文艺复兴时期的音乐

文艺复兴时期的音乐(Renaissance music)是在欧洲文艺复兴时期编写和演奏的声乐和器乐音乐。 音乐史学家之间的共识一直是在1400年左右开始,随着中世纪时代的结束,大约在1600年左右开始,随着巴洛克时代的开始,因此开始音乐复兴约100年后开始音乐文艺复兴文艺复兴在其他学科中被理解。 与其他艺术一样,这一时期的音乐受到定义早期现代时期的发展的显着影响:人文思想的兴起; 恢复古希腊和古罗马的文学和艺术遗产; 增加创新和发现; 商业企业的成长; 资产阶级的崛起; 和新教改革。 在这个不断变化的社会中,出现了一种共同的,统一的音乐语言,特别是法兰克佛兰德学派的复调风格(这意味着音乐具有多个独立的旋律线),其中最伟大的主人是Josquin des Prez。

1439年印刷机的发明使得在更广泛的地理范围和更多的人群中分发音乐和音乐理论文章变得更加便宜和容易。 在印刷发明之前,写下来的歌曲和音乐以及音乐理论文本都必须手工复制,这是一个耗时且昂贵的过程。 随着资产阶级的出现,对音乐作为娱乐和作为受过教育的业余爱好者的休闲活动的需求也在增加。 整个欧洲传播大量音乐,音乐和大众音乐,恰逢复调实践与流派风格的统一,这种风格在十六世纪下半叶在乔瓦尼·皮耶路易吉·达·帕莱斯特里纳,奥兰德·德拉索斯,托马斯·塔利斯等作曲家的作品中达到高潮。威廉伯德。 低地国家的相对政治稳定和繁荣以及该地区许多教堂和大教堂繁荣的音乐教育体系使得培训大量歌手,乐器演奏家和作曲家成为可能。 这些音乐家在欧洲受到高度追捧,特别是在意大利,教堂和贵族法院聘请他们作为作曲家,表演者和教师。 由于印刷机使印刷音乐更容易传播,到了16世纪末,意大利吸收了与威尼斯,罗马和其他城市成为音乐活动中心的北方音乐风格。 这扭转了一百年前的情况。 歌剧,一个戏剧性的演出流派,歌手伴随着乐器,这时在佛罗伦萨出现。 歌剧是为了恢复古希腊音乐的故意尝试而开发的(OED 2005)。

音乐越来越脱离中世纪的限制,在范围,节奏,和谐,形式和符号上允许更多的变化。 另一方面,对立的规则变得更加受到限制,特别是在对待不和谐方面。 在文艺复兴时期,音乐成为个人表达的载体。 作曲家们找到了使声乐更具表现力的方法。 世俗音乐(非宗教音乐)吸收了来自神圣音乐的技术,反之亦然。 流行的世俗形式,如香颂和牧歌遍布欧洲。 法院雇佣了演奏家,演唱家和乐器演奏家。 音乐也因其印刷形式的可用性而变得更加自给自足,为了自己的利益而存在。 许多熟悉的现代乐器(包括小提琴,吉他,琵琶和键盘乐器)的前体版本在文艺复兴时期发展为新形式。 这些乐器经过修改以回应音乐观念的演变,并为作曲家和音乐家探索提供了新的可能性。 早期形式的现代木管乐器和铜管乐器,如巴松管和长号也出现了; 扩大了声波的范围并增加了器乐合奏的声音。 在15世纪,充满黑社会(三音符和弦)的声音变得很普遍,并且在16世纪末期,教堂模式的系统开始完全崩溃,让位于功能调性(歌曲和作品以音乐“钥匙”为基础),这将在未来三个世纪统治西方艺术音乐。

从文艺复兴时代开始,着名的世俗音乐和神圣音乐在数量上依然存在,包括声乐和器乐作品以及混合声乐/器乐作品。 文艺复兴时期音乐风格和流派的种类繁多。 这些可以在二十世纪和二十一世纪的录音中听到,包括群众,母校,牧歌,chansons,陪伴歌曲,器乐舞蹈等等。 从20世纪末期开始,形成了许多早期的音乐合奏。 早期的音乐乐团专门从事文艺复兴时期音乐的巡回演唱和录音,使用现代的历史乐器复制品以及音乐学家相信在这个时代使用的演唱风格。

