2015年威尼斯艺术双年展回顾,散落城中场地的展览,意大利

第56届威尼斯国际艺术展主题为“全世界的未来”,于2015年5月9日至11月22日在中央展馆和军械库向公众开放。为庆祝成立 120 周年,展览形成了一个单一的行程,从中央馆(贾尔迪尼公园)开始,并在军械库继续。双年展建立在自己的历史基础上,年复一年地向前推进,它由许多记忆组成,尤其是一长串不同的视角,可以观察当代艺术创作的现象。

由Okwui Enwezor策划,由 Paolo Baratta 主持的威尼斯双年展组织,艺术参与在 Giardini、Arsenale 和威尼斯市的历史展馆展出。拥有来自53个国家的超过136位艺术家。在展出的作品中,有 159 件是为今年版特别制作的。首次参展的国家有格林纳达、毛里求斯、蒙古、莫桑比克共和国和塞舌尔共和国。其他国家在缺席多年后今年也参加了:厄瓜多尔、菲律宾和危地马拉。

由国际展览策展人批准并由非营利性国家和国际机构推动的44个附带活动在威尼斯市内的不同地点展示他们的展览和倡议。

全世界的未来
双年展观察艺术与人类、社会和政治世界发展之间的关系,因为外部力量和现象笼罩着它。 All the World’s Futures 调查外部世界的紧张局势如何影响艺术家的敏感性、生命力和表现力,影响他们的欲望和内心的歌曲。今天,我们面前的世界呈现出深刻的分歧和创伤,以及对未来的明显不平等和不确定性。尽管在知识和技术方面取得了巨大进步,但我们目前正在谈判一个“焦虑时代”。

展览提出的主要问题是:艺术家如何通过图像、物体、文字、动作、动作、文本和声音,在倾听、反应、参与和说话的行为中聚集观众,以期使感受到这个时代的剧变了吗?更简单地说:艺术如何对当前的事态做出反应?

因此,这个双年展是从评估“事态”的紧迫性开始的。认识到当前的复杂性,一个包罗万象的主题,并提出了一个展览,从时间的角度来看汇集了多种内容 – 过去和现在的作品,其中许多是为这个场合委托的 – 和语言.这一愿景的核心是位于中央馆的竞技场空间,这里是阅读、表演、音乐会和戏剧作品的场所,提供当代社会的共时和历时视觉。

一切都以双年展 120 年的历史为背景展出。考虑到双年展在艺术、建筑、舞蹈、戏剧、音乐和电影领域都很活跃,每个角落都可以找到各种过去的片段。正是多方面的、复杂的现实帮助展览避免了这些危险。我们历史碎片的大山一年比一年长。在过去的双年展上没有展示过的更大的山峰对面矗立着。

国家馆

阿尔巴尼亚馆:阿尔巴尼亚三部曲:一系列诡计
地拉那的 Armando Lulaj 的“阿尔巴尼亚三部曲:一系列狡猾的策略”让您向后看,以便向前看。卢拉杰——他对威尼斯双年展并不陌生,之前曾在 2007 年的版本中展出过——利用他作为剧作家、作家和视频导演的多元化背景来考察冲突地区和危险地区。在他看来,阿尔巴尼亚的集体记忆和文化传统正面临消失的危险。阿尔巴尼亚社会历史的反思,一个单一的叙事语料库,表达了三个不同的时刻:阿尔巴尼亚三部曲是一种过去的时间胶囊,带有奇怪的纪念品和奖杯,同时呈现小说和纪录片材料。结合唤起和记录,该项目专注于历史政治阶段,这对于建立不仅是阿尔巴尼亚人而且是国际身份的身份都极为重要。

对于双年展,Lulaj 对他的祖国冷战时期的视觉表达挖掘了过去陷入困境的脉搏,重新编写了嵌入的叙事,将阿尔巴尼亚的历史带入了当下。这个由三部分组成的系列从 It Wears as It Grows(2011 年)开始,然后是广受欢迎的 NEVER(2012 年),最后是 Recapitulation(2015 年),专为双年展创作。展出的是三个视频和档案材料,以及一个巨大的鲸鱼骨架,它既是主角又是沉默的见证者,是巨人利维坦的化身,霍布斯的主权原则。对于 Armando Lulaj 阿尔巴尼亚三部曲来说,它代表了对阿尔巴尼亚冷战时期的多年研究的结论,特别是关于集体记忆和历史经验的相关主题,电影三部曲汇集在一起​​,其中三个神话般的恋物癖象征着海洋、空气和陆地。

安道尔馆:内部景观。对抗
面对大型互联网公司的垂直软实力强加的巨大数字记忆的暴政,或者因为所有数据都被存储而完全不可能健忘,十亿人的隐私边界已经消失。画家 Joan Xandri 的装置作品,大约二十幅画作为一艘船的长长的船头,直立放置在地面上,杂乱无章,经常回到字体,也隐藏了相邻作品的一部分,邀请我们反思和理解我们现在必须承担起保护我们的隐私,甚至我们的灵魂的责任。通过这样做,他还带领我们进入了一个不寻常的空间,在那里观察者被他或她的想象力吸引到第二个可视化中,在那里流动的灵感来自一件故意模糊传统绘画规范的作品。

雕塑家阿古斯蒂·罗克 (Agustí Roqué) 的作品应该被视为一幅精美的风景画,倾向于水平,没有真正的焦点或对称中心,这是后现代静物画的基础,旨在让观众接受与现实的相遇通过与自己的对抗和一个他们可以玩心理游戏的空间来了解未知。 Agustí Roqué 在后现代主义中轻松自如地创作了一件具有完全自主性的作品,在充分识别精确生产系统的各种潜力的同时,设法保持其自由。三件作品被归类在令人回味的标签内,如果需要澄清的话,它阐明了他长期以来将全部创造力奉献给空间的奇妙作品,赋予雕塑额外的时空事件对象。

安哥拉馆:关于旅行的方式
“关于旅行的方式”。恰逢 1975 年葡萄牙独立 40 周年,这次集体展览将踏上穿越国家历史的旅程,为未来几年开辟可行的道路。在建于 15 和 17 世纪的 Palazzo Pisani 中举办,在这个时代,巨大的海上强国正在扩展他们的海外帝国,葡萄牙在这个时代在安哥拉定居了半个千年。正如“旅行的方式”所暗示的那样,占领对当代安哥拉的影响仍然生动,尤其是在处理如何协调传统与现代等问题时。最近的内战进一步分散了安哥拉自我的脆弱建构。但在过去的创伤后遗症的希望之风正在吹。作品的选择聚集了安东尼奥·奥莱 (Antonio Ole) 周围的新兴艺术家,这种代际对话为新安哥拉的社会和文化发展提供了令人耳目一新的观点。

年轻一代大力推动努力塑造更美好的未来。大砍刀是安哥拉抵抗运动的象征,是卓越图像表现的支撑; Délio Jasse 以摄影的形式展示了对记忆、它的沉淀和遗忘原因的研究;尼洛·特谢拉 (Nelo Teixeira) 紧随其后的作品以木头构成基本结构,并结合物件突出了平行叙事;最后,Binelde Hyrcan 是一位在美学选择上非常折衷的艺术家,展示了他最近研究的视频和装置。奥莱的中心部分由两块金属板墙制成,这种材料用于非洲城市中心郊区的坍塌。人类的抵抗和生存是他作品的核心主题。土壤,空玻璃瓶和从安哥拉进口的破布碎片堆放在结合的玻璃柜中,表明存在这种临时建筑的居民。附近,两座由堆积如山的塑料桶制成的巨大雕塑挑战万有引力定律。

阿根廷馆:形式的起义
展览名为“形式的反叛”,回顾了不同双年展中获奖的艺术家——胡里奥·勒帕克、安东尼奥·贝尔尼和莱昂·法拉利。该节目反映了人类状况,其中身体是体验的特权领地,人物逃脱或通过改变与空间和物质的关系将自己压在紧张局势中并坠落。展出的 23 件作品中的所有其他作品都是彩色的,并带有似乎包裹着他的作品的特殊和包裹树脂。死亡有一个时钟,上面有雕刻,第 59 项的通知,那些提供性服务的:这是移植到 21 世纪异装癖者身上的希腊艺术奇迹。在展馆的入口处,由于没有底座,与人眼距离相同的雕塑,这与人们产生了非常强烈的对话。 Juan Carlos Distéfano 的作品超越了地方层面。在无视物理和时间界限的普遍艺术的全景中崛起。

“恶作剧的艾玛”是对同名妓女系列中的 Spilimbergo 的致敬,这是一个伟大但可怕的雕塑,它是关于一个异装癖者的形象,他的拖鞋正在吸吮她的空脖子和黑色。下面有一个地板,也是这两种颜色的棋盘格。 “Los enluminados”,强烈暗示暴力,不同层次的权力都看向一侧,双手抱膝,祈祷的姿势,仰头,表现出整个部门的绝对冷漠与军事独裁期间发生的事情有关的权力。 Distéfamo 的雕塑展示了一名工人看到风筝缠结并安装在灯柱上,用钳子剪断电缆。他希望风筝冒着触电的危险再次飞翔,比喻为一个人为了他人的利益而自焚。

亚美尼亚馆
金狮奖得主
亚美尼亚馆是为了纪念第一次世界大战期间奥斯曼土耳其人对超过 100 万亚美尼亚人的种族灭绝100 周年。展览重新思考了“亚美尼亚人”的概念,并将这种反思扩大到身份和记忆、正义与和解的概念,许多当代斗争仍在以这些概念为名。展出的是与相关的艺术家的作品集。来自欧洲、美洲和中东各国的侨民。装置本身发生在亚美尼亚 Mekhitarist 修道院,位于威尼斯东南部的一个小岛上,可乘坐汽艇抵达。许多欧洲文学和宗教文本的重要作品首先在这个风景秀丽的岛屿上翻译成亚美尼亚语。在其三百年的历史中,圣拉扎罗修道院及其花园、前印刷厂、回廊、博物馆和图书馆帮助保护了亚美尼亚独特的文化遗产

“Armenity”是种族灭绝幸存者及其祖先的流离失所者的复杂且不规则构建的自我认同。展馆的典型贡献包括 Nina Katchadourian 和 Aram Jibilian 的贡献。在消除口音 (2005) 中,Katchadourian 通过购买口音教练(他们在散居社区做大量广告)的服务,然后训练她的父母说“自然”英语,来探究选择性同化背后的心理。纽约的摄影师和社会工作者吉比利安展示了 2008-15 年间调查著名亚美尼亚画家阿尔希尔·高尔基的多价遗产的一系列作品:在精心安排的图像中,吉比利安和他的家人居住在象征性丰富的空间中,同时戴着被描绘成看起来的面具像高尔基揭露种族灭绝幸存者需要的自我掩饰和伪装,并质疑过去悲剧对后代艺术作品的影响。

澳大利亚馆:Fiona Hall: Wrong Way Time
《错路时光》聚焦全球争议、金融、环境三大领域的“狂、恶、悲”。 《错误的时间》进入了一个黑暗的空间,发光的物体从阴影中出现,绘有时间的时钟滴答作响;烧焦的柜子里堆满了钞票、报纸和地图集;从沙丁鱼罐中钻出复杂的铁皮雕塑;雕刻的燕窝是用碎钞票制成的。展览汇集了数千种元素,探索“疯狂、邪恶和悲伤”的主题。 Fiona Hall 将她的展览解释为“个人尝试调和阴郁和混乱的状态与对我们都居住的地方的好奇心和感情”。

新的澳大利亚馆在第56届威尼斯双年展国际艺术展上重新开放。这座优雅的新建筑代表着澳大利亚艺术在国际上的雄心勃勃的篇章,尊重威尼斯遗产的重要性,并在国际舞台上为后代展示澳大利亚最好的艺术和建筑。附带展览 Country 展示了来自澳大利亚多个内陆地区的 30 位土著和托雷斯海峡岛民艺术家的作品。这次展览是意大利艺术家 Giorgia Severi 在澳大利亚逗留一年半并在整个大陆的艺术空间中途停留的结果。 Country 处理了“整个澳大利亚社区不同文化的熔炉”,研究了记忆与传统之间的联系。

