2017年威尼斯艺术双年展,散落城中各地的展览,意大利

Originally posted 2021-06-13 05:36:00.

由Christine Macel策展、Paolo Baratta组织的第57届国际艺术展于2017年5月13日至11月26日举行。今年的主题致力于庆祝并几乎是对艺术和艺术家的存在表示感谢,他们的世界扩展了我们的视野和我们存在的空间。

展览在历史悠久的贾尔迪尼展馆、军械库和威尼斯市中心上演,有86个国家和地区参展。由非营利性国家和国际机构推动的 23 个附带活动在第 57 届展览期间在威尼斯展示了他们的展览和倡议。

万岁艺术万岁(Viva Arte Viva)展览提供了一条路线,在九个章节或艺术家家族的过程中展开,从 Giardini 中央馆的两个介绍领域开始,然后是在Arsenale 和 Giardino delle Vergini 中发现的另外七个领域. 有来自51个国家的120位受邀艺术家;其中103个是首次参加。

在一个充满冲突和冲击的世界中,艺术见证了使我们成为人类的最宝贵的部分。艺术是反思、个人表达、自由和基本问题的最终基础。艺术是最后的堡垒,是培养超越潮流和个人兴趣的花园。它是个人主义和冷漠的明确替代品。

万岁艺术万岁
Viva Arte Viva 是一个受人文主义启发的展览。这种类型的人文主义既不关注要遵循的艺术理想,也不以庆祝人类作为可以主宰周围环境的存在为特征。如果有的话,这种人文主义通过艺术来庆祝人类避免被支配世界事务的权力支配的能力。在这种人文主义中,艺术行为同时也是一种抵抗、解放和慷慨的行为。

Viva Arte Viva 是一种感叹,是对艺术和艺术家状态的强烈抗议。在当代辩论的框架内,艺术家的角色、声音和责任比以往任何时候都更加重要。明日的世界正是在这些个人倡议中形成的,尽管不确定,但艺术家往往比其他人更能直观地感受到这一点。

展览的九个章节或艺术家家族中的每一个都代表一个展馆本身,或者更确切地说是一个跨展馆,因为它本质上是跨国的,但与双年展的历史组织相呼应,展馆的数量自此以来从未停止增长1990 年代末。

Viva Arte Viva 还寻求传达一种积极和前瞻性的能量,在关注年轻艺术家的同时,重新发现那些过早去世或尽管他们的工作很重要但仍然基本上不为人知的人。

从“艺术家与书籍的展馆”到“时间与无限的展馆”,这九个章节讲述了一个时而散漫、时而自相矛盾的故事,走的弯路反映了世界的复杂性、方法的多样性和多样性的做法。展览旨在作为一种体验,一种从自我到他人的外向运动,走向超越定义维度的公共空间,以及潜在的新人文主义思想。

展览从艺术家与书籍馆开始,揭示了它的前提,一种涉及整个当代社会的辩证法,超越了艺术家本人,并探讨了社会的组织及其价值观。艺术和艺术家是展览的核心,展览开始于检查他们的实践,他们创造艺术的方式,介于懒惰和行动之间,otium 和 negotium 之间。

市内场地展览
展览从中央展馆(Giardini)发展到军械库,包括来自世界各地的86个国家和地区参与。随着规模的逐渐扩大,威尼斯双年展的范围也扩大到了整个城市。除了主要的展览场地外,还包括许多散布在城镇街道甚至离岛街道上的展馆。

Ca’ Giustinian 是一座历史悠久的宫殿,最能代表威尼斯晚期哥特式风格。这座宫殿最初被称为“dei Giustinian”,建于 1471 年左右,是两座不同建筑合并的结果:Giustinian 和 Badoer-Tiepolo。它在 2008 年至 2009 年间进行了重要的翻修。宫殿内部可应要求提供,其特点是基本线条和中性色彩与现代设计的典型装饰形状和颜色相结合。房间已经完成了精选的艺术作品,以加强艺术与空间之间的关系。光是该位置的另一个特征元素。

位于军械库的展馆
军械库是前工业时代威尼斯最大的生产中心,是这座城市经济、政治和军事力量的象征。自 1980 年以来,Arsenale 在第一届国际建筑展之际成为双年展的展览场地。后来,在开放部分的艺术展览期间使用了相同的空间。

阿联酋馆
2017年是阿联酋第五次参加国际艺术展。以一场跨越世界各地文化的传统游戏命名,“摇滚、纸、剪刀:游戏中的位置”通过游戏的类比探索阿联酋的艺术实践,并以五位阿联酋当代艺术家为特色,包括 Nujoom Alghanem、Sara Al Haddad、Vikram Divecha、Ltian Xie 和 Mohamed Yousif 博士。展览由香港亚洲艺术资料馆策展人、作家和前研究与项目负责人(2012-2016)Hammad Nasar 策展,展出艺术家的现有作品,以及对“丢失”作品和新作品的重新制作。佣金。

展览充当了一系列嵌套问题的舞台:艺术实践中的“玩乐”从何而来?“游戏”是如何以及在哪里培养的?“玩”有什么作用?迪拜艺术家 Hind Mezaina 受委托为阿联酋国家馆开发一个项目,探索展览的策展理念。该计划的标题是“家:食物| 音乐 | 体育”,探讨了食物、音乐和体育如何有助于建立家庭和社区意识。这些活动发生在阿布扎比、迪拜和沙迦。

墨西哥馆
褶皱中的生活,艺术的主要陈述之一是我们历史上每一个时期的现实表达;艺术家卡洛斯·阿莫拉莱斯(Carlos Amorales,1970 年,墨西哥城)聚焦于这一视角,在第 57 届威尼斯双年展国际艺术展上介绍了他的作品“褶皱中的生活”。在巴勃罗·莱昂·德拉巴拉(Pablo León de la Barra)(墨西哥城,1972 年)的策展下,阿莫拉莱斯的展览在被称为军械库的历史建筑中展出,这是本版墨西哥馆的官方场地。

墨西哥馆非常适合作为 2017 年重大事件的适当反映,例如北美自由贸易协定 (NAFTA) 的重新谈判和世界多个地区的大规模移民运动。对于这个装置,许多陶笛被用来创建一个加密的字母表,可以在文本和语音上进行解释,因为每个陶笛根据代表的字母或符号发出不同的声音。此外,Amorales 设计了各种乐谱,其音符以抽象的方式呈现,目的是为每位参观者创造一种新的、创新的感知和解释方法。

阿根廷馆
克劳迪娅·丰特斯的《马问题》是 2017 年第 57 届威尼斯双年展上代表阿根廷的雕塑装置。该装置展示了一个子弹时间冻结的场景,其中一匹马、一个女人和一个年轻人被困在一个无限的因果循环中,恐惧既是原因又是症状。马害怕被困在建筑物中,产生了大量的岩石向他的方向移动,尽管爆炸了,但其阴影形成了他自己的镜像。材料的白度和平滑度使场景具有幻影的质量,就好像角色及其环境存在于平行时间中一样。观众作为旁观者完成叙事。

马作为阿根廷的一种非官方国家象征,跃马在作品中被用作许多不同事物和概念的象征。一方面,它让人想起许多阿根廷和拉丁美洲城市的马术纪念碑。另一方面,它代表了自然与工业化之间的冲突,以及自然资源的开发——包括使用动物作为劳动力。最后,它象征着民族的概念,作为对双年展本身形式的微妙批评,双年展成立于 19 世纪,今天仍然基于国家参与“普遍”艺术展览的理念,这是 Fontes认为已过时并明显不赞成。

南非馆
南非馆的展览邀请观众探索艺术家在全球边缘化背景下形象化和阐明自我概念方面的作用。在日常生活中是可见的,但在文化、政治或经济代表的层面上却是​​不可见的和被忽视的是什么?展览将布雷茨和莫迪萨肯的新作品置于对话中,反思排斥、流离失所、短暂、移民和仇外的经历,探索在这种情况下塑造自我表现的复杂社会政治力量。

Mohau Modisakeng 对国家、领导力、不平等和移民劳工的观念提出了批判性的回应,这些观念在视觉上表现为悲痛和宣泄的悲痛时刻,这是当代南非人当前生活经历的核心。Breitz 的作品关注产生同理心的条件,反映了媒体饱和的全球文化,在这种文化中,对虚构人物和名人人物的强烈认同与对那些面临现实世界逆境的人的困境普遍漠不关心。

