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浪漫主义全盛期的音乐

浪漫主义音乐是一段音乐历史时期,约为。 1830年和1910年。它与其他艺术中的浪漫更相似,如文学和绘画,即个人主义,爱国主义,自由欲望,目标的长度和追求,而不是目标本身。 与文学和艺术的浪漫相关的音乐浪漫相对较晚,并且持续的时间更长。

这一时期开始于古典主义的滑动过渡,但也明显违反了这一点。 约瑟夫·海顿,沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特和早期路德维希·范·贝多芬的经典着作集中在启蒙,清晰,平静和平衡的古典理想上,浪漫更具情感,动态和强烈的音乐对比。 对事物的渴望和旅程比旅程的目的更重要。 理查德瓦格纳,朱塞佩威尔第和约翰内斯布拉姆的高度统治主导了角色。 与此同时,民族浪漫在一些国家和地区日益占据主导地位,尤其是俄罗斯,捷克共和国和斯堪的纳维亚半岛。 在这里有不同的想法,一个人应该受到民间音乐的影响,或者写一个受国家启发的自己的音乐。 在浪漫主义的尽头,音乐从浪漫的理想转向更现实主义,更少情绪化的动作,或者更新古典主义或者更加新颖的风格。

浪漫主义全盛期
浪漫主义全盛时期是最重要的时期和音乐发展时期。 歌剧有了重大的发展,尤其是瓦格纳的戏剧和威尔迪斯悠扬的歌剧。 即使是这两部歌剧也使得德国和意大利歌剧日益占据主导地位,有几位法国歌剧作曲家注意到了这一点,特别是Georges Bizet和Jules Massenet。 在此期间,戏剧性和严肃的歌剧强烈回归。 该歌剧与Jacques Offenbach和Johann Strauss dy有着重大的发展

华尔兹舞变得越来越受欢迎,但是在某些情况下,国家和国家舞蹈都变成了比音乐更多的管弦乐作品。 与此同时,芭蕾舞在最后得到了俄罗斯的帮助。 交响曲长期遭受挫折,但尤其是约翰内斯勃拉姆斯,安东布鲁克纳,安东宁德沃夏克和普约特齐杰夫斯基的受欢迎程度。 在俄罗斯,捷克共和国和北欧地区,民族浪漫时期尤其明显。 勃拉姆斯将自己标记为多种类型,有几种类型的好成分。

这一时期始于一代人的变化。 门德索森于1847年去世,多尼采蒂于1848年去世,肖邦于1849年去世。舒曼于1850年因精神问题而于1856年去世,而1850年后梅耶贝尔的成员则少得多。新作曲家接手,其中几位没有与上一代有着密切关系的上一代或神经起来或反抗。 随着这么多类型和许多国家的发展,音乐变得更少受到控制,而且比以前更少。

华尔兹舞和其他舞蹈
约翰施特劳斯于1825年创办了自己的管弦乐队,并在华尔兹舞的普及中发挥了重要作用。 也是他站在被称为维也纳山谷的后面。 他的现代华尔兹舞曲遍布欧洲各地,特别是1838年在伦敦。 他于1840年来到挪威,并使维也纳人在那里受欢迎。 然而,除了他的Radetzkymarsj之外,长老施特劳斯在早期属于家乡。 然而,他的两个儿子约翰施特劳斯和约瑟夫施特劳斯也是热衷于选举的作曲家。 Marshs和Poles也加入了家庭成员。 特别是,斯特劳斯(Steuss)在1867年出现了一个非常受欢迎的摇滚乐。 施特劳斯Dy继续将这种滚动发展为几个舞蹈和曲目的循环,这是他的父亲和舒伯特在他面前所做的事情。 施特劳斯Dy还添加了精心设计的启蒙和结尾 – 以及作品之间的过渡 – 这使得华尔兹更容易被更多眼光敏锐的观众所接受。

