2011年威尼斯艺术双年展回顾,意大利

第54届国际艺术展于2011年6月4日至11月27日在Giardini和Arsenale向公众开放。本届双年展涵盖了在中央展馆和军械库举办的国际艺术展,以及89个国家馆参与和37项城市周边活动。

展览主题为“ILLUMInations”,强调光和启蒙的重要性,从字面上提请注意这种努力在全球化世界中的重要性。威尼斯双年展一直受到国际精神的鼓舞,在艺术家本身已成为多面、有洞察力和文化游客的时代更是如此。

展览以光和启蒙为主题,同时探索与“民族”相关的思想。它包含了威尼斯老大师丁托列托(1518-1594)的几部作品,这些作品在他那个时代是非正统和实验性的,以戏剧性的灯光为特色。此外,作为本版策展理念的一部分,四位艺术家被要求创作“Para-Pavilions”,这是一种能够容纳其他艺术家作品的雕塑结构。

ILLUMInations
ILLUMInations 强调直观的洞察力和思想的启发,这是由与艺术的相遇及其增强感知工具的能力所培养的。展览尊重甚至捍卫开明理性理想化的价值,以及欧洲西方学术实践的特殊性。 ILLUMInations 专注于启发性体验的“光”,专注于与人际交流、智力理解带来的顿悟。启蒙时代也在 ILLUMInations 中引起共鸣,证明了其遗产的持久活力。

身份和遗产问题长期以来对当代艺术至关重要,对这些问题的艺术探究的强度在不久的将来不太可能减弱。从历史上看,从黑暗时代到文艺复兴时期,可以发现艺术文化中“ILLUMInations”的过程。

标题还暗示了广泛的联想,从亚瑟·兰波 (Arthur Rimbaud) 充满诗意的“照明”和沃尔特·本杰明 (Walter Benjamin) 关于超现实主义体验的“亵渎照明”,再到古老的中世纪照明手稿艺术和 12 世纪波斯的照明哲学。艺术是实验新形式“社区”和研究差异和相似性的温床,作为未来的模型。

当代艺术的特点是集体倾向和支离破碎的身份,临时联盟和刻有短暂事物的物体——即使它们是用青铜铸造的。自 1960 年代以来推动艺术发展的广阔动力已经转向内在。艺术不再培养反艺术的悲观情绪。感知现在专注于文化和艺术的基础,以便从内部阐明语义约定。一方面,人工制品已经让位于对过程的强调,而另一方面,雕塑、绘画、摄影和电影等“古典”流派的复兴是出于对剖析其代码和激活其潜在潜力的兴趣。 .这些担忧与今天非常相关的另一个方面密切相关:艺术强烈地吸引和承诺它的观众。

在第 54 届国际艺术展上展出的许多作品都是专门为直接与 ILLUMInations 主题相关的场合而创作的。在威尼斯画家和建筑师的作品中,他在与当地环境建立艺术、历史和情感关系方面发挥了重要作用。古典艺术画家的作品很少在当代艺术展览中展出。通过“ILLUMInations”这个主题,不难发现其中有一些启发了当代的元素。

这些画作在今天具有特殊的吸引力,其近乎狂热、狂喜的照明和近乎鲁莽的构图方式颠覆了文艺复兴时期定义明确的古典秩序。尽管自我反思是当代艺术的一个决定性因素,但它很少超越现代主义历史所涵盖的领域。

将威尼斯画家 16 世纪的作品融入威尼斯双年展传递出意想不到的刺激信号,并为艺术贸易的传统和当代艺术带来光明。这种并置中有趣的类比本质上不是正式的,而是加强了艺术作品作为能量视觉载体的重要性。

艺术是一个高度自我反思的领域,它培养对外部世界的清醒认识。交流方面对于 ILLUMInazioni 背后的想法至关重要,正如经常宣称并寻求接近生活活力的艺术所证明的那样。在我们的现实感受到虚拟和模拟世界的深刻挑战的时代,这一点比以往任何时候都更加重要。

