意大利文艺复兴时期的绘画主题

意大利文艺复兴时期的画家所关注的主题是主题和执行的主题 – 画的内容和画的风格。 与中世纪的画家相比,艺术家的主题和风格都更加自由。 在此期间,文艺复兴时期绘画的某些特征元素演变得非常多。 这些观点包括观点的实现方式和实现效果,以及现实主义,特别是在描绘人性时,无论是象征性的,肖像性的还是叙述性的。

意大利文艺复兴时期绘画主题的发展是意大利文艺复兴时期绘画文章的延伸,为此它提供了更多的评论照片。 这些作品包括14世纪初乔托到米开朗基罗1530年代的最后审判。

主题
Piero della Francesca(上图)对基督的鞭挞在一部小作品中展现了意大利文艺复兴时期绘画的许多主题,无论是在构图元素还是主题方面。 立即明显是皮耶罗的视角和光线的掌握。 建筑元素,包括在中央动作周围变得更加复杂的瓷砖地板,结合在一起创造出两个空间。 内部空间被耶稣看起来不可见的光源照亮。 通过对格子天花板上阴影的扩散和角度的分析,可以精确定位其确切位置。 站在外面的三个人物从不同角度照亮,从路面和建筑物反射的日光和光线都照亮。
宗教主题与现在联系在一起。 这把尺子是拜占庭皇帝的肖像。 鞭is也被称为“鞭”“。 “灾祸”一词适用于瘟疫。 外面站着三个人代表那些埋葬基督身体的人。 两位年长的尼哥底母和阿里玛塔的约瑟夫相信是最近失去儿子的男子的肖像,其中一个是瘟疫。 第三个人是年轻的门徒约翰,也许是一个儿子的肖像,或者代表他们两个在一个理想化的形象中,恰逢皮耶罗绘制天使的方式。

文艺复兴时期绘画的元素
文艺复兴时期的绘画与中世纪后期的绘画不同,它强调对大自然的密切观察,特别是关于人体解剖学,以及将科学原理应用于透视和光照。
线性透视
以下图片中的图片展示了建筑和城市景观线性透视的发展。

在乔托的壁画中,这座建筑就像是一个向观者开放的舞台。
在Paolo Uccello的壁画中,城市景观给人深刻的印象。
马萨乔的神圣三位一体用仔细计算的数学比例绘制,其中他可能由建筑师布鲁内莱斯基协助。
Fra Angelico使用准确起草的小型凉廊的简单图案来创造一个私密的空间。
Gentile Bellini为威尼斯的圣马可广场绘制了一个广阔的空间,在这个空间中,后退的人物增添了视野。
列奥纳多达芬奇做了背景古典遗迹的详细和测量图纸准备开始未完成的贤士崇拜。
多梅尼科Ghirlandaio在三个层面上创造了一个非常复杂和膨胀的设置,包括陡峭的下坡和突出的墙壁。 景观的元素,例如右边的教堂,部分通过其他结构来看。
Raphael在Borgo设计的Fire展示了一个小广场周围的建筑物,其中背景事件通过视角突出显示。

景观
线性透视的发展以及在15世纪许多早期荷兰画作的背景中包含了详细的景观,这些景观的描绘受到了鼓舞。 通过这种影响,人们也意识到大气的观点,并观察远处的事物受光影响的方式。

乔托用几块石头给人一种山景的印象。
Paolo Uccello创造了一个详细而超现实的设定,作为许多小场景的舞台。
在卡尔帕乔的基督身体沉积中,荒凉的岩石景观呼应着现场的悲剧。
Mantegna的景观具有雕塑般的三维质量,暗示着真实的物理空间。 岩石,地层和裂缝的细节表明他研究了意大利北部地区普遍存在的红色石灰岩的地质构造。
Antonello da Messina设置了Crucifixion的严酷场景,与远处的平静的乡村形成鲜明对比,随着它的退去变得更加苍白,更加蓝调。
乔瓦尼贝利尼创造了一个详细的景观与前景和背景山脉之间的田园风光。 在这个景观中有很多层次,使得它与Ghirlandaio复杂的城市景观(上图)相当。
佩鲁吉诺将魔法师的崇拜对准了翁布里亚人熟悉的丘陵景观。
莱昂纳多达芬奇在意大利北部阿尔卑斯山山麓的拉戈迪加尔达附近的陡峭山脉中观看大气景观的戏剧表演。