概观
早期文艺复兴时期欧洲艺术音乐最显着的特征之一是越来越依赖于第三及其倒数的区间,第六(在中世纪,三分之二和六分之一被认为是不和谐的,只有完美的区间被视为共振:完美的第四,完美的第五,八度和统一)。 复音 – 同时演奏的多个独立旋律线的使用 – 在整个14世纪变得越来越精细,具有高度独立的声音(无论是声乐还是器乐)。 15世纪初显示简化,作曲家经常在旋律部分努力平滑。 这是可能的,因为音乐的声音范围大大增加 – 在中世纪,狭窄的范围必须频繁地跨越部分,因此需要更大的对比度来区分不同的部分。 文艺复兴时期音乐的特征(与音调相反,也称为“音乐钥匙”,后来巴洛克音乐时代开发的方法,大约1600-1750年)开始随着使用量的增加而逐渐消失的五分之四或四分之一的根部运动(详见“五分之一圈”)。 和弦进行的一个例子,其中和弦根音以四分之一的间隔移动将是和弦进行,在C大调的键:“D小调/ G大调/ C大调”(这些都是黑社会;三音符和弦)。 从D小调和弦到G大调和弦的移动是完美的第四个音程。 从G大调和弦到C大调和弦的动作也是完美的第四个音程。 后来这发展成为巴洛克时代音调的一个重要特征。

文艺复兴音乐的主要特点是(Fuller 2010):

基于模式的音乐。
更丰富的纹理,同时执行四个或更多独立旋律部分。 这些交织在一起的旋律线,一种称为复音的风格,是文艺复兴时期音乐的特征之一。
混合而不是对比,音乐质感中的旋律线条。
和谐,更加关注音乐的流畅和和弦的进程。
复调音乐的发展产生了乐器上的显着变化,从中世纪音乐中标志着文艺复兴。 它的使用鼓励使用更大的乐团,并要求在整个音域范围内融合在一起的乐器组合(Montagu nd)。

流派
在整个文艺复兴时期仍然在使用的主要礼拜式(教堂式)音乐形式是群众和母题,并且在这个时代结束时还有一些其他的发展,特别是当神圣音乐作曲家开始采用世俗(非宗教)音乐形式时(如宗教用途)。 15世纪和16世纪的群众有两种来源,一种是单声道(一种旋律线)和多种(多种独立旋律线),有两种主要的阐述形式,基于惯例实践或者开始一段时间1500,这是一种新式的“普遍模仿”,作曲家会写出音乐,其中不同的声音或部分会模仿由其他声部或部分演奏的旋律和/或有节奏的图案。 使用了四种主要类型的群众:

Cantus firmus质量(男高音质量)
神像坚定/模仿大众
释义质量
模仿群众(模仿群众)
群众通常以他们借来的来源为题。 Cantus firmus大量使用相同的单音旋律,通常来自咏唱并且通常在中音中,并且通常以比其他声音更长的音符值(Burkholder nd)。 其他的神圣流派是madrigale spirituale和优异成绩。

在此期间,世俗(非宗教)音乐分布日益广泛,形式多样,但人们应该谨慎对待各种各样的爆炸:由于印刷使得音乐更加广泛可用,所以在这个时代更多地存活下来比从中世纪时代开始,中世纪后期流行音乐的丰富存储可能会丢失。 世俗音乐是独立于教堂的音乐。 主要的类型是德国的Lied,意大利的frottola,法国的香颂,意大利的madrigal和西班牙的villancico(Fuller 2010)。 其他世俗声乐类型包括caccia,rondeau,virelai,bergerette,ballade,musiquemesurée,canzonetta,villanella,villotta和lute歌曲。 混杂的形式,例如motet-chanson和世俗的motet也出现了。