国家馆亮点

澳大利亚馆:金线
Hany Armanious 的“金线”,对古代形式和文化的引用,他对一种材料到另一种材料的近乎炼金术转化的拥抱,以及他对将制作和展示艺术作品的过程融入雕塑本身的兴趣,强调了他的渴望在平凡中找到神秘。通过论证我们日常生活中的物品,吹叶机、花瓶、茶壶、篮子、熨斗、百叶窗,甚至是纸板汉堡王王冠,都可以像设计或被认为属于美学领域,他的作品是对这个世界比眼睛看到的更多的承认。

该项目是全景式的,无论在哪里,都包含想法和图像。 Armanious 的作品富有洞察力、辛酸,而且常常幽默诙谐。基于铸造过程,Armanious 的雕塑呈现出从古代历史到日常生活的双重对象。他对发现的物品一丝不苟地铸造——通常是多余或丢弃的物品,具有前世磨损的特征,特意用非贵重材料制作,最常见的是聚氨酯树脂。展览重新定义了铸造的传统意图,创造了一个物体的多个相同复制品,而是使用这个过程来创造独特的物体。原始物体和模具经常被破坏,精心铸造的无生命物体变成了各种人工制品,暂时将注意力从物体本身转移到它的制作和进化过程。

加拿大馆:史蒂文希勒:挖掘消费
个展“Exhume to Consume”,包括精选的 Steven Shearer 的绘画、素描和雕塑,展出新的和前所未见的作品,这些作品受到艺术史、流行文化和乡土建筑等多种影响。希勒采用并详细阐述了人物画史特有的风格和主题,包括与象征主义、表现主义和野兽派相关的风格和主题,希勒在艺术史与社会被遗忘或丢弃的方面之间绘制了正式和主题的相似之处。

史蒂文·希勒 (Steven Shearer) 从历史和他自己的过去中挖掘出物体、图像和想法,通过将它们插入当代语境来重新赋予它们意义。他的作品源于他对数以千计的图像的持续汇编,这些图像是从粉丝杂志、在线留言板和个人网站上的图像圣地等来源中挑选出来的。这些零碎的资源在他的作品中组合和循环使用时会产生生成性功能。他的艺术激发了这些图像中的心理和情感潜力,并将它们转化为反映他的主观体验。

中国馆:弥漫
展览“弥漫”展示了蔡志松、梁元伟、潘公凯、杨茂源、袁公的作品。彭峰展示了五件单一艺术家装置,散发着与中国文化传统(与西方传统的美学关注相反)相关的气味:茶、莲花、酒、香和草药。蔡的作品让人联想到茶;阴的,香的气味;阳的,药材;锅的,莲花的香味;而梁则是中国传统白酒——“白酒”的刺鼻气味。蔡志松的《云茶》,白漆的“器”是用钢和屋风铃和茶制成的。当被风吹动时,云会散发出茶香和风本身的声音。香气来自龙井茶,佛教僧侣喝茶以保持纯净和清新的心情。该装置旨在引起清醒和启蒙的感觉。

虽然适当相关,但周围的雾气是袁公的另一件作品《空香》的一部分。该装置的高压细水雾系统使用 20 套超声波雾化器,每两小时从草地上的一块白色鹅卵石中将雾化的香雾填满展馆。杨茂源在兵工厂蓄水池的地面上写下“万物皆有见”,游人发现药罐数以千计。这些罐子的内部刻有传统的中医处方,但在它们的外部没有任何迹象。按照中医理论,万事万物,无论是穴位,经络,络脉,都是可见的,但在现代科学中根本不存在。

塞浦路斯馆:时间分类法
“时间分类法”提出了 Doering 的“情感”对象图与 Christofides 的“科学”地形图之间的协同作用。它旨在通过时间和空间的博物馆学创造一种特殊的活力,展览旨在一方面探索社会、政治和文化关系,以及地方和全球层面的趋势和紧张局势,另一方面试图以传达新的和有价值的知识的中世纪“照明手稿”的方式运作。