秘鲁馆
Rodrigo Quijano 向世界展示了早逝的造型艺术家 Juan Javier Salazar (1955-2016) 的作品,他通过幽默和讽刺在他的作品中体现了他们对秘鲁艺术和历史的看法。展览不打算是回顾性的或选集的,而是试图赋予它应有的价值和国际曝光度,这个人物对跟随他的几代艺术家产生了很大的影响,实际上是一个轴心和人物理解当代秘鲁艺术的关键。

土耳其馆
Cevdet Erek 展示了一个名为“ÇIN”的展馆特定场地作品。而不是试图描述一个旨在现场体验的项目。Erek 出生于伊斯坦布尔,于 2012 年为第 13 届文献展创作了他的第一个装置。他的作品的特点是明显使用节奏和场地特异性,经常结合视频、声音和图像,试图改变观众对特定空间的感知和体验. 有趣的是,Erek 设法将理性成分(例如对建筑和线性时间的参考)与本能冲动相结合,从而拉平了两个据称是对立的领域之间的差距。

菲律宾馆
比较的幽灵,菲律宾艺术家 Lani Maestro 和 Manuel Ocampo 的作品。比较的幽灵取自菲律宾爱国者和小说家何塞·里扎尔于 1887 年在柏林居住时所写的小说 Noli Me Tángere。这句话暗示了失去政治纯真的经历:近距离体验事件的双重视野和从远处看,不再能够看到菲律宾而不看到欧洲,也不再能够看到欧洲而不看到菲律宾。

尽管受到不同历史时刻影响的美学实践不同,拉尼大师,其装置融合了声音、电影、文本和照片,以及曼努埃尔奥坎波——其具象绘画批评系统,都是流亡者幽灵“集体”体验的产物。展览将这种目光投向了奥坎波和大师,他们不仅是了解并生活在两个、几个或多个世界中的艺术家,而且作为艺术家,他们的艺术创作产生了一个支离破碎的全球——一种通过意识构建的散漫和复杂的想象。跨时间和地理区域构建的世界。

智利馆
Bernardo Oyarzún 经常从人类学、社会、历史和种族的角度审视智利文化。Oyarzún 的展览名为“Werken”,展出了由土著马普切人制作的 1500 多个仪式面具和显示 6,907 个马普切姓氏的红色 LED 灯。Oyarzún 探索当代艺术与土著人民之间的关系。

印度尼西亚馆
丁丁·乌利亚 (Tintin Wulia) 以“1001 火星家园”为总称,将三部相互关联的作品概念化。这个想法是在现在展示未来,让流亡在地球上的暴行流亡者在 200 年后在火星上讲述他们的故事,通过数字技术和相机暗示一个无国界的世界。

1001 Martian Homes 在两个不同的展览地点同时举办,跨越大陆。将展馆与雅加达 Senayan City 购物中心的双胞胎版本连接起来也没有特别增强它。这两个站点——每个在设计和布局上几乎相同——是相互关联的,项目的三对双胞胎作品也是如此:不孤单,在太阳下,以及同名的一千零一个火星家园。

马耳他馆
Homo Melitensis:19 章的不完整清单,以当代艺术家的作品和历史文物为特色,在一个复杂的装置中对马耳他的身份进行关联调查,将艺术品、物品和文件以无等级、无时间顺序的方式结合在一起设置。19 章将观众带入一段同时向不同方向旅行的精心设计的旅程,包括自然历史标本、国家基因组、古代沉船、迁徙、制图、仪式物品、跨性别人物以及其他将事实与虚构结合在一起的文物,身份建构和解构,颠覆性的对象遇到顺从的对象。

格鲁吉亚馆
格鲁吉亚馆位于军械库内,由一座位于格鲁吉亚乡村的废弃小木屋组成。在威尼斯重新组装的小屋包含了在这样的住宅中可以找到的所有典型内容,包括家具、图片和其他日常用品。在里面,艺术家安装了一个独立的灌溉系统,模拟永久降雨,扭转了内外关系。在为期六个月的展览期间,黄色钠灯照亮了内部,并让参观者见证了缓慢的熵破坏过程,因为苔藓文化吞没了地板、墙壁、家具和其他物体。该装置按照自然的戏剧结构创造了自己的叙事,允许微妙的变化。与内部相比,房子的外部保持不变。

Vajiko Chachkhiani 的作品受到一种诗意的人文主义的塑造,这种人文主义存在于个人经验和政治现实之间,以及心理探索和物质直接之间。直接或间接地,他的许多作品的出发点是人与人之间的物体或动作的交换,有时表现为表演。艺术家通过在揭示和隐藏之间微妙的相互作用中使用简化的形式来浓缩他的主题。他作品的普通材料和传统工艺来自一个基本的日常现实。与他的雕塑和装置并行,Chachkhiani 开发了一系列电影作品,从记录单一事件到更多在梦想和现实之间徘徊的叙事电影。

爱尔兰馆
杰西·琼斯认为国家馆是替代法律的场所。通过以电影和表演为基础的实践,琼斯创作了一件她称之为司法系统“迷人”的艺术品。琼斯的实践跨越了电影、表演和装置的媒介,在她在双年展的展览中,她提出女巫作为女权主义原型的回归,她有能力改变现实。她经常在协作结构中工作,探索历史文化如何在我们当前的社会和政治经历中产生共鸣。

意大利馆
想象力是一种工具,可以超越可见现象并体验“丰富多样的世界”。意大利馆由三个空间组成,可容纳由 Roberto Cuoghi、Adelita Husni-Bey 和 Giorgio Andreotta Calò 创作的三个装置的序列。展览的名称 Il Mondo Magico 取自人类学家 Ernesto de Martino 于 1948 年出版的最著名的书,该书将魔术仪式描述为个人试图在不确定的历史和不确定的历史中寻找自己身份的工具。社会背景。

意大利馆的入口空间已被改造成一种工作室,一个工厂,生产受 De Imitatione Christi 启发的虔诚雕像,这是一段描述实现苦行完美状态的中世纪文本。 Roberto Cuoghi 的 Imitazione di Cristo(基督的模仿)是展馆中展示的三件装置中的第一件,通过研究意大利艺术中对基督的历史描绘来研究物质的转变和身份的流动概念。然后,将在车间制造的基督雕像移到位于透明塑料制成的长隧道内的一系列桌子上,从而在不断恶化和破碎的情况下创造出一系列“尸体”。几乎已经腐烂的雕像,随后在烤箱中“干燥”以阻止其腐烂。最后,扭曲和破碎的人物遗骸被重新组合并排列在画廊尽头的长而黑的墙上。

中国馆
“Continuum – Generation by Generation”的灵感来自中国的概念,即不屈不挠的能量或生命力,并展示了唐南南、吴建安、王天文和姚惠芬四位艺术家的个人和合作作品。展馆不是一个中国艺术家的作品,而是一个持续了5000多年的集体创作过程。中国馆四位艺术家的全面交叉合作。四位参展艺术家中的每一位都与其他三位艺术家合作。中国艺术是跨越五千年集体历史的集体行为,每个艺术家都参与和回应:一种跨代的雅集。

唐展示了以中国神话为灵感的视频,其中涉及水道和景观。姚惠芬是苏绣专家,创造了受人尊敬的工艺的现代版本。王天文是陕西皮影大师,吴建安的激光切割铜片雕塑在整个空间中像图腾一样升起。多部作品以古代天体为主题,在四位艺术家和策展人本人共同创作的多媒体皮影表演《Continuum——移山填海》中,音乐家和表演者将传统方法与数字技术相结合。预测。展览非常有意识地跟随中国知识分子的脚步,通过对民间艺术和实践感兴趣的历史。这一次中国馆的喧嚣气氛,是用心切入,效果引人入胜。

贾尔迪尼公园的展馆
贾尔迪尼(中央展馆)是双年展自 1895 年首届以来的传统展览场地。 贾尔迪尼现在拥有 29 个外国馆,其中一些是由约瑟夫·霍夫曼的奥地利馆、格里特·托马斯·里特维尔德的荷兰馆或芬兰馆等著名建筑师设计的,由阿尔瓦阿尔托设计的梯形平面预制件。

西班牙馆
西班牙艺术家 Jordi Colomer 在展馆展示了他的展览项目“Ciudad de bolsillo”,由 Manuel Segade 策划。它是由一系列视频、雕塑和空间本身组成的“装置的装置”,被理解为一个整体但临时的建筑。该装置是从自然光的中央空间组织起来的,存在模型、原型、这些运动的比例复制品,其中还包含了视频中记录的动作中使用的物体,并构成了展馆的整体节奏。总体而言,它们在不同尺度上形成了一个易受位移和不稳定平衡的城市碎片的愿景。模型由涂漆锡模块制成,并被大功率风扇永久震动,就像在一个激动的城市不断振动。