纯粹的器乐音乐包括录音机或viols和其他乐器的伴奏音乐,以及各种合唱团的舞蹈。 常见的器乐类型有toccata,prelude,ricercar和canzona。 器乐合奏团(有时演唱)演奏的舞蹈包括basse danse(It。bassadanza),tourdion,saltarello,pavane,galliard,allemande,courante,bransle,canarie,piva和lavolta。 许多流派的音乐可以安排为独奏乐器,如琵琶,vihuela,竖琴或键盘。 这种安排被称为intabulates(It。intavolatura,Ger。Intabulierung)。

在这段时期结束的时候,听到了歌剧的早期戏剧性前体,如monody,madrigal喜剧和intermedio。

理论和符号
根据玛格丽特本特的说法:“文艺复兴时期的符号不符合我们[现代]标准的规定;当它翻译成现代形式时,它会获得一个规定性的权重,超出了它的原始开放性并扭曲了它的原始性”(Bent 2000,p。25)。 文艺复兴时期的作品仅在个别部分注明; 分数非常少见,并没有使用小节线。 注意值通常比现在使用的要大; 击败的主要单位是semibreve,或整个音符。 与Ars Nova(见中世纪音乐)一样,每一个短片都可以有两个或三个(一个双重音符),尽管可能被视为与现代“量度”相当。这本身就是一个票据价值,而一个衡量标准并非如此。 这种情况可以这样考虑:与现代音乐中的四分音符等于两个八分音符或三个八分音符的规则相同,这将被写为“三重音符”。 通过相同的推算,每个半纤维可能会有两到三个下一个最小的音符,即“最小值”(相当于现代“半音符”)。

这些不同的排列在短半截关系层面被称为“完美/不完美的极端”,在半极小极小的层面上是“完美/不完美的推论”,并且存在于所有可能的相互组合中。 三对一被称为“完美”,二对一“不完美”。 规则的存在也使单个票据在其他某些票据的前面或后面可以减半或增加一倍(分别为“不完美”或“改变”)。 带有黑色的纸币(例如四分音符)的纸币发生频率较低。 这种白色理疗符号的发展可能是纸张(而不是牛皮纸)用量增加的结果,因为较弱的纸张不能经受住填充坚实的头部所需的划痕; 以前写在牛皮纸上的记号是黑色的。 其他颜色以及随后的填充笔记也常规使用,主要用于执行上述缺陷或变更,并要求其他暂时的节奏变化。

意外事件(例如,改变音符的增加的锐利物,单位和自然物)并不总是被指定的,某种程度上如今天吉他家族乐器(指法)的某些指法符号。 然而,文艺复兴时期的音乐家本来会接受高度的二元对位训练,因此拥有这些和其他正确读取分数的必要信息,即使没有写入意外事件也是如此。“因此,现代符号需要[意外]完全显而易见的是没有对歌唱对手的歌声。“ (见musica ficta)一位歌手会通过考虑其他部分的考虑来解释他或她的部分,当一起唱歌时,音乐家会避免平行八度音阶和平行五度音阶或根据其他音乐家的决定改变他们的音乐部分(弯曲2000年,第25页)。 通过对各种弹拨乐器的现代制表,我们获得了关于哪些偶然事件是由原始执业者执行的大量信息。

有关具体理论家的信息,请参阅Johannes Tinctoris,Franchinus Gaffurius,Heinrich Glarean,Pietro Aron,Nicola Vicentino,Tomásde SantaMaría,Gioseffo Zarlino,Vicente Lusitano,Vincenzo Galilei,Giovanni Artusi,Johannes Nucius和Pietro Cerone。