光和阴影存在于两种形式的绘画中。 色调就是照片区域的明暗度,从白色变为黑色。 色调安排是一些绘画的一个非常重要的特征。 Chiaroscuro是通过光影建议在图片中对表面进行建模的。 色调是中世纪时期绘画的重要特征,而明暗对比则不是。 对于15世纪的画家来说,变换对三维空间的描绘变得越来越重要。

Taddeo Gaddi对牧羊人的报喜是第一个已知的大型夜景画。 图片的内部光源是天使。
在Fra Angelico的绘画中,似乎来自这幅壁画装饰的男性细胞的实际窗口的日光轻轻地照亮了人物并定义了建筑。
在他的皇帝的梦中,皮耶罗·德拉弗朗西斯卡以天使照亮的夜景为主题,运用他对光的传播的科学知识。 由此创建的色调图案是绘画构成中的重要元素。
在他痛苦的花园里,乔瓦尼贝利尼在阴天傍晚使用褪色日落营造出紧张气氛和即将发生的悲剧。
在Domenico Veneziano的正式肖像中,使用明暗对比来模拟形式是轻微的。 然而,这幅画强烈依赖于苍白的脸,中间色调的背景和深色服装与图案紧身胸衣的效果对比。
波提切利使用明暗对比来模拟保姆的面部并定义他简单服装的细节。 窗口边缘的光线和阴影定义了光线的角度。
这个16世纪初的肖像作品包括Ridolfo del Ghirlandaio,Mariotto Albertinelli和Giuliano Bugiardini。 这幅画结合了该画廊其他作品的许多照明效果。 这种形式是由光线和阴影来模拟的,仿佛是一个夕阳,它提供了一个由景观增强的戏剧元素。 由黑色服装创造的色调图案,白色亚麻布和手的位置是该作品的组成部分。
在达芬奇的施洗约翰的作品中,包括模特眼睛和嘴角在内的绘画元素被阴影伪装起来,形成了一种含糊不清和神秘的气氛。

解剖学
虽然很大程度上依赖于地形观察,达芬奇对30具尸体进行了细致的解剖,解剖学知识得到了进一步提升。 莱昂纳多等人对学生留下了深刻的关注生活的必要性,并且将现场模特画成了学生正式研究绘画艺术的重要部分。

Cimabue的十字架在1966年遭受洪水的严重破坏,显示了正式的安排,弯曲的身体和下垂的头部在晚期的中世纪艺术中盛行。 解剖学被强烈地程式化以符合传统的标志性配方。
乔托放弃了传统的配方,并从观察中绘制出来。
Massacio的基本身材像是从下面看到的那样被缩短了,并且显示了上身躯干紧张如同呼吸的努力。
在乔凡尼贝利尼的作品中,艺术家虽然没有试图暗示钉死在十字架上的残酷现实,却试图给人留下死亡的印象。
在皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡的洗礼中,耶稣身体健壮的身影被描绘成一种简单而缺乏清晰的肌肉,隐藏着自然主义。
这幅画中的耶稣人物,是维罗基奥和年轻的莱昂纳多的结合作品,很可能是由维罗基奥写的。 等高线保留了哥特式艺术的有点扭曲的线性。 然而,大部分躯干被认为是由莱昂纳多绘制的,并且揭示了解剖形式的强大知识。
莱昂纳多的圣杰罗姆图片展示了详细研究肩带的结果,从一页图纸中可以看出。
米开朗基罗使用人体解剖来表现出极大的表现力。 他以创造富有表现力的姿势而闻名,并被许多其他画家和雕塑家模仿。