塞浦路斯由两位艺术家代表,Marianna Christofides 和 Elizabeth Hoak-Doering。两位艺术家都以塞浦路斯的经历和历史现实为出发点,以特定的方式处理历史性、身份和记忆问题,从更广泛的文化历史中追溯和映射数据。两位艺术家的作品都背离了塞浦路斯的经历和社会政治领域,但它延伸和转变,以阐明作为更广泛的全球体系一部分的实质性话语。多元文化、交叉、迁移、迁移和杂交等问题是他们研究的共同点。他们在塞浦路斯馆内的会面旨在强调和协商围绕全球化环境明显同质性的现有立场和矛盾,同时,它解决了人类对精神和智力超越的深刻需求:导致对存在的时空系统的重新定义,以及人类经验的重新表述。

埃及馆:30天的空间奔跑
Basiony多媒体“空间奔跑30天”,记录了阿拉伯之春开罗的真实场景。艺术家在一个特别安装的房间内原地跑步时的身体活动的数字可视化。他的生命体征以图形和线条的形式在墙上闪烁。这件作品在 2011 年双年展上重演,同时还有 Basiony 在1月25日至27日期间拍摄的解放广场抗议活动的纪录片。

爱沙尼亚馆:一个女人只占很小的空间
“一个女人占用很少的空间”由六个概念上相互连接的房间装置组成,在一个类似公寓的、温馨的环境中。在她的照片、视频和特定地点的房间装置中,艺术家探索了各种主题,从女性气质和社会空间到当代社会女性的不同表现,以及“女性化”工作。除了对空间的关注外,还强烈强调时间、时间的循环,以及某种仪式重复和“无处可去”的元素。

该摄影系列捕捉了工作场所不同年龄和社会地位的女性。该系列的灵感来自几年前出现在爱沙尼亚媒体上的关于性别平等的意见专栏中的一项声明,该专栏声称女性比男性需要更少的日常工作空间。贯穿整个展览的问题之一涉及由于各方之间未达成一致而允许此类想法相对不受阻碍地继续进行的机制。除了专注于私人领域和身体的工作外,还有视频“非社交时间”,它通过食物探索了女性工作和社交生活的循环模式。

法国馆:机会
克里斯蒂安·博尔坦斯基 (Christian Boltanski) 的一个名为“机会”的壮观装置,涉及一个他所珍视的主题:运气、厄运和机会,使我们着迷并强加其自身规律的力量。一个狂热的环境,不断变化的元素唤起了生命中永无止境的彩票。 Christian Boltanski 的这组作品也被呈现为一个哲学故事,观众不满足于被动地记录故事,而是参与了一场名副其实的游戏。他自己可能会被命运选中,如果运气对他微笑,他将赢得展览中的一件作品。

“机会”开启了对命运的更广泛审视。生命的展开和生死的节奏以一种新的形式提出了普遍性和个体性的问题,即是什么将一个人与另一个人区分开来。远非严峻,这里的氛围很受欢迎。尽管工业和机械系统的残酷性阻碍了建筑的新古典主义和谐,但这里过滤的光照亮了新生儿的脸。周期性地,他们中的一个被选中,如果他在外表上与其他人没有什么区别,那么他可能仍然是那个权力和名声在历史上留下印记的人。

德国馆:Christoph Schlingensief
金狮奖最佳国家参与奖
在德国馆的主厅中,展示了施林根西夫为 2008 年鲁尔三年展构思的激浪派清唱剧《恐惧教堂与异形之争》的舞台。在恐惧的教会 vs. 内心的外星人中,施林根西夫利用他自己的个人经历公开对抗生命、苦难和死亡的普遍和存在主题。该剧的舞台由许多电影和视频投影以及众多雕塑、空间和图画元素组成,为观众提供了一个包罗万象的整体装置,比他的任何其他舞台布景都要多。展馆的两个侧翼之一设有电影院,大屏幕上放映了六部选自施林根西夫职业生涯不同时刻的精选电影。所有电影都从原始电影库存数字化,并已部分恢复。该剧院在双年展的开放时间内可随时进入,并为国际观众提供观看 Schlingensief 电影的重要选择的机会,包括一些首次带字幕的电影。