奥地利馆:Heimo Zobernig
Zobernig 通过绘画、视频和装置探索了这些主题。除了展示独立作品之外,Zobernig 还改变了展馆本身,以应对在固有的民族主义和竞争性空间中创作艺术的特殊挑战。Heimo Zobernig 审议的出发点是:一个人如何为基于民族国家代表性的环境做出充分的贡献,在这种环境中,个人的声音不断地争夺最大的关注?在这样的背景下,哪些现象是有意义的?正是出于这样的目的,奥地利馆以其古典和现代的形式语言,提供了一个理想的展览空间。

由约瑟夫·霍夫曼和罗伯特·克拉姆雷特设计、1934年建造的奥地利馆,一方面以其古典的圆拱和雄伟的视轴,以及清晰的理性形式和现代材料,另一方面在历史性和现代性之间转换结构. Zobernig 通过黑色巨石似乎悬停在天花板下,在展馆的整个地板空间上投射阴影,以及消除展馆不同层次的黑色地板结构,从视线中去除了建筑物的历史建筑元素。 Zobernig 的复杂干预使建筑空间与自然、内部和外部之间的界限相对化。他的建筑干预,其等距平面图让人想起密斯凡德罗在柏林的国家美术馆,与花园和庭院的后墙一起,构成了一个封闭的场地,人们可以在那里徘徊和反思艺术的呈现方式和人类在空间中的存在。

阿塞拜疆馆:超越界限
Vita Vitale 和 Beyond the Line 汇集了国际当代艺术家,他们的作品表达了对我们星球命运的担忧。该展览首次向广大艺术专业人士展示了上世纪阿塞拜疆先锋派的原创艺术。在苏联时期,官方未接受的艺术家在阿塞拜疆被完全孤立。艺术家们不得不深入挖掘自己的灵感,但也在阿塞拜疆数百年的艺术和手工艺以及制作地毯的传统中找到了灵感。 Tofik Javadov、Javad Mirjavadov、Ashraf Murad、Rasim Babayev 和 Fazil Najafov 都是才华横溢的大师,每个人都培养了自己独特的艺术实践。他们被表达他们深厚文化影响的意象联系在一起,象征性的视觉语言,以及中东民族和民间风格的非凡复杂的使用。

这两个展览展示了一个国家对过去和未来的思考,以及 20 世纪社会和工业变革对其本土和世界的影响。 Beyond the Line 重温了阿塞拜疆历史上的一个关键时刻,并将他们的声音返回给了在苏联统治下被沉默或忽视的本世纪中叶艺术家。凭借 Vita Vitale,阿塞拜疆展望未来,超越其地理边界,为国际艺术家和科学家提供一个平台,帮助他们应对由于我们的技术进步以及随之而来的消费主义兴起而在当今和未来全球面临的生态挑战。两个展览都展示了艺术家在社会和环境问题上的声音的重要性,这些问题不仅定义了过去、现在,和阿塞拜疆的未来,但地球的未来。

白俄罗斯馆:战争见证档案馆
War Witness Archive 是关于世界大战记忆的艺术清单。该项目关注一个人——战争、冲突、另一个人的痛苦、苦难、对未来的恐惧的见证人。 “交流空间”是借助20世纪转折点,第一次和第二次世界大战的摄影档案创建的。该项目最初是作为与第一次世界大战历史相关的摄影档案的研究,现在正在与二战摄影档案形成对比。档案馆形成了它的机构,收集有关存储在同时代人记忆中的过去事件的证词。 2014年在当代艺术博物馆举办的博览会成为WWA的第一个体现。该项目继续其生命周期,传统的摄影档案获得了新的状态,元存档状态。

比利时馆:
“Personne et les autres”以比利时艺术家的个展或双展为特色。它摆脱了传统的个展形式,并开放以包含多种立场和观点,从而挑战了国家代表的概念。该展览探讨了殖民现代时期及其之后欧洲和非洲之间的政治、历史、文化和艺术互动的后果。它探讨了未知或被忽视的微观历史,将因殖民遭遇而出现的现代性的替代版本带入视野,并讲述了在公认的殖民等级制度之外展开并对其作出反应的故事。该项目旨在深入了解这一时期产生的各种形式——无论是艺术的、文化的还是知识分子的。

在“Personne et les autres”中,比利时艺术家文森特·梅森 (Vincent Meessen) 和他选择作为合作者的一群国际艺术家回顾了比利时令人担忧的殖民过去及其塑造的未来。该展览以比利时艺术评论家安德烈·弗兰金 (André Frankin) 丢失的戏剧剧本命名,他是国际情境主义 (Situationist International)(据说影响刚果革命的激进艺术家和哲学家团体)的早期成员,这表明需要重新理解殖民主义对艺术和劳动的影响。它通过考察共同的前卫遗产来质疑以欧洲为中心的现代性观念,该遗产以欧洲和非洲之间的艺术和知识交叉融合为标志,产生了所谓的多元化的“反现代性”。

巴西馆:太多了,不适合这里
“太多了,它不适合这里,”将 1960 年代和 70 年代的国家激进主义重新融入当代巴西支离破碎的社会现实。在 1970 年代,安东尼奥·曼努埃尔 (Antonio Manuel) 的干预穿插了超现实主义的头条新闻,并用真实的文章篡改了图像,这些文章因其耸人听闻而精心策划。曼努埃尔代表了受威权主义驱使的一代巴西艺术家,他们致力于以暴力、不稳定和身体为主题。安德烈·小松 (André Komatsu) 和伯纳·雷亚莱 (Berna Reale) 的作品都让人想起曼努埃尔 (Manuel) 选择的主题。小松用晚期资本主义的碎屑制作现成的雕塑:碎砖和煤渣块;溢出的油漆和废弃的墙壁;在拆除过程中冻结的电动工具。与居住在城市的曼努埃尔和小松不同,Reale 来自更偏远的北部帕拉州,在那里她保持着犯罪专家的替代职业。她的专业经验为她的表演和装置提供了信息,这些表演和装置使用破坏性的身体展示来解决当代巴西社会普遍存在的犯罪、暴力和社会异质性问题。

加拿大馆:Canadassimo
名为 Canadassimo 的巨大沉浸式装置提供了一条穿过加拿大馆的奇怪路径,该馆已经完全改造。在部分遮住建筑物外墙的脚手架下方——给人一种展览仍在建设中的印象——是 depanneur 的入口,这是魁北克各地发现的小型社区便利店之一,出售罐头食品和其他家庭必需品。除了这家典型的混乱破旧的商店之外,还有一个阁楼式的生活空间:虽然更有条理,但这个区域显然是回收爱好者的领地。接下来是 BGL 称之为“工作室”的地方,那里挤满了无数各种各样的物品,包括成堆的涂满油漆的锡罐。穿过这个奇异的生活/工作领域后,观众可以在露台上放松一下,露台上可以欣赏到贾尔迪尼 (Giardini) 的壮丽景色。

BGL,一个以沉浸式装置和公共干预而闻名的加拿大集体。 BGL 的实践经常被描述为具有挑衅性和批判性,利用幽默和奢侈来探索物体的世界,同时提出与自然、当代生活方式、经济和艺术系统相关的社会和政治问题。除了雕塑和表演,该集体的作品还包括巨大的装置,让观众陷入意想不到的境地,促使他们质疑自己的行为并修正他们对现实的看法。 BGL 一直对生活在主流之外的边缘审美和边缘人群着迷,他们是 bricoleur,收藏家。不仅是回收利用,还可以重复使用并将日常物品转化为其他东西。在消费社会,回收成为质疑社会的一种方式。

智利馆:
“Poéticas de la Disidencia”(异议诗学)汇集了两位智利艺术家、摄影师 Paz Errázuriz 和表演和视频艺术家 Lotty Rosenfeld 的作品。受智利近期政治历史的启发,这三位女性代表了在政治动荡的 1970 年代发展起来的一代智利活动家,在这十年里,奥古斯托·皮诺切特将军在一场血腥政变中推翻了萨尔瓦多·阿连德的民主政府,并将他自己的近 20-长达一年的军事独裁。然而,“Poéticas de la Disidencia”聚焦于当今的智利,探索其从独裁政府向民主政府的转变。

摄影师 Paz Errázuriz 穿越 1980 年代的圣地亚哥,捕捉皮诺切特严格社会边缘的生活。她史诗般的摄影文章 La manzana de Adán 展示了地下易装癖者、男性妓女的肖像和传记,这些社区面临着来自官方无视和国家暴力的生存压力。展馆的策展人耐莉·理查德 (Nelly Richard) 是同一代著名的文化评论家。这三位思想家的共同关注点表明智利致力于解决其近代历史带来的问题。展览表明,人们对威权统治提出的问题持续感兴趣:权力、财富、性别和自由。

中国馆:其他未来
“公民未来”表达了一种理解,“另一个未来”,一切都在人民中间,指向未来。世界的秩序不应该由少数人决定。随着时间的推移,群众的行为在一个看似无意识的运动中创造了秩序、方向和未来。数字技术和媒体技术的发展正日益促进这一过程。每个人对世界未来的影响正变得越来越明显。有些道路如果出现在处女地,不太可能是城市规划者设计和工人建设的结果;相反,它们更有可能是在群众自发、看似无序的长期践踏过程中形成的。群众不仅仅是盲目前行的路人。他们聪明、主动、自发。

徐冰、邱志杰、季大纯和曹斐目前正在本届双年展的不同场地展示他们的作品。徐冰是 1980 年代末前卫运动的领军中国当代艺术家之一。徐从中国各地建筑工地的废墟中创作了两件令人印象深刻的巨大而宏伟的雕塑“凤凰计划2015”。邱志杰属于以视频和摄影为新媒体的年轻一代。他的项目名为“历史通函”,谈论历史是如何不时流传的。显示器似乎非常拥挤,很难理解,但在美学上是平衡的。季大纯在他的八幅画中展示了中国东西方面貌的多面关系,而曹斐,作为本次展览中最年轻的艺术家,她展示了她的影像作品《La Town》。曹女士以其多媒体艺术作品而享誉国际,试图提出她对中国的社会和政治问题。

克罗地亚馆:颤抖研究:三级
克罗地亚馆扩展了 Damir Očko 的最后两部电影 TK(2014)和 The Third degree(2015)的诗意。这两部电影都质疑作为身体和社会存在对身体施加的社会约束,同时探究我们社会固有的潜在规范。在第三度中,人们可以看到三度烧伤导致的皮肤疤痕的特写镜头,周围环绕着水晶般清晰的音符。通过安装破碎的镜子拍摄,也反映了剧组的拍摄,皮肤的质地几乎变成了一个抽象的元素。通过包括电影背景,第三度揭示了通常隐藏在视线之外的东西,从而将观众融入艺术发展中。

在这个未命名的房间里,展示了由电影 TK 的主要主角之一,一位患有帕金森氏症的老人绘制的 16 幅画作。每幅画都以 Damir Očko 的一首诗开头,开头写着“In Tranquility…” 分析和呈现艺术家、观众和展览之间相互依存的轮廓,Damir Očko 让观众参与进来这样他们就可以意识到自己在艺术过程中的作用。因为如果语境提供信息,它也会通过语义转换和展示艺术创作的内部结构来改变,以创造一种新的修辞,这种机制加强了我们作为当今复杂世界的见证者和行动者的地位。

古巴馆:El Artista entre la individualidad y el contexto
古巴馆突出了艺术家的想象和反思范围,在个性的独特两极和他们碰巧工作的环境之间不稳定地平衡。展馆强调了艺术家为对话和叙事结构赋予生命的能力,从个人的本质和识别包袱开始,通向世界和生活以及社会和文化背景的体验,政治领域和规范化领域。展览强调了艺术家在他/她生活和工作的不同个性和环境中进行想象和反思的能力。 El Artista entre la individualidad y el contexto 引导我们不仅反思微观系统和古巴语境,还反思全球空间,数字网络、全球经济进程以及地理区域中感兴趣的人类学和本体论领域。

四位古巴艺术家 Luis Gómez Armenteros、Susana Pilar Delahante Matienzo、Grethell Rasúa 和 Celia-Yunior 以及四位国际艺术家 Lida Abdul、Olga Chernysheva、Lin Yilin 和 Giuseppe Stampone,象征性地代表了一个中间空间,一个我们所处的无休止的脆弱区域鼓励去旅行。这段旅程在于我们感知系统的重大变化,在于城市结构、设计和技术更新对创意过程的污染——所有这些都只是古巴遥远的现实系统。该项目展示了一代人的艺术实践选择,一方面吸收其自身档案的力量、其内在的革命意识形态痕迹、亲密性和主观性作为输入的无限来源,另一方面,穿越社会现实,跨越伦理与审美的转变。