在周边的房间里组织了一次游览,观众可以自由地朝一个方向或另一个方向移动。这些空间是由两个元素组成的一系列序列:带有视频的投影屏幕和一组供观看的支架。屏幕和支架均采用串联组合结构,配置不断变化的环境,从几乎单独的观看到具有多个不同尺寸和台阶的屏幕的大房间,再到允许提供不同视角的模块化高度。

美国馆
美国馆展示了明天是另一天,马克布拉德福德的一个特定地点的装置。马克布拉德福德是当代抽象表现主义最有趣的人物之一。一位艺术家的作品结合了对色彩和物质的精湛方法以及对社会问题以及边缘化人群和社区的脆弱性和弹性的深刻关注。入口房间里有装置被宠坏的脚,它用悬挂在天花板上的黑色和红色大块阻碍了空间,迫使公众走在狭窄的通道中并擦过侧壁,作为两者对比的隐喻那些生活在边缘和社会权力集中的人。

第二个房间展示了四件以黑色为主的作品、三幅大型拼贴画和一件雕塑。在每幅以神话中的海妖命名的画布中,布拉德福德使用了一种他在 2000 年代创作的开创性作品中已经采用的技术,其中涉及使用“合并”在闪烁的黑紫色绘画中的尾纸,以获得一种效果“唤起大海及其通道”的深邃、彩虹般的物质,作品的标题指的是在私人生活和流行文化中对女性的虐待。这三幅画“环绕”了一个名为美杜莎的中央雕塑,由一团漂白的黑纸锁组成,形成一种以女性描绘为主题的当代经典三联画。

乌拉圭馆
萨格拉迪尼培养了一种独特的理解和运用艺术的方式,在文字和事物的世界中漂流,拯救从日常生活中挑选出来的经验、物体和故事。通过经常研究人种学发现,他也带着兴趣,研究乌拉圭历史的片段,通过艺术实践,他使艺术家历史学家和艺术家人类学家交替(或同时)重新出现。事实上,萨格拉迪尼通过日常工作中使用的物品来培养他的象征装置是很常见的,

这件作品由自 19 世纪以来在乌拉圭使用的名为“Embudo”的牛栏组成,艺术家根据一张几乎无法辨认的旧照片重建了它。它的形状像某些身体的地方,但在没有它们的情况下展出。从所有环境中提取出来,它被提供为一个空的牢房,作为一个幻想的环境,它失去的记忆现在希望被能够占据它的其他身体的存在所取代。它有门户、入口、开口、墙壁和其他设备,使建筑群具有适合人类规模并接近建筑语言的配置。第二个是对安装条件和场景概念的致敬,它邀请参观者与文物进行身体对话,以跨越表演强加的虚拟障碍。这样的特点赋予了作品一个历史原因和一个为意义发挥做好准备的当前功能,这将它与古典极简主义的漂移区分开来。

北欧馆
Mirrored 是一个群展,展出了六位不同世代艺术家的作品:Siri Aurdal、Nina Canell、Charlotte Johannesson、Jumana Manna、Pasi “Sleeping” Myllymäki 和 Mika Taanila。Mirrored 展览试图避免采用主题方法,专注于挑战反映在北欧国家或投射在北欧国家的刻板印象的自我形象。一幅超越国家和地区界限的联系图,而是追踪艺术实践如何联系的多方面观点”,策展人马茨·斯特杰恩斯泰特说。因此,镜像暗示了一个“无处可去的地方”,借用吉利亚娜·布鲁诺关于镜子的寓言.

Siri Aurdal、Charlotte Johannesson 和 Pasi “Sleeping” Myllymäki 的作品是城市艺术和都市生活的典范,他们在探索工业材料、数字空间或使用动态图像进行设计实验方面走在时代前列。 Aurdal 基于模块的雕塑挑战雕塑媒介并为其建立新的前提。 Johannesson 从传统纺织工艺中汲取灵感,将挂毯的逻辑设置转化为基于计算机的像素。在放弃电影实践之前,Myllymäki 从 1976 年到 1985 年制作了 44 部超 8 电影;这些电影探索了从平面设计到表演动作的广泛元素。

对城市主题的类似兴趣,例如通过物质转化或政治内容表达,与以下艺术家的作品相交; Mika Taanila(生于 1965 年)主要以制作电影、视频和声音中的时间艺术作品而闻名。在本次展览中,塔尼拉使用蒙太奇技术创造了一个电影文学的剪纸项目。 Nina Canell (b. 1979) 与雕塑和装置相关的实验模式,考虑了能量的位置和位移。然而,就像塔尼拉的电影和声音作品一样,它们具有时间性,因为卡内尔将雕塑通常固定的形式转化为开放式的过程。 Jumana Manna (b. 1987) 的作品探索权力如何通过关系表达,通常关注与民族主义和地方历史叙事相关的身体和物质性。在她的雕塑作品中,玛娜间接地展开了表现,创造了一种缺席和替代的视觉语言。

英国馆
英国馆展示了由菲利达·巴洛 (Phyllida Barlow) 创作的特定场地雕塑装置《愚蠢》(Folly)。菲莉达·巴洛 (Phyllida Barlow) 以其令人印象深刻的抽象雕塑作品而闻名于世,这些作品将廉价材料——如混凝土、木材、织物——和重复使用的元素转化为奢华神秘和令人不安的雕塑。菲利达·巴洛 (Phyllida Barlow) 创作了一个多形式的装置,她将其命名为 Folly,作为一种华丽的建筑装饰元素和一种鲁莽的心态的参考。该作品不断地与展馆本身的建筑互动并从外部开始,巴洛在那里放置了一组色彩鲜艳、几乎可笑的泡泡(或者,更准确地说,是艺术家定义的巨型小玩意),以某种方式“揭开神秘面纱”。 “ 大胆,建筑的新古典主义形式。

这些雕塑占据了整个展馆,一直延伸到屋顶,甚至溢出到外面。在中央画廊,她鼓励我们扮演探险家的角色,在密密麻麻的高耸柱子的雕塑迷宫中穿行。色彩鲜艳的小玩意儿欢快地推挤着,但这些凸出的形状也有一种险恶的品质,因为它们向游客挤压并主宰了空间。类似于露天游乐场上的椅子的雕塑暗示着喜庆,但它们的折叠形式却暗示着腐朽和荒凉。

加拿大馆
在《镜中出路》中,杰弗里·法默 (Geoffrey Farmer) 想象自己属于民族国家,既是庆祝又是悲哀;不是作为一个有界限的或单一的身份,而是作为流动性和损失。将展馆改造成喷泉的露天舞台,他还开辟了一个更新和反思的空间,从字面上爆炸了个人和国家历史的交叉点。

杰弗里·法默 (Geoffrey Farmer) 凭借他对艺术、历史和材料问题的敏感、聪明的处理方式以及深厚的国际展览历史,将通常被认为是一个困难空间的加拿大馆变成了一种身临其境的雕塑体验。预先信息显示,个人历史和代际创伤是法默装置的各个方面,以及诗歌、旧杂志和家庭之谜。

德国馆
由anne imhof 和susanne pfeffer 策划的“浮士德”,该展馆荣获2017 年全国最佳参与金狮奖。 2017 年威尼斯艺术双年展的德国馆由安妮·伊姆霍夫 (anne imhof) 设计,极具震撼力和震撼力。它将绘画、雕塑和装置等媒介与现场表演相结合,探索人物的构成和理解。 Anne Imhof 进入展馆空间描绘了一个艰难而疏远的现实,在这个现实中,个人受到物理、政治、经济和技术限制的约束。所用元素的硬度,如玻璃和钢,让人联想到当今管理权力和金钱的地方的硬度;尤其是玻璃,是展馆最重要的改动”的建筑,即在人行道上方一米处增加了一个透明的凸起平台,改变了空间与人类存在之间的关系。

作品与德国馆的建筑从外部开始强烈互动;隐蔽在一个大笼子里的看门狗,厚厚的防碎玻璃板关闭了展馆新古典主义建筑的入口门廊,只留下参观者进入主厅的可能性,展馆一侧的主入口的移动,预计从视觉装置到音乐,从绘画到现场表演,不同形式和表现力的层次和手段重叠在一起的总艺术品。在玻璃板下面,有人和用品,包括约束装置、临时床、烧瓶和处方药瓶。透明的平台之上,众目睽睽之下,观看一群表演者,他们在没有与参观者建立真正的交流的情况下展示自己,但他们绝对意识到他们视觉外观的力量。

