos primos.
Antonio Fontanesi, Una mañana de octubre.
Antonio Fontanesi, en la fuente, 1865.
Antonio Fontanesi, en la fuente, 1869.
Giovanni Carnovali (llamado PICCIO), Retrato de un hombre en el acto de escribir, 1869.
Giovanni Carnovali, Retrato del padre del bajo Marini, 1843.
Vittorio Avondo, La valle del Pussino, 1874.
Ippolito Caffi, Roma visto desde Monte Mario. Un famoso pintor de paisajes, murió en la batalla de Lissa durante la tercera guerra de independencia.
Sala Morelli (5)
La habitación está completamente dedicada a Domenico Morelli. En los años setenta y ochenta del siglo XIX, Domenico Morelli y Filippo Palizzi son las figuras centrales del panorama artístico napolitano y meridional. Morelli (Nápoles 1826 – 1901) elaboró un estilo verista basado en la preeminencia del color con respecto al diseño académico, trató de adaptar su pintura a contenidos aún románticos, literarios, religiosos, históricos y simbolistas. En 1905 la Galería compró todo lo que quedaba en el estudio cuando el autor murió, pinturas, bocetos, acuarelas y una gran cantidad de dibujos. En los años en que Palma Bucarelli era superintendente, dos salas estaban dedicadas al pintor. De: Enciclopedia del Arte, 2002 Garzanti.
Domenico Morelli, Tasso lee la Gerusalemme Liberata en Eleonora d’Este, 1865. «Una de las pinturas más famosas de la pintura italiana del siglo XIX es la escena de un melodrama, se puede establecer una similitud con la música de Verdi» … íntima y silenciosa es la pintura de Toma, tanto es llamativa, magnilica ya veces retórica la de Domenico Morelli «De: Palma Bucarelli, La Galería Nacional de Arte Moderno, 1973 Instituto del Estado Poligrafico.
Es la pintura principal de la sala, que se puede ver desde el Salón de Hércules, poniéndose en conversación con las grandes obras de romanticismo histórico que caracterizan a ese salón. De: Colombo – Lafranconi, Guía de la Galería Nacional de Arte Moderno, 2004 Electa. Se dice que Tasso estaba enamorado en secreto de Eleonora d’Este y sus dos damas en compañía que también se llamaban Eleonora. De la audioguía disponible en Galleria en 2008.
Domenico Morelli, Las tentaciones de San Antonio, 1878.
Domenico Morelli, Retrato de Bernardo Celentano, 1859.
Mario Rutelli, Retrato de Domenico Morelli, c.1884. Rutelli (Palermo 1859 – 1941) es el escultor académico del gusto que creó la fuente de Najadi en Piazza della Repubblica en Roma, su obra más importante. Este es el bisabuelo de Francesco Rutelli, ex alcalde de Roma.
Cleopatra Hall (6)
ESCUELAS DEL SUR
Esta sala está dedicada a artistas nacidos, entrenados y operados en Nápoles o en el sur de Italia. Toma su nombre del mármol de:
Alfonso Balzico, Cleopatra. Un tema a menudo retratado en la historia del arte por el encanto que siempre ha inspirado a la reina de Egipto. Estamos en los años de cortar el istmo de Suez (1869), luego hubo un resurgimiento de interés y estudios sobre el antiguo Egipto. Tenga en cuenta la finura de la pulsera en el brazo y la serpiente que emerge de la canasta de frutas que pronto traerá la muerte a la joven reina.
Gioacchino Toma, Luisa Sanfelice en prisión, 1875. «Esta es su obra maestra, no requiere una acción dramática, sino una condición humana». Una de las pinturas más famosas del siglo XIX italiano, una de las exposiciones más importantes de esta galería. Luisa Sanfelice, patriota de la república napolitana, está en prisión esperando la sentencia de muerte deseada por los Borbones a pesar de estar embarazada. La vemos preparando un vestido para su hijo que no nacerá. «La pintura de Morelli es tan emocionante y teatral, como la de Toma», también de Bucarelli, cit.
Gioacchino Toma, El guardia al volante del expósito, 1887.
Gioacchino Toma, El viático del huérfano, 1877.
Gioacchino Toma, Novela en el convento, 1877.
Michele Cammarano, Atrio de Santa Maria Maggiore, 1868.
Michele Cammarano, Chiacchiere en la plaza en Piscinula, 1865.
Michele Cammarano, Caffè en Piazza San Marco.
Vincenzo Gemito, Bruto, 1871.
Antonio Mancini, Carmiella, 1870.
Antonio Mancini, vendedor de cerini, 1878.
Antonio Mancini, Retrato del Barón Carlo Chiarandà, 1883.
Antonio Mancini, Nello Studio, 1875.
Antonio Mancini, Il malatino, 1878.
Sala Palizzi (7)
PAISAJES Y PINTURA DE PINTURA EN NÁPOLES.
Incluso esta sala, al igual que las dos anteriores, está dedicada a la pintura en Nápoles y en el sur de Italia. Debe tenerse en cuenta que Nápoles fue una de las ciudades europeas más grandes a fines del siglo XVIII. La sala también da testimonio de la presencia de pintores extranjeros en Nápoles y la posibilidad de apertura internacional que disfrutan los pintores que trabajaron en esa ciudad.
Los cuatro hermanos Palizzi vinieron de Abruzzo a Nápoles para estudiar en la Academia, donde siguieron los cursos de Smargiassi, uno de los pintores de la escuela de Posillipo. Con ellos la pintura italiana establece contacto con los franceses y precisamente con la escuela llamada Fontainebleau o Barbizon, desde el lugar donde se reunieron para pintar fuera de las academias. El mérito es del mayor José que, que fue a París en 1844, permaneció allí toda su vida. Filippo, a quien pertenecen casi todas las pinturas de la sala, es con mucho el más conocido y el más importante, tanto por la calidad del trabajo como por la influencia que tuvo en la afirmación de la corriente realista. La obra de Palizzi se desarrolla, en el ámbito napolitano, en antítesis de la de Morelli, autor de una pintura de la historia y partidario de un ideal que trasciende la realidad. En 1892, la Galería recibió la donación de 300 pinturas y estudios de Filippo Palizzi. Es la primera donación importante en su historia.
Giuseppe Palizzi, La foresta di Fontenbleau, 1874. La más famosa de las pinturas de Giuseppe, una obra citada por Argan en su manual, se menciona varias veces.
Anton Sminck Pitloo, Castel dell’Ovo en Nápoles, 1820. Ejemplo de presencia artística internacional en Nápoles. A su alrededor, holandés, se formó la escuela de Posillipo. De: Colombo – Lafranconi, Guía de la Galería Nacional de Arte Moderno, 2004 Electa.
Eduardo Dalbono, La terrazza, 1867. En el cual la composición de perspectiva con planos de luz es típicamente macchiaiola.
Filippo Palizzi, Paisaje después de la lluvia, 1860. Citado por Argan en su manual.
Filippo Palizzi, Viottolo con el sacerdote o Viottolo entre dos paredes, figura del sacerdote en la parte posterior (Cava).
Filippo Palizzi, Estudios de Garibaldi y Soldados, 1860.
Giacinto Gigante, Marina di Sorrento, 1840. Influenciado por Turner.
Giacinto Gigante, Mercado en el puerto de Castellammare, 1859.
Giacinto Gigante, Marina di Posillipo, 1828 -30.