塞浦路斯馆:永远的两天后
《永远的两天后》以考古学的发明及其在塑造历史主叙事中的重要作用为出发点。反思编排历史意味着什么,驾驭它的多重极点,并存在于一个被有争议的意识形态负担如此沉重的当下。1960 年代和 70 年代是塞浦路斯共和国的重要过渡时期。Christodoulos Panayiotou 调查和挪用了他国家历史上这个时期的档案材料,关注国家身份的官方和偶然建构——尤其是通过文化仪式和奇观的镜头。

Panayiotou 利用多种策略,质疑传统是如何形成的,以及作者身份和真实性是如何被支配的。通过一丝不苟的舞台表演,艺术家批判了现代性的夸张和理想结构及其不一致的进步观念。从尼科西亚考古博物馆借来的古代 tesserae 被重新组合成短暂的艺术品,然后被送回他们在塞浦路斯的家,在那里他们在展览结束时恢复到以前的匿名废墟状态。 《永远之后的两天》采用了多种形式,是一场沉睡、苏醒、体现不同时间性的展览。因此,它表现为展馆内外的运动人类学,与地中海各地的不同公众互动。这种编舞的核心是 Panayiotou 对 La Bayadère 的《尼基亚之死》的变体,通过将传记与历史想象相结合的持续表演,将考古学和阿拉伯式花纹的最终芭蕾舞地位置于直接对话中。

捷克斯洛伐克馆:神化
“神化”基于捷克分离主义艺术家阿尔方斯·穆夏的不朽画作《斯拉夫人的神化:人类的斯拉夫人》。大卫从当代艺术家对穆夏作品的挪用和重新诠释的立场接近穆夏的画作,以对原始图像的黑白重新加工为代表,同时构成了一种解构行为,通过他对构图各个部分的微妙干预而得到加强以伪经的形式。具有互文交叉的装置的重点是积极的观众,通过参与空旷的空间和以走廊为重点的狭窄空间,可以获得一系列有趣的心理、情感和视觉体验,这给观众带来了潜入“知识和记忆的考古学”的挑战。观众/参与者遇到了重新解释的神化,反映在相同尺寸的镜子墙上,并成为它的转瞬即逝的一部分。

在这部作品的语境中,镜子是一个重要的比喻,因为它为观众提供了自我反省和反省的可能性。基于冥想和游戏性的装置激励接受者在一个多世纪的时间轴上考虑地缘政治和社会文化问题,并询问他们有关重新评估概念的问题,如家庭、国家、民族、国家、捷克人和斯拉夫民族的历史。通过这种方式,Apotheosis 也成为了一个特定时间的装置,它激发了对许多严肃的政治、经济、社会文化、哲学和社会学问题的批判性思考,这些问题在更广泛的关系中引用了世界的过去和现在其中地方性和全球性问题相互交叉。

厄瓜多尔馆:金水:世界末日黑镜
《金水:世界末日黑镜》,真正的生命与艺术宣言。 Maria Veronica 用她的新视频音频多联画装置创造了一个多媒体景观,将绘画、视频、摄影、物体和声音作为相互关联的视觉技术,正如她所说,在一个“技术剧院”中展示水元素,作为生命之泉宣告一种新的心境。她的视频致力于通过观众的震惊与不寻常的投射之间的关系创造新的体验,以及在意外经历之后神秘地铭刻信息的方式,创造现实,改变物体的性质,将其置于陌生的环境中。上下文为其提供了新的身份。艺术家对过度、夸张、工业的沉醉和漂流,深入大自然的核心,改变“水振动能量”和“黄金的象征、历史和文化意义”。

该项目围绕着一个强烈的象征建造:壁炉,它是立方体形状的前沿厨房,但具有新的身份。这种写实结构的相关性在于其普遍性,从而使艺术家能够创作出原创作品,在遗忘自我的过程中隐喻唤起人性。一排嵌入轨道的微波墙展示了一个失落的天堂的图像,让人想起柏拉图洞穴的墙壁。几个视频展示了一个装瓶厂的图像:金属背景上的混乱节奏产生了像新星系一样开放和转变的恒星。另一个视频显示了虚拟和白炽金在与水的永恒斗争中并引起混乱。黄金作为经济指标变成了美丽的承诺。

埃及馆:你能看到吗?
“你能看到吗?”挑战观众:艺术家们在显而易见的地方隐藏了一个信息。和平这个词在五个三维的、草状的结构中拼写出来,这些结构压倒了人类的可读性。在导航这个不确定的文本空间时,观众通过附加平板电脑的界面进一步面对覆盖在画廊空间上的“增强现实”。这种虚拟互动为观众提供了选择两个分支叙事的选项,无论是正面的还是负面的,它们在空间中上演,将“和平”这个词变成不同的、有时是相互冲突的场景。

一条由白色中密度纤维板制成并覆盖着人造草皮的狭窄路径环绕空间,形成坡道、陡峭的落差和通道。一些三星平板电脑被放置在整个空间的展台上,其视觉线索就像一场非常蹩脚的企业赞助的“艺术”秀。可能在 Muzak 播放的标题为“春天的草地”的配乐。这些平板电脑的相机指向贴在假草上的标志,该标志用拉丁字母和阿拉伯字母拼写出“PEACE”。事实证明,如果从上面看,坡道和路径也会产生同样的标志。

爱沙尼亚馆:不适合工作。主席的故事
“不适合工作。主席的故事”,被描绘成一个支离破碎的虚构歌剧,展览是一个多媒体装置,视频和发现的物体与档案材料一起展示。主席的故事是一部支离破碎的虚构歌剧,讲述了 1960 年代苏联爱沙尼亚集体农场主席因同性恋行为受审的故事。展览汇集了来自苏联爱沙尼亚的档案资料和歌剧的优雅美学。

Samma 采取了类似的策略,其标题取自网络俚语 3 并适用于主席的故事,以强调所有受到权力审查的个人不稳定的职业和社会地位。此外,计算机术语指的是媒体社会的普遍性,它使我们成为历史及其歧视、不和谐和矛盾的被动见证者。关于 LGBTI 权利的社会辩论拦截了侵犯基本人权的更广泛问题,这在过去和现在都很普遍。从这个意义上说,主席的故事成为更广泛谴责各种歧视的冰山一角:文化、社会、政治、宗教、性别和种族。所以,再次提醒我们,艺术永远是为了差异的共存。

芬兰馆:小时、年、永世
IC-98 将展馆变成了一个房间,引导观众进入另一个时间平面上的贾尔迪尼:深沉的时间开始在短暂的生命周期中产生共鸣,而空间则表现为无限的暗物质。花园作为知识和对文化多样性世界以及生物多样性的殖民力量的缩影,现在看来是一个由只有树才能生存的转变所支配的领域。正如 IC-98 工作中不同时间尺度和因果关系的纠缠所表明的那样,目的论在这里失败了,未来的视野也摇摇欲坠。树木可以继承土地,但我们必须问什么样的土地。

动画和装置创造了不确定坐标的隐喻充电领域,这些景观是由自然和技术、导航和开发、气候和迁徙的交织力量塑造的。观众被邀请进入这个世界。 IC-98 的新混合媒体装置延续了他们的 Abendland 作品循环,用艺术家自己的话来说,旨在“展示一个没有人类的世界,建立在人类文明遗迹上的新的变异景观。这不是一个天堂,而不是恢复的田园生活。时光、岁月、万世将艺术家们长期的批判性调查——从权力的会议室和公共空间的界限到生态前沿——浓缩成一部史诗般的新作品,在其中,物质和神话在脸上融合今天的地震变化。这就是处理人类世最终结果的意义。

法国馆:革命
“革命”,作为一个实验生态系统,通过声音、光和运动揭示自然不断发展的状态。 Céleste boursier-mougenot 将法国馆从一个巨大的拱形空间转变为一个充满活力的森林绿洲,用于反思和撤退。通过技巧和有机形式之间的相互作用,展馆变成了一个超现实的诗歌和冥想体验生态系统。 Boursier-Mougenot 的作品经常使用技术干预来创造多感官环境,让观众直接接触到一个体验世界,艺术家将其描述为一种现象,就像一个活的有机体,与其出现的条件和当下的环境密不可分。

参观者被三棵不可思议的、颤抖的人造树引导进入并穿过空间,这些人造树形成了更大的编舞运动模式,并产生了自己的嗡嗡声。乍一看,您没有意识到位于法国通风亭中间的那棵树会移动。只有仔细看,从亭子的侧室,在这棵气势磅礴的苏格兰松树上,你才能感受到它的“舞蹈”。通过结合自然和技术,艺术家和音乐家 Céleste Boursier-Mougenot 构思了一个装置(这也是一种编舞),其灵感来自风格主义花园的“奇妙事物”。树木在亭子周围移动,这取决于它的新陈代谢、汁液流动以及环境中光影的变化。展馆内的设计元素和家具为观众提供了可变的参考点,结构本身部分涂有人造泡沫,专为之前的系列而设计,随着装置的声音流动和膨胀。

乔治亚馆:爬行边界
“爬行边界”是格鲁吉亚和其他后苏联国家所面临的现实,其存在归功于该国的地缘政治地位。格鲁吉亚馆旨在最大限度地突出这一现实,并对其中之一进行一定的干预。当代艺术最重要的平台。它作为一种政治和社会信息,给欧洲当前的政治格局带来了一种不和谐。主要概念是一种以 DNA 链类比结构的事件叙述,它存在于其通常的环境中,在受到影响之前往往不被注意。挑衅的外部因素。Crawling Border主要与隐秘地绘制边界有关,其背后的许多人的个人悲剧往往无法引起我们的注意。

格鲁吉亚馆采用神风凉廊的形式,举办 Bouillon Group、Thea Djordjadze、Nikoloz Lutidze、Gela Patashuri 与 Ei Arakawa 和 Sergei Tcherepnin 以及 Gio Sumbadze 的展览。展览着眼于这种非正式建筑的创造,这是拒绝主导结构的体现,目的是将临时自由、地方自决和对苏联总体规划的基础设施遗产的当代挪用结合起来。该展览旨在展示格鲁吉亚艺术和建筑中非凡的非正式性、自下而上的解决方案和自我组织的概念。

德国馆:Fabrik
Fabrik,暗指一个工厂,而不是生产商品,图像。因此,展馆内展出的六件作品,都采用图像的隐喻来表达当代、全球化和数字化世界中人、思想和商品的相互联系和流通。 “Fabrik”对工作、移民和反抗问题提出了四种艺术回应,每个项目在庞大的建筑中都有自己的舞台,从地下室到屋顶。德国馆作为一个充满活力的艺术和思想工厂,延续了该国对高天花板展览空间的历史利用,作为历史、记忆和身份的反映。将这些不同的艺术创作方法结合起来,德国馆旨在阐明视觉媒体将现实转化为虚构的方式,以激发必要的社会评论。

奥拉夫·尼古拉 (Olaf Nicolai) 占据屋顶区域进行为期七个月的展览活动,演员们在一个神秘的制作链中被编排。他将屋顶激活为潜在自由的“异托邦”。 Hito Steyerl 的视频装置《太阳工厂》(2015)介于纪实和虚拟想象之间,这是她从事的理论方法的典型代表。真实的政治利益通过虚构的镜头引导,思考视觉文化和图像流通的未来。托比亚斯·齐洛尼 (Tobias Zielony) 继续创作关于社会边缘人群的强化纪录片,将柏林和汉堡的非洲难民照片拼贴成关于移民的叙事。 asmina Metwaly 和 Philip Rizk 的电影 Out on the Street (2015) 是一部““实验室游戏”以埃及的一个工人阶级社区为背景,自 2011 年以来,这对夫妇一直在那里记录动乱。这个私有化工厂内的权力动态案例引发了对全球剥削和资本主义统治相关的担忧。

英国馆:莎拉·卢卡斯
莎拉·卢卡斯 (Sarah Lucas) 的个展“我尖叫爸爸”(I Scream Daddio) 重现并重塑了定义她强烈不敬的艺术、性别、死亡、性以及日常物品中的影射的主题。幽默是关于协商约定俗成的矛盾。在某种程度上,幽默和严肃是可以互换的。不然就不好笑了。或者毁灭性的。在这组最新作品中,身体——性感的、喜剧的、雄伟的——仍然是一个关键的回归点,而卢卡斯的作品继续以独特的机智面对大主题。这些淫荡的、充满力量的缪斯形成了一条合唱线,颠覆了男性艺术史上对女性形象的传统客观化,同时回忆了卢卡斯在她的整个职业生涯中创造的不完整的身体模型,例如你知道什么 (1998) 或 CNUT (2004)。

