风景画（Landscape painting），又称山水画，是景观艺术（landscape art）在绘画的表现，山水，山谷，树木，河流，森林等自然景观，特别是主题广阔的景观，其中的元素排列成一个连贯的构图。在其他作品中，人物的景观背景仍然是工作的重要组成部分。天空几乎总是被包含在视野之中，天气往往是构图的一个元素。作为一个独特的主题的详细的景观并不是在所有的艺术传统中都能找到，而在已经具有代表其他主题的复杂的传统的情况下，它就会发展起来。
这两个主要传统源于西方绘画和中国艺术，两种情况都可以追溯到上千年。风景画中的精神因素的承认，是从东亚艺术的开始，借鉴道教等哲学传统而呈现的，但在西方只有对浪漫主义才是明确的。
艺术中的景观视野可能完全是虚构的，或者以不同程度的精确度从现实中复制出来。如果一张图片的主要目的是描绘一个实际的，特定的地方，特别是包括建筑物在内，这就是所谓的地形图。这种在西方极为常见的意见，往往被视为不如美术风景，虽然区分并不总是有意义的;中国艺术中也存在着类似的偏见，文人画通常描绘的是虚构的景观，而专业的宫廷画家则描绘了真实的景观，往往包括宫殿和城市。
景观类型：
由于景观主题的处理方式，可以区分三种基本类型：
“宇宙”或“崇高”景观，以自然的方式呈现自然景观，巨大的景观，不一定代表真正存在的地方，人感到迷失。在这个范围内，将会是一种反映宏伟，丰饶和野性的“自然主义景观”，其中大气现象就像风暴一样出现。这是典型的北欧艺术家，尤其是德国的绘画，如丢勒，Elsheimer或弗里德里希。
自然“由人类主导”，就像佛兰德或荷兰的景观一样。人的存在使自然看起来不会有威胁。通常它最终会成为一个“地形景观”，它必然代表一个精确和可辨认的地方，以最卑微的方式呈现自然。在这条线内可以引用帕提尼尔，彼得·布吕赫尔十七世纪的长老或荷兰大师。
自然被人类“殖民”，这是意大利风景的典型特征。他们出现了有房屋，渠道，道路和其他人类建筑的耕地，救济，丘陵，山谷和平原;大自然不再是一种威胁，而是人也把它变成了自己的。在这种类型的景观中，人们可以谈到“古典景观”，那里呈现出一种理想的，宏伟的自然景观。代表性不可信，但重组升华自然，并呈现完美。在这种景观中，故事通常是隐藏的。这是罗马建筑元素的存在，与山，山，水上飞机相结合的主题。这种“理想景观”是由Annibale Carracci创造的，其次是Domenichino和法国人Poussin。几个世纪以来，意大利的风景就是意大利这个来自欧洲各地的艺术家所形成的学术典范。
从另一个角度来看，提到的是代表的主题，而不是如何对待它的方式，可以区分：
在海洋，海洋或海滩组成的游艇码头。
河流或河流的河流景观组成。
自然景观代表着森林，丛林，沙漠，林地等景观，没有人的存在。
Costumbristas景观是象征着特定地点的习俗和传统的景观，例如在流行的绘画中代表的哥伦比亚城镇的典型景观。
恒星景观或多云景观是云，气候形成和大气条件的代表。
月球景观显示月球在地球上的景观。
城市景观显示城市。
硬景观或硬景观，其中代表的是诸如铺设的街道和企业或行业的大型综合体。
空中或空中景观，显示从上方看到的陆地表面，特别是来自飞机或航天器。当这个观点非常明显的时候，天空是不被赏识的。这种类型可以与其他人结合，如格鲁吉亚·奥基夫的阴天飘渺艺术，南希·格雷夫斯的飘渺月球景观或伊沃·杰奎特的空灵城市景观。
梦幻风景，类似于风景（通常是超现实的或抽象的）的作品，试图把心灵的精神分析视野表达为一个三维的空间。
历史
世界上最早的艺术形式几乎没有描绘出真正被称为风景的地方，尽管有地面线，有时还包括山脉，树木或其他自然景观的标志。最早的没有人物的“纯粹的风景”是约公元前1500年的米诺斯希腊的壁画。