这些纪律严明且脆弱的身体似乎是一种充满无形权力结构的材料。他们是似乎不断挑战自己的客观化的主体。媒体代表是这些生物技术机构与生俱来的。表演者非常清楚,他们的手势本身并不是目的,而只是作为纯粹的媒介而存在。它们似乎永远处于将自己转变为可供消费的图片的边缘。他们渴望成为图像、数字商品。在一个以极端媒体为特征的时代,图像不仅描绘了现实,还创造了现实。

韩国馆
联展名为“平衡:石头与山”,聚焦两位艺术家cody choi和lee wan在现代韩国身份中所感知的冲突和错位。 Cody choi 的作品通过探索韩国不断变化的身份与西方日益增长的影响之间的紧张关系来审视韩国的现代化。安装在展馆屋顶的“威尼斯狂想曲”是一片发光的霓虹灯森林,它自由地借鉴了拉斯维加斯和澳门赌场的视觉氛围,并反映了全球资本主义的奇观。 choi 的作品还包括被称为“思想家”的模仿雕塑,这是对罗丹雕塑的重新发明,由卫生纸和粉红色的美国胃药 pepto-bismol 构成。

Lee wan 属于年轻一代的韩国艺术家。通过他的工作,李湾调查了亚洲及其他国家被全球权力结构剥削的个人的隐秘生活。他在今年艺术双年展上的作品是“适当的时间”,它由 668 个时钟组成,每个时钟都刻有艺术家在世界各地遇到和采访的个人的姓名、出生日期、国籍和职业,研究广泛不同的经济环境劳动人民。根据李大亨的说法,“每个时钟以不同的速度走动,这取决于所涉及的个人必须工作以支付一顿饭的时间。”结果是抽象肖像的荒谬聚合,同时也是一个响亮的声音,令人眼花缭乱的多感官和身临其境的全球不平等表现。

日本馆
“颠倒是森林”是艺术家岩崎隆弘的个展,他以作品闻名,他将看似平庸的材料和残余物转化为令人惊讶的雕塑,精心构思和建造。这位日本艺术家的作品的特点是包含了艺术作品中不存在的元素,但却是其身份的重要组成部分,例如他的反射模型系列中的水,通过有序与无序之间的不断对比,以及对环境和社会问题的浓厚兴趣。反射模型系列包括真正存在的日本寺庙的建筑模型,倒置镜像以重新创造水体的存在,原始建筑以此作为对现实和模糊概念的推理。为了进一步强调这种想法,模型采用与真实建筑物相同的木材(日本柏树)制成。

展览策展人Meruro Washida,广岛的历史似乎深深地渗透在他的作品中。广岛市因原子弹爆炸瞬间被歼灭,虽然此前曾是军事城市,但战后形象180度大变,被公认为和平之城。岩崎在他的作品中使用具象表现,换言之,当发生在某个细节上时,事物以完全不同的方式呈现出来,确实与广岛的经历有关。在岩崎的案例中,日常物品的使用受到了广岛和平纪念博物馆收藏的众多文物的影响,这些文物传达了瞬间被扭曲并失去功能的日常生活用品。其手艺之精巧,堪称匠心之作,仿佛穿越了微观世界和宏观世界。

巴西馆
在 Marcelle 的装置“Chão de caça”中,由焊接格栅制成的倾斜地板占据了巴西馆两个相连画廊的内部。普通鹅卵石,如周围 Giardini 中发现的鹅卵石,被挤入电网,通常用于工业环境或公共空间,例如铁路轨道之间或用于覆盖地铁通风井或污水系统。与光栅和鹅卵石交错,还有额外的雕塑元素、一系列绘画和视频。许多木棍固定在地板结构中,每根木棍都平衡着覆盖在上端的布上的绘画,就像一群鬼魂或一小片标志、火炬或图腾森林。画作的支撑是黑白条纹棉布,普通的床单,但每一条黑色条纹都被白漆小心地擦掉了。各种尺寸的石头被花边包裹起来,成为更大的整体结构的一部分,赋予它雕塑般的体积和重量。

还有一段视频:一个角度拍摄的瓷砖屋顶,逐渐被男人从里面拆除,创造一个足够他们爬上屋顶的开口。Marcelle 玩弄模棱两可,她创造了一个神秘的环境,由悬置、痴迷和反叛指导。整个装置给人一种不稳定的感觉。尽管我们可能会被视频投影所显示的监狱和逃亡的图像所吸引,并与钢格板的粗糙度产生共鸣,但人们也可以想象自己身处一个特殊的实验室或精神错乱的艺术家工作室,在科技森林或大城市。

泰国馆
在“Krungthep BANGKOK”节目中,艺术家 Somboon Hormtiemtong 选择了包括木箱、佛像、大象和塑料容器在内的物品,以从各个方面营造泰国首都的感觉。除此之外,Hormtiemtong 还实现了城市隐藏角落的逼真木炭画。艺术家使用了我们已经习以为常的现成品语言代码,营造出泰国所面临的复杂时代的氛围。

Castello 和 Cannaregio 附近的展览场地

黎巴嫩馆
黎巴嫩馆展示了 Zad Moultaka 的作品。标题 SamaS 是一个回文,一个前后读相同的词。它的意思是“太阳黑暗的太阳”。远处的内墙点缀着闪亮的硬币,让人想起马赛克表面。这是故意的,因为它的灵感来自圣马可大教堂的金色马赛克。数以千计的硬币包括一些有孔的硬币,这表明有弹孔。这是一面金色的马赛克,但用真钱,金钱使战争成为可能。”这是一堵悲叹之墙,32 个声音,每个声音都来自一个单独的扬声器,营造出哀悼合唱和能量的呼啸声。每个声音都是微妙的区分,就像镶嵌在一块。音乐是为贝鲁特安东尼大学合唱团写的。有时它听起来像飞机引擎的嗡嗡声,有时就像戴德所说的“天使之歌”。

空间的中央是一个不可思议的物体,一个 1950 年代的直立式劳斯莱斯雅芳 MK 209 飞机发动机,它像圆柱一样站立,位置类似于汉谟拉比时代的雕像,汉谟拉比在 18 世纪统治了美索不达米亚。他的统治以一些世界上最古老的铭文而闻名,包括世界上最早的法律描述。展示飞机发动机,一种战争工具,而不是汉谟拉比时代的玄武岩柱,表明该地区至少与汉谟拉比编码的戒律一样长,冲突一直存在。法典和飞机发动机是完全一样的形式。令人难以置信的是,在人类的头脑中,这些形式看起来如此相似,即使它们被用于相反的目的”。

立陶宛馆
Žilvinas Landzbergas 的新装置名为“R”,揭示了将北欧风光和意象与 Scuola San Pasquale 独特的威尼斯建筑的白色立方体空间融合在一起的迷人现实。R 代表回忆、记录、关联、提及、相似、尊重、射线、镭、铼、浪漫、真实和押韵。RA,如天文学、神话、医学、化学、音乐、航海等。R 是字母表中最复杂的字母,它整合了跨越理性和想象边界的整个几何形状和含义。R 是 Žilvinas Landzbergas 艺术实践中的特有元素,其中 R 以空间、物体、角色、标志和门户的形式出现。

Žilvinas Landzbergas 的装置通过假设童话的结构在物理和潜意识记录中运作,其中原型元素、社会反思和个人见解结合成梦幻般的空间叙事。完全沉浸在 Žilvinas Landzbergas 的幻觉景观中,在那里您将面对被吞噬的太阳和假月亮、北欧命令、发芽的家具和巨大的脑袋,跟随物质阴影和光绘,在 Jokūbas Čižikas 的帮助下接受 Styrmir Örn Guðmundsson 提供的针灸治疗和 Indriði Arnar Ingólfsson,聆听 DJ Exotip 的水下节拍。

塞浦路斯馆
由Polys Peslikas 代理、Jan Verwoert 策展的“通过绘画媒介赋予生命”展览还包括艺术家团体Neoterismoi Toumazou、作家Mirene Arsanios 和陶艺家Valentinos Charalambous 的参与。 Peslikas在展馆展示绘画,为客座艺术家搭建舞台,想象中的展览空间中绘画的奇特外观可能类似于剧院幕布的幽灵,即使戏剧已经开始,它仍然存在于您的眼前进步。

Peslikas 于 1973 年出生于塞浦路斯南部海岸的利马索尔,目前居住在柏林。艺术家将绘画视为探索时间概念并与现有叙事建立新关系的手段。他的实践是高度协作的,他经常邀请在其他媒介(包括舞蹈)中工作的其他艺术家为他的工作做出贡献。在他的实践的基础上,Peslikas 为绘画的力量传达了基本体验的强度提供了强有力的理由,”Verwoert 在一份声明中谈到 Peslikas 的作品和他即将举行的展览。“他强调 [the] 体验潜力[绘画]在绘画面纱本身时可能最强烈;明暗法让眼睛游移;颜色变得大气,光谱均匀。