展览中的作品包括马拉多纳,一个在欢乐安息中的宏伟人物,一半是人,一半是五月柱,一半是螳螂,它一式两份地矗立在展览的中心。这个人物以标志性的阿根廷足球运动员的名字命名,蹲在地上。女性身体在一系列由断断续续的双腿组成的石膏雕塑中更真实地呈现出来,这些雕塑通过与自卢卡斯最早的装置以来就一直具有特色的普通家用家具相结合而优雅地动画。其他作品在规模和题材上更偏向国内。 Lucas 的 Tit Cat 雕塑——同样源自于填充紧身衣制成的模型,将猫的结实形式与系紧、下垂的球体相结合。拱起和腾跃,它们的尾巴不同程度地下垂和翘起,这些奇怪的变形生物体现了卢卡斯的艺术在真实和超现实之间滑动的方式。

希腊馆:为什么要看动物?阿格里米卡。
装置名为“为什么看动物?”在新古典主义建筑内重建希腊中部城市沃洛斯的动物皮和皮革商店。 AGRIMIKÁ 认为,人类的人类中心主义导致我们将自己定义为“非野生的,与所有其他动物不同”,引发了一系列从政治和历史到经济和传统的担忧。 Papadimitriou 关心的 AGRIMIKÁ 以及 Volos 的商店,都是那些顽强抵抗驯化的动物。它们在猎物和捕食者的角色不断转换的情况下与人类共存——但人类猎人通常以动物猎物为战利品。尽管如此,这些是大多数基础宇宙学和神话中的动物。

沃洛斯的小商店是位于希腊馆内的“objet trouvé”。这家商店的现实是其所有者独特个性的表达和记录,他见证了现代希腊历史的大部分内容,并对其保持批判态度。 Agrimiká 商店在时间和地点上没有变化,类似于新古典主义展馆的周围空间,也没有改变。展馆创造了一个背景,为这个空间的“物件trouvé”充电和揭示。在希腊展馆的“毁坏”景观中,无法驯化的动物 agrimiká 成为当代被剥夺者寓言的载体,和试图激发我们对我们周围的颓废的本能抵抗。这种对人与动物关系的呈现引发了一系列关注,从政治和历史到经济和传统、伦理和美学、对陌生和不可理解的恐惧,以及我们深刻的人类中心主义,使我们能够将自己定义为非野生动物,与所有其他动物不同。

危地马拉馆:甜蜜的死亡
《甜蜜的死亡》以不同的表达方式,直击人心,呈现当代社会的颓废。展览是当代社会的非凡表现。艺术家们不仅捕捉到影响我们社会不同环境的颓废的本质,而且以讽刺的方式表达了这种缓慢而无情的死亡。 Garullo&Ottocento创作的代表贝卢斯科尼尸体的“意大利人的梦想”,在透明玻璃棺材中的幸福表情,就像一种随时准备醒来的白雪公主,正在与所谓的神圣性形成对比人和意大利政治颓废的不可否认的真相。意大利的死亡颓废也影响了电影业,以纪念 Luchino Visconti 及其在威尼斯之死的雕塑为代表,以纪念意大利电影制作中古老而失落的优雅。

博览会中最引人注目的部分是专门展示危地马拉艺术家作品的部分。 Testiculos qui non habet, Papa Esse non posset(即没有睾丸就不能成为教皇)由 Mariadolores Castellanos 所著,展示了女教皇琼的象征性和神话人物,象征着异端和宗教信仰的弱点,几个世纪以来只由男性统治。颓废和死亡表现在对扭曲和迷失的童年的再现中,其中迪斯尼人物、芭比娃娃和洋娃娃被赋予了消极的意义。影响巨大的是 Sabrina Bertolelli 创造的巨大黑色头骨,占据了 Memento Mori 和 Vanitas 的房间,紧随其后的是最后一个专注于烹饪死亡的展览。 “La Grande Bouffe”乐队的艺术家们嘲笑新的烹饪趋势,比如分子料理。其中一项主要作品是 Luigi Citatella 提出的,展示了一个孩子在一个瘦小的盘子前,象征着危地马拉和意大利等国家之间令人印象深刻的食物差距。

教廷馆:原则上…… la parola si fece carne
“起初……道成了肉身”,围绕着两个极点构建: 超然的道,它揭示了耶稣基督之神的沟通本质;道成了肉身,使人与上帝同在,尤其是当它看起来受伤和受苦时。他们密不可分的统一产生了一种辩证的活力,不规则的、椭圆的、急速加速、急速减速,在艺术家和公众中征求意见,对一种位于人性本身根源的组合进行反思。鉴于他们目前的研究旅程与所选主题的一致性,所使用的技术的多样性以及他们的地理和文化渊源,三位年轻艺术家被选中参加展览,带来了来自不同背景、不同经历、不同视野的影响,伦理和美学。

匈牙利馆:可持续身份
“可持续身份”反映了我们世界的关键概念如何被简化为朗朗上口的口号。策展理念建立在威尼斯匈牙利馆的空间和 Cseke 的移动物体上。装置的重点是由运动和电子设备创造的认知空间。该装置具有悬挂在观众头顶上方的交叉 PVC 箔管的发光动态网络。这些半透明的通道包含被风扇推过路径的白球。有时,球会相遇并碰撞,模仿人类的迁徙模式和它们有时引发的冲突。一个大的铝箔垫,像呼吸一样充气和放气,将装置固定在一个稳定的地方,有机质量,并作为上面狂热的运动系统的平衡对位。由 Cseke 和 Ábris Gryllus 合作制作的声音作品与装置相得益彰。

印度尼西亚馆:Voyage Trokomod
该展览名为“Trokomod”,包括一件特定地点、以航海为主题的作品,由 Heri Dono 与来自万隆、西爪哇和日惹的当地建筑师和工匠共同开发。该节目的核心是希腊特洛伊木马和印度尼西亚科莫多龙的混合体,是一艘印度尼西亚本土爬行动物形状的大船,其锈迹斑斑的金属皮肤是对殖民时期金矿开采的评论。观众可以进入龙,透过潜望镜观察西方文物,就像一尊戴着白色卷发马毛假发的男人雕像,改变了传统东方人异域目光的方向。

伊朗馆:伊朗亮点
伊朗馆名为“伟大的游戏”,里面摆满了来自中东和东南亚艺术家的作品。展览以该地区的历史、政治、经济、宗教和社会纠葛为灵感,展示了一群渴望回应日常现实的艺术家。伊朗、印度、巴基斯坦、阿富汗、伊拉克、中亚共和国、库尔德地区,考虑到这些国家的地理区域实际上是一个历史上独特的领土,其命运与其历史和文化状况密不可分:围绕这些国家那里曾经发生过,而且仍在发生,自 19 世纪以来一直被称为亚洲霸权的“伟大游戏”。政治、经济、宗教的纠葛,社会情境也在这些地方生产的艺术中找到了表达和解释。

展览希望通过在该地区工作的四十位艺术家的作品来展示,他们特别关注社会政治问题。展览展示了这个问题的核心,以及国际公众如何通过当代艺术语言来感知和重建它;它已经在主要的国际节目中得到表达,但仍然受到那些对矛盾纠结有第一手经验的人真正存在的困难的阻碍:全球化可能是语言结果的精确镜像。所以这不是对这些国家的艺术的概述——至少对其中一些国家来说,到目前为止,这些艺术是众所周知的——而是真正的概念“推力”进入日常和表面上被认为是媒体主角的地方之一。节目所选择的主题显然意味着这些作品是从最有意义地解决所分析问题的作品中选出的。

伊拉克馆:看不见的美
“无形之美”以来自伊拉克各地和散居国外的五位当代艺术家为特色。艺术家们在各种媒体中工作,展馆包括专门为展览制作的新作品,以及经过长时间不注意而重新发现的作品。展览同时展出了伊拉克北部难民创作的 500 多幅画作。世界著名艺术家艾未未选择了其中的一些画作,用于在双年展上发布的主要出版物。“无形之美”就像一层脆弱的薄膜,记录着国家现状和艺术状态所渗透的艺术实践的波动。

“无形之美”既指展出作品中不寻常或出人意料的主题,也指伊拉克艺术家在国际舞台上不可避免的隐形。艺术与生存、记录保存、治疗和美的关系是展览提出的众多主题之一。这个无限可解释的标题旨在揭示一个遭受战争、种族灭绝、侵犯人权以及去年伊希斯崛起的国家所产生的处理艺术的许多不同方式。伊希斯对伊拉克文化遗产的系统性拆除,最近从哈特拉、尼姆鲁德和尼尼微数百年历史遗址的破坏以及摩苏尔博物馆的事件中可见一斑,这使得关注艺术家们比以往任何时候都更加重要。在伊拉克工作。

爱尔兰馆:冒险:首都
题为“冒险:追踪爱尔兰和英国从神话到极简主义之旅的资本”。结合雕塑、视频和档案元素,冒险:资本是林奇迄今为止最雄心勃勃的项目,将钞票河神、地区机场的公共艺术、废弃的采石场、科克的一块田地和韦克斯福德的一个环形交叉路口结合在一起,展开一段探索概念的讲故事之旅从人类学角度分析价值和资本流动。

肖恩林奇的多媒体实践使他介于艺术家和讲故事的人之间。与历史学家或民族志学家类似,他揭示未成文的故事和被遗忘的历史,通过他的作品提取对地点、事件和人工制品的替代解读。林奇的投影、照片和雕塑装置参考了爱尔兰巴尔迪克传统的当代形式;通过他的艺术实践,爱尔兰社会和文化遗产的失落叙事得以复兴并被赋予新的形式。

以色列馆:Tsibi Geva | 现在的考古
以色列馆,一个特定地点的装置,包括覆盖着百叶窗的墙壁,以及一个由发现的家用物品组成的大型作品,它们被装在玻璃墙后面的一个角落里。 Tsibi Geva 用旧汽车轮胎包裹建筑物,并用发现的建筑和家用物品的混合物填充它。展馆的外部覆盖着一个由 1000 多个从以色列进口的旧汽车轮胎组成的网格,并绑在一起形成一个保护层,覆盖结构的墙壁,包括窗户,只留下入口暴露在外。

通过直接干预画廊的结构,Geva 同样侵蚀了控制传统艺术体验的舒适类别,“内部”和“外部”,“艺术品”和“画廊墙”。由此产生的空间,名为“现在的考古学”,将 Geva 作品中存在的许多歧义——政治、形式、存在、空间——集中到一个单一的视觉刺激场所。以水磨石地砖、链条、窗户和格子为特色的绘画,以及使用发现和重新利用的建筑材料(如轮胎和水泥块)对展馆结构的修改,这些材料从内部延伸到外部表面,扰乱了物理的排他性墙。在上层,Geva 安装了大型绘画和进一步的发现物雕塑,其中包含一系列包含在三角形轮廓金属笼子内的手工艺品。这些中的每一个都在金属制品格子中具有不同的图案,一些模仿砖砌,而另一些则显得更加抽象。

意大利馆:Codice Italia
展览名为“Codice Italia”,是一次穿越意大利当代艺术的旅程,突出了一些具有共同“遗传密码”的常数。 Codice Italia 的艺术家旨在重新发明媒体,同时,他们以一种有问题的方式利用现有的图像和文化材料。尽管这些艺术家的作品与国际艺术研究的最大胆成果一致,但他们避免了当下的独裁统治。展览为每位艺术家的作品提供了自主权,并组织在“房间”中,每个房间都存放着一件艺术品和一份记忆档案。除了受邀艺术家的作品外,展览还展出了彼得格林纳威的一些敬意,William Kentridge 和 Jean-Marie Straub 以及 Davide Ferrario 的视频装置展示了 Umberto Eco 对什么记忆的洞察。

日本馆:手中的钥匙
该装置名为“手中的钥匙”,是盐田千春的装置,由两条船、红色纱线和大量钥匙组成,来自深红色纱线网络,每根线都连接到一个钥匙——从天花板。艺术家网站上从国际捐助者那里征集的大量相互交织的钥匙,为空间注入了精神能量,将个人的回忆集中在一种全球共享的记忆中。钥匙的丰富象征意义进一步激发了观众跟随盐田的概念路径,从集体悲剧和个人戏剧中涌现到小说联系和未指明的机会的未知、乐观的未来。