展馆的左侧翼献给施林根西夫 (Schlingensief) 的非洲歌剧院,这是他在非洲的歌剧村。它位于布基纳法索首都瓦加杜古附近,包括一所设有电影和音乐教室的学校、一家咖啡馆、一家医院和一座带节日大厅的中央剧院大楼。歌剧院村由艾诺·拉贝伦茨 (Aino Laberenz) 领导,并与建筑师弗朗西斯·凯雷 (Francis Kéré) 共同规划。除了非洲项目已经实现的部分的照片和文件外——并结合施林根西夫与布基纳法索演员合作的最后一部戏剧《Via Intolleranza II》中的选定场景——展馆的这一部分设有大型全景投影歌剧村建筑工地周边自然风光的镜头,由非洲电影制片人 Schlingensief 本人拍摄,并委托在德国馆使用。

希腊馆:超越改革
迪奥汉迪 (Diohandi) 的名为“超越改革”(Beyond Reform) 的特定地点装置,探索空间和时间。展馆的内部和外部进行了修改,作为一个存在的空间,站在一个给定的时间点。通过覆盖原始结构的新外壳表面的小裂缝可以看到拜占庭风格的立面,而水、光和声音是展馆内部的主要元素。进入内部是从一条上升的走廊穿过水面之间的展馆长度,一直通向纯粹的光线。在对希腊馆的建筑和历史进行广泛研究之后,Diohandi 的新空间将周围环境与内部融为一体,提供了建筑结构、光、声和水可以共存的新方式。

迪奥汉迪从最深刻、最基本的意义上理解“照明”这个主题。从一个非常具体、具体、严格合理的空间开始,无论是外部还是内部:整个空间都被改造了,尽管这些干预措施实际上并没有影响现有结构。声光也是工作中必不可少的。希腊馆的装置在某种程度上反映了迪奥汉迪的具体作品,反映了欧洲和整个世界的当前政治状况。同时,很明显,这是对当代希腊经济衰退和国际货币基金组织指导的评论:一个光明的地方陷入黑暗和衰落,似乎几乎是自愿地坚持精神和社会政治重建的希望;换句话说,光的愿景应该带来清晰的头脑,仿佛最终的宣泄。

印度馆:众说纷纭:即将爆炸
威尼斯双年展的第一个印度馆题为“所有人都同意:即将爆炸”,展示版画家和雕塑家 Zarina Hashmi、画家和视频艺术家 Gigi Scaria、混合媒体艺术家 Praneet Soi 和欲望机器集体。这个展馆通过跨文化实践、移民和异花授粉的比喻来表达这个想法。事实上,这个展馆旨在作为一个实验室,我们在其中测试有关当代印度艺术界的某些关键命题。通过它,我们可以将印度视为一个概念实体,它不仅以领土为基础,而且在全球想象空间中也具有广泛性。

Hoskote 选择艺术家的目的是代表一系列与艺术市场平行上演的概念严谨、美学丰富的艺术实践。此外,这些还没有被画廊系统和拍卖行圈定。印度的表现形式还侧重于强调当代艺术生产的跨文化性质的艺术立场:当今创作的一些最重要的艺术利用了不同的地点、不同的图像制作经济和不同的文化历史。