现实主义
对大自然的观察意味着,中世纪艺术中的形式和象征性姿态,尤其是意大利大部分地区流行的拜占庭风格,被用来表达意义,被一系列个体所表现的人类情感所代替。

在这次复活中,乔托向人们展示了面部藏有头盔的睡眠士兵或者为了强调轻松的姿势而被缩短的睡眠士兵。
相比之下,安德烈亚·卡斯塔尼奥画了一个实物大小的肖像,皮波斯皮诺,警惕,并用他的脚跨过他所画的壁龛边缘。
菲利波里皮在早期的作品中展示了一群非常自然的孩子围绕着圣母玛利亚聚集,但却以无辜的好奇心看着观众。 其中一个孩子患有唐氏综合症。
马萨乔描绘了当亚当和夏娃被赶出上帝面前时,无罪所造成的悲伤。
Antonello da Messina绘制了几个版本的Ecce Homo,这是受罗马总督提交给人民的受折磨的基督。 这些画通常表现基督在悲剧但英雄的作用,尽量减少痛苦的描述。 Antonello的描述非常现实。
Mantegna在他对死亡基督的感叹中,在这里用大胆的透视描绘了耶稣的尸体,仿佛观者站在板的尽头。
在一幅更大的画作中,曼特尼亚展示了一个小孩,戴着肚兜和多孔的拖鞋,在婴儿的基督被割礼的同时,转身离开并咀嚼手指。
乔尔乔内描绘的是一位老太太的自然而没有美感的肖像,在描绘她不洁的头发和歪曲的牙齿张开嘴巴时表现不寻常。

图组成
受委托从事多幅大型作品的艺术家所关注的问题之一是如何使观众容易阅读的主题(通常是叙述性的),外观自然而且在画面空间内组合得很好。

乔托把这三个独立的叙述元素融合到这个戏剧性的场景中,反对守卫的非人性化头盔。 犹大通过亲吻他背叛了士兵耶稣。 高级牧师发信号给后卫抓住他。 彼得从大祭司的仆人身上摘下耳朵,向耶稣走去。 五个人物主宰前景,围绕耶稣,只有他的头可见。 然而,通过巧妙的色彩和人的姿态,乔托让耶稣的脸成为这幅画的焦点。
在亚当之死中,皮耶罗·德拉弗朗西斯卡设置了这位垂死的族长,以便让他对他的一个家族所穿的黑色服装起到缓解作用。 他对这个故事的重要性进一步得到了强化,他周围形成了一系列的人物形象以及所有通向他头部的武器对角线。 p
Theophilus子的复活是一个非常有凝聚力的整体,因为它是由马萨乔开始的,没有完成,被破坏,最终由菲利皮诺里皮完成。 马萨乔画中央部分。
Pollaiuolo在这幅高度系统化的绘画中,将弓箭手在前景中使用的十字弓作为构图结构。 在这个垂直划分的大三角形内,他在前后视图之间交替了数字。
波提切利的漫长而狭隘的火星和维纳斯绘画是以一个W相互映照的形式为基础的。 不久之前,恋人团结在一起,现在被睡眠分开了。 在画中加工的三只小小妖怪将这幅作品组合在一起。
Michelangelos掌握复杂的人物构图,就像他在The Entombment中的作品一样,激励了许多艺术家数百年。 在这幅面板上画的是基督的身影,虽然是垂直的,但是在图片中央处于沉重的体重下,而那些试图携带身体向外倾斜的人支持它。
乍看之下,Signorelli的“诅咒的秋天”是一个令人震惊的暴力混乱的身体,但通过巧妙地放置数字,使得线条而不是相交,在图片中流动起伏的路线中,构图既是统一的,又是统一的解决了大量的单独行动。 魔鬼的色彩也有助于将图片分解为折磨人和折磨人。
奥斯提亚之战被拉斐尔的助手处决,可能是他的设计。 这幅画的前景被组织成两个重叠的拱形,较大的俘虏被制服,而在左边和稍后,他们被迫在教皇面前跪下。 当教皇崛起于第二组并占据主导地位时,第一组主要由一名士兵主宰,他的颜色和灿烂的头饰像是教皇的视觉垫脚石。 在这个组的边缘,两个弯曲的人物相互镜像,产生一种张力,一种人从画的边缘推开,另一人在其中心向上拉。