钥匙是我们熟悉且非常有价值的东西,可以保护我们生活中重要的人和空间。它们还激励我们打开通往未知世界的大门。Chiharu Shiota 使用由普通大众提供的钥匙,这些钥匙充满了在日常使用中积累的各种回忆和记忆。当我在空间中创作作品时,为盐田千春提供钥匙的每个人的记忆第一次与我自己的记忆重叠。这些重叠的记忆又与来自世界各地观看双年展的人们的记忆结合在一起,让他们有机会以新的方式交流,更好地了解彼此的感受。

韩国馆:折叠空间和飞行的方式
“折叠空间与飞行的方式”,探索艺术家在瞬息万变的社会中的角色。艺术家 Moon Kyungwon 和 Jeon Joonho 展示了这件针对特定地点的新作品,这是一座复杂的建筑,以韩国 Kim Seok-chul 和 Franco Mancuso 设计的玻璃墙为特色,并拍摄了一段关于后世界末日宇宙的视频。作品参考了道家的物理距离概念和穿越时空的超自然能力。一部关于人类需要超越障碍和生理机能的作品,就像艺术家想象和挑战身体限制的方式。

标题源自韩语词chukjibeop和bihaengsul,在东方文化中,这些概念不仅被研究作为冥想练习的媒介,而且作为达到身心完全解放状态的一种手段,从身体限制和自然力量。展览反映了人类想要超越束缚我们的物理和感知障碍和结构的愿望,尽管这种想象是荒谬的。虽然一些科学理论和假设实际上支持实现这些看似牵强的概念的可能性,但它们在很大程度上仍停留在寓言和幻想的领域,从而体现了我们对改变周围世界的内在渴望。

科索沃馆:投机于蓝色
“蓝色投机”,Flaka Haliti 的个展,反思边界、民主、自由和流动的意义”。她的方法是通过与表象政权脱节来重新构建全球政治的方法之一。地平线的隐喻,同时可能性的象征和我们局限性的谜团被编织进我们的过去和现在的结构中。通过利用这个比喻的普遍意义,艺术家从任何特定的时空背景中去除地平线的图像经济,并推测其有效性作为永恒的真理。在蓝色的投机中,Flaka Haliti 将观察者置于一个中间空间,在扩张与限制、接近与距离之间摇摆不定;一个同时打开多个时间维度的空间,因此被体验为不断实现的作品。

占据展览空间的屏障状物体的骨架参考了在国家和地区之间竖立的混凝土墙的美学,作为冲突的具体化。 Haliti 的装置旨在通过将柱子剥离到它们的物质本质并将它们与本质上抵抗边界概念的元素并置,从而使这种特定的美学制度去军事化和去语境化。在这种情况下,地平线和蓝色图画地创造了与边界概念相反的形象,并作为提出新观点的工具。元素的相互作用和它们产生的不同图像是艺术家创造中间空间的方法,允许观众参与她的作品的主观体验。

拉脱维亚馆:腋下
拉脱维亚馆在日常生活中遇到的创新形式。在类似家庭实验室和安装在农村院子里的车间的车库里,这些人证明了我们对技术和工业制造产品世界的态度不应该是被动消费的态度。“ARMPIT”是卡特里娜·内布加和安德里斯·埃格利蒂斯的多媒体艺术装置。这是一个建筑结构的雕刻系统,与关于当地奇特现象“车库精灵”的视频故事交织在一起,他们倾向于在闲暇时间在为这个爱好设立的工作室里摆弄各种机制。

安德里斯·埃格利蒂斯 (Andris Eglitis) 为车库社区的奇特缩影创造了一个即兴演员。它是一个千变万化的雕刻建筑结构系统,由乡土棚户区建筑的预制建筑材料制成。建筑结构与 Katrīna Neiburga 的视频叙述交织在一起。她将车库社区成员的肖像描绘成新安装住宅的想象居民,这让人想起修道院和血汗工厂之间的混合体。 Katrīna Neiburga 通常使用基于时间的媒体,在她的社会人类学调查艺术、多媒体装置和场景设计中使用它们。安德里斯·埃格利蒂斯(Andris Eglitis)在媒体选择上倾向于传统;他渴望尝试绘画和新颖的雕塑形式,这使他转向建筑练习,将其作为一种身体经验的实践与基于概念的艺术。

立陶宛馆:博物馆
一个名为“博物馆”的项目解构了苏联占领时期立陶宛艺术史的神话。故事“博物馆”是 Dainius Liškevičius 的超文本第一人称叙事,通过逻辑、概念和正式的联系、展览中展示的苏联时期的政治抗议形式、代表这些形式的历史人物以及文化艺术品,以及艺术家职业生涯和他的艺术作品中的点点滴滴。

卢森堡馆:Paradiso Lussemburgo。菲利普·马凯维奇
一部名为“Paradiso Lussemburgo”的作品采用了一个巨大的剧院形式,完全占据了展馆的六个房间。 Filip Markiewicz 展示了卢森堡的心理形象,并结合了对当代身份的反思。自 20 世纪初以来,卢森堡记录的各种移民浪潮导致该国被视为某种融合的避风港。同样,一些外国媒体强烈暗示了卢森堡的避税天堂形象,这是一个正面但也带有一定讽刺意味的主题。

Paradiso Lussemburgo 既是博物馆,又是创意实验室,是集舞蹈、表演、DJ、阅读、建筑和音乐于一体的文化娱乐场所,在欧洲和全球背景下,将卢森堡作为一个国家样本,其中的各个民族和文化构成了相同的身份,结合在一起。这是一段通往多元复杂身份外部界限的旅程,以一种批判性、政治性和奇幻的方式。

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马其顿馆:我们都孤身一人
Hristina Ivanoska 和 Yane Calovski 以“我们都孤身一人”为题,阐述了当今并发和多重社会政治条件下的信仰概念。该项目引用了许多错综复杂的来源:来自库尔比诺沃的圣乔治教堂的壁画,由一位不知名的作者在 12 世纪绘制,以及西蒙娜·威尔、卢斯·伊里加雷的着作,以及保罗·泰克的个人笔记约会从 1970 年代开始。在从形式美学和文学资源的表现中寻找政治价值的同时,该作品具有一种特殊的紧迫性,即阐明我们在质疑信仰概念的同时不断参与和脱离现在的过去的方式。

在从形式美学和文学资源的表现中寻找政治价值的同时,该作品具有一种特殊的紧迫性,即阐明我们在质疑信仰概念的同时不断参与和脱离现在的过去的方式。 Yane Calovski 的绘画和拼贴画参考了最近在柏林 Marzona 收藏中发现的 Paul Thek 的通信,解决了在创作、生产和维护自己的作品时生存的困难,并保持了对协作生产的理想主义的信念。此外,Calovski 解决了隐藏在细节中的诗意的价值,这些细节远远超出了自己需要产生语言的世俗陈词滥调,Calovski 从字面上描绘了无形的图标,通过将图像作为宗教符号进行物理处理而获得。

毛里求斯馆:从一个公民那里收集一个想法
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作为不朽的雕塑,它在展览空间中以一种压迫它的方式制造了一种张力。作为一种液压系统,它利用从泻湖中汲取的水的压力在纪念碑内部产生湍流,从而使其口部的水平静。然后这面水镜接收并折射投影到其表面的图像。镜子和投影之间产生的“水感”反过来又会引起图像纹理的担忧,最终会猛烈地释放出自己的光谱特征。雕塑是“排水系统”的一部分,作为纪念碑、废墟和幽灵,但也是作为象征性行为的“排水系统”,它周期性地、永恒地将每一个自然的、重要的流动排入财产,也就是说,被剥夺。因此,拥有自然是一个伤口,一条管道,一条沟渠:一个排水系统,放置在城市的军事中心,匍匐在水中。

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物品的精神价值和用途会影响其对非洲人的审美价值。这些物品对人们来说可能很重要,因为它们是传家宝,将个人与祖先联系起来,或者因为它们具有历史意义。物体也很重要,因为除了作为灵性的传送器之外,它们还将个人与文化过去联系起来。主要挑战之一是,传统艺术作为现代艺术以及日常生活的重要组成部分,在世界各地的主流艺术概念中占据一席之地,受艺术运动的影响,其中创意青年突出特色,面向人类的未来。

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西蒙·丹尼的新西兰馆项目分为两个空间——马可波罗机场的到达区和圣马可广场的国家图书馆纪念馆。机场的安装位于空侧区域内。 Secret Power 解决了后斯诺登时代知识与地理的交叉问题。它研究了用于描述地缘政治空间的当前和过时的语言,重点关注技术和设计所扮演的角色。两个场地的背景和历史为 Secret Power 提供了高效的框架,并通过工作直接参与。

西蒙·丹尼(Simon Denny)是第一位使用马可波罗机场航站楼的双年展艺术家。丹尼的装置在国界之间运作,混合了商业展示语言、当代机场室内设计和知识价值的历史表现。丹尼在到达休息室的地板和墙壁上“拖放”了两个实际尺寸的图书馆装饰内部的摄影复制品,穿过申根和非申根空间之间的边界。在 Marciana 图书馆,部分展示是由NSA 告密者爱德华·斯诺登 (Edward Snowden) 泄露了 PowerPoint 幻灯片,该幻灯片概述了 2013 年开始的世界媒体对美国绝密电信监控计划的影响。这些幻灯片突出了新西兰在美国情报工作中的作用,作为以美国为首的五眼联盟的成员。

北欧馆馆:Rapture
“rapture”,作为音乐家和歌手在特定时间的一组表演;以及由三部分组成的出版物,通过视觉、声音和建筑身体探索人体与声音之间的关系。声音,就其本质而言, 渗透到边界,甚至是看不见的边界。纵观历史,恐惧一直与音乐对身心产生的矛盾影响以及它作为奖励给予分散控制的力量联系在一起。Camille Norment 与创造手指在玻璃和水面上轻触的飘逸音乐——以及 12 位女性声音的合唱。将这些元素在展馆内编织在一起,norment 创造了一个身临其境的多感官空间,反映了声音的历史,当代概念和谐与不和谐,以及威尼斯的水、玻璃和光线。

安托瓦内特(Antoinette),玻璃阿莫尼卡最初因其迷人的音乐治愈人而闻名,但后来被禁止,因为它被认为会诱发狂喜并引起女性的性兴奋。音乐被认为能够诱发类似于性和毒品的状态,世界上许多人仍然认为音乐是一种应该受到控制的体验,尤其是与女性身体有关的体验,但它也越来越多地被用作控制工具,尤其是在战争的正当性之下。在当代背景下,Norment 通过创造一个多感官空间来探索这种音乐在今天引起的紧张局势,该空间反映了声音的历史、和谐与不和谐的当代概念以及威尼斯的水、玻璃和光。这位艺术家创作了一个合唱团,与受到严格审查的“魔鬼”三全音和玻璃阿莫尼卡的未解析音符相对应,这支合唱团让游客沉浸在“Rapture”中。

秘鲁馆:错位的废墟
吉尔达·曼蒂拉 (Gilda Mantilla) 和雷蒙德·查韦斯 (Raimond Chaves) 的题为“错位的废墟”(Misplaced Ruins) 解决了文化差异的问题,唤起了国际流动和社会、文化、意识形态和语言“归属感”所需的翻译和跨国谈判。秘鲁的典故比比皆是:前哥伦布时期的建筑、城市扩张、小报新闻、地下经济、近代历史事件、传统音乐、布满广告牌的高速公路,甚至当地的天气条件(利马通常是阴天)。然而,这些由艺术家翻译的典故变成了模棱两可的引用:文化特定的参考被其翻译的盲点所出卖:政治议程、既得利益、模棱两可。Mantilla 和 Chaves 认为,不同群体可能认为是“他们自己的”:文化、历史、传统,始终是斗争的场所。

菲律宾馆:系绳环游世界
Palazzo Mora 的菲律宾馆展示了曼努埃尔·康德 (Manuel Conde) 1950 年的电影《成吉思汗》,旁边还有媒体艺术家何塞·坦斯·鲁伊斯 (Jose Tence Ruiz) 和电影制片人马里亚诺·蒙特利巴诺三世 (Mariano Montelibano III) 等当代艺术家的作品。该展览承诺将就“海洋的历史及其与当今世界的关系、对遗产的主张以及民族国家对广阔而激烈竞争的自然的斗争”展开对话。

