浪漫主义音乐（Romantic music）是一段西方古典音乐时期，始于18世纪末或19世纪初。 它与浪漫主义有关，这是18世纪下半叶出现的欧洲艺术和文学运动，浪漫主义音乐尤其主导了德国的浪漫主义运动。
在浪漫主义时期，音乐变得更加明确表达和编辑，处理当时的文学，艺术和哲学主题。 着名的早期浪漫主义作曲家包括贝多芬（其作品跨越这一时期和前一个古典时期），舒伯特，舒曼，肖邦，门德尔松，贝利尼和柏辽兹。 19世纪后期，管弦乐队的规模以及该乐团所使用的乐器的动态范围和多样性大幅增加。 此外，公共音乐会成为城市中产阶级社会的一个关键部分，与之前的时期相比，音乐会主要由贵族支付并为贵族表演。 本世纪下半叶的着名作曲家包括布鲁克纳，约翰施特劳斯二世，勃拉姆斯，李斯特，柴可夫斯基，德沃夏克，威尔第和瓦格纳。 1890年至1910年间，第三波作曲家包括马勒，理查德施特劳斯，普契尼和西贝柳斯，他们建立在中间浪漫主义作曲家的作品之上，创造出更复杂 – 通常更长 – 的音乐作品。 19世纪后期音乐的一个显着标志是其民族主义的热情，例如Dvořák，Sibelius和Grieg等人物。 其他着名的晚期人物包括Saint-Saëns，Fauré，Rachmaninoff和Franck。
浪漫音乐通常分为不同的风格，往往形成对比。 从早期开始，新德国和古典部分之间存在分歧。 新德国风格与之前的音乐明显分开。 表达中更具情感性，通常以所谓的节目音乐为特征，即音乐遵循节目或受到文学作品或艺术作品的启发。 相反的风格更经典，这意味着虽然这是一个更浪漫的方向，但人们可以从莫扎特，贝多芬，海顿和年长的后卫那里听到灵感。 它通常有更多绝对的音乐，也就是说，音乐本身就在前面，它不应该与其他艺术形式混合在一起。
另一个区别在于歌剧。 最初，歌剧的特点是Gioachino Rossini的后代，其中漂亮的咏叹调经常主导漫画歌剧，或大歌剧，与自然或社会力量，对比和情绪作斗争。 此外，德国歌剧已经开始在1821年的Jegerbruden的一个强烈浪漫的方向发展，在那里超自然的生物，与邪恶，中世纪焦点和德国传奇和公共报纸的斗争占主导地位。 理查德瓦格纳就是这样。 他还创作了Gesamtkunstwerk的想法，其中歌剧的各个部分，从歌手到管弦乐队，从剧本到舞台剧和舞蹈，合作都能传达出强烈的信息。 瓦格纳比以前的歌剧更大程度地使用了管弦乐队，并自己写故事，以便他能够最好地匹配一切。 他明确的反面是朱塞佩威尔第，他根据着名的戏剧，诗歌或小说创作歌剧，并专注于简单的编排，仍然专注于歌曲和良好的旋律。 然而，威尔第也受到戏剧重要性的影响，尽管他将沃格纳的歌剧保持在一定距离。 在浪漫的尽头，出现了名副其实的歌剧，关于现在及其挑战的更为逼真的歌剧，尤其是贾科莫·普契尼作为冠军。 这些是瓦格纳和威尔迪斯关于歌剧的观点的协同作用。
同样在交响乐中，一方面是赫克托·柏辽兹和弗朗兹·李斯特以及他们的程序化音乐（BedřichSmetana，Anton Bruckner和Pjotr Tsjajkovsky）以及专注于绝对音乐的门德尔松和舒曼支持者之间的明显区别（John Brahms） ，AntonínDvořák和Gustav Mahler）另一方面。 这些交响曲也部分地融入了瓦格纳的音乐思想中。 节目音乐的粉丝更多地受到Wagner的启发，而绝对音乐的追随者则更加怀疑。
浪漫的音乐也是芭蕾舞的发展，轻歌剧的新风格出现，维也纳山谷变成了风格，并出现了许多演奏，提高了音乐会的水平。 管弦乐队正在成长，指挥变得更加重要。 钢琴已经在前一时期推进，在许多家庭中占据主导地位，并成为各种音乐会和歌曲周期表演的主要乐器。
性状
