2022年威尼斯双年展,梦之乳,第 1 部分,参展艺术家

第59届威尼斯艺术双年展,主题名为“梦想的牛奶”,由Cecilia Alemani策划,于2022年4月23日星期六至11月27日星期日在向公众开放。展览在中央展馆 (Giardini) 和军械库举行,包括来自58个国家的213位艺术家;其中180位是首次参加国际展览。展出的1433件作品和物品,80个新项目是专门为双年展设计的。

展览“梦之乳”将 Leonora Carrington 的超凡脱俗的生物,以及其他变形人物作为同伴,一起踏上一段穿越身体变形和人类定义的想象之旅。The Milk of Dreams 的名称取自 Leonora Carrington(1917-2011 年)的一本书,其中这位超现实主义艺术家描述了一个神奇的世界,通过想象的棱镜不断地重新构想生活。这是一个每个人都可以改变、被改造、成为某物或其他人的世界;一个自由的世界,充满了可能性。

但这也是一个世纪的寓言,对自我的定义施加了无法忍受的压力,迫使卡林顿过着流放的生活:被关在精神病院,一个永恒的魅力和欲望的对象,但也是一个惊人的力量人物和神秘,总是逃离固定的、连贯的身份的束缚。本次展览的基础是与过去几年举行的艺术家的多次对话。从这些对话中不断涌现的问题似乎捕捉到了这个物种生存受到威胁的历史时刻,但也总结了我们这个时代遍布科学、艺术和神话的许多其他问题。

人类的定义如何变化?什么构成了生命,以及植物和动物、人类和非人类的区别是什么?我们对地球、其他人和其他生命形式的责任是什么?没有我们,生活会是什么样子?这些是本届艺术双年展的一些指导性问题,特别关注三个主题领域:身体的表现及其变形;个人与技术之间的关系;物体与地球之间的联系。

许多当代艺术家正在想象一种后人类状态,它挑战现代西方对人类的看法——尤其是假定的白人男性“理性人”的普遍理想——作为宇宙的固定中心和万物的尺度。取而代之的是,艺术家们提出了物种之间的新联盟,以及与卡林顿的非凡生物无异的多孔、混合、多样的生物所居住的世界。在技​​术日益侵入的压力下,身体和物体之间的界限已经彻底改变,带来了重新映射主体性、等级和解剖结构的深刻变化。

今天,世界似乎在技术乐观主义(承诺人体可以通过科学不断完善)和对机器通过自动化和人工智能完全接管的恐惧之间发生了巨大的分歧。在 Covid-19 大流行期间,这种裂痕已经扩大,这迫使我们更加疏远,并将许多人际互动关在电子设备的屏幕后面。

科技的压力、社会紧张局势的加剧、流行病的爆发以及迫在眉睫的环境灾难威胁每天都在提醒我们,作为凡人,我们既不是不可战胜的,也不是自给自足的,而是一个共生网络的一部分。将我们彼此、其他物种以及整个地球联系在一起的相互依存关系。

在这种气候下,许多艺术家设想人类中心主义的终结,庆祝与非人类、动物世界和地球的新交流;他们培养了物种之间以及有机与无机、有生命与无生命之间的亲缘关系。其他人则对所谓的普遍系统的解体做出反应,重新发现知识的本地化形式和新的身份政治。还有一些人实践了女权主义理论家和活动家西尔维娅·费德里奇(Silvia Federici)所说的“世界的重新魅力”,将土著传统与个人神话融合在一起,就像利奥诺拉·卡林顿一样。

展览
展览在 Giardini 的中央展馆、Corderie、Artiglierie 以及阿森纳综合大楼的 Gaggiandre 和 Giardino delle Vergini 的户外空间展开。展览展示了当代作品和专门为双年展构思的新项目,与 19 世纪以来的历史作品对话。

The Milk of Dreams 包括来自 58 个国家的 200 多名艺术家。这些艺术家中有180多位至今从未参加过国际艺术展。在其 127 年的历史上,双年展将首次包括大多数女性和性别不合格的艺术家,这一选择反映了充满创意发酵的国际艺术界,以及对男性在艺术史上的中心地位的深思熟虑和当代文化。

当参观者在中央馆和科德利的展览中穿行时,他们会遇到五个较小的历史部分:艺术品的微型星座、发现的物品和文件,它们聚集在一起以探索某些关键主题。就像时间胶囊一样,展览中的这些展览提供了额外的调查和反省工具,编织了一张参考和回响的网络,将过去的艺术品——包括主要的博物馆借出和非常规的选择——与周围空间中当代艺术家的作品联系起来.