在成吉思汗的切线中,何塞·滕斯·鲁伊斯(Jose Tence Ruiz)的作品在作品“浅滩”中提到了马德雷山脉。鲁伊斯通过金属、天鹅绒和木材的组合,将幽灵船唤起作为一个浅滩的矛盾剪影。曼尼·蒙特利巴诺 (Manny Montelibano) 展示了多频道视频作品《西菲律宾海的破败之国》。它专注于史诗和无线电频率的声音,这些声音在岛屿上看似平静的生活方式中纵横交错。从巴拉望的有利位置,到婆罗洲和南海的门槛,他拍摄了不可能的情况:什么是共同的海洋,边界和边缘在哪里,忧郁和迁徙。

波兰馆:哈尔卡/海地。18°48’05″N 72°23’01″W
以乔安娜·马林诺夫斯基 (Joanna Malinowska) 和克里斯蒂安·托马谢夫斯基 (Christian Tomaszewski) 为标志的多元文化主题的参与决定重新审视他将歌剧带到热带地区的疯狂计划。决定上演的歌剧是斯坦尼斯瓦夫·莫纽什科 (Stanisław Moniuszko) 的《哈尔卡》(Halka),这是一个被阶级差异摧毁的爱情悲剧故事,自 1858 年在华沙首演以来被视为波兰的“民族歌剧”。这部歌剧的历史背景是,在 1800 年代初期,拿破仑派军队进入殖民地海地以平息奴隶的叛乱。一个波兰军团,希望与法国结盟,对抗自己的占领者普鲁士和奥地利,加入了军队;在意识到海地人正在为他们的自由而战后,波兰士兵转向法国并协助革命。

为了削弱 Fitzcarraldo 的殖民浪漫主义,他们决定在海地 Cazale 一个看似不太可能的地方上演被认为是波兰“民族歌剧”的“Halka”,以应对一系列特定的历史和社会政治现实。后裔。2015 年 2 月 7 日,在蜿蜒的土路上向全神贯注的当地观众展示了“哈尔卡”的一次性表演。该活动由波兰和海地表演者合作拍摄,随后在威尼斯双年展的波兰馆以大规模投影全景的形式呈现。

葡萄牙馆:我是你的镜子/诗与问题
João Louro 的“I’ll Be Your Mirror”项目借用了地下丝绒乐队的歌曲名。专门为葡萄牙馆创作的作品,非常适合洛雷丹宫图书馆每个房间的空间,突出了 João Louro 在产生新的语义方面和对我们的视觉接受的规范提出质疑方面一直表现出的关注文化,以及将观众的角色转变为参与者的角色,创造虚构的地方,想象场景和居住的语言,使我们能够培养我们最深切的愿望和愿望。在这些创作中,Louro 强调视觉语言及其表达方式,并将诠释视为艺术作品与观众之间的一种交流方式,试图构建新的思维领域,以便感受、反思和交流。

洛罗概述了他的职业生涯、他的艺术和文化信念、他的关注点以及美学和社会学决定。通过极简主义和观念艺术的元素,卢罗根据他的阅读、音乐和电影在他的道路上留下的痕迹构建了自己的世界;融合这些痕迹,他构建了一种自传,个人日记,其中的文本或事件充满了意义。他重申了他对图像和语言的意义和象征效率的质疑,使用隐身或擦除作为策略来提醒我们,我们被拒绝进入,观众始终是作品的一部分:作品就像一面镜子,授予观众主要角色。若昂·洛罗概念作品是对图像的界限和表现能力的质疑,反映在艺术作品本身的狭隘之外。

Romani Pavilion:Adrian Ghenie:达尔文的房间
“达尔文的房间”,阿德里安·盖尼近期画作的展览。Adrian Ghenie 以喜怒无常的画作而闻名,通常是肖像画或室内画,他用毛茸茸的抽象补丁装饰。Ghenie 深入研究了查尔斯·达尔文的性格以及他的最高假设进化论的发展和随后的 20 世纪变态。这个由三部分组成的展览涵盖了 Ghenie 最近几年的作品,包括艺术家作为达尔文创作的一系列自画像。在他的画作中,艺术家剥夺了主要历史人物的庄严,反过来,历史本身的可用性作为一种定义和指导性的叙述。

标题“达尔文的房间”,不仅指的是这位伟大的英国博物学家的一系列肖像(和伪装的自画像),而且还指 Ghenie 将 20 世纪历史作为一个扩展的“进化实验室”的探索,作为过去和未来历史寓言交织的一部分,为生存和统治而战的开创性思想。整个展览背后的概念建构是基于艺术家对当代世界的看法,由记忆和欲望、动荡和奇观来定义。

俄罗斯馆:绿色馆
俄罗斯馆展示了伊琳娜·纳霍娃 (Irina Nakhova) 的《绿色馆》。
画家和装置艺术家伊琳娜·纳霍娃 (Irina Nakhova) 为莫斯科(或俄罗斯)观念主义的发展做出了贡献,这是一场试图削弱社会主义意识形态和意象的运动。 Nakhova 将环境描述为“与 Shchusev“合作”的整体装置。展馆的外部涂成绿色,可以追溯到卡巴科夫的红色展馆(1993 年),其在第 45 届威尼斯双年展期间充满活力的立面和空旷的内部强调了色彩对俄罗斯后现代主义的重要性以及空虚的概念,“就像悬在空中的东西”,这是莫斯科概念主义者的核心。

Shchusev 将俄罗斯馆划分为五个独立的空间,这促使 Nakhova 重新审视她 1980 年代的房间系列,观众积极参与艺术实验。纳霍娃坚决使用“至上主义”的颜色,绿色、鲜红色和黑色;创造性地使用视频,比如房间 1 中令人印象深刻的“飞行员的头”;以及对展馆建筑的惊人处理,有节奏地打开天窗,在展馆的不同层次之间以及游客之间建立有节奏的联系,例如,为参观者创造一种真正身临其境的、几乎是物理的体验上市。就像卡巴科夫在双年展上展示俄罗斯当代艺术从地方主义走向国际艺术界一样,纳霍娃的“绿色亭子”再次向外看,后苏联时代俄罗斯艺术家的全球地位。

圣马力诺馆:
圣马力诺共和国馆以“友谊项目:艺术的雕塑与建筑”为题,在威尼托雅典耀的大厅内展示了 10 件雕塑。这些结构展示在悬挂在地面上的白色织物中,纹理雕刻在板上。Enrico Muscioni 和Massimiliano Raggi 与中国雕塑家范海民、傅玉祥、闵一鸣、聂镜柱、吴伟、王毅、沉敬东、张红梅、张兆红、朱尚喜等中国雕塑家以及学院教授和学生的学习小组合作。圣马力诺大学。

塞尔维亚馆:联合国亡灵国
该装置名为“联合国死亡国家”,旨在通过关注不再存在的国家,但其幽灵仍在调节地球,就国家概念在我们的后全球化时代代表什么进行对话。 :奥匈帝国、奥斯曼帝国、苏联、德意志民主共和国、南斯拉夫等。通过这样做,民族概念所体现的多方面的欲望和冲突被考虑到,以及自然和持久性的问题今天的国家正在被强加。 United Dead Nations 通过在视觉领域(将社会现实转化为形式和图像的空间)内打开新的表现关系,在艺术的审美体系中重新创造一种缺席的政治并使其另类生活成为可能。

伊万·格鲁巴诺夫(Ivan Grubanov)通过在他的绘画仪式中将死旗作为模型、手段和材料来强调图像制作的过程。艺术家的意图在于创造一个新的象征领域,它质疑艺术的价值框架,同时使已死国家重新建立的权威能够继续在可见领域进行竞争。文化的记忆在 20 世纪的社会和政治动荡中消失了。大概是受到他的祖国从南斯拉夫更名为“塞尔维亚”的启发,格鲁巴诺夫探索了一个国家从解体到成立的近代历史。格鲁巴诺夫在一个将他们的旗帜聚集在一起的装置中探索了最近解体的国家的遗产。弄脏弄皱在亭台上,一堆过时的国家象征探索了面对政治动荡时身份的短暂本质。

塞舌尔馆:发条日落
塞舌尔馆告诉国际社会,他们不仅仅是沙滩、棕榈树和碧绿海水的完美明信片。塞舌尔是一个丰富而复杂的文化,他们的故事是通过他们的艺术家来讲述的。 George Camille 使用了大量粗工业电缆。每根电缆都被剥开,然后将内部布线从其深色外壳中取出并制成叶子。这项多媒体作品使用在塞舌尔当地退役、回收和采购的材料。 Leon Wilma Lois Radegonde 的作品由风化的画布、“objets trouves”组成,在那里他留下了石油污渍、阳光漂白和腐烂的土地的痕迹,所有这些都被铭刻、缝制和烧焦。要推测一个人的未来,必须了解一个人的历史.塞舌尔的身份正在以极快的速度重新定义。其艺术家们经常沉寂的声音正在揭示其文化的丰富性和复杂性。

新加坡馆:海之国
Sea State 是一个由艺术家和前奥运水手 Charles Lim 于 2005 年发起的项目,该项目通过电影、摄影和档案材料审视新加坡与海洋的关系。当我们将一个国家视为一个物理事物时,我们想象的是一块土地。然而,任何接触海洋的国家的真正边界都不是陆地的边缘,而是在水中。实际边界和想象边界大不相同,尤其是像新加坡这样的岛屿。Sea State 使该边界可见。它将通常隐藏在背景中的东西、大海的真实深度和我们不安的海上无意识带到了前台。

该项目的结构受到世界气象组织测量海况代码的启发,该代码对从平静到中等到惊人的不同状态进行编号。它试图质疑并重新定义新加坡对其陆地和海洋边界的理解,以及该国重新控制其环境的动力。 Charles Lim 的实践源于与自然世界的亲密接触,通过实地研究和实验、表演、绘画、摄影和视频进行调解和了解。他的作品展现了一个动态的沿海生态,展示了全球资本主义的基础设施如何不取代海洋环境,而是栖息和改造它。在全球快速交流的时代,复杂、海洋的跨国空间承载着自然与文化之间的动态相互作用,构成了我们这个时代的许多主要焦虑。新加坡馆涵盖了一系列媒体和学科,将我们带到了直到最近还只是一个梦幻理论的地方。

斯洛文尼亚馆:UTTER / 对希望的具体存在的强烈必要性
名为“UTTER/希望的具体存在的暴力必要性”的项目包含了 Jaša 的核心目标,即创造一件既具有诗意的姿态又具有动态的、政治化的存在的艺术作品。该作品被视为一种空间装置和现场表演,将艺术家、他的合作者和公众联系在一起。该项目包括一个装置、一幅被激活以反映思想的建筑图,以及一个表达作为具身形式(重新)行动的必要性的持续表演。这些元素并存、交织,形成了艺术作品的整体体验。该项目侧重于三大主题:抵抗、合作和希望。每个主题的精力充沛的立场得到部分解决,通过建筑外壳内的表演体的长期共存、重复表演动作的共同创造以及和谐时刻的产生。视觉、声音和表演的复调情况被提交给一个严格的每周脚本。

作为斯洛文尼亚最多产和最受批评的当代艺术家之一,JAŠA 受到他对情境、叙事、雕塑和表演的狂想曲诠释的推动。通过他与材料和内容的炼金术联系,JAŠA 将空间转化为体验,推动它们发挥诗意和狂喜的潜力。在他的创作中,一个特定地点的装置,基于团结意识形态的持续表演补充了他的反应和将艺术的公共体验视为现实的愿景。考虑到重复持续表现的需求和狂喜,该项目是一种结构化的纪律行为。这是对集体感性的呼吁。通过不断重复的动作、知识、手势以及将这些手势转化为仪式,这群表演者召唤了一股反叛的力量,这股力量以诗歌的力量呼吁普遍实现社区和统一的理念。

西班牙馆:主题
西班牙馆探索达利的采访和文字,达利的主题。达利作为一个主题出现的集体项目,尽管他的作品没有表现出来。它通过其他声音揭示了达利,那些在概念上与他和彼此有联系的艺术家的声音。展览以人物角色的感性为出发点,继续探索其他主题,这些主题也适合非凡的诠释。向“记忆的持久性”致敬,他的话和采访,而不是他的作品,激发了西班牙馆内的三个项目。达利成为萨拉查、卡贝罗/卡塞勒和鲁伊斯利用电影、漫画和物品来重塑偶像的私人和公共领域的概念。正如展馆的标题所暗示的那样,“主题”不仅反映了达利的社会概念化,而且折射出社会创造身份的方式。