浪漫主义音乐的特征通常归因于浪漫主义：
对自然的一种新的关注和投降;
对过去的迷恋，特别是中世纪和中世纪骑士的传说;
转向神秘主义者和超自然主义者，既有宗教信仰，也只是幽灵般的;
对无限的渴望;
遥远的神秘内涵，不寻常和神话般的，奇怪的和令人惊讶的;
专注于夜间，幽灵，可怕和恐怖;
梦幻般的视觉和精神体验;
对国家认同的新关注;
强调极端主观主义;
对自传的兴趣;
对音乐公式和惯例的不满。
然而，这些名单随着时间的推移而激增，导致“混乱的对立现象”，因其肤浅而被批评，并且表示许多不同的东西，这些都没有中心意义。 这些属性也因为过于模糊而受到批评。 例如，“幽灵和超自然”的特征可以同样适用于1787年莫扎特的唐乔万尼和斯特拉文斯基的1951年的耙子进步（Kravitt 1992,93-95）。
在音乐方面，贝多芬去世后，音乐结构和形式的分界线相对清晰。 无论是否将贝多芬视为“浪漫”的作曲家，他作品的广度和力量都让人产生一种感觉，即经典的奏鸣曲形式，甚至是交响乐，奏鸣曲和弦乐四重奏的结构已经筋疲力尽。 舒曼，舒伯特，柏辽兹和其他早期浪漫主义作曲家倾向于寻找其他方向。 浪漫音乐的一些特征包括：
使用新的或以前不常见的音乐结构，如歌曲循环，夜曲，音乐练习曲，阿拉伯式花纹和狂想曲，以及传统的古典流派。 节目音乐变得更加普遍;
基于从主音到次主音或替代键而不是传统主音的运动的谐波结构，以及更精细的和声进行的使用（Wagner和Liszt因其实验进展而闻名）;
更加强调旋律以维持音乐兴趣。 古典时期经常使用短暂的，甚至是零碎的主题材料，而浪漫时期则倾向于更多地使用更长，更完全定义和更令人满意的主题;
使用更广泛的动态，例如从ppp到fff，由大型编排支持;
使用较大的色调范围（使用钢琴的最低和最高音符表示）;
浪漫音乐的形式
交响乐
由路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）承担最高学位，交响乐成为许多作曲家投身的最负盛名的形式。 贝多芬模式最保守的尊重：Franz Schubert，Felix Mendelssohn，Robert Schumann或Johannes Brahms。 其他人表现出超越这个框架，在形式或精神上的想象力：最大胆的是Hector Berlioz。
最后，有些人不仅仅在他们的交响乐中讲述一个故事; 比如Franz Liszt，他们将创作交响诗，这是一种新的音乐类型，通常由一个单一的运动组成，并受到主题，角色或文学文本的启发。 由于交响诗围绕着一个主题词（音乐主题允许识别一个角色，例如英雄），所以它是通过交响乐程序更接近音乐。
利德
这种音乐流派出现在浪漫时期钢琴演奏钢琴的过程中。 谎言是主要由这种乐器伴奏的声乐。 这首歌来自浪漫的诗歌，这种风格可以让感情的声音尽可能接近。 最着名的作家之一是弗朗茨舒伯特，其中有阿尔德斯之王，然而，许多其他浪漫主义作曲家沉迷于罗伯特舒曼，约翰内斯勃拉姆斯，雨果沃尔夫或古斯塔夫马勒这样的流派。
协奏曲
正是贝多芬以他的五首钢琴协奏曲（特别是第五首）和他的小提琴协奏曲开启了协奏曲的浪漫主义。 许多作曲家都是他的榜样：协奏曲可以与伟大的管弦乐队的曲目中的交响乐相媲美。
最后，协奏曲将允许乐器作曲家展示他们的精湛技艺，如小提琴上的NiccolòPaganini，以及钢琴上的FrédéricChopin或Franz Liszt。
浪漫音乐中的声乐元素