主要作品

祭坛
在文艺复兴时期,大型祭坛作为一个委员会具有独特的地位。 祭坛的一部分注定要成为一个焦点,不仅在它所占据的宗教建筑的视觉中,而且还在崇拜者的奉献中。 莱昂纳多达芬奇的“麦当娜的岩石”,现在在伦敦的国家美术馆,但之前在米兰的一座小教堂里,是用于请求圣母玛利亚反对瘟疫的许多图像之一。 这些图像对那些委托他们,在他们的位置崇拜并创造他们的人的意义在艺术画廊被观看时会丢失。

Cimabue和Duccio di Buoninsegna创作的两幅登峰造像的Madonnas展示了一个被传统形式化和约束的主题。 虽然麦当娜和儿童的位置非常相似,但艺术家们对待大部分功能的方式不同。 Cimabue的宝座是正面的,并且使用视角来表明它的可靠性。 天使,他们的脸,翅膀和光环被安排成一种丰富的图案。 麦当娜服装的金箔细节在精致的网络中挑选出褶皱。 这个孩子坐着,他的脚和他母亲的角度一样。
Duccio的Rucellai麦当娜是4.5米高的同类中最大的一座,宝座是对角设置的,尽管他的姿势,孩子更像是一个婴儿,坐在他的母亲的对角线对面。 虽然跪着的天使的位置非常简单,但他们的姿势反复自然,并且由于他们长袍的美丽色彩组合而变化。 在麦当娜的长袍上,金色的边框构成了一条曲折的线条,定义了形式和轮廓,并使整个构图充满了单一的装饰细节。
Giotto的Ognissanti麦当娜现在与Cimabue和Duccio一样被安置在乌菲齐的同一个房间里,他在观察大自然和使用透视画中所取得的进步,可以很容易地与早先的主人比较。 虽然这幅画符合祭坛的模型,但它内部的数字并不遵循传统的公式。 麦当娜和孩子是坚实的三维。 这种质量通过构成主要装饰元素的蓬松宝座而得到增强,而金边界被最小化。 彼此镜像的天使,每个人都有相当独特的帷幔。
一百年后,仍然在正式祭坛作品约束之下的马萨乔自信地创造了一个身穿厚重长袍的立体形象,她的胖乎乎的基督小子吮吸着他的手指。 小天使扮演的琵琶都是急剧缩短的。
在Fra Angelico的作品中,人物不再强调马萨乔的质量。 Angelico因描绘麦当娜的美味而闻名。 这些绘画的魅力表现在崇拜天使聚集在一起的方式。 正如在马萨乔的绘画中,麦当娜的光环是用伪菲律宾文字装饰的,可能是为了表明她的中东起源。
在皮耶罗德拉弗朗西斯卡的手中,正式的金色框架被转化为经典的利基,以完美的线性视角绘制并由日光定义。 各种各样的圣人以自然的方式聚集在一起,而麦当娜坐在一个由东方地毯覆盖的小平台上的现实宝座上,而捐助者Federico da Montefeltro跪在她的脚下。 对传统的让步是麦当娜的规模比其他数字更大。
在贝里尼的绘画中,一方面,人物和场景赋予了极大现实主义的效果,而贝里尼对拜占庭式的图标的兴趣则表现在麦当娜的层次性坐姿和风度上。
米兰画家Bergognone利用Mantegna和Bellini的作品创作这幅画,其中亚历山大凯瑟琳的红色长袍和金色头发被锡耶纳凯瑟琳的黑白对比效果所平衡,并由乡村破碎的砖拱。
在Andrea Mantegna的Madonna della Vittoria中,麦当娜可能占据了中心位置,镶嵌在她的Garlanded凉亭中,但关注的焦点是Francesco II Gonzaga,其成就不仅得到了麦当娜和基督儿童的承认,而且得到了英雄圣徒Michael和乔治。
列奥纳多达芬奇放弃了任何形式的华盖,并将麦当娜和儿童包围在大自然的宏伟中,他将这些数字设置在一个仔细平衡但看似非正式的梯形构图中。
拉斐尔的西斯廷麦当娜使用的不是一幅祭坛画的配方,而是正式的肖像,带有一束绿色的窗帘,通过它可以看到教皇西斯图二世目睹的作品被命名的视觉。 维尔京周围的云彩由天使般的面孔组成,而两个标志性的小天使以20世纪后期的时尚天使为挚爱,将自己撑在门槛上。 这项工作成为穆里略和其他许多画家的典范。
Andrea del Sarto在使用数字创造出非常自然逼真的效果的同时,通过将麦当娜放在古典的基座上,仿佛她是一尊雕像,放弃了麦当娜的实际现实。 每个人物都处于一种不稳定的状态,标志着麦当娜膝盖向前平衡一本书。 这幅画展现了在风格主义绘画中发展的趋势。