澳门馆
以“我梦中的盆景”为主题,展出本地艺术家黄正宝的新作。展品主要包括三维作品、绘画和照片。展览标题“梦中的盆景”表达了作者在盆景中培养个人梦想的意图,就像中国古代文人将微型植物置于小盆中一样,反映了一种对充满质朴和优雅的精神生活的渴望。

展品主要以中国古代经典《山海经》中所描绘的神灵为灵感,是中国古代宗教、历史、地理和物种的丰富信息来源,反映了世界观两千年前在中国盛行。《梦中的盆景》展现了作者对现居城市的观察、感受和想象。

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突尼斯馆
The Absence of Paths 是一场在威尼斯上演的人类表演,在双年展期间,它代表了世界田园诗般的缩影:一个人类仍然可以自由地从一个国家流向另一个国家的地方。这体现在名为 Freesa 的实体旅行证件中,该证件是在 Veridos 的帮助下制作的,Veridos 是为世界各地的国家和公司生产安全身份证件的领导者。

该项目不包括艺术家,而是有移民第一手经验的个人,为城镇不同地点的游客签发旅行证件。这个装置使每一位访客都能摆脱强加于人们的分裂包袱和分类。精心设计的附带活动位于展馆的中心,构成了无声的个人抗议的基础。除了来自世界各地的游客外,The Absence of Paths 还利用了年轻有抱负的移民的积极贡献。他们通过在国际公认的当代艺术活动中成为艺术实践的一部分而进入双年展,突显了当代艺术作为一种全球现象的地位,这种现象保持着激发辩论和探究的能力。

津巴布韦馆
在“探索归属感”的主题下,Admire Kamudzengere、Charles Bhebhe、Dana Whabira 和 Sylvester Mbayi 这四位艺术家为津巴布韦馆的六个画廊构思了新作品,融合了雕塑、版画、素描、物品、绘画和声音。艺术家和他们在瞬息万变的世界中的经历是灵感的源泉。津巴布韦馆展览旨在为身份、移民、爱国主义和归属感等主题提供另一种视角。在这里和那里,看到和被看到,合法和非法的想法仍然是争论的主题,本次展览试图为这些问题提供一些答案。边界是生活中不可避免的一部分,但人们仍然继续合法和非法越过边界。

本期《解构边界》处理了一个已成为核心问题的广泛话题,展览通过艺术家 Admire Kamudzengerere、Charles Bhebe 和 Dana Whabira 阐明了其不同的观点。他们的作品激励津巴布韦馆的观众反思和讨论塑造权力关系的问题。展览试图通过四位艺术家的声音提出一些关于归属感的问题。面对无情的全球化,物理界限正在变得模糊和受到挑战。因此,艺术家在这方面的声音和观点很重要,因为他们是社会的镜子。解构边界从参与艺术家那里寻求灵感,因为他们反思自己的经历并质疑目前以一种或另一种形式存在的边界。当艺术家跨越不同的边界和界限时,他们带着自己对他们访问的不同空间的独特体验。

蒙古馆
迷失在 Tngri(迷失在天堂)并汇集了 5 位探索蒙古当代社会紧迫性的艺术家。该国正处于游牧民族身份(拥有重要的萨满教和佛教历史)与全球化的新经济现实(自然资源的使用威胁其生存)之间的十字路口。在广阔而美丽的土地上放牧的传统,与自然、祖先和精神世界息息相关,被许多人视为天堂。 1990 年社会主义制度崩溃后创造的经济机会打开了通往另一种天堂的大门。采矿、建筑、羊绒和其他业务蓬勃发展,通过开发他们祖先的土地来创造财富。但是这个国家会消失在这两个生物圈之间吗?通过电影、装置、雕塑和声音,来自几代人的艺术家们质疑蒙古的未来。

圣马可和多尔索杜罗附近的展览场地

中国台湾馆
Tehching Hsieh 开发了他一年表演的新版本,这是一系列极端的身体和心理挑战,研究时间的本质和现代人类状况的生存困境。对于他 1978 年的笼子作品,这位艺术家在他工作室建造的笼子里几乎单独监禁了 12 个月,里面装着基本的必需品,并且禁止说话、阅读、写作或看电视。

Palazzo delle Prigioni Venice 的历史大厅,Palazzo Ducale 的前监狱,是一位比大多数人更了解“做时间”的意义和成本以及生活本质的艺术家的作品的理想场所在我们所谓的社会的边缘。从一个疏远的位置,谢不仅体现了他早年在中国台湾出现的生命力和韧性。许多人都在逆境中坚持不懈,通过节俭但极端的艺术实践表达出来。他的行为唤起了集体的文化焦虑,并探索了现代人类状况中发现的许多生存困境。

阿塞拜疆馆
在“一个太阳下”的主题下,共同生活的艺术具有象征意义。在地缘政治复杂的现代时代,确保和平与稳定是人类最重要的问题之一。今天,我们目睹了世界各地正在发生的消极趋势。阿塞拜疆是一个复杂社会的完美样本,它促进了对不同语言和文化背景的接受,在多元文化和多宗教社会中和谐、平等地共同生活的文化,在有时粗糙的自然环境中相互支持。不幸的是,仇外心理、极端主义、宗教歧视和恐怖主义等危险因素违反了和平共处的准则,导致了文明和国家内部的灾难。

在此背景下,每个国家都应为加强积极趋势、传播和促进基于多元文化传统的公共关系以及文化和文明之间的对话做出贡献。这一地理位置在文化多样性方面发挥了至关重要的作用。通过代表现有情况,展示人们可以围绕多元文化主义的思想团结起来。共同生活的艺术,提供了与阿塞拜疆多元文化模式互动的机会,促进了不同国家之间的宽容、相互信任、团结和友谊。

古巴馆
展览名为“直觉的时间”,主要由年轻艺术家组成,他们已经在世界范围内享有相当的认可。展览需要恢复艺术和艺术家在社会中的作用,以及拯救在过去几十年中已经消失的人文主义的紧迫性。将古巴现实项目置于语境中,并牢记 Macel 的策展理念,Noceda 从古巴作家 Alejo Carpentier(1904-1980)所表达的时间概念中找到灵感,他是拉丁美洲魔幻现实主义概念的发起者。 Carpentier 说,在加勒比和古巴,三个时间现实同时并存:过去或记忆时间,现在,直觉或视觉时间,以及未来或等待时间。现在是被选择的,直觉的时间。

古巴馆设于古老而久负盛名的洛雷丹宫,14位加勒比海岛屿日常生活的诠释者,通过亲密或讽刺的路线,以表演、照片或装置,处理从过去到历史的解构的话题,记录今天;从社会、种族和性别问题到信仰和灵性主题。他们是独特而独立的作者,他们对他们世界的问题提出了不同的看法,其中的背景和对它的承诺是重新考虑现实的关键。

伊拉克馆
“古代”展示了八位现代和当代伊拉克艺术家的作品,并与从伊拉克博物馆中提取的 40 件古代伊拉克文物进行对话,跨越六千年,从新石器时代到帕提亚时期。这些物品中的大多数以前从未离开过伊拉克,但最近在 2003 年博物馆遭到抢劫后才找到的一些物品除外。 “Archaic”一词的张力源自其对古代和原始以及目前已不再使用的事物的多价引用。展览引出这种张力,以强调它与伊拉克的特殊关系,伊拉克现有的政治、行政、社会和经济现实可以说与其古老的遗产一样“古老”。

第一个玻璃橱窗是对当代作品以外的任何东西的选择。事实上,这些物体可以追溯到几千年前。有女性人物和动物的小雕像,还有一排圆柱印章。几个世纪以来,一些较小的雕像已经磨损殆尽,以至于它们的石头特征只不过是阴影。位于大运河上的卡瓦利-弗兰凯蒂宫的展馆的其余艺术作品都是新的——要么来自 20 世纪下半叶,要么是为 2017 年双年展委托制作的。这些作品被展示为植根于古老土地文化的现代艺术的例子。