狩猎场景，尤其是古埃及尼罗河三角洲芦苇丛中的狩猎场景，可以给人一种强烈的地方感，但强调的是个别的植物形态和人物和动物形象，而不是整体的景观设置。现在在大英博物馆（约公元前1350年）的尼巴蒙之墓的壁画就是一个着名的例子。
为了对整个景观进行连贯的描述，需要一些粗糙的视角系统或者距离的缩放，而这从文学证据来看似乎是在古希腊希腊时期首先形成的，尽管没有大规模的例子存在。从公元前1世纪开始，更古老的罗马景观得以生存，特别是在庞培，赫库兰尼姆等地的考古遗址和马赛克保存的景观装饰房间的壁画。
中国水墨传统的山水（“山水”），或者说是纯粹的山水，人类生活的唯一标志通常是圣人，或者是他的小屋的一瞥，用精致的山水背景来塑造人物，而这一时期的景观艺术在中国传统中仍然保持着古典和模仿的地位。
罗马和中国的传统都典型地展现了虚幻的山水全景，一般都以一系列壮观的山脉为背景 – 在中国常常有瀑布，而罗马常常包括海，湖或河流。如图所示，这些东西经常被用来弥补前景与数字之间的差距，遥远的全景景观，这是风景画家们一直存在的问题。中国的风格一般只有远景，或者用死土或薄雾来避免这种困难。
西方风景画与东亚风景画的一个重要区别在于，在西方直到19世纪，风格在风格层次上占据了较低的位置，在东亚，传统的中国山水画传统上是最声望的视觉艺术形式。这两个地区的美学理论赋予了被视为艺术家最想象的作品的最高地位。在西方，这是历史画，东亚是虚构的景观，至少在理论上是有名的业余文人，包括中国和日本的几位皇帝。他们往往也是诗人的线条和图像彼此说明。
然而，在西方，历史绘画在适当的地方需要广泛的景观背景，所以这个理论并不完全反对山水画的发展 – 几个世纪以来，山水经常被提升到历史绘画的地位，数字做一个叙事场景，通常是宗教或神话。
西方山水画：
中世纪的山水画
在西方早期，对景观的艺术兴趣几乎完全消失，只有在“乌得勒支诗篇”等晚期古董作品的复制中才能保持活力。在哥特式早期版本中，这个源头的最后一次改造，将先前广泛的景观减少到填充构图中的空隙的几棵树，没有整体空间感。对自然的兴趣的复兴最初主要表现在描绘小花园，如Hortus Conclusus或millefleur挂毯。阿维尼翁教皇宫殿里密密麻麻的树木背景前工作或玩耍的壁画可能是一个共同主题的独特生存。像利维亚别墅这样的罗马房屋里有好几个花园的壁画。
在十四世纪，乔托·迪·邦多内（Giotto di Bondone）和他的追随者们开始在作品中承认大自然，越来越多地将景观元素作为他们绘画中人物行为的背景。早在15世纪，山水画在欧洲被确定为一种流派，作为人类活动的一个场景，通常表现在一个宗教主题上，例如“飞往埃及的其余部分”，“贤士的旅程”或圣杰罗姆在沙漠中。豪华照明手稿在景观的早期发展中非常重要，特别是“月度劳动节”系列，如“日常生活百科”中的传统小作品。在不那么有名的“都灵 – 米兰时刻”中显示了一个特别的进步，现在已经大部分被火烧毁，其发展反映在本世纪其余时期的荷兰早期绘画中。被称为“手G”的艺术家，可能是Van Eyck兄弟之一，在复制光线的效果方面尤其成功，并且从前景到远景都呈现出自然而然的效果。这是其他艺术家在一个世纪或更长时间内难以找到的东西，通常通过从一个栏杆或窗台上方展现景观背景来解决问题，就好像从相当高的高度来看。
文艺复兴时期的山水画
在15世纪，各种绘画的风景背景越来越突出和巧妙。 15世纪末左右，达芬奇，阿尔布雷希特·丢勒，弗兰·巴托洛梅奥（Fra Bartolomeo）等人的纯粹的风景画和水彩画，但在绘画和版画中，纯粹的风景主题仍然很小，最初是由阿尔布雷希特·阿尔特多弗（Albrecht Altdorfer）和其他人德国多瑙河学校在16世纪初。与此同时，荷兰的约阿希姆•帕提尼（Joachim Patinir）将“世界风景”发展为一种小人物的全景风景，并以高空观点，保留了一百年的影响力，被老彼得·布吕歇尔使用和完善。意大利发展了一个完整的图形化视角系统，现在在整个欧洲都是众所周知的，因此可以非常有效地绘制出大量复杂的视图。
