十九世纪的静物画

随着欧洲学院的兴起,最着名的是在学术艺术中起着核心作用的法国艺术学院,静物画开始失宠。 学院教授了“流派层级”(或“主体层次”)的学说,认为绘画的艺术价值主要基于其主题。 在学术体系中,最高级的绘画形式包括历史,圣经或神话意义的图像,静物主题被降至最低的艺术认同。 一些艺术家,比如John Constable和Camille Corot,并没有用静物来美化大自然,而是选择了景观来达到这个目的。

文森特梵高(1853-1890), 向日葵或十五向日葵花瓶 (1888年),国家美术馆(伦敦)

当新古典主义在1830年代开始衰落时,体裁和肖像画成为现实主义和浪漫主义艺术革命的焦点。 那个时期的许多伟大的艺术家在他们的作品中包含了静物。Francisco Goya,Gustave Courbet和EugèneDelacroix的静物画表达了强烈的情感潮流,并且不太关心正确性和对情绪更感兴趣。 尽管在Chardin早期的静物主题上有图案,ÉdouardManet的静物油画色调强烈,明显地朝向印象派。 Henri Fantin-Latour采用更传统的技术,以其精美的花卉图画而闻名,他的生活几乎完全为收藏家画静物画。

然而,直到欧洲学术界最后的衰落,印象派和后印象派画家的崛起,技术和色彩的和谐胜过主题,静物再次由艺术家们大行其道。 在他早年的静物中,克劳德莫奈展示了方坦罗图的影响力,但是它是第一个打破黑暗背景的传统之一,皮埃尔 – 奥古斯特雷诺阿在静物与花束和粉丝(1871年)中也抛弃了它明亮的橙色背景。 印象派静物,寓意和神话内容完全不存在,精心细致的笔刷作品也是如此。 相反,印象派专注于广泛的笔触笔触,色调值和颜色位置的实验。 印象派和后印象派的灵感来自大自然的配色方案,但用自己的色彩和谐重新诠释了大自然,有时这种色彩和谐是非常自然的。 正如高更所言:“色彩有自己的意义。”还尝试了各种视角的变化,例如采用紧凑的种植方式和高角度,如在古斯塔夫·卡勒博特展台上展示的水果,这幅作品被当时嘲笑为“在鸟瞰图中展示水果。“

1875年至1885年,Antoine Vollon 的黄油

文森特梵高的“向日葵”画是一些最着名的19世纪静物画。 梵高主要使用黄色和平坦的渲染色调为静物历史作出令人难忘的贡献。 他的静物与绘画委员会(1889年)是一幅静物画的自画像,梵高描绘了他个人生活中的许多东西,包括他的烟斗,简单的食物(洋葱),一本鼓舞人心的书以及他的一封信弟弟,都摆在他的桌子上,没有自己的形象。 他还画了他自己的版本的静态圣经,蜡烛和书(1885年)静物绘画。

在革命时期的美国,在国外接受培训的美国艺术家将欧洲风格应用于美国人的肖像画和静物画中。 查尔斯威尔逊皮尔创立了一个着名的美国画家家庭,作为美国艺术界的主要领导人,还创办了一个艺术家培训协会以及一个着名的天然好奇博物馆。 他的儿子Raphaelle Peale是美国早期静物艺术家之一,其中还包括约翰弗朗西斯,查尔斯伯德国王和约翰斯顿。 到了19世纪下半叶,马丁·约翰逊·海德引进了美国版的栖息地或生境照片,将花鸟放在模拟的户外环境中。 在此期间,美国的trompe-l’œil绘画也很盛行,由John Haberle,William Michael Harnett和John Frederick Peto创作。 佩托专门从事怀旧壁画绘画,而哈内特则通过熟悉的物体在美国人的生活画报中达到了超现实主义的最高境界。

Francisco Goya, 静物与水果,瓶子,面包 (1824-1826)

十九世纪的绘画

EugèneDelacroix, 静物与龙虾和狩猎和捕鱼的奖杯(1826年至1827年),卢浮宫

Gustave Caillebotte,(1848-1894), 黄玫瑰花瓶(1882年),达拉斯艺术博物馆

Henri Fantin-Latour,(1836-1904),白玫瑰,花瓶里的菊花,桃子和葡萄放在一张白色桌布的桌子上 (1867年)

PaulCézanne(1839-1906),黑色大理石钟 (1869-1871),私人收藏

玛丽卡萨特,(1844-1926), 丁香在窗口(1880)

克劳德莫奈(1840-1926),静物与苹果和葡萄 (1880年),芝加哥艺术学院

ÉdouardManet(1832-1883), 康乃馨和铁线莲在水晶花瓶 (1883年),奥赛博物馆,巴黎

保罗·高更, 静物与苹果,梨,陶瓷肖像壶 (1889年),福克博物馆,剑桥,马萨诸塞州

威廉哈内特(1848-1892),亨特后 (1883年)

威廉哈内特(1848-1892),静物小提琴和音乐 (1888年),纽约大都会艺术博物馆

大流士科布(Darius Cobb,1834-1919),一部内战错视画作,在彩色平版印刷画

保罗塞尚, 静物与天使 (1895年),Courtauld研究所画廊,伦敦

静物(复数:静物)是描述大多无生命主题的艺术作品,通常是天然的(食物,花卉,死亡的动物,植物,岩石,贝壳等)或人造的眼镜,书籍,花瓶,珠宝,硬币,管道等)。

静物绘画源于中世纪和古希腊罗马艺术,至16世纪末期,静物绘画在西方绘画中作为一种独特的体裁和专业化专业化出现,并且自那时以来一直保持着重要的地位。静物的形式赋予艺术家在作品中元素的排列方面的自由度,而不是其他类型的主题(如风景或肖像画)的绘画。 作为一种特殊类型的静物,始于16世纪和17世纪的荷兰画,英文术语静物来自荷兰文字斯蒂莱文。 早期的静物画,特别是1700年前的绘画,通常包含与所描绘物体有关的宗教和寓意象征。 一些现代静物作品打破了二维屏障,采用三维混合媒体,并使用发现的物体,摄影,计算机图形以及视频和声音。

这个术语包括死亡动物的绘画,尤其是游戏。 活的被认为是动物艺术,尽管实际上他们通常是从死亡模型中绘制的。 静物类别还与动物学特别是植物插图共享,其中艺术家之间存在相当大的重叠。 一般来说,静物包括充分描绘的背景,并且将美学而非说明性的关注视为主要。

静物画占据了流派层次结构的最低层,但一直非常受买家欢迎。 除了独立的静物主题外,静物画还包含其他类型的绘画,它们具有显着的静物元素,通常具有象征意义,“依靠大量静物元素来表现复制’生命片段’的图像“”。 意图欺骗观众思考场景的错视画是真实的,是一种特殊类型的静物,通常表现为无生命和相对平坦的物体。