早期(1400-1470)
早期文艺复兴时期的主要作曲家也以中世纪晚期的风格写作,因此他们是过渡时期的人物。 Leonel Power(约1370年代或1380年至1445年)是中世纪晚期和文艺复兴早期音乐时代的英国作曲家。 与John Dunstaple一起,他是15世纪初英国音乐的主要人物之一(Stolba 1990,p.140; Emmerson and Clayton-Emmerson 2006,544)。 力量是作曲家在旧大厅手稿中最好的代表,是15世纪初英语音乐唯一完好无损的来源之一。 权力是第一个作曲家之一,设置了主题统一并打算用于连续表演的群众普通人的单独动作。 “旧大厅手稿”包含了基于玛利亚的对手Alma Redemptoris Mater的大量作品,其中的每一乐章中的对位声音都是字面意义上的对手,没有旋律装饰。 这是大众普通人唯一可以归因于他的循环设置(弯曲)。 他写了大量的周期,片段和单个动作以及其他各种神圣作品。

约翰·邓斯特普尔(或邓斯特布尔)(约1390-1453年)是中世纪晚期和文艺复兴早期复调音乐的英国作曲家。 他是15世纪初最着名的作曲家之一,近乎当代的权力,并且不仅在英格兰,而且在欧洲大陆,特别是在勃艮第学派的发展风格上,具有广泛的影响力。 邓斯托普勒对大陆音乐词汇的影响是巨大的,特别是考虑到他(可归属)作品的相对缺乏。 他被认为拥有勃艮第音乐学校音乐中从未听说过的东西:la contenance angloise(“英国人的面容”),这是诗人马丁·法兰在他的Le Champion des Dames中使用的一个词。 Le Franc补充说,这种风格影响了Dufay和Binchois。 几十年后大约在1476年写作,佛兰德作曲家和音乐理论家Tinctoris重申了敦斯塔普尔的强大影响力,强调了敦斯塔普尔所激发的“新艺术”。 Tinctoris将Dunstaple称为风格的源泉,它的“源泉和源泉”。

虽然马丁·法兰克没有定义,但是这种表达方式可能是指使用完整的三元和声(三个和弦)以及喜欢第三种间隔的敦斯普尔顿的风格特征。 假设他曾在贝德福德公爵的大陆上工作过,邓斯特普勒将被介绍给法国的法国人。 借用一些声音,他用自己的音乐创造了优雅的和声,使用三分之一和六分之一(第三个音程的例子是音符C和E;第六个音程的例子是音符C和A)。 总之,这些被视为早期文艺复兴音乐的特征。 许多这些特质可能起源于英格兰,在本世纪中叶在勃艮第学校扎根。

因为在意大利和德国的手稿中发现了许多丹斯托普尔的作品,他在整个欧洲的声望一定很普遍。 在他的作品中,只有大约五十个人生存下来,其中有两个完整的群众,三个相连的群众部分,十四个独立的群众部分,十二个完整的心律不齐的母题和七个玛丽安对峙的设置,如Alma redemptoris Mater和Salve Regina,Mater misericordiae 。 丹斯塔普勒是第一个使用单调旋律作为连续剧固定组合的群众之一。 这种技术的一个很好的例子是他的Missa Rex seculorum。 他被认为写了世俗的(非宗教的)音乐,但是没有任何白话歌曲可以以任何确定的程度归因于他。

奥斯瓦尔德·冯·沃肯斯坦(约1376-1445年)是德国早期文艺复兴时期最重要的作曲家之一。 他以其精心制作的旋律而出名,并因其使用三个主题:旅行,上帝和性。

Gilles Binchois(约1400-1460)是一位荷兰作曲家,是勃艮第学派最早的成员之一,也是15世纪初三位最着名的作曲家之一。 虽然他的作品经常被当代学者排在同时代的纪尧姆杜菲和约翰邓斯托普后面,但他的作品仍然被引用,借用并在他去世后用作原始资料。 Binchois被认为[由谁?]成为一个优秀的曲调演员,写出精心塑造的线条,易于唱歌和令人难忘。 他的曲调在他死后数十年出现在唱片中,并且经常被后来的作曲家用作大众作曲的来源。 他的大部分音乐,甚至是他的神圣音乐,简单而清晰,有时甚至是苦行僧(僧侣般的)。 Binchois与先前(十四)世纪的极端复杂性之间的较大对比将难以想象。 他的大部分世俗歌曲都是rondeaux,成为本世纪最常见的歌曲形式。 他很少以剧烈的形式写作,他的旋律通常独立于他们所设定诗歌的押韵模式。 宾乔尼为宫廷写下了音乐,爱情和骑士的世俗歌曲满足了他们的期望,并满足了雇用他的勃艮第公爵的品味,并且显然也相应地爱上了他的音乐。 他的现存世俗音乐中有一半是在牛津博德莱恩图书馆找到的。