浪漫时代不再是一个伟大声乐作品的世纪。 一系列无伴奏合唱作曲家仍然存在，精致而精致，如门德尔松和勃拉姆斯，他们在十六世纪实现了不可思议的和谐与色彩效果，这是无伴奏合唱风格的绚丽时代。 特别是在德国，实现这一改进的手段是男性的合唱作品，然而，由于它们成为民族主义或党派活动的表现，而其余的声乐演示，它们并不归于纯粹艺术原因的冲动。被废弃了。 浪漫时期的伟大捍卫者暂时没有想到为教会创作作品，从而有助于倾听圣经的经文。
由舒曼撰写的论坛，如Elparaísoyla peri。 勃拉姆斯写了一部德国安魂曲，一部完全用德语写成的宗教作品。 还写了群众和其他宗教作品。 舒伯特的Ave Maria是一个唱歌和钢琴的谎言。
仪表和规模
与其他时期一样，仪器也适应了这一时期的音乐要求。 像Hector Berlioz这样的作曲家以前所未有的方式精心策划了他们的作品，使管乐器更加突出。 标准管弦乐队的规模增加，包括短笛和英国号角等乐器，之前偶尔使用过。 马勒写下了他的第八部交响曲，被管弦乐和合唱音乐所称为“千人交响曲”，需要对其进行解读。
除了需要更大的管弦乐队之外，浪漫主义的作品也变得更长。 海顿或莫扎特的典型交响曲，古典主义的作曲家，可以持续大约二十或二十五分钟。 贝多芬的第三交响曲，通常被认为是最初的浪漫主义，持续约四十五分钟。 这种趋势在安东·布鲁克纳的交响乐中显着增长，并且在马勒的情况下达到了最高水平，交响曲有一个小时的持续时间（如第一和第四的情况），交响曲持续一个多小时和一个一半（如第三或第八）。
另一方面，在浪漫主义中，艺术家乐器演奏家的重要性增长了。 小提琴家NiccolòPaganini是十九世纪初的音乐明星之一。 李斯特除了是一位出色的作曲家之外，还是一位钢琴演奏家，非常受欢迎。 在演奏家的表演期间，他们过去比他们演奏的音乐更突出。
这些是浪漫主义中出现的一些工具：
风
Contrafagot：大尺寸巴松管的种类，其声音产生于普通巴松管的八度坟墓。
萨克斯管：管乐器由弯曲金属U形锥形管组成，带有几个键和一个木头和手杖喷嘴。 有各种尺寸。
英语号角：管乐器，比双簧管更大更严重。
大号：很大比例的风琴乐器，声音庞大而严肃。
键盘
钢琴：虽然它已经存在于古典主义中，但钢琴是浪漫主义的伟大工具。 它为作曲家提供了最大的表现力，他们很多时候都是这种乐器的艺术家。
简要年表
浪漫主义的经典根源（1780-1815）
在文学中，人们常说浪漫主义始于1770年代或17世纪80年代，德国运动称为Sturm und Drang。 它主要受到莎士比亚，民间传说，真实或虚构以及荷马诗歌的影响。 像歌德或席勒这样的作家从根本上改变了他们的做法，而在苏格兰罗伯特·伯恩则描写了流行歌曲的诗歌。 这一文学运动在古典时期的音乐中以各种方式得到反映，包括莫扎特在德国歌剧中的作品，用于商业作品的歌曲和旋律的选择以及艺术表现中暴力的逐渐增加。 然而，大多数作曲家坚持“浪漫主义和革命”的能力或兴趣受到他们对皇室的依赖所限制。 这方面的一个例子是莫扎特的Le nozze di Figaro首演的故事，该故事因革命而受到审查。
即使是纯粹的音乐术语，浪漫主义也从经典实践的结构中获取了它的基本内容。 在此期间，组成和口译的标准得到了提高，并创造了音乐家的标准形式和集合。 在没有忽略原因的情况下，ETA Hoffmann称海顿，莫扎特和贝多芬为“三个浪漫的作曲家”。 古典主义最重要的内在潮流之一是色彩主义和谐波模糊的作用。 所有最重要的古典作曲家都使用了谐波模糊和在不同音调之间快速移动的技术而没有建立真正的音调。 最着名的谐波混乱的例子之一是海顿创造的开头。 然而，在所有这些偏移中，张力基于铰接部分，朝向主要或相对主要部分的运动以及纹理的透明度。