伊拉克馆:受伤的水
“受伤的水”,由两代人的 6 位伊拉克艺术家组成的令人兴奋的专业策展精选,包括各种艺术媒体(绘画、表演、视频、摄影、雕塑/装置)。这对伊拉克来说是非常时期。为第 54 届威尼斯双年展创建官方国家馆的项目是自 2004 年以来的一项多项参与性工作。从历史上看,在该国经历了 30 多年的战争和冲突之后,它正处于一个伟大的复兴时期。伊拉克馆展出了六位国际知名的伊拉克当代艺术家,他们在他们的个人实验艺术研究中具有象征意义,他们在国内和国外生活。

他们代表了两代人:一代出生于 1950 年代初,经历了伊拉克那个时期的政治不稳定和文化丰富。 Ali Assaf、Azad Nanakeli 和 Walid Siti 于 1970 年代在标志着他们背景的政治社会主义创建时期成年。第二代,包括 Adel Abidin、Ahmed Alsoudani 和 Halim Al Karim,在两伊战争(1980-1988)、科威特入侵、联合国经济制裁和随后的艺术孤立的戏剧性期间长大。这一代艺术家在 2003 年入侵之前离开了这个国家,靠着纯粹的财富和他们作品的艺术美德在欧洲和美国避难。因此,所有六位艺术家的身份都无可置疑地通过当代艺术实践锻造而成,将全球形势与伊拉克经验结合起来,他们代表了一种完全国际化的复杂和实验方法。

以色列馆:一个人的地板是另一个人的感受
Sigalit Landau 的“一个人的地板是另一个人的感觉”,将比喻和材料结合在一个图像中,诗意和政治,暗示性的标题产生了一个具有充足想象空间的概念。Landau 的项目涉及三个基本要素:水、土地和盐,与以色列馆本身有关。该项目是针对特定地点的,庆祝那里的水、相互依存的问题、生活在该地区的社区和社会,彼此相邻,共享土地和文化。

意大利馆:文化遗产和活动部
意大利馆的传统场地在意大利统一 150 周年之际进行了扩建,选出了 200 位具有国际知名度的主要人物,他们被要求表明一位在意大利统一 150 周年中具有重要意义的艺术家。这个千年,从 2001 年到 2011 年。由于 200 种不同的艺术理解方式,展出了 200 位艺术家。一种万花筒般的表现形式,不仅限于评论家的选择,也不跟随画廊的潮流,而是为艺术、文学、哲学之间的非凡结合提供了动力。军械库还展出了从威尼斯萨勒米带来的黑手党博物馆,提供了展出的主题:“艺术不是我们的。”

展览“意大利:150 / 双年展:116”,旨在展示对多样性、一致性和艺术品质特别重要的收藏。展览包括奥古斯托·塞尚、埃托雷·蒂托、马塞洛·杜多维奇、卡洛·斯卡帕、阿尔伯·施泰纳、米尔顿·格拉泽、埃托雷·索特萨斯、吉安路易吉·托卡方多和威尼斯工作室的作品。该展览是通过双年展的内部资源实现的,特别是 ASAC(当代艺术历史档案馆),在更广泛的项目中,以加强其资金。展览之所以能够举办,是因为最近对整个海报集的 3,500 幅(以 360 幅普通海报以及次要海报、海报和公告为代表)进行了返工和盘点工作。

日本馆:Tabaim​​o:teleco-soup
由 Tabaim​​o 设计的名为“teleco-soup”的装置,通过将多频道动画投影到镜子面板上,这种身临其境的多媒体环境探索了该国作为岛国的身份。 “Teleco-soup”意味着“倒置”汤的概念,或水与天空、流体与容器、自我与世界之间关系的倒置。这个短语由艺术家创造,建立在日本的知识传统之上,该传统努力解决该国作为岛国的身份,或者近年来被称为“加拉帕戈斯综合症”,最初用于描述日本人之间的不兼容技术和国际市场,但现在适用于全球化时代日本社会的多个方面。展览的结构进一步参考了中国哲学家庄子的一句谚语:“井底之蛙不能言海”,以及日本版的附录:“但知天高。”