纪尧姆杜菲(约1397-1474)是早期文艺复兴时期的法兰克佛兰德作曲家。 作为勃艮第艺术学校的核心人物,他被同时代人视为15世纪中叶欧洲的主要作曲家(Planchart nd)。 Du Fay以当今大多数常见形式组成,包括群众,母题,Magnificats,赞美诗,圣地音乐中的简单歌颂设置,神圣音乐领域内的antiphons以及内部的rondeaux,ballades,virelais和其他一些chanson类型世俗音乐的境界。 他的幸存音乐都不是特别有用的,尽管乐器当然适用于他的一些世俗音乐,尤其是低音部分; 他的所有神圣音乐都是有声的。 乐器可能已经被用于强化几乎任何作品的实际演奏中的声音。 七个完整的群众,28个人的群众运动,15个设置的颂歌用于群众Proper,三Magnificat,两个Benedicamus多米诺骨牌设置,15对手设置(其中六个玛丽安antiphons),27赞美诗,22 motets(13这些isorhythmic在更十四世纪的风格,让位于Du Fay青年时期的“三分之三”节奏中结尾的乐句让位于更加旋律化,感性的高音主导部分写作)以及绝对由他组成的87个chansons成功存活下来。

中期(1470-1530)
在十九世纪七十年代早期,音乐开始使用印刷机印刷。 音乐印刷对音乐传播有着重要影响,因为印刷的音乐不仅比任何手写或手抄版手稿能够到达更大的地理区域和观众,而且它的价格也更便宜。 同样在十六世纪,着名制造商的传统为许多乐器而开发。 这些制造商是他们工艺的主人。 一个例子是纽伦堡的Neuschel家族的小号。

在15世纪末期,复调神圣的音乐(如Johannes Ockeghem和Jacob Obrecht的群众所体现的)再次变得更加复杂,其方式或许可以被看作与在绘画中增加对绘画细节的探索有关时间。 Ockeghem尤其喜欢对音和经典的佳能。 他创作了一首弥撒,弥赛亚的演绎,其中所有部分都是从一条音乐线上正规地派生出来的。 在下个世纪的开始几十年里,音乐感受到了两个半纤维到一个肌理的交织(考虑到现代时间标记),它开始与三个半纤维到一个短纤维一样普遍,如同在那之前盛行的那样。

在16世纪初,还有另一种趋于简化的趋势,从某种程度上可以看出Josquin des Prez及其同时代人在法兰克佛兰德学派的工作,后来在GP帕列斯特里那的工作。 帕莱斯特里纳部分反应了特伦特会议的限制,该协议阻止了过于复杂的复调音乐,因为它被认为妨碍了听众对文本的理解。 16世纪早期的佛朗哥弗莱明作曲家远离复杂的卡诺尼姆和其他奥克海姆一代戏剧系统,倾向于模仿和二重奏或三重奏部分,整体质地可以达到五六个声音。

晚期(1530-1600)
在威尼斯,大约从1530年到1600年左右,一种令人印象深刻的多音乐风格得到了发展,这使欧洲成为了当时最伟大,最铿锵有力的音乐,在圣彼得大教堂的不同空间位置有多个歌手,铜管和弦乐合唱团Marco di Venezia(见威尼斯学校)。 在未来的几十年中,这些多次革命在欧洲蔓延开始,从德国开始,然后稍后转移到西班牙,法国和英国,标志着我们现在所知道的巴洛克音乐时代的开始。