在这个时代，景观用来表达城市的乌托邦和新兴政策。在表现室内场景的画面中，通常通过窗户的框架“感知”，直到占据画布的整个表面，它正在变得越来越重要。与此同时，外面的宗教场景的特征“缩小”，直到它们只被景观元素（例如，拿撒勒人的耶稣山）所象征。但在综合中，风景仍然只是历史或肖像的一部分。
风景是理想化的，主要反映了乔尔乔涅和年轻的提香首先充分表达了古典诗歌的田园理想，并且首先与意大利风景相映成趣，北欧的艺术家从来没有去过意大利，就像中国和日本的平民文人画山一样。尽管鼓励年轻艺术家访问意大利体验意大利的光芒，但许多北欧艺术家可以生活出售意大利风景，而不必去旅行。事实上，某些风格如此受欢迎，以至于它们成为可以被一次又一次地复制的公式。
1559年和1561年在安特卫普出版的两幅系列共48幅版画（小景观）被一位匿名艺术家称为“小风景大师”的图画后，标志着从具有宗教内容的想象的遥远景观的世界景观，以特定的乡村地区和居住着从事日常活动的数字的村庄为目标的近景效果图。通过放弃世界景观的全景观，聚焦于谦逊，乡村，甚至地形，小风景为17世纪的荷兰风景画奠定了基础。 “小风景”出版后，低地国家的风景艺术家要么延续世界风景，要么遵循“小风景”提出的新模式。
巴洛克风景画
在巴洛克时代开始的时候，风景还很少。只有德国人亚当·埃尔斯海默（Adam Elsheimer）才能将历史（通常是神圣的）视为真实的景观，在这种景观中，他经常对大气的影响，光明或晨昏和黄昏的研究进行了精彩的研究。
在巴洛克风格中，山水画被确定为欧洲的一种流派，随着收集的发展，作为人类活动的分心。这是北欧典型的现象，在很大程度上归咎于荷兰的新教改革和资本主义发展。贵族和神职人员，在那之前画家的主要客户失去了相关性，被商人资产阶级所取代。这一部分的偏好并没有涉及历史上复杂的绘画，有古典的古代，神话或神圣的历史，也没有涉及复杂的寓言，但他们喜欢简单和日常的主题，为什么他们达到独立之前的中学类似静物，风景或类型的场景。有这样一个专业化，每个画家都致力于一个特定类型的景观。因此，有的画家以“低地”，即低于海平面的土地，运河，圩田，风车为主题，在这个家伙范·戈伊恩，雅各布·鲁斯达尔和梅因德特·霍贝玛中脱颖而出。 Hendrick Avercamp专门从事冬季版画，有冷冻池塘和溜冰者。
在欧洲北部正在开发各种纯粹的景观，而南方仍然需要一个宗教，神话或历史轶事来作为绘画风景的借口。这是一个田园风格的“古典”，“古典主义”或“英雄”的景观，它与真正存在的任何混凝土不同，而是由不同的元素（树木，废墟，建筑，山脉）建造而成。这幅画的题目和大自然中迷失的小人物，给予了乍一看似乎只是一个风景的故事的关键。这种类型是由罗马博洛涅塞古典主义，特别是其最杰出的画家，安尼巴莱卡拉奇，其中埃及的神圣人物的重要性比围绕他们的景观重要性。
17世纪和18世纪的山水画
在画家弗朗斯·波斯特（Frans Post）的成功之作中，可以看到异国情调的景观场景的流行。弗朗斯·波斯特（Frans Post）在1636 – 1644年的旅行中度过了余生，画了巴西的风景画。其他从未穿过阿尔卑斯山的画家可以赚钱出售莱茵兰风景，还有一些画家为1639年的Cornelis de Man的Smeerenburg观点等特定委员会构建幻想场景。