Cabello/Carceller 设计了一个围绕多重身份和非定义可能性的艺术提案。他们的表演、电影和装置作品植根于女权主义立场和酷儿理论,提供了对身份定义和个人政治斗争的批判性洞察。达利的精神也出现在这位传奇艺术家自己的报纸上。在西班牙馆,佩波·萨拉查 (Pepo Salazar) 展示了一件符合他特定作案手法的作品,这是一个融合了时刻和类型的原子化创作,并创建了一个框架,其中所有选项都是可能的。与达利一样,佩波·萨拉查 (Pepo Salazar) 无视传统,深入了解在艺术领域工作的意义,从而扩展了艺术活动的范围。萨拉查该展馆的项目与萨尔瓦多·达利 (Salvador Dalí) 的《想象力独立宣言》和《人权宣言》有关。

南非馆:剩下的就是明天
南非馆,题为“剩下的就是明天”展示了一系列艺术家的作品,这些艺术家对权力、自由和公民自由的本地迭代有着深刻的投入。该项目不仅希望代表南非最近的重要工作,而且希望引发一场关于当代时刻与过去叙事之间关系的复杂而动态的辩论。该项目不想简单地展示为我们社会树立一面镜子的作品,也不想提供一连串的错误和不公正,以便让国际观众了解当地的时代精神。在某些领域,我们单独或共同参与了过去,例如,公共部门、博物馆设计和策展、建筑实践,有时迫使我们居住在过去。

探索未来之路,必须对过去有清醒的认识和深刻的思考。南非的过去很复杂。它们将我们与一系列关系联系起来,这些关系不仅来自过去(来自帝国主义和殖民主义),而且与产生民族和国家概念的历史宏大叙事有些不同。在这里展出作品的艺术家们冒险进入这个领域。他们对关于谁进谁出的根深蒂固的假设提出异议。他们有一种感觉,必须对归属感的叙述进行审问。 “较慢的”暴力形式从内而外吞噬了我们。这样做让我们对怀旧以及对历史的神话化、博物馆学方法的危险保持警惕。但即便如此,我们并没有放弃过去是重要参考的想法,是知道该做什么的关键,即使作为人类,我们似乎无法从错误中吸取教训。

阿拉伯叙利亚共和国馆:Origini della Civiltà
展览“文明的起源”重申其支持在代表当代不断变化的多样外观的自由美学表达之间发展对话。为响应这一主题,展馆展出了叙利亚Narine Ali、Ehsan Alar、Fouad Dahdouh和Nassouh Zaghlouleh艺术家的作品,意大利Aldo Damioli、Mauro Reggio和Andrea Zucchi,中国刘水石,西班牙Felipe Cardeña,阿尔巴尼亚Helidon Xhixha和乌克兰 Svitlana Grebenyuk,专注于一种在非常不同的环境和历史环境中成熟但能够跨越国界的风格相貌。

Helidon Xhixha 还在威尼斯水域周围建造了一座冰山,有可能被海潮淹没。它由抛光成镜面光泽的不锈钢制成,反映了城市及其水环境。 Xhixha 的《冰山》(2015)随着水流和风的运动而摆动。这种运动,再加上不断变化的光线和天气以及船只和人员的流动,导致冰山的反射面像它所反映的世界一样不断地变化。但是,虽然这些景象令人赏心悦目,但这项工作也起到了提醒和警告的作用。毕竟,是冰川融化在水中形成了威尼斯建立的土地。现在,由于我们的环境退化导致气温升高,冰川融化(以及其他因素)有可能将这座城市及其艺术和历史宝藏从地图上抹去。

瑞典馆:Lina Selander。图像挖掘:印记、阴影、幽灵、思想
标题“图像的挖掘:印记,影子幽灵,思想。” 塞兰德的电影装置经常借鉴历史事件,她使用散文和考古方法来揭示私人和公共图像定义记忆或历史的方式。塞兰德以一种总体的元蒙太奇形式呈现她的独立作品,这与单个作品的形式相得益彰,尤其是因为它们有共同的参考、主题,甚至图像。

所有的作品都以一种或另一种方式围绕着图像的状态,作为表现、记忆、物体、印记或表面,以及我们与它的关系。他们检查历史事件的官方表现以及产生它们的视觉语言和装置,强调历史在许多方面都是记录设备和技术的历史。此外,这些作品与现代性的愿望和失败有关,例如通过切尔诺贝利和广岛的灾难,它们与自然图像并列,交叉引用摄影、地质和核过程的视觉效果以创造新的沉积的意义。

瑞士馆:我们的产品
名为“我们的产品”的沉浸式装置激活了在产品的技术、科学和概念发展中调动的知识,颠覆了艺术的文化意义。该项目由非物质元素组成,如光、颜色、气味、声音和有机成分,如激素甚至细菌。 Pamela Rosenkranz 选择的材料,例如 bionin、依云、necrion、neotene、硅胶……人们更熟悉它们实际组成的物理物质。然而,它们散发出的看似纯粹和永恒的美学品质却有着生物学基础。 Abeel, Abeen, Aben, Afriam, Afrim, Afristil, Albatom….是我们产品的成分,虚构的化学和生物技术产品,由一个超先进的行业创造,用来传达感觉、重要功能,甚至缓解我们的痛苦。他们的科学和工业名称无休止地被宣称。

Rosenkranz 用塑料隔离了瑞士馆的内部空间,填充了单色的液体,这种颜色现在在当今的广告行业中被用作一种经过验证的提高注意力的物理手段。以欧洲为中心的肤色源自更广泛的自然历史,包括迁徙、暴露在阳光下和营养,与覆盖建筑物地幔的绿色涂层形成鲜明对比。外部天井由人造绿光照亮,消除了室内外的区别;而具有生物学吸引力的墙漆,进一步消除了文化与自然之间的这种分离。该装置利用了艺术和商业文化所依赖的远古审美反射,但使它们在认知上令人不安。

泰国馆:地球、空气、火与水
在许多古典世界观中,四个基本要素被认为构成了一切事物的基本组成部分。地球、空气、火和水。 Tassananchalee 的理念是,无论世界进步了多少,无论“世界的未来”会走什么样的道路,生命的基本构成要素都是永恒的。 Tassananchalee 通过混合媒体绘画发展了他的概念形象,将他的地球、空气、火和水符号转变为大型、水力和激光切割、不锈钢、铝和霓虹灯雕塑。光与影在这些作品中扮演着中心角色。在环境和有色、成型、霓虹灯的照射下,元素符号的激光和水切割组合物在投射和铸造的金属板上照射。泰国国家馆展出的大型雕塑是时间和世界的隐喻。古典元素与古代哲学概念有关,今天通常将其与当代“物质状态”进行比较。固态、气态、等离子体和液态。

土耳其馆:Respiro
这场名为“Respiro”(意大利语意为“呼吸”)的展览用多媒体作品填满了Arsenale 的Sale d’Armi,这些作品使用普遍认可的彩虹符号来探索转变的概念和共享的人类经验。两条大型、特定地点的霓虹彩虹,由脆弱的、摇摆不定的颜色线组成——照亮了一系列 36 块彩色玻璃板,描绘了与自然、灵性和崇高相关的图像。 “Respiro 超越地缘政治,进入一百万多年的更广阔的背景,回到宇宙的创造和时间的开始,回到有史以来的第一个彩虹,第一个神奇的光断点。A冥想音景,由 Jacopo Baboni-Schilingi 安排,灵感来自 Sarkis 的一幅画,将彩虹的颜色描述为一个“分区系统”,白天和黑夜都在装置上播放。

图瓦卢馆:穿越潮汐
题为“Crossing the Tide”,反映了面临全球气候变化影响的小岛国的恳求。这表现为海平面上升和导致洪水的严重风暴增加,最终威胁到这些位于太平洋的图瓦卢等小岛国的未来。该项目以一个被淹的亭子为特色。它连接了图瓦卢的洪水和威尼斯的洪水。穿过图瓦卢馆的潮汐,穿过略微淹没的人行桥,游客会发现自己置身于一个虚构的空间,一个只有天空和水的梦幻景观。

图瓦卢馆代表了一种自然环境,但本质上是人造的,是中国台湾艺术家 Vincent JF Huang 的作品。该项目揭示了一个仅由天空和水组成的世界。 《庄子》第一章《逍遥游》中,大鱼鲲变成巨鸟鹏的故事就是这样一个世界。彭振翅一振,海浪翻腾。彭升到了巨大的高度。天是蓝的,鸟儿往下看,也是蓝的。 《庄子》是道家哲学的基础典籍之一。它思考人类如何通过与自然和谐相处来获得幸福和自由,成为“自由自在的流浪者”。但事实是,我们不再按照自然生活,而是面临许多环境灾难。

乌克兰馆:希望!
题为“希望!”,乌克兰馆对这个处于内部政治斗争阵痛中的不稳定国家的未来表示乐观。然而,这种乐观主义和玻璃展馆结构的戏剧性透明度,被其中展示的作品中存在的道德细微差别所困扰。通过突出年轻艺术家的作品,展现对冲突的批判和无党派态度,同时以深刻的个人承诺和对乌克兰的声援为标志。乌克兰馆并没有让意识形态主导叙事,而是将艺术作为一种批判力量来动员,为一个被反动所消耗的国家引入一种激进的体贴。

阿拉伯联合酋长国馆:1980 年 – 今天:阿拉伯联合酋长国的展览
阿拉伯联合酋长国的展馆展出了 15 位阿联酋艺术家在过去四年中创作的 100 幅绘画、雕塑、照片和其他艺术品。哈桑·谢里夫从激浪派和英国建筑主义运动中挪用并制作了自己的比喻、概念和材料。这些作品充分利用了五颜六色的商业塑料和其他发现的物品。 Al Saadi 的雕塑形状像动物,这里的雕塑由他在阿联酋旅行中发现的木头和动物骨头制成。他在相邻玻璃橱窗中的彩色项链使用木材、骨头、陶器碎片和商用塑料制成。 Mohammed Abdullah Bulhiah 的金属、岩石和木材雕塑,其中几件让人回想起优雅的简约。所有这些都安装在 250 平方米的空间中,作为相互交谈的拥挤作品集,而不是按教学年表排列。

美国馆:琼·乔纳斯:他们一言不发地来到我们面前
这个名为“他们一言不发地来到我们身边”的装置,由先锋视频和表演艺术家琼·乔纳斯 (joan jonas) 创作,旨在通过一个包含绘画和雕塑元素的视频装置唤起快速变化的环境中自然的脆弱性。受冰岛作家halldór laxness的作品和他对自然世界的诗意描绘的部分影响,美国馆的每个画廊都处理与自然相关的特定主题,例如蜜蜂或鱼,并通过来自新斯科舍省布列塔尼角的一种口头传统,形成了一种非线性叙事,将一个画廊与另一个画廊联系起来。在每个房间里,两个视频投影相互对话,一个代表空间的主要主题,另一个作为幽灵叙事,创造了贯穿始终的连续视觉线索。

由 jonas 构思并专门为这次展览在穆拉诺手工制作的独立波纹镜子被放置在每个房间内;除了艺术家独特的绘画和风筝,以及在她的视频中用作道具的精选物品。这种不同元素的组织创造了舞台布景的感觉。展馆的圆形大厅也排列着类似的镜子,古老的威尼斯水晶珠挂在天花板中央的枝形吊灯状结构上。整体氛围反映了观众和美国馆在 giardini pubblici 内的外部环境,并与动态图像相交。该项目涉及世界如何如此迅速和彻底地变化的问题,但没有直接或教学性地解决这个问题,这些想法通过声音、灯光以及儿童、动物和风景图像的并置以诗意的方式表达出来。

乌拉圭馆:全球近视II(铅笔和纸)
标题为“全球近视”(铅笔和纸),是特定地点的纸、贴纸和铅笔装置。Marco Maggi 的绘画、雕塑和装置对世界进行了编码。由暗示电路板的线性图案、不可能的城市的鸟瞰图、基因工程或神经系统组成,他的绘画是无穷小的和无法辨认的词库。Marco Maggi 的抽象语言指的是信息在全球化时代的处理方式,他的作品挑战了绘画本身的概念。小文件按照特定的交通规则和任何沉积物堆积所规定的语法进行传播或连接。