通过使用多通道动画投影和镜面板,Tabaim​​o 将日本馆的内部变成了一个水井,将展馆下方的开放空间由飞行员升起,变成了天空。一连串的图像让人认识到井——或当代日本——的难以想象的广度,并通过装置的反重力方向连接到下方天空永恒世界中的无限深度/高度,通过井中的一个孔可以看到展馆中心的地板。以这种方式延伸到展馆的范围之外,装置破坏了上下、内部和外部、广阔和狭窄的视角之间的关系,让参观者沉浸在一种身体体验中,让他们质疑,井底之蛙的世界真的那么小吗?而且,我们如何协商个人和社区之间的接触点——我们如何协商我们自己的加拉帕戈斯综合症?

立陶宛馆:白幕后
《白幕背后》是 Darius Mikšys 的作品,试图将一个由现代国家策划的象征性展览汇集在一起​​并展示,并将其变成一个真正的展览和国家档案馆。作为自建和自组织的公共镜子,《白幕背后》汇集了过去二十年(1992-2010 年)获得立陶宛共和国文化部国家资助的艺术家的艺术作品.

立陶宛国家通过分配奖品和赠款来选择艺术家参加象征性展览,以促进立陶宛艺术家的实践。它可以被看作是一种有针对性的文化产品节目。就这样,国家充当了策展人的角色,它的展厅没有围墙,它的展览已经展出了几十年。有可能看到这样的展览吗?一个人如何参观?白幕背后是一场装置和表演,发生在幕布的两侧。一侧作为整个收藏品的存储空间,而另一侧则作为旋转展览;根据每个访客的特定兴趣来塑造。

卢森堡馆:Le Cercle Fermé
Martine Feipel 和 Jean Bechameil 的“Le Cercle Fermé”意识到空间的概念是核心。观察者面临一个单一的想法:寻找一种新型空间的明显必要性。可以在各种不同的层面上理解艺术作品,这些层面既涉及哲学,也涉及艺术史或社会。在这个项目中,空间管理处于危机之中。跟随雅克·德里达的哲学,这是一个试图超越一个地方的界限去寻找一个新地方的案例。这归结为对限制的意义和空间意义的思考,这主要是传统的结果。

重要的不是越界越法,而是要在原空间的中心“打开”一个空间。这个开口并没有创造新的空间来占据,而是一种隐藏在极限旧含义中的口袋。它是根据滑动原理在空间中打开一个开口。这种内部滑移和空间的再创造总是意味着一个机构的破坏。形势似乎仍然开放,但我们缺乏能够应对生态危机和文明危机的行动理念。今天,毫无疑问,比以往任何时候都更紧迫地考虑将空间问题作为一种文明的工作,作为一种文明的改造。改变日常生活完全重塑我们的世界。

黑山馆:冰箱工厂和清水
展览名为“冰箱工厂和清水”,联合表演艺术家与玛丽娜·阿布拉莫维奇、llija Soskic 和 Natalija Vujosevic 一起展出。 Obod是位于黑山旧王国首都采蒂涅的一座14万平方米的旧冰箱工厂,建于铁托共产主义政权时期。 Obod 的成立是为了为前南斯拉夫的所有国家生产冰箱,它今天仍然是共产主义、工业化和现代主义理想的完美保存例子,这些理想与数百年历史的图书馆、宫殿、修道院和山脉紧密相连。黑山这样一个引人注目的地理位置。该空间被改造成表演、舞蹈、戏剧、歌剧、电影,以及促进建筑、科学和新技术的发展。

Marina 的作品包括一段视频,其中包含一段关于她的黑山根源的原创叙事和简短的传记,并解释了她在黑山(欧洲)和纽约哈德逊同时建立两个表演中心的雄心勃勃的计划。玛丽娜·阿布拉莫维奇的作品也可以在由 Karlyn de Jongh 和 Sarah Gold 策划的“个人结构”中看到,该展览在靠近大运河里亚托桥的令人惊叹的本博宫举行。这个群展汇集了来自五大洲的 28 位艺术家的有趣组合。无论是成熟的艺术家还是不太知名的艺术家,所有人都被一个共同的兴趣团结在一起:致力于时间、空间和存在的概念。

