二十世纪的静物画

20世纪的头四十年形成了一个特殊的艺术发酵和革命时期。 先锋派运动迅速演变并重叠,走向无形的全面抽象。 静物,以及其他代表性的艺术,继续发展和调整,直到本世纪中叶,杰克逊波洛克的滴水画所展现的全部抽象,消除了所有可识别的内容。

Henri Matisse, 静物与天竺葵 (1910),德国慕尼黑Pinakothek der Moderne

这个世纪始于艺术中的几个趋势。 1901年,保罗高更用向日葵画静物画,向他十一年前去世的朋友梵高致敬。 包括Pierre Bonnard和ÉdouardVuillard在内的被称为Les Nabis的团体采用了高更的调和理论,并在日本的木刻创作中为他们的静物画添加了元素。 法国艺术家Odilon Redon在此期间也画了静物,特别是鲜花。

亨利马蒂斯将静物的渲染效果进一步降低到了大胆而平淡的轮廓上,色彩鲜艳。 他还简化了视角并引入了多色背景。 在他的一些静物画中,比如静物与茄子,他的桌子几乎在其他彩色图案中消失了,而其他的彩色图案则填满了房间的其余部分。 野兽派的其他代表,如Maurice de Vlaminck和AndréDerain,在他们的静物中进一步探索纯色和抽象。

Jean Metzinger, 水果和桌上的水壶 (1916年),布面油画和沙子,115.9 x 81厘米,美术博物馆,波士顿

保罗塞尚在静物中发现了他在几何空间组织中革命性探索的完美工具。 对于塞尚来说,静物画是将绘画从说明性或模仿性功能转移到独立展示颜色,形式和线条元素的主要手段,这是向抽象艺术迈出的一大步。 此外,塞尚的实验可以被视为直接导致20世纪初立体派静物的发展。

为了适应塞尚的平面和轴线的变化,立体派压制了Fauves的调色板,并将精力集中在将物体解构为纯几何形状和平面上。 从1910年到1920年,像毕加索,乔治布拉克和胡安·格里斯这样的立体派艺术家绘制了许多静物作品,通常包括乐器,几乎是第一次将静物艺术带入了艺术创新的前沿。 静物画也是第一张合成立体主义拼贴作品的主题,如毕加索的椭圆形“椅子静物静物”(1912年)。 在这些作品中,静物会重叠并混合几乎不能保持可识别的二维形式,失去单独的表面纹理,并融合到与传统静物相反的背景实现目标中。 FernandLéger的静物介绍了使用丰富的白色空间和彩色的,清晰的,重叠的几何形状,以产生更多的机械效果。

乔治莫兰迪(1890-1964), Natura Morta (1956),布面油画,私人收藏

立体派,马塞尔杜尚和达达运动的其他成员拒绝空间的扁平化,走向截然不同的方向,创造出三维“现成”静物雕塑。 作为恢复静物的象征意义的一部分,未来主义者和超现实主义者在他们的梦境中放置了可识别的静物。 在米罗的静物画中,物体呈现失重状态,漂浮在轻微建议的二维空间中,甚至山脉被画成简单的线条。 在此期间的意大利,乔治莫兰迪是最重要的静物画家,探索描绘日常瓶子和厨房用具的各种方法。 荷兰艺术家MC埃舍尔因其细致而暧昧的图像而闻名,创作了静物与街头(1937年),他的传统荷兰餐桌静物的更新版本。 在英格兰,艾略特霍奇金为他的高度详细的静物画使用了蛋彩画。

当20世纪的美国艺术家开始意识到欧洲现代主义时,他们开始用美国现实主义和立体派派生抽象的结合来解读静物主题。 这一时期的典型美国静物作品是乔治亚·奥基夫,斯图尔特·戴维斯和马斯登·哈特利的绘画,以及爱德华·韦斯顿的照片。 O’Keeffe的超特写花卉绘画以前所未有的方式揭示了花瓣和叶子的物理结构和情感潜台词。