罗马学派是罗马主要教堂音乐作曲家群体,跨越文艺复兴时期和早期巴洛克时代。 许多作曲家与梵蒂冈和教皇教堂有直接的联系,虽然他们在几个教堂工作; 在风格上他们往往与威尼斯作曲家学院形成鲜明对比,这是一个更加进步的并行运动。 到目前为止,罗马学派最着名的作曲家是乔瓦尼皮耶路易吉达帕莱斯特里纳。 作为众所周知的群众和母语的多产作曲家,他也是一位重要的牧歌家。 他在反宗教改革时期将天主教的功能需求与流行的音乐风格结合在一起的能力使他获得了持久的声望(Lockwood,O’Regan和Owens nd)

英格兰音乐牧歌的短暂而强烈的开花,大部分是从1588年到1627年,以及制作他们的作曲家,被称为英格兰玛格丽特学校。 英国牧歌是一种无伴奏合唱,主要是轻盈的风格,通常开始是意大利模式的复制或直接翻译。 大部分是三到六个声音。

Musica reservata是16世纪后半叶的无伴奏合唱声乐的风格或表演实践,主要在意大利和德国南部,包括精致,独特和激烈的情感表达。

仪器
许多乐器起源于文艺复兴时期; 另一些是以前存在的乐器的变体或改进。 有些已经存活到今天; 其他人已经消失,只有被重新创作才能在真实的乐器上演奏这段时间的音乐。 就像在现代一样,乐器可以分为黄铜,弦乐,打击乐和木管乐器。

欧洲的中世纪乐器最常用于单独使用,通常是伴随着无人驾驶飞机,或者偶尔会有部分。 至少从13世纪到15世纪,乐器(大声,尖锐,户外乐器)和乐器(更安静,更亲密的乐器)被分成乐器(Bowles 1954,119等)。 只有两组乐器可以在两种类型的乐器中自由演奏:cornett和sackbut,以及tabor和铃鼓(Burkholder nd)。

在16世纪初,乐器被认为不如声音重要。 他们被用于舞蹈和陪伴声乐(Fuller 2010)。 器乐依然服从于声乐,其大部分剧目都是从不同的方式衍生或依赖于声乐模型(OED 2005)。

机关
文艺复兴时期通常使用各种各样的器官,从大型教会的器官到小型的器官和被称为regals的芦苇器官。

黄铜
文艺复兴时期的铜管乐器传统上由专业人士演奏。 一些更常见的铜管乐器演奏:
滑动小号:与今天的长号相似,不同之处在于代替身体的一部分滑动,只有身体靠近牙套和牙套本身的一小部分是静止的。 此外,身体呈S形,因此相当笨拙,但适合最常用的慢舞曲。
Cornett:木头制作,像录音机一样吹(一端吹,手指在外面上下移动),但用一个杯子吹嘴像喇叭一样。
小号:早期的小号没有阀门,仅限于泛音系列中的音调。 他们也有不同的尺寸。
Sackbut(有时是麻袋或松果):长号不同的名字(Anon。nd),取代了15世纪中叶的幻灯片(Besseler 1950,passim)。

字符串
作为一个家庭,弦在许多情况下都被使用,既有神圣的也有世俗的。 这个家族的一些成员包括:

Viol:这个乐器在15世纪发展起来,通常有六弦。 它通常用弓来演奏。 它具有类似于西班牙弹拨vihuela(在意大利称为viola da mano)的结构特征; 其主要分离特征是其较大的尺寸。 这改变了音乐家的姿势,以便以类似于大提琴的方式将其搁置在地板上或腿部之间。 它与vihuela的相似之处是锋利的腰围,类似的品质,平坦的背部,细小的肋骨和相同的调音。 当以这种方式演奏时,它有时被称为“viola da gamba”,以便将它与“手臂上”演奏的viol区分开来:viole da braccio,后者演变为小提琴家族。
Lyre:它的构造类似于一把小型竖琴,虽然不是被拔掉,而是用拨子敲击。 根据时代的不同,它的琴弦数量从四个,七个和十个不等。 它用右手演奏,而左手则沉默了不想要的音符。 较新的西里尔被修改为用弓来演奏。
爱尔兰竖琴:在中世纪期间,它也被称为苏格兰盖尔语的Clàrsach,或爱尔兰的Cláirseach,它是爱尔兰和苏格兰最受欢迎的乐器。 由于其在爱尔兰历史上的重要意义,甚至在吉尼斯标签上也能看到,甚至到今天也是爱尔兰的国家象征。 要演奏它通常是弹拨的[需要澄清]它的大小可以从一个可以在一个人的腿上弹奏的竖琴变化到放置在地板上的全尺寸竖琴
Hurdy-gurdy:(也称为轮子小提琴),其中琴弦通过琴弦经过的轮子发出。 它的功能可以与机械小提琴的功能进行比较,因为它的弓(轮)由曲柄转动。 它独特的声音主要是因为它的“无人机弦”可以提供与风笛相似的恒定音高。
Gittern和mandore:这些仪器在整个欧洲都使用过。 现代乐器的先驱,包括曼陀林和吉他。