黑山馆
黑山由艺术家 Ivana Radovanović 和 Adin Rastoder 的“Čovjek-Uomo-Human”项目代表。伊万娜·拉多瓦诺维奇和阿丁·拉斯托德的作品代表了两个具有共同主题的独立艺术概念,人类学和人的主题。这个概念是一种邀请,一种改变我们生活的世界的呼吁。艺术是一种象征,是一种连接民族和文化的媒介。在视觉特征和艺术信息方面,伊万娜·拉多瓦诺维奇和阿丁·拉斯托德的艺术项目代表了不同的作品,但同时它们构成了一个美学编排和强大的整体。这两种艺术概念形成了一种结合,因为它们表达了人类的两个不同方面。他们在现实中的相互对比创造了一种独特的信息,邀请我们深入思考人类存在的意义。因此,他们的项目呼吁改变我们生活的世界,并回归其所有基本价值观。

拉斯托德的雕塑是一个从重要的人类学原理中产生的虚构人物。通过他的创作过程,他得出了不同寻常、抽象、新颖的解决方案和回应。他的人物都具有相同的形状,但使它们不同的是它们的颜色,这表明它们是个体的,什么是集体的。作者乐观的世界观通过他们生动的服装表现出来。伊万娜·拉多瓦诺维奇 (Ivana Radovanović) 的作品强调荒谬和无常是人类生活的关键维度。因此,她表现出强烈的现代感,以人格和个性的破坏为标志。这种精神,其实是一种感情、意象、碎片的集合和积累,可以组合成某种新的化合物。艺术家处理本质上被视为创造者和破坏者的人。她的人物代表被玷污的人或没有脸的人,没有品质,没有任何意义,冷漠和贬低人的尊严。

Cannaregio 和 Santa Croce 附近的展览场地

冰岛馆
Egill Sæbjörnsson 项目的创造力和幽默感,以及他通过使用不同的媒体和平台将不同的世界融合在一起的能力,创造了一个真实和具体与想象和幻想相交的沉浸式环境,让观众用它的分层的感官世界和对我们当代世界的相关反思。

Egill Sæbjörnsson 在柏林和雷克雅未克生活和工作。在实验的最前沿,他结合音乐、雕塑、视频投影和动画,以及他自己的表演——无论是作为哑剧艺术家、演讲者、演员、音乐家还是歌手——创造虚构的空间叙事。 Sæbjörnsson 的作品中戏剧性的、诗意的和俏皮的、普通的休眠物件都栩栩如生——无论是塑料桶、墙壁、粗糙的石头还是手提包——将观众带入一个真实与想象碰撞的奇妙世界。他的作品通过探索技术的“魔力”,以令人惊讶的组合播放投影视频和声音,需要观众进行复杂的考虑,从而模糊了真实与虚幻之间的界限。但是,虽然他的作品是经验性的,并提出了密集的本体论问题,但它以一种使这些主题易于理解的方式构建了它们。

罗马尼亚馆
Entitled Apparitions,第一次献给罗马尼亚女性艺术家的独奏,在一段主要由男性主导的漫长旅程中。幻影,艺术家半闭眼实现的一系列作品。但“幻影”这个词可能概括了一种艺术实践。对布拉特斯库来说,艺术对象是“心灵舞蹈”的结果:技术不重要,重要的是——艺术家经常说的——是艺术品的“精神”,是“思想和视觉”所声称的。幻影也意味着绝对的自由,超越任何社会和政治约束。但幻影也是顿悟——艺术品是通过表达方式对简单塑料元素的变形而产生的。

复杂的艺术家 Geta Brătescu 创作绘画、拼贴画、版画、挂毯、物品、照片、实验电影、视频、表演;她建议用这么多媒介来表达自己,这些媒介都可以转化为绘画。在 Geta Brătescu 看来,社会和政治状况并没有反映在艺术中:艺术必须设法保持其自主性,而不是干涉政治。无论在什么地方,艺术家都必须有能力创建一个心理工作室。工作室的物理空间几乎在某些艺术品中呈现出来,与内部空间融合在一起,内部空间本身就产生了世界,神话。同样的事情也发生在 Bra˘tescu 在她的艺术中自己的身体存在,当她不在时,它创造了另一个自我和复杂的女性神话、地图和精神旅行。

尼日利亚馆
展览以“现在怎么样?”为主题,以多层次的时间线形式呈现。它来自过去,然后起飞到未来。其背后的声明很简单,即现在是尼日利亚的时候了。现在怎么样?似乎是一个好奇和具有挑战性的问题,它唤起了一系列意识形态的可能性。它有力地暗示了当代和/或后殖民。这个展馆是给定潜力的框架——将特色艺术作品与尼日利亚艺术家的工作环境联系起来,将艺术想象与经验的连续性和民族认同的复杂性联系起来。

尼日利亚馆为该国提供了一个反思其历史和遗产的机会,以及它如何支持当前支离破碎但相互关联的叙事。入选的视觉艺术家是 Victor Ehikhamenor 和 Peju Alatise,以及舞蹈/表演艺术家 Qudus Onikeku。他们的作品通过装置、绘画和表演从不同的角度对当代尼日利亚生活提供见解。通过不同的表达形式来调解当代的、历史悠久的问题,有望带来令人振奋的体验。

附带事件

记忆和当代性。今日中国艺术
军械库北边,发起人:北京故宫博物院
在记忆中反思中国当代艺术究竟有何意义?显然,这是引领我们实现中华文明价值的重要途径。北京是代表中国文化多样性和丰富性的象征。而展览项目Memory and Contemporaneity正是在首都诞生。在中国历史上最伟大的遗产之一紫禁城的背景下,它目前正在开放一个调查空间,从故宫博物院的收藏和档案开始,一群中国当代艺术家被要求对当代艺术进行反思。与记忆崇拜有关。

Samson Young:救灾歌曲
Arenae, Campo della Tana, 发起人: M+, 西九文化区;香港艺术发展局
艺术家兼作曲家 Samson Young 创作了一系列新作品,试图将“慈善单曲”的普及化为历史性“事件”和文化变革时刻。慈善单曲在 1980 年代最为流行,恰逢新自由主义抱负的兴起和流行音乐产业的全球化。

通过对《我们是世界》和《他们知道今天是圣诞节》等标志性标题的刻意重新利用和创造性误读,艺术家创作了一系列物品、表演和空间声音装置,共同构成了一个视听画面。展览被设想为一张在空间中展开的专辑:必须亲自听和看的单份机械复制品;紧急且永久的行动呼吁。

梦中盆景——黄正宝作品
军械库,Castello,主办方:澳门特别行政区政府文化局;澳门艺术博物馆
世界变得越来越复杂。生活在一个人满为患的城市,人们可能会觉得挤在缝隙中很困惑。好幸运一直住在海边,一有空就想去一个高处,坐在那里什么也不做,只是站在高处眺望迷人的山峦,尤其是在月光皎洁的时候。天空,平静的水面反射出的银色阴影与白天完全不同——寒冷的混凝土丛林。于是我不禁迷恋上了这深不可测的景色,勾起了我对山海经里那些以古怪的方式照顾着海洋和山脉的生物的记忆。

做事时间
Palazzo delle Prigioni,发起人:中华台北市立美术馆
在 1970 年代末和 80 年代初的曼哈顿市中心艺术场景中,一位年轻的台湾艺术家谢德庆创作了一系列非凡的艺术作品。他开始了五场为期一年的独立演出。在每一项中,他都制定了严格的规则来约束他全年的行为。

这些表演在极端持续时间内对身体困难的使用以及他们对生活和艺术作为同时过程的绝对概念的使用方面是前所未有的。将许多文件和手工艺品组装成详细的装置,《Doing Time》与谢家最动人的一年表演中的两个相对应:时钟作品(1980-1981)和户外作品(1981-1982)。这两个不朽的服从表演共同构成了关于人类生存及其与权力系统、时间和自然关系的激烈而感人的话语。

Alberto Biasi、Sara Campesan、Bruno Munari e altri amici di Verifica 8+1
Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa,发起人:Associazione Culturale Ars Now Seragiotto
Verifica 8 + 1 协会于 1978 年 4 月在威尼斯大陆成立,作为寻求新语言的艺术家的聚会场所。展览项目聚焦于协会的三位重要成员:Sara Campesan,一位具有活力个性和强烈创意倾向的创始成员;布鲁诺·穆纳里 (Bruno Munari),该协会推定的父亲形象;以及威尼托程序艺术的创始人阿尔贝托·比亚西 (Alberto Biasi)。

展览包括其他创始成员的作品,以及另外七位曾在该中心举办过个展并在该团体中特别活跃的艺术家。因此,除了标题中提到的三位人物之外,该项目还包括一个由七位艺术家组成的对称平衡小组,该中心的创始人以及七位在 Verifica 8 + 1 举办过展览的大师。