这种范围广泛、跨历史的方法追溯了艺术方法和实践之间的亲缘关系和亲和力,甚至跨越了几代人,以创造新的意义层次并弥合现在和过去。出现的是一种历史叙述,它不是围绕直接继承或冲突的系统,而是围绕共生、团结和姐妹情谊的形式。

通过与设计二人组 Formafantasma 合作开发的特定建筑空间编排,这些“橱柜”也促使人们思考艺术史是如何围绕博物馆和展览实践构建的,这些实践建立了品味的等级和包容与排斥的机制。这些胶囊中讲述的许多故事尚未被官方正典吸收,并且长期以来一直被认为是次要和晦涩的。

因此,这些部分参与了过去几年所标志着的重写和重读历史的复杂过程,当时比以往任何时候都更清楚的是,没有历史叙述可以被认为是最终的。

参展艺术家
The Milk of Dreams 的支点是中央展馆下层的一个画廊,五个胶囊中的第一个展示了历史前卫运动女性艺术家的艺术作品,其中包括艾琳琼脂、莱奥诺拉Carrington、Claude Cahun、Leonor Fini、Ithell Colquhoun、Loïs Mailou Jones、Carol Rama、Augusta Savage、Dorothea Tanning 和 Remedios Varo。这些和其他 20 世纪早期女性艺术家的作品——以受超现实主义展览启发的合奏形式展出——唤起了一个奇妙的领域,在这个领域中,解剖结构和身份可以随着对转变和解放的渴望而改变和改变。

在中央馆其他画廊展出的当代艺术家的作品中,许多相同的思路再次出现。Aneta Grzeszykowska、Julia Phillips、Ovartaci、Christina Quarles、Shuvinai Ashoona、Sara Enrico、Birgit Jürgenssen 和 Andra Ursuţa 召集的突变体表明有机体和人工体的新合并,无论是作为自我改造的手段还是作为令人不安的手段预示着越来越非人性化的未来。

许多展出的作品都分析了人与机器之间的联系,例如 Agnes Denes、Lillian Schwartz 和 Ulla Wiggen 的作品,或者达达麦诺、劳拉·格里西和 Grazia Varisco 的屏幕状表面,收集在第二个历史展示中,该展示探讨了 1960 年代的程序化艺术和动态抽象。

身体和语言之间的联系是另一个胶囊的核心,灵感来自 Materializzazione del linguaggio,这是 1978 年艺术双年展上视觉和具体诗歌的展示,这是该机构历史上第一个公开的女权主义展览之一。Mirella Bentivoglio、Tomaso Binga、Ilse Garnier、Giovanna Sandri 和 Mary Ellen Solt 的视觉和具体诗歌在这里与 Eusapia Palladino、Georgiana Houghton 和 Josefa Tolrà 的自动写作和媒介交流实验以及其他形式的“女性写作”并列”从 Gisèle Prassinos 的挂毯到 Unica Zürn 的显微照片。

Bronwyn Katz、Sable Elyse Smith、Amy Sillman 和 Charline von Heyl 等当代艺术家的作品中也出现了标志、符号和私人语言,而 Jacqueline Humphries 的印刷画与 Carla Accardi 的字形和机器代码并列这为 Charlotte Johannesson、Vera Molnár 和 Rosemarie Trockel 的艺术提供了信息。

与这些高科技场景形成鲜明对比的是,Paula Rego 和 Cecilia Vicuña 的绘画和组合设想了动物和人类之间的新共生形式,而 Merikokeb Berhanu、Mrinalini Mukherjee、Simone Fattal 和 Alexandra Pirici 创作了将环境问题与古代 chthonic 交织在一起的叙事神,产生创新的生态女性主义神话。