壁画周期
艺术家可以做的最大,最耗时的付费作品是为教堂,私人宫殿或社区建筑设计壁画。 其中,意大利最大的统一体制保持或多或少保持完好,是由中世纪末期在阿西西圣弗朗西斯大教堂的许多不同艺术家创作的。 其次是乔托在帕多瓦的原始文艺复兴计划,还有许多其他的从贝诺佐佐戈佐利的美第奇的魔法教堂到米开朗基罗在西斯廷教堂的教皇朱利叶斯二世的最高成就。

乔托在维多利亚的生活和基督的生活中绘制了帕多瓦的大型独立的斯克罗威尼礼拜堂。 打破中世纪传统,它设定了自然主义的标准。
Ambrogio Lorenzetti为锡耶纳公社绘制的两幅伟大和坏政府寓言壁画完全是世俗的,并且显示了与公民的城市景观的详细观点,强调了公民秩序的重要性。
相比之下,在新圣母玛利亚教堂为多米尼加人绘画的Andrea di Bonaiuto完成了教堂胜利的巨大壁画,展示了教会在救世工作中的角色,特别是角色多米尼加人,也象征性地出现在天堂的猎犬中,牧养着上帝的子民。 这幅画包括佛罗伦萨大教堂的景色。
马萨乔和马索利诺在Branacacci礼拜堂的壁画周期合作,这是马萨乔栩栩如生的创新最着名的作品,Masolino在这个城市景观中看到的更加优雅的风格,巧妙地结合了两段圣彼得生活。
Piero della Francesca在阿雷佐San Francesco教堂的壁画周期紧跟着Jacopo da Varagine在黄金传说中所写的True Cross传说。 这些照片揭示了他对光线和视角的研究,并且这些人物几乎拥有单一的坚固性。
贝诺佐戈佐利的美第奇宫私人教堂的壁画周期是国际哥特式风格的晚期作品,对美第奇人的幻想和丰富的装饰性描绘以及随行人员为三位智者。
埃斯特的费拉拉宫Schifanoia的精心制作周期,部分由弗朗西斯科·德尔·科萨执行,在对古典神灵和Zodial标志的描绘中也有点奇怪,这些标志与家庭生活场景相结合。
Mantegna的Gonzaga绘画也展现了家庭生活,但具有高度现实元素的优势,巧妙地利用了他们装饰的房间的真实建筑,壁炉架为人物形成了一个底座,而真正的天花板支柱则明显地由油漆壁柱支撑着。
在布兰卡奇礼拜堂中,历史学家试图在使徒间辨认马萨乔,马索里诺和可能的多纳泰罗的面孔,萨塞蒂礼拜堂的多梅尼科吉尔兰达约也不会掩饰他的模型。 这个宗教周期中的每幅壁画都有两套数字:讲述故事的人和见证它的人。 在这个圣母玛利亚诞生的场景中,佛罗伦萨的许多贵族女性都进来了,好像是为了祝贺新妈妈。
波提切利对可拉子孙的惩罚是摩西生平系列的一部,该系列与基督的生命一起,于十九世纪八十年代被委托为西斯廷教堂的装饰。 艺术家佩鲁吉诺,多梅尼科Ghirlandaio和科西莫Rosselli都在精心设计和谐的计划。
米开朗基罗画的西斯廷教堂的天花板,在五年的时间里独自执行,其中有来自创世纪,预言人物和基督先人的叙述,注定要成为世界上最着名的艺术品之一。
同时,拉斐尔和他的一些助手画了被称为拉斐尔房间的罗马教皇房间。 在雅典学派中,拉斐尔描绘了他那个时代的着名人物,包括莱昂纳多,米开朗基罗,布拉曼特和他自己,他们都是古代雅典的哲学家。