身体和灵魂。行为艺术——过去和现在
Conservatorio di Musica “Benedetto Marcello”,Palazzo Pisani,发起人:Rush Philantropic Arts Foundation
在身体和灵魂中。行为艺术——过去和现在,八位表演艺术家——有些是历史上著名的,有些是新兴的——出现在现场表演和他们早期行为的视频或摄影记录中。先锋人物 VALIE EXPORT、ORLAN、Nicola L 和 Carolee Schneemann 长期以来一直用自己的身体表达与性别、女性气质、个人关系和政治相关的担忧。他们的创新既是正式的又是主题的,直接面对 20 世纪中叶的性别不平等和社会压迫。

展览的年轻参与者在这一遗产的基础上,探讨了行为艺术经典本身(德里克·亚当斯)、文化碎片和多重身份(艾莎·坦迪威·贝尔)、亲子关系和生命周期(约翰·博纳费德),以及社会角色和身体表达的动力学(Katarzyna Kozyra)。

威尼斯的加泰罗尼亚_La Venezia che non si vede
Cantieri Navali,Castello,发起人:Institut Ramon Llull
安东尼·阿巴德 (Antoni Abad) 与一群盲人和视障人士合作,提出了对威尼斯城市空间的感官诠释。与大多数人相比,这群人以不同的方式使用感官,并且能够揭示城市的隐藏方面。

这个社会参与的艺术项目的催化剂是一个移动应用程序 BlindWiki,它是专门为盲人创建的,它允许记录和发布城市任何位置的印象,以及就地收听这些录音。因此,加泰罗尼亚项目是一种卓越的感官体验,在这种体验中,集体智慧恢复了普遍可及性,并提出了占据物理和数字公共空间的替代方法。

费尔南多·佐贝尔。对唱
Fondaco Marcello,发起人:阿亚拉基金会/阿亚拉博物馆
展览介绍了费尔南多·佐贝尔(Fernando Zóbel,1924-1984)的作品,他出生于马尼拉,曾就读于哈佛大学,曾在西班牙生活过。展出的绘画作品是亚洲和西方绘画技巧的和谐结合。佐贝尔被描述为跨国艺术家,是菲律宾现代艺术运动的关键人物。1950 年代至 1960 年代西班牙抽象绘画兴起期间,他还与西班牙艺术家建立了密切联系。

展览聚焦于 1956-1962 年,精选艺术家的主要成就,Saeta 和 Serie Negra 系列。展览还包括巴勃罗·塞拉诺(Pablo Serrano,1908-1985)的雕塑,他也是西班牙抽象派的支持者。费尔南多·佐贝尔。Contrapuntos 被设计为一个有机的场景布置,一个沉思的、大脑的领域,而不是无生命的场景。手工艺品、文本、音乐和出版物构成了关于如何将艺术实践重新想象为一种生动的当代表达形式的视觉对话的一部分。

未来一代艺术奖@威尼斯 2017
Palazzo Contarini Polignac,发起人:Victor Pinchuk Foundation
2017 年威尼斯未来一代艺术奖第四届全球艺术奖邀请了来自几乎所有大陆和 16 个不同国家的 21 位艺术家参加。通过独立艺术家的陈述,本次展览探讨了当代世界的复杂性,并探讨了其中艺术的可能性。在个人与集体、想象与真实、熟悉与神秘之间取得平衡,该节目通过平行现实提出了一个迷人的旅程,在那里特殊的经历和全球现象相交。

詹姆斯·李·拜尔斯《金塔》
Dorsoduro,发起人:朱利安尼基金会
詹姆斯·李·拜尔斯(James Lee Byars,1932-1997)将金塔设想为一座巨大的灯塔和神谕,将连接天地并统一人类——一座超越亚历山大灯塔宏伟壮观的当代纪念碑。这个想法最初始于 1990 年,并在艺术家的整个职业生涯中进行了大量的概念研究。

《金塔》高达 20 米,是艺术家最大、最雄心勃勃的作品。2017 年由意大利镀金师团队制作,这座金塔装置是第一个完全实现艺术家在公共空间展示雕塑意图的装置,考虑到拜尔斯与这座城市的深厚联系,这一装置具有双重意义。拜尔斯从 1982 年开始一直在威尼斯生活。自 1980 年以来,他参加了四届艺术双年展,并在他的整个职业生涯中在威尼斯上演了无数场演出。

Jan Fabre – 玻璃和骨骼雕塑 1977 – 2017
Abbazia di San Gregorio,发起人:GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea,贝加莫
展览从一开始就回顾了扬·法布尔的全部作品,通过变形的镜头引导观众进入对生与死的哲学、精神和政治沉思,这体现在他在 1977 年至 2017 年期间创作的玻璃和骨骼作品中。

艺术家选择玻璃是因为它真实而变质的透明性,因为它是一种可以透视的材料。他以不同的方式使用它,作为一个透明的板/墙,他可以在上面雕刻或雕刻耳朵:听觉的器官因此加入了观看的器官。骨头的使用标志着法布尔的基本参考点之一的回归,佛兰德大师的传统,他们经常在他们的画作中使用磨碎的骨头。因此,玻璃和骨骼作品将艺术家的艺术童年与古代和现代艺术的历史结合在一起,不断重新诠释过去、现在和未来之间的关系。

人如鸟。旅程图片
Palazzo Soranzo Van Axel,发起人:普希金国家美术馆
展览邀请观众穿越多个维度、空间、时间和个人体验——这可能会改变对世界和自我的看法。由于项目中包含的不同视点,图像的初始形态和结构会随着旅程发生变化。就像乔纳森·斯威夫特的《格列佛》或刘易斯·卡罗尔的爱丽丝一样,观众体验到了不同寻常的比例和视角:世界在变化,视角在变化,真实和想象交织在一起,不再符合我们的感知。

在旅途中,视野通过鸟瞰图扩大到与所有其他感官相关的扩展视野。声音、触觉和触觉视觉允许体验另一个空间——记忆空间,它突出了个人穿越自我的旅程。机器与人眼交汇的灭点,历史与个人记忆的空间,就在我们每个人的内心,而这趟旅程的最终目的是认识自己。

米开朗基罗·皮斯托莱托
Isola di San Giorgio Maggiore,发起人:Associazione Arte Continua
第三乐园的符号是无限的数学符号的重新配置,由三个连续的圆圈组成。两个外圈代表所有的多样性和二律背反,包括自然的和人造的。中心圆是外圆的连接和诠释,代表新人类的生殖子宫。

第三乐园是人类的第三个阶段,通过人工与自然的平衡互连实现。在这个阶段,艺术成为与宗教象征相关的意义的催化剂,这是一个多信仰的领域,能够促进悲惨地笼罩整个世界的政治和宗教冲突的平衡。在米开朗基罗·皮斯托莱托 (Michelangelo Pistoletto) 展览中,艺术家探讨了与当今全球化社会相关的当代问题,展示了受差异接受以及政治、宗教和种族宽容启发的作品,并通过旨在改善社会的创造力加以促进。

方式
Ca’ Faccanon,发起人:WAVE’s(威尼斯女性艺术)
Modus 讲述了从 19 世纪下半叶开始逐渐被侵蚀的艺术实践中的一个方面的故事,并被历史前卫运动重新表述为一个理论关键:技术与诗学之间的密切联系,科学和艺术作品的材料。

展览通过一部关于艺术史的动画视频,在多个部分揭示了当代艺术追求的语言和跨学科相互关系。科学基础是与博洛尼亚美术学院和威尼斯美术学院的视觉传达设计方法项目合作开发的。

菲利普·古斯顿和诗人
Gallerie dell’Accademia di Venezia,发起人:Museo Nazionale Gallerie dell’Accademia di Venezia
Gallerie dell’Accademia di Venezia 在一个大型展览中展示了杰出的加拿大裔美国画家菲利普·古斯顿(Philip Guston,1913-1980 年)的作品,该展览探索了艺术家与主要文学人物相关的作品。

展览将 20 世纪主要诗人的思想和著作视为他神秘照片的催化剂,展出了古斯顿五十年艺术生涯中的作品,从 1930 年到 1980 年去世的绘画和素描。反映在这些作品中的基本人文主义主题,以及五位诗人的话:DH 劳伦斯、WB 叶芝、华莱士史蒂文斯、欧金尼奥蒙塔莱和 TS 艾略特。这个博物馆展览反映了艺术家与意大利的特殊关系。

皮埃尔·于热
Espace Louis Vuitton Venezia,发起人:Fondation Louis Vuitton
对于 Espace Louis Vuitton Venezia,Pierre Huyghe 设想了一种全新的展览形式,介于叙事、虚构和逃亡记忆之间。电影 A Journey that was not (2005) 是展览的中心,它回顾了一次乘坐古老帆船前往南极洲的探险,以寻找据称生活着一只白化企鹅的新岛屿;在那里 Huyghe 将岛屿的地形转化为声音,创作了在纽约中央公园溜冰场演奏的乐谱。