军械库的展览以 Belkis Ayón 的作品开场,他是一位艺术家,他的作品利用非洲-古巴传统来描述一个想象中的母系社会。从 Ficre Ghebreyesus 的大型绘画和 Portia Zvavahera 的幻觉,以及 Frantz Zéphirin 和 Thao Nguyen Phan 融合历史、梦想和宗教的寓言作品中,也可以看到重新发现艺术创造神话的潜力。阿根廷艺术家 Gabriel Chaile 利用本土知识和颠覆殖民主义刻板印象,展示了一系列新的不朽雕塑,这些雕塑由未烧制的粘土制成,高耸如奇幻的中美洲文化的偶像。

展览中的许多艺术家想象了与地球和自然的复杂新关系,提出了与其他物种和环境共存的前所未有的方式。Eglė Budvytytė 的视频讲述了一群年轻人迷失在立陶宛的森林中的故事,而郑博新视频中的人物则与自然完全——甚至是性——交流。在萨米艺术家 Britta Marakatt-Labba 刺绣的雪景中也可以找到类似的惊奇感,在 Sheroanawe Hakihiiwe 的作品和 Jaider Esbell 梦幻般的作品中,古老的传统也与新的生态行动主义形式重叠。

Corderie 从另一个时间胶囊开始,在这种情况下,灵感来自科幻作家 Ursula K. Le Guin 和她的小说理论,将文明的诞生与武器的发明联系起来,而是与用于提供食物和食物的工具联系起来。护理:袋子、麻袋和容器。在这一部分中,超现实主义艺术家布里奇特·蒂切诺的卵形甲壳与玛丽亚·巴尔图佐娃的石膏雕塑、露丝·浅泽的悬挂雕塑和 Tecla Tofano 的混合生物并列。这些来自过去的作品与 Magdalene Odundo 的拟人化花瓶和 Pinaree Sanpitak 的凹形造型并存,而视频艺术家 Saodat Ismailova 则调查了作为避难所和冥想场所的地下隔离牢房。

哥伦比亚艺术家德尔西·莫雷洛斯(Delcy Morelos)的作品受到安第斯宇宙学和亚马逊文化的启发,展示了一个以泥土建造的迷宫为特色的大型装置。展览中的许多其他艺术家将政治和社会方法与对当地传统的调查相结合,例如 Prabhakar Pachpute 的大型印度采矿业造成的环境破坏画作,或 Ali Cherri 关于尼罗河大坝的视频。Igshaan Adams 将他的抽象纺织作品的主题从种族隔离到南非的性别状况,而 Ibrahim El-Salahi 通过细致的日常绘画的冥想实践来传达他的疾病经历以及他与制药界的关系。

Corderie 的最后一部分由第五个也是最后一个时间胶囊介绍,围绕着电子人的形象旋转。本次演讲汇集了 20 世纪期间工作的艺术家,他们将人类和人造的新融合想象为后人类、后性别未来的先驱。这个胶囊包括来自 20 世纪早期艺术家的艺术品、手工艺品和文件,例如达达主义艺术家 Elsa von Freytag-Loringhoven、包豪斯摄影师 Marianne Brandt 和 Karla Grosch,以及未来学家 Alexandra Exter、Giannina Censi 和 Regina。在这里,Anu Põder 精致的雕塑描绘了支离破碎的身体,与 Louise Nevelson 的巨石、Liliane Lijn 的图腾、Rebecca Horn 的机器和 Kiki Kogelnik 的机器人形成鲜明对比。

在 Corderie 的尽头,在经过 Kapwani Kiwanga 巨大而透明的装置之后,展览呈现出更冷、更人工的色调,人物变得越来越短暂,取而代之的是动物和混合生物或机器人生物。Marguerite Humeau 的生物形态雕塑类似于低温生物,与 Teresa Solar 的巨大外骨骼并列。Raphaela Vogel 描述了一个动物战胜人类的世界,而 Jes Fan 的雕塑则使用黑色素和母乳等有机材料来创造一种新的细菌培养物。