使用元素的构图方式在现代摄影和绘画中得到发展，特别是Poussin和Claude Lorrain，这两位法国艺术家都生活在17世纪的罗马，绘画主要是古典主题，或者是同样景观中的圣经场景。与荷兰同时代的人不同，意大利和法国的风景艺术家仍然经常希望通过包括小人物代表古典神话或圣经的场景，将他们的分类归入历史绘画的类型。萨尔瓦多·罗莎（Salvator Rosa）通过展示狂野的意大利南部国家，给他的风景增添了一丝刺激的感觉。
17世纪的荷兰黄金时代绘画，看到了许多艺术家专业化的山水画的巨大发展，以及描绘光和天气的极其微妙的现实主义技术的发展。有不同的风格和时期，以及海洋和动物绘画的分类，以及意大利风景的独特风格。大多数荷兰风景相对较小，但佛兰芒巴洛克风格的绘画风景仍然通常很大，尤其是彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）为自己的房子绘制的一系列作品。风景画也很受欢迎，伦勃朗的作品和赫拉克勒斯西格斯的实验作品通常被认为是最好的。
荷兰人倾向于为较小的房屋制作较小的画作。一些以期货库存命名的荷兰风景特色菜包括Batalje或战斗场景; Maneschijntje或月光场景; Bosjes或林地场景; Boederijtje或农场场景，Dorpje或乡村场景。罗马废墟的流行虽然没有被当时的特定流派命名，但却激发了当时许多荷兰风景画家对自己地区的废墟进行绘画，例如在Beeldenstorm之后毁坏的寺院和教堂。
在英格兰，景观最初主要是肖像的背景，典型的建议是地主的公园或庄园，尽管大多数人都是在伦敦的一位艺术家画的，他从来没有去过他的保姆的滚动亩。英国传统由安东尼·凡·戴克（Anthony van Dyck）和其他大多数在英国工作的佛兰德艺术家创立，但在十八世纪，克劳德·洛兰（Claude Lorrain）的作品不仅被风景画，而且还受到能力布朗等英国风景园林的影响。
18世纪也是地形印刷的一个伟大时代，或多或少准确地描绘出山水画罕见的真实景观。最初，这些建筑大多集中在一座建筑物上，但在本世纪的过程中，随着浪漫主义运动的发展，纯粹的景观变得更加普遍。地形图通常被设计成挂在墙上，到20世纪依然是非常受欢迎的媒介，但通常被归类为艺术的低级形式，而不是被想象的景观。
在纸上的水彩风景成为一个独特的专业，首先是在英国，那里只有或几乎全部绘制景观水彩画的才华横溢的艺术家的特殊传统，在其他国家没有。这些往往是真实的意见，但有时组合调整的艺术效果。这些画卖得相对便宜，但生产起来要快得多。这些专业人员可以通过培训也画的“业余军队”来增加收入。
十九世纪和二十世纪的山水画
浪漫主义运动强化了现有景观艺术的兴趣，而早期景观艺术中一个反复出现的景观 – 遥远的野生景观，现在更为突出。德国的卡斯帕·大卫·弗里德里希在丹麦的训练方面有着独特的风格，在这里，17世纪的荷兰人以其独特的民族风格发展起来。对此他补充了一个准神秘的浪漫主义。法国画家发展山水画的速度较慢，但从19世纪30年代左右，巴比松学派的Jean-Baptiste-Camille Corot和其他画家确立了法国的风景传统，成为欧洲一个世纪以来最有影响力的传统，印象派和后印象派印象派画家首次将山水画作为所有类型绘画的总体风格创新的主要来源。
一切都必然导致景观，山水画是十九世纪伟大的艺术创作。人们“能够认为欣赏自然风景和山水画是我们精神活动的正常和永久的组成部分，把景观的复杂性转化为观念的潜在欧洲方式是四种基本方法：接受描述符号，对自然事实的好奇心，通过幻想的创造来缓解自然深层的梦想，以及对黄金时代的和谐与秩序的信仰，这些都是可以追回的。