打击乐器
一些文艺复兴时期的打击乐器包括三角形,犹太人的竖琴,手鼓,铃铛,香槟,隆隆炮和各种鼓。

手鼓:手鼓是一个框架鼓。 围绕框架的皮肤被称为羊皮纸,并通过用指关节,指尖或手击打表面来产生节拍。 它也可以通过摇动乐器来演奏,允许手鼓的铃声或小球铃(如果有的话)“叮当”和“叮当”。
犹太人的竖琴:一种利用嘴巴的形状发出声音并试图用嘴巴念出不同元音的乐器。 乐器舌头弯曲端的环路会以不同的振动范围拨动,产生不同的音调。

木管乐器(aerophones)
木管乐器(aerophones)通过管内的空气振动柱产生声音。 沿着管道的孔允许玩家控制空气柱的长度,从而控制球场的距离。 有几种方法可以使气柱振动,这些方式可以定义木管乐器的子类别。 一名队员可能吹过一个嘴孔,就像在长笛里一样; 插入单簧管的喉舌,如现代单簧管或萨克斯管; 或双簧管,如双簧管或巴松管。 这三种音色生产方法都可以在文艺复兴时期的文书中找到。

Shawm:一个典型的东方[澄清需要] shawm是没有钥匙的,大约有一个脚长,有七个指孔和一个拇指孔。 这些管子最常用木头制成,其中许多都有雕刻和装饰。 它是文艺复兴时期最受欢迎的双簧管乐器; 它通常在鼓和小号的街道上使用,因为它的光芒夺目,刺耳而且常常震耳欲聋。 要玩这个腮,一个人把整个芦苇放在他们的嘴里,吹出他们的脸颊,并在通过他们的鼻子呼吸时吹入管道。

芦苇管:。由一个短的藤茎制成,带有喉舌,四个或五个指孔,以及芦苇形成芦苇是通过切出小舌头而制成的,但是将底座连接起来它是萨克斯管和单簧管的前身。Hornpipe
:与簧管相同,但末尾有铃。
Bagpipe / Bladderpipe:信徒们相信这些信徒是由牧民发明的,他们认为使用由绵羊或山羊皮制成的袋子会提供空气压力,因此当玩家喘口气时,玩家只需要挤压藏在他们下面的袋子手臂继续调子。口管上有一个简单的圆形皮革,铰接在管道的袋端,就像一个止回阀。芦苇位于长长的喉舌内,如果它是由金属制成的,并且芦苇已经在外面而不是在里面,那么它将被称为BB。
排箫:使用一端带有塞子的木管,另一端打开。每个管子都是不同的大小(从而产生不同的音调),它给一个八度half-的范围玩家可以将他们的嘴唇贴在想要的管子上并吹过它。
横向长笛:横向长笛与现代长笛相似,在靠近塞子端处有一个嘴孔,沿着身体有指孔,玩家吹过嘴孔并将长笛保持在右侧或左侧。
录音机:录音机是文艺复兴时期的常用乐器。它不是芦苇,使用而是哨子喉舌作为其主要的声音来源它通常由七个指孔状语从句:一个拇指孔组成。