到了19世纪10年代，色彩和次要色调的使用已经结合在一起，希望转向更多的音调以实现更广泛的音乐以及对更大的歌剧范围的需求。 虽然贝多芬后来被视为运动的核心人物，但是像Muzio Clementi或Louis Spohrthey这样的作曲家更能体现出在主题材料中加入更多彩色音符的时间品味。 对更多色彩的渴望与维持结构的经典愿望之间的紧张关系导致了音乐危机。 一个回应是走向歌剧，即使没有正式的模型，文本也可以授予结构。 ETA Hoffman，现在因其音乐批评而闻名，他的歌剧Undinae（1814）是一部激进的音乐创新。 （不要与柴可夫斯基的1869年混淆）。 对这场危机的另一种回应是通过使用较短的形式获得的，包括一些新的形式，如夜曲，其中谐波强度本身足以使音乐向前移动。
Joseph Villegas的第一个浪漫作曲家（1815-1850）
在十九世纪的第二个十年，音乐的新来源的变化，以及在旋律中更明显地使用色彩和需要更多的和声表达，产生了明显的风格变化。 促使这种变化的原因不仅仅是音乐，还包括经济，政治和社会。 这个舞台是为新一代的作曲家设定的，他们可以讲述新的拿破仑后欧洲环境。
在第一组作曲家中，通常分为贝多芬，路易斯斯波尔，ETA霍夫曼，卡尔玛丽亚冯韦伯和弗朗茨舒伯特。 这些作曲家在十八世纪末和十九世纪初音乐会生活的戏剧性扩张中成长，这塑造了他们的风格和期望。 许多人都将贝多芬作为追随或至少渴望的榜样。 Muzio Clementi的色彩旋律以及Rossini，Cherubini，Spontini和Mehul的歌剧也产生了一些影响。 与此同时，流行诗歌中的声乐和钢琴歌曲的构成，以满足不断增长的中产阶级家庭市场的需求，是作曲家经济投入的新的重要来源。
这波浪漫作曲家浪潮中最重要的作品可能是歌曲的循环和舒伯特的交响曲，韦伯的歌剧，尤其是奥伯伦，德弗赖施茨和欧悦。 当时，舒伯特的作品只能在有限的观众面前解读，并且只会逐渐产生显着的影响。 相反，约翰菲尔德的作品很快见面，部分原因是因为他能够为钢琴和舞蹈创作小而“有特色”的作品。
下一批浪漫作曲家包括Franz Liszt，Felix Mendelssohn，FrédéricChopin和Hector Berlioz。 他们出生于十九世纪，很快就开始生产具有重要价值的作品。 门德尔松特别早熟，在他二十岁之前写了他的第一个四重奏，一个用于弦乐和管弦乐的八重奏。 肖邦致力于钢琴音乐，包括练习曲（学习）和两首钢琴协奏曲。 柏辽兹将在贝多芬逝世之后创作出第一部着名的交响曲，即前面提到的神奇交响曲。 李斯特创作的是管弦乐，但以钢琴技术创新而闻名，他的超凡研究是需要更多精湛技艺的作品之一。
与此同时，巴黎与意大利北部之间建立了紧密联系，现在被称为“浪漫歌剧”。 法国管弦乐精湛技艺，意大利声乐线和戏剧力量的结合，以及基于流行文学的歌剧，确立了继续主导歌剧界的规范。 Vincenzo Bellini和Gaetano Donizetti的作品在当时非常受欢迎。
浪漫主义这一部分的一个重要方面是钢琴协奏曲（或“独奏会”，弗兰兹·李斯特称之为“）的广泛流行，其中包括流行主题，短片和较长片的即兴创作，如贝多芬或莫扎特的奏鸣曲。 最着名的贝多芬作品之一是Clara Wieck，他后来与Robert Schumann结婚。 由于火车和蒸汽的推移，当时提供的新旅行设施使得李斯特，肖邦和塔尔伯格等良性钢琴家的国际粉丝群体得以出现。 这些音乐会自己被转化为事件。 着名小提琴演奏家NiccolòPaganini是这一现象的先驱。
在19世纪30年代末到19世纪40年代之间，这一代的成果向公众展示，如罗伯特舒曼，贾科莫梅耶贝尔和年轻的朱塞佩威尔第的作品。 值得注意的是，浪漫主义并不是当时唯一的，甚至不是最重要的音乐类型，因为音乐会节目主要由后古典主义流派主导，例如巴黎音乐学院，以及宫廷音乐。 随着某些机构的兴起，这种情况开始发生变化，例如常规季节的交响乐团，这是菲利克斯门德尔松本人所推崇的一种时尚。