在墨西哥,从20世纪30年代开始,Frida Kahlo和其他艺术家创作了自己的超现实主义品牌,在其静物画中展示土着食物和文化图案。

从20世纪30年代开始,抽象表现主义将静物严重缩减为形式和色彩的生动描述,直到20世纪50年代,全面抽象主导了艺术世界。 然而,20世纪60年代和70年代的波普艺术颠倒了趋势,创造了一种新的静物形式。 许多流行艺术品(如安迪·沃霍尔的“坎贝尔汤罐”)都是以静物为基础的,但它的真正主题往往是商品代表的商品化形象,而不是物质静物。 Roy Lichtenstein的“静物与金鱼碗”(1972)结合了马蒂斯的纯色和沃霍尔的流行肖像。 Wayne Thiebaud的午餐桌(1964)描绘的不是一个家庭的午餐,而是标准化的美国食品组装线。

包括贾斯珀约翰斯在内的新达达运动回归杜尚的日常家居用品的三维表现形式,以创造他们自己的静物作品品牌,如约翰斯的“青铜色画”(1960)和“愚人之家”(1962)。 作为抽象派开始的Avigdor Arikha将皮特蒙德里安的教训融入他的静物和他的其他作品中; 在重新接触古老的主传统的同时,他实现了现代主义的形式主义,在一次会议和自然光线下工作,主题往往以惊人的角度出现。

俄罗斯艺术家对谢尔盖奥皮波夫,维克多泰廷特,叶夫根尼亚安波尔瓦,盖沃克科蒂安兹,谢尔盖扎哈罗夫,泰西亚阿菲诺娜,玛雅柯皮塔塞娃等人进行了20世纪静物绘画发展的重大贡献。

相反,20世纪70年代写实主义的兴起重新渲染了幻觉,同时保留了一些关于物体,图像和商业产品融合的Pop的信息。 这方面的典型作品是Don Eddy和Ralph Goings的作品。

二十世纪的绘画

亨利马蒂斯(1869-1954), 菜肴和水果 (1901年),冬宫博物馆,圣彼得堡,俄罗斯

奥迪隆雷东(1840-1916), 鲜花 (1903年)

乔治布拉克(1882-1963), 小提琴和烛台 (1910年),旧金山现代艺术博物馆

Juan Gris(1887-1927), Nature morte (1913),博物馆Thyssen Bornemisza

Marsden Hartley(1877-1943),英式饮品 (1916年),布鲁克林博物馆

FernandLéger(1881-1955), 静物与啤酒杯(1921年),泰特

巴勃罗毕加索, Compotier avec水果,violon et verre (1912年)

静物是描述大多无生命主题的艺术作品,通常是天然的(食物,花卉,死亡的动物,植物,岩石,贝壳等)或人造的眼镜,书籍,花瓶,珠宝,硬币,管道等)。

静物绘画源于中世纪和古希腊罗马艺术,至16世纪末期,静物绘画在西方绘画中作为一种独特的体裁和专业化专业化出现,并且自那时以来一直保持着重要的地位。静物的形式赋予艺术家在作品中元素的排列方面的自由度,而不是其他类型的主题(如风景或肖像画)的绘画。 作为一种特殊类型的静物,始于16世纪和17世纪的荷兰画,英文术语静物来自荷兰文字斯蒂莱文。 早期的静物画,特别是1700年前的绘画,通常包含与所描绘物体有关的宗教和寓意象征。 一些现代静物作品打破了二维屏障,采用三维混合媒体,并使用发现的物体,摄影,计算机图形以及视频和声音。

这个术语包括死亡动物的绘画,尤其是游戏。 活的被认为是动物艺术,尽管实际上他们通常是从死亡模型中绘制的。 静物类别还与动物学特别是植物插图共享,其中艺术家之间存在相当大的重叠。 一般来说,静物包括充分描绘的背景,并且将美学而非说明性的关注视为主要。

静物画占据了流派层次结构的最低层,但一直非常受买家欢迎。 除了独立的静物主题外,静物画还包含其他类型的绘画,它们具有显着的静物元素,通常具有象征意义,“依靠大量静物元素来表现复制’生命片段’的图像“”。 意图欺骗观众思考场景的错视画是真实的,是一种特殊类型的静物,通常表现为无生命和相对平坦的物体。