池田达夫的绘画和 Mire Lee 的装置中也出现了细胞疯狂奔跑和核噩梦的世界末日场景,被类似于某种动物消化系统的机械抽搐所搅动。后人类主义先驱林恩·赫什曼·李森(Lynn Hershman Leeson)的新视频庆祝了人造生物的诞生,而韩国艺术家 Geumhyung Jeong 则在玩已经完全变成机器人并且可以随心所欲地重新组装的身体。

其他作品徘徊在过时的技术和未来的海市蜃楼之间。热尼亚·马赫内娃废弃的工厂和破旧的工业机械似乎在 Monira Al Qadiri 和 Dora Budor 的装置中重新焕发生机,它们像单身机器一样呼啸而过。为这一系列失控的设备画上句号,芭芭拉·克鲁格 (Barbara Kruger) 专门为 Corderie 构思的大型装置将口号、诗歌和文字对象结合在了超通信的高潮中。相比之下,罗伯特·格罗夫纳的无声雕塑揭示了一个似乎没有任何人类存在的世界。在这个静止的宇宙之外,生长着珍贵的 Okoyomon 广阔的熵花园,充满了新的生命。

在军械库的户外空间结束展览的是 Giulia Cenci、Virginia Overton、Solange Pessoa、Wu Tsang 和 Marianne Vitale 的主要项目,这些项目引导观众沿着一条穿过动物、有机雕塑的小径前往 Giardino delle Vergini 、工业废墟和迷失方向的风景。

梦之乳是在一个极度不稳定和不确定的时期构思和组织的,因为它的发展恰逢Covid-19大流行的爆发和蔓延。La Biennale di Venezia 被迫将这一届推迟了一年,这是自1895年以来的,只有在两次世界大战期间才发生的事件。所以这个展览能够开幕的事实有点非同寻常:它的开幕并不完全是一个象征回归正常生活,而是集体努力的结果,这似乎是奇迹。第一次,也许是在战后时期,艺术总监无法亲眼看到许多艺术品,或与大多数参展艺术家见面。

在银幕前这无尽的几个月里,策展人一直在思考国际艺术展在这个历史关头应该扮演什么样的角色,而策展人能找到的最简单、最真诚的答案是,双年展总结了我们所有的东西。在过去的两年里,策展人非常想念:结识来自世界各地的人的自由、旅行的可能性、共度时光的快乐、差异的实践、翻译、不理解和交流。

The Milk of Dreams 不是一场关于大流行的展览,但它不可避免地记录了我们这个时代的剧变。在这样的时代,正如威尼斯双年展的历史清楚地表明,艺术和艺术家可以帮助我们想象新的共存模式和无限的新转变可能性。

威尼斯双年展
威尼斯双年展是在意大利威尼斯举办的国际艺术双年展。通常被描述为“艺术界的奥运会”,参加双年展是当代艺术家享有盛誉的盛会。这个节日已经成为一个展览的星座:由当年的艺术总监策划的中央展览,由各个国家主办的国家馆,以及整个威尼斯的独立展览。双年展的母组织还定期举办其他艺术节:建筑、舞蹈、电影、音乐和戏剧。

在中央国际展览之外,各个国家制作自己的展览,称为展馆,作为其国家代表。拥有自己展馆建筑的国家,例如位于 Giardini 的 30 座展馆,也要负责自己的维护和建设成本。没有专门建筑的国家在威尼斯军械库和整个城市的宫殿中建造了展馆。

自 1895 年首届双年展以来,贾尔迪尼 (Giardini) 一直是双年展艺术展的传统举办地。贾尔迪尼 (Giardini) 现在拥有 29 个外国展馆,其中一些由著名建筑师设计,如约瑟夫·霍夫曼的奥地利馆、格里特·托马斯·里特维尔德的荷兰馆或芬兰馆,由阿尔瓦·阿尔托设计的带有梯形平面的预制件。

军械库是前工业时代威尼斯最大的生产中心,是该市经济、政治和军事力量的象征。自 1980 年以来,军械库在第一届国际建筑展之际成为了双年展的展览场地。后来,在开放部分的艺术展览中使用了相同的空间。

随着规模的逐渐扩大,威尼斯双年展的范围已经扩大到覆盖整个城市。除了主要的展览场馆,它还包括许多散布在城镇街道甚至离岛的展馆。