正是在这个时候，理查德瓦格纳制作了他的第一部成功的歌剧，并开始寻找新的方式来扩展“音乐剧”的概念。 瓦格纳喜欢称自己为革命者，并且与他的放债人和当局一直存在问题; 与此同时，他围绕着一群有着相似想法的音乐家，如弗朗兹·李斯特，他致力于创作“未来音乐”。
通常表明文学浪漫主义于1848年结束，当年发生的革命，标志着欧洲历史上的一个里程碑，或者至少是对艺术和音乐前沿的看法。 随着“现实主义”意识形态的出现，以及帕格尼尼，门德尔松和舒曼等人物的死亡，以及李斯特退出舞台，新一代音乐家出现了。 有些人认为这一代应该被称为维多利亚时代，而不是浪漫主义。 事实上，十九世纪的最后几年经常被描述为晚期浪漫主义。
晚期浪漫主义（1850-1870）
到了19世纪下半叶，在拿破仑后时代开始的许多社会，政治和经济变革得到了肯定。 电报和铁路使欧洲更加团结。 民族主义是本世纪初最重要的来源之一，被正式化为政治和语言因素。 作为中产阶级观众的文学成为出版书籍的主要目标，包括以小说崛起为主要文学形式。
十九世纪上半叶的许多人物已经退休或死亡。 许多其他人也走在了其他道路上，利用了音乐会生活中更大的规律性，以及可用的财务和技术资源。 在过去的五十年中，许多仪器的创新，包括钢琴动作双排气（双悬崖），带阀门的管乐器和小提琴和中提琴的路缘（下巴休息），从一种新的变为标准。 音乐教育的增加有助于为钢琴音乐和更复杂的音乐会创造更广泛的受众。 随着音乐学院和大学的建立，音乐家们有可能成为教授的稳定职业，而不是依赖自己资源的企业家。 这些变化的总和可以在创作的交响乐，音乐会和交响诗的巨大浪潮中看到，以及在巴黎，伦敦或意大利等许多城市和国家扩大歌剧季节。
浪漫时期的晚期也出现了与流行（民俗）音乐和某些国家的诗歌相关的所谓“民族主义”流派的兴起。 德国或意大利音乐的概念已经在音乐史上广泛建立，但从19世纪末开始，俄罗斯子类创作（Mikhail Glinka，Musorgski，Rimsky-Korsakov，Tchaikovsky和Borodin）; 捷克语，芬兰语和法语。 许多作曲家在他们的目标中明确地是民族主义者，他们寻求创作与他们家乡的语言和文化相关的歌剧或音乐。
后浪漫主义（1870-1949）
它可以被认为是十九世纪末和二十世纪初的一种运动，它与管弦乐繁荣中的浪漫主义和交响乐发展中的不成比例不同，它的特点是强烈的色彩超越理查德瓦格纳。 在后浪漫主义作曲家中，观察到了导致浪漫文化丧失的忧郁。
这种风格最具代表性的作曲家是Anton Bruckner，Erik Satie，Gustav Mahler和Richard Strauss。
浪漫的音乐家
通过对社会和世界的态度，贝多芬成为浪漫运动的典范，同时也是一种危险的模式。 当然，这个人的形象为他的“艺术家”概念提供了浪漫时代的范例。 这并没有消除向社会提供直接服务的“音乐家”的想法，也就是说，教堂的歌曲，管风琴，合唱团的歌手，剧院乐团的导演和长期等等。
很清楚的是，浪漫的舞台引起了“艺术家”和“庸俗”之间的对抗，正如罗伯特舒曼在他的作品嘉年华中所说的那样。 贝多芬开始了这样一个时期，交响乐，清唱剧，室内乐，合唱团和抒情诗，各种各样，甚至是歌剧，都是在没有任何人委托他们，为想象的观众，未来和永恒的情况下创作的。
如果没有对他的个性和作品性质的追溯效果，浪漫音乐家的孤立就不会发生。 在1800年之前，所有成分必须易于立即评估; 如果旧习俗的偏差，传统的偏差过大，那就不是没有危险的，因为不止一位作曲家有机会学习他自己的经验。 这是蒙特威尔第，格鲁克或海顿等人的情况。