在浪漫的时代，景观成为情感和主观经验的演员或制作者。风景如画，崇高则以两种方式看待景观。历史上的第一批导游收集了这些观点，对这些景点和景点进行了流行的记忆。英国约翰·康斯特布尔（John Constable）开辟了这条路，专门用来绘画英格兰农村的景观，不受工业革命的影响，包括那些从小就知道的地方，比如戴德姆山谷。他用小笔画的颜色分解技术做了它，使其成为印象主义的先驱;他研究大气现象，特别是云。他在1824年巴黎沙龙的作品展在法国艺术家中非常成功，从德拉克洛瓦开始。英国人威廉·特纳（William Turner），他的当代艺术，但是具有更长的艺术生活，反映了现代性，就像他最着名的作品：雨，蒸汽和速度，出现了一个真正的新主题，铁路和梅登黑德的桥梁，工程在当时。特纳的景观形式溶解在颜色的旋涡中，并不总是能够识别出画中反映出来的东西。
在德国，Blechen继续反映意大利的传统景观，但与以前截然不同。他提出了一个意大利，这不是很风景如画，不是田园诗般的，被批评。菲利普·奥托·龙格和卡斯帕·大卫·弗里德里希是德国浪漫主义画派最杰出的两位艺术家，他们的确专注于他们国家的风景。受到虔诚主义精神的鼓舞，他们试图创作宗教画作，而不是通过表现这样一个主题的场景，而是通过反映景观的伟大，使他们转向虔诚。
从“古典风景”到现实景观的过渡由卡米耶•柯罗（Camille Corot）给出，他像巴莱森（Blechen）或特纳（Turner）一样，在意大利通过了他的阶段。与他一起开始了另一种对待景观的方式，与浪漫主义不同。就像他在巴比松学派和后来的印象主义之后所做的那样，他给这个风景画带来了与浪漫主义者截然不同的角色。他们在光与色方面以细致而相对的方式观察它，目的是建立忠实于观察者可能具有的观感的表示。例如，这种保真度与之形成鲜明对比，并以“活力”的方式触及。
后印象派文森特梵高对前任工作的热情使他从1888年开始画普罗旺斯的风景。他的作品中色彩浓烈，人物变形和弯曲的作品远离现实主义，是表现主义倾向的先例。
在北美，民族绘画学派在很大程度上是通过画地的园林家而产生的。在美国，伟大的全景画家弗雷德里克·埃德温·丘奇（Frederick Edwin Church）作了大量的作品，象征着美洲大陆的伟大和浩瀚（1857年的尼亚加拉大瀑布）。哈德逊河学校在十九世纪下半叶可能是最着名的本土表现形式。他的画家创作了巨大的作品，试图捕捉启发他们的风景的史诗范围。被公认为学校创始人的托马斯·科尔（Thomas Cole）的作品与欧洲山水画的哲学理念有很多共同之处，这是一种世俗的信仰，可以从对美的沉思中获得的精神利益。自然。哈德逊河学派的后来的一些艺术家，比如阿尔伯特·比尔施塔特（Albert Bierstadt），创作了一种浪漫的作品，它更加强调了自然的严酷甚至可怕的力量。
新的联合省的民族主义是17世纪荷兰风景画普及的一个因素，在19世纪，其他国家试图发展有特色的民族绘画学校，试图表现出风景的特殊性。家园成了大势所趋。在俄罗斯，和美国一样，这幅巨大的绘画本身就是一个民族主义的声明。
在美国，十九世纪中后期出现的哈得逊河学派，可能是风景艺术最着名的本土发展。这些画家创造了巨大的作品，试图捕捉启发他们的风景的史诗范围。学校公认的创始人托马斯·科尔（Thomas Cole）的作品与欧洲山水画的哲学理想有很多相似之处，这是对自然美的沉思所获得的精神利益的一种世俗信仰。后来的哈德逊河学派的一些艺术家，如阿尔伯特·比尔施塔特（Albert Bierstadt），创造了一些不那么令人安心的作品，这些作品更加强调（大量浪漫地夸张）对自然的原始，甚至是恐怖的力量。加拿大风景艺术的最好的例子可以在二十世纪二十年代七大集团的作品中找到。
在加拿大大西洋沿岸殖民的探险家，博物学家，水手和商人留下了一系列的观测资料，有时候是科学的，有时是太棒了，或者是奢侈的，都记录在他们的地图和绘画中。