主题
麦当娜和儿童的灵修图像产生的数量非常多,往往是为私人客户。 基督的生活,圣母的生活或圣人的生活场景也大量用于教堂,特别是与耶稣降生和基督受难有关的场景。 最后的晚餐通常在宗教餐厅中描绘。

在文艺复兴时期,越来越多的赞助人对油漆的后代有着自己的形象。 出于这个原因,存在大量的文艺复兴时期肖像画,其中画家的名字是未知的。 富有的私人赞助人委托艺术品作为他们家庭的装饰品,其日益世俗化的主题。

灵修画

麦当娜
这些小型的私密照片现在几乎都在博物馆里,这些照片大都是私人所有,但偶尔也可以在教堂的一个小祭坛上加以修饰。

麦当娜用两位天使崇拜基督的孩子一直以来都因为支持基督童子的富有表现力的小天使而受到欢迎。 像这样的菲利波里皮画作特别影响波提切利。
韦罗基奥将麦当娜和基督的孩子从观众席上分离出来,并用在许多肖像画中。 玫瑰和樱桃代表了属灵的爱和牺牲的爱。
Antonello da Messina的麦当娜和小孩表面上非常像Verrocchio,但它更不正式,母亲和孩子似乎都在移动而不是为画家摆姿势。 在拉斐尔的作品中,孩子伸手取出母亲乳房时被缩短的肘部,可以在米开朗基罗的多尼通托中以不同的形式看到。
列奥纳多·达·芬奇在麦当娜和儿童早期出现的对角线上放置的数字是一个构图主题,在他的许多作品中都会出现,并被他的学生和拉斐尔模仿。
乔瓦尼贝利尼受到希腊东正教偶像的影响。 这幅画中的金布代替了金箔背景。 这种安排是正式的,但手势,特别是母亲崇敬的目光,给人以温暖的照片。
Vittore Carpaccio的麦当娜和儿童在将基督童装展示为一位穿着现代服装的幼童时非常不寻常。 细致的细节和家庭气息暗示着早期荷兰绘画。
米开朗基罗的多尼通多是这些作品中最大的,但是是一个私人委员会。 非常不同寻常的作品,麦当娜的扭曲形式,三幅头像都在画面的顶端和激进的透视,都是非常具有挑战性的特征,而Agnolo Doni不确定他是否愿意为此付出代价。
拉斐尔熟练地将对立的力量发挥出来,并且把麦当娜和儿童团结在一起。

世俗的绘画

肖像
在15世纪的后半期,肖像的数量激增。 尽管其中一些人的主题后来因其成就或高贵的血统而被人们铭记,但许多人的身份已经丧失,甚至是有史以来最着名的肖像,达·芬奇的蒙娜丽莎也开始猜测和争论。

像皮耶罗德拉弗朗切斯卡的西吉斯蒙多潘多佛马拉泰斯特肖像这样的人物肖像的优点在于,它可以识别像面部签名这样的主题。 脸部的比例,前额,鼻子和额头的角度,眼睛的位置和形状以及下巴的组合可以通过生活来识别。 而且,一旦拍摄了轮廓相似图像,它就可以用来投出奖章或雕刻浮雕图像。
Pollaiuolo符合这个公式,强调这个年轻女性的轮廓,细线上还有一个细微的线条,这个线条也定义了她鼻孔和她嘴角的微妙形状。 但他通过巧妙地使用明暗对比和对她的袖子丰富的佛罗伦萨锦缎的处理增加了三维质量。
另一方面,Alesso Baldovinetti利用这位强势女孩的个人形象,在黑暗的背景下创造出突出轮廓的醒目图案。 背景是一个生动的形状,增加了绘画的构图结构。 前额上的黑色小圆角对绣花袖子的动态图案做出反应。
波提切利的肖像虽然转向四分之三的视角并且色调强烈,但与巴尔多维内蒂的绘画在红色服装,帽子,黑发和他们在背景中形成的图案的惊人排列方面有很大关系。
Antonello da Messina的肖像比波提切利早了一些年,这种肖像承认了它的相似性。 但这幅画并不依赖于清晰的轮廓形状的巧妙安排。 Antonello利用油画的优势,与波提切利的蛋彩画相比,可以达到微妙而细致的画面,其中浓密的眉毛,皮肤的缺陷和胡须的阴影已经以照相的精确度呈现出来。