另一方面，原创性的竞争更多是例外而非规则。 所以，几代人相互成功。 浪漫的音乐家坚持传统，他们不仅停止了原创性，而且他们迫害它并且作品的先入为主的思想更加自由，它引起的估计就越大。
浪漫的音乐，十九世纪的音乐，充满了各种各样的个性，一系列的形象比前几个世纪更加明显和分化，清楚地追踪他们的轨迹是一项非常艰巨的任务。演化。
二十世纪的浪漫主义（1901年，之后）
许多出生于十九世纪并继续创作二十世纪的作曲家使用的形式与之前的音乐时代有着明显的联系，包括谢尔盖拉赫玛尼诺夫，贾科莫普契尼，理查德施特劳斯和库尔特阿特伯格。 另一方面，许多后来被认定为现代主义作曲家的作曲家在早期作品中写下了一种鲜明的浪漫风格，如伊戈尔斯特拉文斯基（他的芭蕾舞剧“火鸟”），阿诺德·勋伯格（Gurrelieder）和贝拉·巴托克（BélaBartók）蓝胡子城堡）。 但是十九世纪晚期的词汇和音乐结构并没有就此止步; Ralph Vaughan Williams，Erich Korngold，Berthold Goldschmidt和SergéiProkófiev在1950年以后延续了这种类型的作品。
虽然一些新趋势，如新古典主义或无调音乐，质疑浪漫主义流派的显着性，但是对于使用以色调为重点的彩色词汇的兴趣仍然存在于最重要的作品中。 Samuel Barber，Benjamin Britten，Gustav Holst，Dmitri Shostakovich，Malcolm Arnold和Arnold Bax，虽然他们认为自己是现代和当代作曲家，但他们的作品中往往表现出浪漫倾向。
浪漫主义在1960年左右达到了一个修辞和艺术的最低点：一切都表明，未来将由先锋派的流派或某种新古典主义元素形成。 虽然欣德米特在他们的浪漫根源中回归到更多可识别的风格，但许多作曲家却朝着其他方向前进。 似乎只有在苏联或中国，那里存在着保守的学术等级，浪漫主义才有所作为。 然而，在20世纪60年代后期，一场浪漫表面的音乐复兴开始了。 乔治·罗赫伯格（George Rochberg）等作曲家从连续音乐转向基于古斯塔夫·马勒（Gustav Mahler）的模特，该项目由尼古拉斯·梅（Nicholas Maw）和大卫·德尔雷迪奇（David Del Tredici）等人陪同。 这种运动通常被称为新浪漫主义，包括约翰科里利亚诺的第一交响曲等作品。
浪漫类型幸存下来并且甚至蓬勃发展的另一个领域是配乐。 从纳粹德国逃出的许多第一批移民都是犹太作曲家，曾在维也纳与马勒或他的弟子一起学习过。 作曲家马克斯·斯坦纳（Max Steiner）的电影“乱世佳人”（Gone With the Wind）的得分就是使用瓦格纳主义乐团和马勒尔编曲的一个例子。 好莱坞黄金时代的电影音乐主要由Korngold和Steiner以及Franz Waxman和Alfred Newman组成。 由亚历山大·诺斯（Alexander North），约翰·威廉姆斯（John Williams）和埃尔默·伯恩斯坦（Elmer Bernstein）创作的下一代电影作曲家在20世纪末更为熟悉的电影中，在管弦乐音乐的构成中借鉴了这一传统。
浪漫主义的音乐形式
音乐浪漫时期从1770年持续到1910年，因此最常用的乐器是钢琴。 在器乐音乐领域，他的主要传统是奏鸣曲，在贝多芬的交响乐中达到了最强烈的表达和普遍意义。
在浪漫交响乐的方式
从一开始，浪漫主义者就交响乐形式采取了放松的态度。
到这时它已经被释放并编辑了Eroica，这个最高重力的模型听起来像是最纯粹的结构的赞美诗。 这种构成，没有任何工具强加于团体内，每个人都有助于全球交响乐的目标。