虽然在第一次世界大战后的统治时期显然不那么重要，但是许多重要的艺术家仍然以Charles E. Burchfield，Neil Welliver，Alex Katz，Milton Avery，Peter Doig，Andrew Wyeth，David Hockney和Sidney诺兰。
当代山水画
当代山水画解散了流派的存在，但是在不同的前卫“主义”中，我们可以区分代表作为风景的绘画，总是以作者自己的风格来区分。塞尚是“现代绘画之父”，为圣维克多山奉献了一系列的绘画作品。 Derain，Dufy，Vlaminck和Marquet画了fovistas风景画，而Braque，立体主义的创始人之一，多次尝试L’Estaque的风景。在本世纪初的维也纳，这种作品是由现代主义者古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）和表现主义者埃贡·席勒（Egon Schiele）创作的。
表现主义者还通过风景传递了他们的感受和色彩感觉，Erich Heckel或Karl Schmidt-Rottluff在Dangast渔村画的作品也是如此。
抽象的不同形式最终压制了景观的重要性，限制了现实主义和表现的范围。然而，“抽象山水画”一词通常用于几个非比喻性画家（Bazaine，Le Moal或Manessier）。西西里风景激发了社会表现主义画家雷纳托·古图索的作品。
近年来，阿根廷艺术家赫尔穆特•迪奇（Helmut Ditsch）以极端的自然景观为灵感，他的作品被称为鲜明的现实主义，声称Ditsch的绘画不受任何绘画，自然主义或现实主义的概念影响，而是源于大自然的神秘和神秘体验。
东方山水画：
中国山水画
山水画被誉为“中国对世界艺术的最大贡献”，其特殊之处在于中国文化中的道家（道家）传统。威廉·沃森（William Watson）指出：“有人说，山水画在中国绘画中的作用与西方裸体的作用一样，是一个本身不变的主题，却成为视觉和感觉无限细微的载体”。
汉代以前的狩猎，农耕，动物的景观背景越来越复杂，其中大部分是从坟墓的石头或泥土浮雕中得到的例子，推测它们遵循绘画的流行风格，毫无疑问，原画的效果。在十世纪之前，着名画家（其中许多人被记录在文献中）的着名作品后来的副本的确切地位尚不清楚。其中一个例子就是一幅着名的八世纪帝国藏品，名为“皇明”，在蜀中旅行。这表明随行的人穿过后来的绘画典型的巍峨山脉，但是在全彩色“产生一个近乎波斯的整体模式”，显然是一个流行和时尚的宫廷风格。
一个几乎没有人物的单色风景的决定性转变归功于王维（699-759），也是一位诗人。大多数只有他的作品的副本生存。从十世纪起，越来越多的原始绘画得以存续，而宋代（960-1279）南宋的最佳作品仍然是迄今为止一直不间断的传统中最受重视的作品。中国习俗看重业余诗人的画，往往是一个诗人，而不是专业人士的画，虽然情况比这更复杂。如果他们包括任何数字，他们往往是这样的人，或圣人，正在考虑山。着名作品积累了许多红色的“鉴赏海豹”，往往是后来的主人添加的诗歌 – 干隆皇帝（1711-1799）是早期皇帝的一位自己的诗人。
就像“八卦”的惯例那样，山水的传统从来不是要代表实际的地点，即使是以它们命名的。由专业宫廷艺术家的作坊制作的不同风格，描绘了帝王巡礼和仪式的官方观点，主要强调高度拥挤的城市和盛大仪式的高度详细的场景。这些被画在巨大的卷轴上，颜色鲜艳。
中国雕塑也从三个维度创造出有效景观的艰难壮举。 “观赏石”的欣赏有着悠久的历史，自然形成的巨石，典型的石灰岩，被侵蚀成奇形怪状的山河，被运到文人的庭院和花园中。可能与这些有关的是将玉石或其他半宝石的小石头雕刻成山形的传统，包括僧侣或圣人的微小形象。中国的花园也比西方的花园早得多，禅林的karensansui或日本干花园更接近作为一个雕塑的工作，代表一个高度抽象的景观花园。