在蒙娜丽莎莱昂纳多采用了sfumato技术,精细分级的明暗对比度模拟表面轮廓,同时允许细节消失在阴影中。 这种技术给这幅画带来了神秘的气息,使它成名。 美丽的双手几乎成为一种装饰元素。
乔瓦尼贝利尼的当选威尼斯公爵的肖像有官方的空气,几乎不可能更正式。 然而,这张脸的特点是在总督,智慧,幽默和决断力方面人们所希望的。 虽然是一幅更精细的绘画,但它与Baldovinetti的设计感很相似。
提香的肖像的主题是未知的,它的相当名气完全取决于它的美丽和不寻常的构成,其中面部是由蓝色大绗缝绸缎支撑和平衡。 袖子与背景几乎一样的颜色; 其丰富的色调赋予它的形式。 衬衫的白色亚麻布使构图变得生动活泼,而男性的眼睛则以穿透光度的方式呈现袖子的颜色。

裸体
这四幅着名的绘画作品展现了裸体作为艺术家自身主题的出现和接受。

在波提切利的维纳斯诞生中,裸体人物虽然是绘画的中心,但它本身并不是主题。 这幅画的主题是古典神话故事。 女神金星裸体从海中裸露的事实为主宰工作中心的裸体研究提供了理由。
画三十年后,乔瓦尼贝利尼的照片的确切含义尚不清楚。 如果这个主题是由印象派画家画的,那么就没有必要去描述一个意义。 但是在这个文艺复兴时期的作品中,存在一面镜子,这个物体通常具有象征意义,并且暗示了一种寓言。 这位年轻女子的赤身裸体是一种不是诱惑的标志,就像无辜和脆弱。然而,她戴着一顶非常丰富的头饰,用珍珠缝合,没有一个,而是两个镜子,只能看到自己无尽地反映出来。镜子,通常是预言的象征,在这里成为虚荣的对象,年轻女子扮演水仙的角色。
乔尔乔内的绘画可能比贝利尼早十年。它一直被称为睡眠金星,但画中没有任何东西可以证实它确实是金星。这幅作品因其缺乏象征意义以及强调身体仅仅作为美的对象而引人注目。它被认为是由提香完成的。

古典神话
古典神话的绘画总是为私人赞助人房屋中的重要沙龙完成。波提切利最着名的作品是美第奇,拉斐尔为阿戈斯蒂诺基吉画了加拉蒂亚,贝里尼的众神的节日是由提香的几幅作品在阿方索·埃斯特·

波拉乌洛的赫拉克勒斯的家中画出的,借口解释是人文主义者和基督徒。在这项工作中,克服邪恶,勇气得到荣耀。大力神的身影与参孙的圣经人物共鸣,他也以力量而闻名,并杀死了一只狮子。
在波提切利的帕拉斯和半人马队中,雅典娜化身为智者,领先于半神半人马,所以学习和细化能够克服粗野的本能,这是半人马象征的特征。
拉斐尔的加拉蒂亚虽然是经典的起源,但却有着特别的基督教共鸣,这些共鸣会被那些熟悉故事的人所认识。这是关于爱的本质。尽管她周围都渴望得到世俗的爱,并屈服于丘比特三人拍摄的箭头,但加拉蒂亚选择了属灵的爱并将她的目光转向了天堂。