乌拉圭馆的墙壁上缓慢地展示着一张没有字母或笔迹、没有任何信息的纸皮,按照之前的计划。墙上的贴纸群与 Erco 提供的定制照明轨道进行对话。无数的高清阴影和无穷小的白炽灯投影旨在减慢观看者的速度。该项目将绘画行为分为两个阶段。一是2014年在纽约剪出10000个元素的字母,二是2015年春天用预剪的元素在展馆墙上写字。 同样,项目将两个关键元素分开绘画,铅笔和纸,分为两个空间——主要空间的纸画和第一个房间的铅笔装置。

津巴布韦馆:Ubuntu/Unhu 的像素:从过去、现在和未来探索我们当代社会的社会、物质和文化身份的所有不同方面
题为“Ubuntu/Unhu 的像素”,探索 21 世纪的社会和文化身份。当作品或艺术被创造出来时,它们具有新的含义,使概念不断发展。展览中的作品以淡淡的触感和极简的感觉统一,以白色为主导背景,“图形”为大部分作品的主导风格,共同为我们带来对生活弱点的反思和思考一个小小的“l”和带有大写“L”的生命意识,这是津巴布韦哲学中的精华,在展馆的标题中由Ubuntu强调。津巴布韦展馆描绘了一条稳定和自决的道路,这是一个其未来的范式以及对“全世界的未来”的深思熟虑的贡献。

Msimba Hwati 的十件套系列让所有参观者都欣赏到我们今生的身份。每一张照片的黑白再现,每张照片的唯一颜色和差异都由品牌圆形补丁提供,脸颊上的舌头暗示肖像画的历史和品牌时代个人主义的丧失,社交媒体和技术。 Chazunguza 的“The Presence of the Past”在一个房间里的视频和另一个房间里的印刷作品之间摇摆不定,每一个都为我们提供了津巴布韦生活的戏剧化小插曲。Nyandoro 的画布破损了,绘画变成了绘画,绘画变成了装置. 作品既是对当下的回应,它无视任何常态或惯例,也是对创造未来的追求,它可以提供希望而不要求遵守公约。

附带事件

001 反转世界。AES+F
Magazzino del Sale n. 5、Dorsoduro,组织机构:VITRARIA Glass + A Museum
中世纪版画 Inverso Mundus 描绘了一头猪在屠宰屠夫,一个孩子在惩罚老师,一个男人背着驴,男女互换角色和服装,一个穿着破烂的乞丐庄严地向富人施舍。在这幅版画中,有恶魔、嵌合体、飞过天空的鱼和死亡本身,要么拿着镰刀,要么在瘟疫博士的面具后面。

在我们对 Inverso Mundus 的解释中,中世纪狂欢节的荒诞场景作为当代生活的片段出现。角色扮演荒谬的社会乌托邦的场景,改变自己的面具。Metrosexual 清洁工用碎片冲刷着这座城市。女性调查员用宜家式的设备折磨男性。儿童和老年人被锁定在一场跆拳道比赛中。Inverso Mundus 是一个嵌合体是宠物和启示录娱乐的世界。

威尼斯的加泰罗尼亚:奇点
Cantieri Navali,组织:Institut Ramon Llull
如果今天雷蒙德威廉姆斯决定为他著名的文本关键字添加更多条目,他肯定会包括“奇点”。该术语指的是人工智能超越人类能力和人类控制的时刻。在数学中,它描述了一个给定数学对象未定义或“行为良好”的点,例如,无限或不可微分。

电影制片人 Albert Serra Juanola 将这个概念作为他新电影的出发点。塞拉的电影表明,对世界的了解不仅仅是头脑存在的结果,而是头脑在行动。将电影与奇点条件联系起来意味着培养这样一种观念,即思想、意志和想象不是由与世界、物体和事物相同的物质构成的,而是由图像、感觉和想法构成的。

转换。回收集团
Chiesa di Sant’Antonin,组织:莫斯科现代艺术博物馆
这个特定地点的装置表明,信息网络的全球化和对新技术的崇拜在某些方面与历史上的基督教皈依相媲美。回收集团经常转向历史来说明当代生活方式的热点问题和令人震惊的方面。

他们用现代材料制作的雕塑和浅浮雕经常呈现出古代纪念碑的外观,显示出时间的蹂躏,就像一些失落文明的文物。尽管该项目的形式和构图受到传统基督教图像的影响,但它们引入了当代主题。皈依提出了基督教启蒙与数字技术革命之间的平行关系,以前存在于天堂的神圣知识现在位于“云”的无形空间中。

国家
Gervasuti Foundation Foundation,组织:Gervasuti Foundation
该展览是意大利艺术家 Giorgia Severi 在澳大利亚领土上逗留一年半后与土著艺术家社区直接接触的结果。她的旅程涉及在整个非洲大陆的艺术空间中的各种中途停留。国家是不同文化的大熔炉,它的作品是对记忆和传统的调查。

运用从手工艺品到声音艺术的一系列媒体,我们被邀请去思考人与自然之间不稳定的平衡。

单色花
Palazzo Contarini-Polignac, 组织: The Boghossian Foundation
Dansaekhwa 描述了一种在 1970 年代初兴起并持续到 80 年代的韩国艺术形式和运动。虽然单色花可以被理解为与西方的单色艺术和极简主义有相似之处,但它在历史背景、审美实践和潜在的社会批评方面都与两者不同。

Dansaekhwa 通过去除多余的颜色来表达绘画的灵活性和亲和力。刷、拔、刮颜料、将油画颜料推过画布背面是一种物理行为,作为生产过程的一个要素和重要表现出现,使绘画变得不可预测。Dansaekhwa 的背景是考虑到不断变化的审美价值观和反映社会现象的激进主义和政治批判的持续历史的开创性元素。

剥夺
Palazzo Donà Brusa,组织:欧洲文化之都弗罗茨瓦夫 2016
该展览由 2016 年欧洲文化之都弗罗茨瓦夫市组织,以该市战后流离失所的历史为出发点。从这个历史背景出发,它探索了流离失所、失去家园和在一个新的、通常充满敌意的陌生地方寻求庇护的当代维度。

来自波兰、乌克兰和德国的艺术家以对剥夺的普遍和非时间维度及其心理和物质表现的认识为指导。剥夺,与剥夺和驱魔有关,暗示了“我们的”、“自己的”和不受欢迎的“他者”之间的区别。正是在这种对归属感的丧失和渴望中,我们分析了空间与身份之间的复杂关系。

EM15 呈献 Doug Fishbone 的 Leisure Land Golf
军械库,组织:EM15
休闲原则是推动 EM15 在双年展上首映的策展主题,并通过两个新委托的艺术作品体现出来:Doug Fishbone 的 Leisure Land Golf,这是一个完全可玩的、由艺术家设计的微型高尔夫球场,邀请游客玩,以及防晒霜 (www .sun-screen.uk),一个在线项目,探索工作和休闲之间存在的模糊空间。

休闲原则将旅游和贸易的概念视为通过休闲的定义原则之一——消费以及这种消费如何塑造我们的身份来探索当前全球经济复杂性的隐喻。EM15 是来自英国东米德兰兹的一个集体,包括 Beacon 艺术项目、One Thoresby Street、QUAD 和与诺丁汉特伦特大学合作的新艺术交流。

Eredità e Sperimentazione
Grand Hotel Hungaria & Ausonia,组织:Istituto Nazionale di BioArchitettura – Sezione di Padova
该活动是通过英国艺术家乔·蒂尔森 (Joe Tilson) 创作的装饰过程来发展的,该过程涉及威尼斯丽都的 Grande Hotel Ausonia & Hungaria 新艺术风格建筑的未装饰外观。

有材料和三维仪器的日视和视频媒体仪器的夜视。夜视:一种多媒体表现形式,带有酒店立面拟议装饰的投影。日间视觉:两个教学展览,作品按比例建造。在外面,在花园里,有一个 12 平方米的结构,上面有穆拉诺玻璃砖和结构支撑,这是墙上涂层的原型。酒店大堂旁边,历史悠久的会议厅,有历史文献、素描、艺术家的绘画和计划展览。

重新构想的前沿
Museo di Palazzo Grimani,组织:泰戈尔国际基金会
全球化现象,文化前所未有地碰撞和融合,为艺术家提供了丰富而复杂的灵感来源。Frontiers Reimagined 通过 44 位探索文化边界概念的画家、雕塑家、摄影师和装置艺术家的作品来审视这些文化纠葛的结果。

这些新兴和成熟的艺术家——他们来自从西方到亚洲再到非洲的广阔地理景观——在他们的物质存在、文化之间的生活和工作以及他们的艺术努力方面拥有真正的全球视野。每一个都展示了艺术家参与跨文化对话时出现的知识和审美的丰富性。

Glasstress Gotika
贝伦戈基金会,组织:国家冬宫博物馆
展览展示了来自二十多个国家的五十多位受邀艺术家与穆拉诺玻璃大师合作创作的当代玻璃艺术作品,均以哥特式为主题。这些作品与从圣彼得堡冬宫博物馆永久收藏的中世纪玻璃工艺品并列,该博物馆是世界上最古老和最著名的博物馆之一。

Glasstress Gotika 探索了中世纪的思想如何在当今社会取得了所有技术进步的情况下不知不觉地潜入现代意识中,以及哥特式概念如何影响当代艺术。

格雷厄姆·费根:苏格兰 + 威尼斯 2015
丰塔纳宫,组织:苏格兰 + 威尼斯
Fagen 作品的雄心壮志和他词汇的复杂性使他成为当今苏格兰最有影响力的艺术家之一。他利用对诗歌、特定音乐形式和戏剧技巧的迷恋,专注于国家、社会和政治思想。

与作家、戏剧导演、音乐家和作曲家合作使他能够利用自己以外的专业知识、知识和专长。在这部新作品中,古典作曲家莎莉·比米什、雷鬼歌手和音乐家 Ghetto Priest 以及音乐制作人阿德里安·舍伍德的贡献清晰可见,但 Fagen 的作者身份从未被分散或侵蚀。Fagen 的装置将观众带入一段旅程,一条精心设计的路线。

格里沙·布鲁斯金。考古学家的收藏
前 Chiesa di Santa Caterina, 组织: Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR), Università Ca’ Foscari Venezia
在苏维埃帝国的废墟中走向未来。古代教堂内的考古发掘中出现的三十三个雕塑的大型装置。它们是最近灭亡的文明的伪制品。

在这个项目中,布鲁斯金使用了他的画作 Fundamental’nyi leksikon (1985–1986) 中的人物,这是一组来自苏联的原型。他复制了真人大小的人物,然后摧毁了雕塑,收集了碎片,并用青铜铸造了它们。然后,他将它们在托斯卡纳 (Tuscany) 与已经掩埋的罗马帝国废墟一起埋葬了三年。他终于把它们挖出来了,现在这些雕像从威尼斯所在的多云水域中浮现出来。各种已灭亡的帝国在当下相遇。

威尼斯双年展
威尼斯艺术双年展是一个当代视觉艺术展,每两年举办一次,在奇数年举行;是世界其他地方的其他双年展的原始双年展。双年展基金会一直支持艺术,并组织以下单独的活动:

La Biennale di Venezia 成立于 1895 年。Paolo Baratta 自 2008 年以来一直担任主席,在此之前从 1998 年到 2001 年。La Biennale 站在研究和促进当代艺术新趋势的前沿,组织展览、节日和研究在其所有特定领域:艺术(1895 年)、建筑(1980 年)、电影(1932 年)、舞蹈(1999 年)、音乐(1930 年)和戏剧(1934 年)。它的活动记录在最近经过全面翻新的当代艺术历史档案馆 (ASAC) 中。

这种展览模式导致了表达的多元化:为了容纳他们,展览空间已经根据战略需求而扩大,包括仍在进行的军械库区域的雄心勃勃的修复。艺术双年展被公认为当代艺术展览的世界领导者,参展国家从1999年的59个增加到2015年的89个。双年展建筑也被公认为世界上最好的。

在威尼托地区及其他地区越来越多的学校参与的情况下,通过教育活动和导游参观加强了与当地社区的关系。这将创造力传播给新一代(2014 年有 3,000 名教师和 30,000 名学生)。这些活动得到了威尼斯商会的支持。还与大学和研究机构建立了合作,专门参观和参观展览。在 2012-2014 的三年中,227 所大学(79 所意大利大学和 148 所国际大学)加入了双年展项目。

在所有领域,都有更多面向年轻一代艺术家的研究和制作机会,直接与知名教师接触;通过国际项目双年展学院,这变得更加系统和连续,现在在舞蹈、戏剧、音乐和电影部分运行。

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