日本山水画
日本的艺术最初适应了中国风格，以反映他们对艺术叙事主题的兴趣，风景与宫廷或城市场景相融合，以相同的高度观点，根据需要切割屋顶。这些出现在描绘源氏物语和其他题材的场面的很长的yamato-e卷轴，主要从十二和十三世纪。这个绅士画家的概念在封建的日本几乎没有什么共鸣，艺术家们一般都是专业人士，他们与主人和学校有很强的联系，而不是那些遥远的过去的古典艺术家，中国画家倾向于从中吸取灵感。绘画最初是完全着色的，通常是明亮的，景观从来没有压倒那些往往过于庞大的人物。
从15世纪开始，许多更纯粹的景观主题得以生存;有几位重要的艺术家是禅宗佛教神职人员，他们以单调的方式工作，更注重中国式的笔触。一些学校采取了不太精炼的风格，较小的意见更突出了前景。一种对日本艺术家有持久吸引力的形象，被称为“日本风格”，实际上是在中国首先发现的。它将前景中的一个或多个大型鸟类，动物或树木组合在一起，典型地将水平构图中的一侧与更宽阔的景观相结合，通常仅覆盖背景的一部分。这种风格的后来版本通常完全没有风景背景。
从16世纪开始的浮世绘风格，首先是绘画，然后是彩色的木刻版画，价格便宜而且广泛可用，最初集中在人物身上，单独和分组。但是从十八世纪后期开始，在北下和广重下发展起来的浮世绘，成为日本最有名的景观艺术。
山水画技法
大多数早期的景观都是清晰的，尽管从很早的时候，城市景观显然是用来代表实际的城市的，不同程度的准确性。各种技术被用来模拟自然形态的随机性发明配方：琴尼诺·琴尼尼中世纪的建议，衣衫褴褛的峭壁从小粗糙的岩石复制显然是其次是双方普桑和托马斯·庚斯博罗，而德加举行了一个皱巴巴的手帕复制云形式反对光。亚历山大·科赞斯（Alexander Cozens）的系统使用了随机墨水印迹来给出一个发明的景观的基本形状，由艺术家进行阐述。
横跨日内瓦湖的独特背景景观，被康拉德·维茨（1444年）的“鱼类奇迹”（LeMôle）高峰所吸引，通常被认为是第一个展现特定景观的西方乡村景观。丢勒所进行的景观研究清楚地代表了实际的场景，这些场景在很多情况下都可以被识别出来，而且至少部分是在现场制作的。 Fra Bartolomeo的绘画也似乎从大自然中勾勒出来。尽管在他的雕刻复仇女神（Nemesis）中的壮观的鸟瞰图显示了阿尔卑斯山的实际景观，还有其他元素，丢勒的作品似乎一般都是使用发明的景观。已知有几位风景画家从自然界制作了素描和水彩素描，但早期油画在外面进行的证据是有限的。拉斐尔前派兄弟会朝这个方向作出了特别的努力，但直到十九世纪七十年代，随着便携式“箱子画架”引入预拌混合油漆，随后便开始广泛应用绘画普通空气。
景观背后的山脉帷幕是广泛的罗马观点的标准，在中国的风景更是如此。在任何一种传统的早期作品中，空间都比较少;中国人常常在山间使用薄雾或云雾，有时也比起西方艺术家，他们最初主要是用云层作为支撑物，或者是为了神圣的人物或天堂遮盖起来，远远早于天空中的云彩。手稿中的面板绘画和缩影通常在地平线上有一个图案或黄金的“天空”或背景，直到1400年左右，但乔托和其他意大利艺术家的壁画长期以来一直显示平淡的蓝天。 Melchior Broederlam在1399年为Champmol完成的单一幸存的祭坛作品，不仅有上帝和天使，也有飞翔的飞鸟。都灵 – 米兰时代的一个沿海景观天空阴云密布。在木刻中，大的空白空间可能会导致纸张在印刷过程中下垂，所以丢勒和其他艺术家经常包含代表鸟类的云彩或波浪曲线以避免这种情况。
中国的单色传统自创立以来就在丝绸或纸张上使用墨水，特别强调个人笔触，以定义山边的“皱纹”和景观的其他特征。 西方的水彩画是一种更加色调的媒介，即使是可见的底色。