生物(2005-2011),玻璃纤维制成的小企鹅,发出声音,是“一种独特的、遥远的直觉,它几乎消失在上下文中”。Silence Score (1997),是约翰·凯奇 (John Cage) 1952 年录制的 4’33” (Silence) 不可察觉的声音的转录,音乐家将在没有音符的情况下从乐谱中播放几分钟的沉默。

雷扎德·维尼亚尔斯基。事件信息图像
Palazzo Bollani,发起人:Starak 家庭基金会
Ryszard Winiarski 的作品展览展示了 20 世纪下半叶波兰艺术中最有趣的人物之一的作品:艺术家、工程师、画家、舞台设计师、教师、观念艺术的先驱和主要代表的不确定性。在他 1966 年的毕业论文中,题为“事件-信息-图像”,他基于将数学、统计学、信息技术和博弈论问题转移到画布上的尝试,定义了一件成熟而创新的艺术概念。

他将真实信息融入绘画中的大胆设想、二元美学和参与的使用,完美地将 Ryszard Winiarski 的作品完美地融入了视觉传播的发展、数字叙事的主导、参与的普遍性、二维码的流行等广泛的当代现象。

瑞士沙龙:共济失调
Palazzo Trevisan degli Ulivi,发起人:瑞士艺术委员会 Pro Helvetia
广为流传的“瑞士是一个没有问题的国家”的说法树立了经济安全的形象,但尽管拥有所有文化资本,但该国在很大程度上设法回避了在其现代主义和殖民历史主题上的对抗。瑞士在当前欧洲和更远地区的经济、政治和文化格局中的所谓“中立”——以及其后/殖民叙事——是今年瑞士沙龙的核心。包括罗兰·巴特 (Roland Barthes) 的术语“神话化”(Mythologies, 1957) 在内的一系列工具被用来解开瑞士的政治叙事——具有接近神话地位的比喻。 Ataraxia 旨在通过集体反思、体验和反应的精神形式激励我们采取行动。

苏格兰 + 威尼斯呈现雷切尔·麦克林的《尽管面对你的脸》
前教堂圣卡特琳娜,发起人:苏格兰 + 威尼斯
苏格兰与威尼斯的合作伙伴关系很高兴推出由雷切尔·麦克林 (Rachel Maclean) 执导的重要新电影委员会,尽管你的脸。参考意大利民间故事匹诺曹,尽管你的脸是对当代“后真相”政治修辞的有力批评,其中使用和滥用可疑的真理语言来增强个人、企业和政治权力。麦克林的奇幻叙事拥有独特且常常令人不安的愿景,将传统的戏剧模式与技术和流行文化相结合,在媒体饱和的世界中提出了关于身份、经济、社会和道德的批判性问题。

Shirin Neshat 我眼中的家
Museo Correr,发起人:书面艺术基金会
我眼中的家是一种文化的视觉肖像。 Shirin Neshat 于 2014 年至 2015 年构思和制作,她的照片包括墨水书法。除了最近的作品,Neshat 还展示了 Roja,这是一部 2016 年基于她个人梦想的视频。罗亚表现了“流离失所”和“陌生的土地”的感受,以及与“家”和“祖国”重逢的渴望。在整个视频过程中,乍一看似乎很同情,但事实证明是可怕的和恶魔般的。对于“我眼中的家”,Neshat 在阿塞拜疆这个种族、宗教和语言各不相同的国家中选择了不同的人。所描绘人物的正面有三种尺寸,从 152 到 205 厘米。我们看人的s 的面孔并遇到多种文化和世代。

斯蒂芬钱伯斯:雷东达法庭
Ca’ Dandolo,发起人:剑桥大学唐宁学院 Heong Gallery
英国艺术家斯蒂芬·钱伯斯 (Stephen Chambers) 展示了为威尼斯卡丹多洛 (Ca’ Dandolo) 的历史环境而构思的绘画装置。雷东达法院探索了神话的创造,阐明了艺术家在设想一个世界而不是现实中所扮演的角色,一个不一定完全受现实束缚的世界。雷东达是西印度群岛东部一个无人居住的小岛,其荣誉王权是通过文学世系传承下来的。

钱伯斯通过西班牙小说家哈维尔·玛丽亚斯的作品介绍了雷东达的传说,并在故事中发现了迷宫般的视觉可能性。这座古老的宫殿中悬挂着 100 多幅假想法院的肖像。雷东达法院对钱伯斯的作品提供了令​​人信服的见解,并在伦敦皇家学院(2012 年)和伊斯坦布尔佩拉博物馆(2014 年)举办了大型展览。展览由艾玛·希尔策划。

威尔士在威尼斯:詹姆斯·理查兹
Santa Maria Ausiliatrice,发起人:Cymru yn Fenis Wales 在威尼斯
詹姆斯·理查兹的兴趣在于大众媒体混乱中个人的可能性。他结合视频、声音和静止图像来创作装置和现场活动。他的作品利用了不断增长的材料库,其中包括电影片段、其他艺术家的作品、流浪的摄像机镜头、阴暗的深夜电视和档案研究。

精心建造的装置涉及雕塑、电影、声学、音乐和策展方面的考虑,以创造出非凡强度的作品。理查兹在威尼斯威尔士的演示包括一个现场响应式声音装置,它跨越了广泛的流派和音乐语言,由此产生的作品是一种电影和多感官体验。

昨天/今天/明天:可追溯性就是可信度 by Bryan Mc Cormack
Isola di San Giorgio Maggiore,发起人:Fondazione Giorgio Cini
这项工作将难民危机形象化,并为来自 30 多个国家(讲多种语言)的数十万人发出声音,其中大多数是儿童,通常是文盲。每个难民创作 3 幅图画,一幅是他们以前的生活(昨天),一幅是他们现在的生活(今天),一幅是他们未来的生活(明天)。

它既是装置/表演,也是社交媒体的声音,描绘了这次外逃的视觉记忆,从希腊岛屿上的难民船/营地到英国的避难所。许多难民参与了这些画作,创造了他们的当代文化,同时失去了他们继承文化的可追溯性。没有溯源,一个民族的存在就消失了。每一张难民画都很重要。每幅画都是一个声音。每个声音都很重要。

2017年威尼斯双年展
第57届威尼斯双年展是2017年5月至11月举行的国际当代艺术展。威尼斯双年展每两年在意大利威尼斯举行一次。艺术总监、蓬皮杜中心首席策展人克里斯汀·马塞尔策划了其中央展览“万岁艺术万岁”,作为一系列相互关联的展馆,旨在反映艺术扩展人文主义的能力。

策展人还根据沃尔特·本杰明 (Walter Benjamin) 的一篇文章组织了一个名为“拆开我的图书馆”的项目,列出艺术家最喜欢的书籍。马塞尔是自 1995 年以来第一位法国导演,也是第四位导演双年展的女性。第 57 届双年展的主题是呈现被忽视、重新发现或“新兴已故艺术家”的趋势。

威尼斯双年展是在意大利威尼斯举办的国际艺术双年展。经常被描述为“艺术界的奥运会”,参加双年展对当代艺术家来说是一项享有盛誉的活动。这个节日已经成为一个展览的星座:由当年的艺术总监策划的中央展览,由个别国家主办的国家馆,以及整个威尼斯的独立展览。双年展上级组织还定期举办其他艺术节:建筑、舞蹈、电影、音乐和戏剧。

在中央国际展览之外,个别国家制作自己的展览,称为展馆,作为他们的国家代表。拥有展馆建筑的国家,例如位于 Giardini 的 30 座展馆,也需自行承担维护和建设费用。没有专门建筑的国家会在威尼斯军械库和整个城市的宫殿中建造展馆。

La Biennale di Venezia 成立于 1895 年。Paolo Baratta 自 2008 年以来一直担任主席,在此之前从 1998 年到 2001 年。La Biennale 站在研究和促进当代艺术新趋势的前沿,组织展览、节日和研究在其所有特定领域:艺术(1895 年)、建筑(1980 年)、电影(1932 年)、舞蹈(1999 年)、音乐(1930 年)和戏剧(1934 年)。它的活动记录在最近经过全面翻新的当代艺术历史档案馆 (ASAC) 中。

在所有领域,都有更多面向年轻一代艺术家的研究和制作机会,直接与知名教师接触;通过国际项目双年展学院,这变得更加系统和连续,现在在舞蹈、戏剧、音乐和电影部分运行。

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