新西兰馆:初探查普曼的荷马
Michael Parekowhai 的“第一次看查普曼的荷马”,向 19 世纪英国浪漫主义诗人约翰济慈的同名诗致敬,并引用了发现、探索以及旧世界和新世界之间的文化相互作用的概念. 艺术家以一种结合行为艺术的方式来理解查普曼的荷马作品,作品的大部分真正意义来自于音乐,音乐充斥着空间,是任何物体都无法做到的。Michael Parekowhai 为观众创造了一种戏剧感和惊喜感。

挪威馆:现状
反思当今南森护照的原则,以及一个国家形象实际上可能由其国际主义定义的可能性,挪威当代艺术办公室 (OCA) 正在组织“事物的状态”,一系列公开讲座是挪威代表第 54 届威尼斯双年展的一部分。由国际知名知识分子举办的公开讲座反映了多样性、欧洲、环境、缔造和平、人权、资本、可持续性、移民、庇护、美学和战争等主题。每篇论文都从演讲者的活动和研究领域以及他们认为当今的知识和政治优先事项中汲取了当今的“事物状况”。

俄罗斯馆:空旷地带
“空区”,试图将 CA 的行为回顾性地视为艺术中的生活。展览着眼于规模的悖论,将艺术展示为自己的生产,而不是对象(绘画、雕塑、装置)的生产。Empty Zones 是将生活作为一种独特的艺术品的概念。这种艺术生活通过使用为俄罗斯馆空间创造的隐喻来展示。

这是俄罗斯第一个让观众摆脱通常被动状态并让他在创造艺术事件中发挥积极作用的艺术例子。”构成 CA ‘动作’的审美时空事件已经发展到在广阔的乡村空间(田野、森林、河流等)以及介绍动作、伴随动作和评论动作事件的文本中。但是,也有一些动作在城市和封闭空间中进行当发展当代审美语言的过程需要它时,CA 已经执行了 125 项行动并编译了 10 卷(11PthP 的工作正在进行中)的旅行书籍。

沙特阿拉伯馆:黑色拱门
Mona Khazindar 和 Robin Start 的“黑色拱门”是两位艺术家的交汇点。两种世界观;从黑暗到光明,以及麦加和威尼斯两座城市。这件作品是一个舞台,旨在投射艺术家对黑色的集体记忆,巨大的色彩缺失 – 以及黑色的物理表现,指的是他们的过去。叙事由他们的阿姨和祖母讲述的鼓舞人心的故事推动,并以麦加为基础,这对姐妹于 1970 年代长大。

装置的第一部分 Black 的实体存在体验对艺术家来说是惊人的,其灵感来自于沙特女性的黑色剪影。作为对立点,装置的第二部分是一个镜像,反映了现在。这些是作品的美学参数。黑色拱门也是关于旅程,关于过渡;受到马可波罗和 13 世纪旅行家伊本白图泰的启发,这两个例子都是如何通过旅行连接文化的例子。艺术家们专注于两个国际大都市之间的相似之处及其鼓舞人心的力量。两个女人、两个姐妹、两个艺术家的双重视野在仪式和传统的世界中展开,然而,却以简单的方式面对人类行为的日常现实。

斯洛文尼亚馆:热感加热器
Mirko Bratuša 的雕塑装置 Heaters for Hot Feelings 由八个触觉、拟人化和生物形态的部件组成,每个部件高约 2 m。隐藏的电气配件对烧制的泥塑进行加热、加湿和冷却。第一个雕塑冷却产生的热量被用来加热其他雕塑。一个连接网络被设置为一个人造物体系统,这表明它们相互依赖。以这种方式构建的艺术体系的比喻普遍适用于现代社会,在这个社会中,一切都发生在相互关系中:在地球的一侧积累财富导致另一侧贫困,剥削自然导致自然灾害,社会动荡改变政治系统。

米尔科·布拉图沙 (Mirko Bratuša) 的雕塑以各种情绪状态被捕捉。它们极具表现力,设计具有雕塑般的奢华和优雅的幽默感。它们暗示了西方天主教传统中的古怪现象,向我们揭示了平凡中的异国情调。因此,为了获得更高水平的同理心,它们是由极具表现力且不再大量销售的烧制粘土材料制成的。它们是有触觉的,温暖的和寒冷的。它们向我们展示了我们日常生活的精神病方面,反映了我们的恐惧,并讲述了我们在现代文化中迷失的感觉,在现代文化中,我们似乎无法再影响政治和社会权力关系,也不再可能阻止破坏自然的过程。因此,Bratuša 建议,我们必须回到基本的认知,到失去理智的境界。

土耳其馆:B计划
Ayşe Erkmen 的“B 计划”借鉴了威尼斯与水之间不可避免而复杂的关系。 Erkmen 的项目将军械库内的一个房间改造成一个复杂的水净化装置,机器在其中扮演雕塑的角色,将观众包围在过滤过程中,最终将清洁、可饮用的水送回运河。过滤装置的每个组件都被分离出来,将机器散布到整个房间,然后用延长的管道重新连接元件。 Erkmen 精心编排优雅的工业形式,以引起人们对转型过程的关注,最终净化的水返回运河:这是对运河和海洋压倒性规模的一种徒劳而勇敢的姿态。

形式上,Erkmen 的实践经常评论极简主义在工业形式与身体之间的关系。在这里,装置为身在转化机制中的观众产生了一种本能的体验。“B 计划”抽象地传达了我们日常参与的系统和过程:血液在身体中循环,资本在边界内流动,权威机制,自然资源的供应,同时提供了对变化潜力的诗意参考。同时,这部作品巧妙幽默地批判了我们周围复杂系统和结构中不可持续的短期解决方案和变化的欣快感。

英国馆:我,冒名顶替者
迈克·纳尔逊的“我,冒名顶替者”,这是英国馆的沉浸式装置。新的改编通过重新想象 17 世纪路边旅馆的历史,融合了时间和空间的层次。该空间旨在支持跨越亚洲、北非和东南欧的商业贸易路线,在其鼎盛时期是富丽堂皇的。因此,最新的空间重新诠释通过将 17 世纪的建筑与最近的手工艺品(如塑料家具和过时的电视)相结合,使时间崩溃。将装置从伊斯坦布尔转移到威尼斯也扭曲了对地理的看法,但将两个城市作为前贸易中心的共同历史联系在一起。

美国馆:Gloria
取名“格洛丽亚”,美国馆重新布置,外面的空气中有很多灰尘,所有的纸板和碎片都像战区一样散布在它周围。一辆 60 吨重的英国坦克颠倒过来,叫做田径场,他们在坦克的正确轨道上安装了一个运动跑步机。馆内举行了美国体操运动员的表演。一个象征性的自由雕像的复制品站在算法旁边,一个与工作中的自动取款机连接在一起的管道,其中器官只在交易期间播放音乐。

Allora 和 Guillermo Calzadilla 代表美国展出五件装置作品。最艺术的人了解这个通常被称为艺术界奥运会的事件。和运动员一样,他们准备得非常严格,最终争夺金牌。Gloria,就像奥林匹克的荣耀,或艺术的荣耀,或战争的荣耀。但是一辆翻倒的坦克很容易被解释为美国褪色的荣耀的象征。参观者可以看到军国主义之间的关系,思考战争。雕塑还与重力、重量、组合、性能、声音有关。因此,它具有所有这些类型的多个寄存器,使其超越了一个单一的、有用的、实用的、功能性的端。