何塞·斯特劳斯(Jose Strauss)跟随他的兄弟约翰·施特劳斯(Johann Strauss)敢于与他的兄弟爱德华(Eduard)一起组成主导合唱团指挥。 约瑟夫·施特劳斯有兴趣将华尔兹和交响乐结合起来,他并不害怕尝试新的音乐。 除此之外,他还在摇滚音乐会中收录了瓦格纳歌剧“特里斯坦”和“伊索尔德”的作品,因此很多观众在歌剧成立之前都熟悉了几部歌曲。

然而,还有更多的本地舞者受到了打击。 肖邦创作了受波兰启发的马库尔和波兰人,并在19世纪60年代后期和勃拉姆斯与匈牙利舞蹈,可能受到他与小提琴家爱德华·雷梅尼的音乐会的启发。 匈牙利舞蹈为勃拉姆斯带来了经济利润。 在1870年的AntonínDvořák带着他的斯拉夫舞者。 与勃拉姆斯不同的是,他在汉堡遇到的Reményi和匈牙利政治难民深受民间音乐的影响,德沃夏克的斯拉夫舞者变得更加人性化,也就是说,他用很少的外在灵感来源写作。

芭蕾舞
法国的芭蕾舞剧在法国大革命和随后的动荡期间受到了影响,要么吓跑了作曲家,要么削弱了贵族的能力,或两者兼而有之。 然而,在19世纪30年代浪漫的崛起期间,芭蕾舞再次成长。 在浪漫的芭蕾舞中,就像在歌剧中一样,超自然是重要的。 这方面的一个例子是Sylphiden,主角在他自己的婚礼之前爱上了一个仙女。 尤其是舞蹈家Marie Taglioni和她的父亲,舞蹈指导Filippo,对于浪漫风格的发展至关重要,部分原因是Marie Taglioni演奏的sylvid比平时更有说服力。 这一时期最着名的芭蕾舞剧之一是吉赛尔,其中有阿道夫·亚当的音乐。 它的特征还在于超自然生物,在这种情况下,处女的精神在他们结婚之前就已经死亡。

芭蕾舞剧主要关注舞蹈和编舞,而男性舞者则更少,这意味着男性芭蕾舞者的数量要少得多。 这有助于破坏西欧芭蕾舞的流行。 在俄罗斯,舞蹈,尤其是男性舞蹈,是民族认同的重要组成部分,然而,从早期开始的芭蕾舞剧就是为了男性的舞蹈。 Marius Petipa的舞蹈编排和Pjotr​​ Tsjajkovsky的作曲组合成为了救援。 柴可夫斯基的音乐非常适应舞者,他成功地让作曲家脱离了舞蹈指导和舞者的阴影。 他的作品“天鹅湖”(1876年),托纳罗斯(1889年)和“胡桃夹子”(1892年)对于提高芭蕾舞在西方的知名度至关重要。 柴可夫斯基成功地找到了很好的旋律,这些旋律容易谦逊,色彩缤纷的编排与冒险的故事和氛围相匹配,而旋律则非常适合芭蕾舞蹈的运动。 此外,他还创作了一部更为交响的芭蕾舞剧。

歌剧和戏曲
这部歌剧即将从大剧院演变为歌剧莱瑞克,这是大剧院和歌剧院的混合体。 这与Meyer Beer的风格非常吻合,尽管他在1850年取得了相对较高的成功,但他的风格无论如何都可能出局。 相反,Charles Gounod和Jules Massenet以这种歌剧风格为主。 然而,歌剧很快由两位站在法国歌剧院边的作曲家,即瓦格纳和威尔第统治。 此外,还出现了其他才华横溢的歌剧作曲家,如Leo Delibes和Georges Bizet,他们在歌剧中加入了异国情调和现实主义。

理查德瓦格纳
然而,对于瓦格纳来说,1848年的革命年代具有许多政治承诺,他因革命活动而被驱逐出境。 瓦格纳还撰写了音乐分析,包括贝多芬第九交响曲的未来艺术,他说“最后的交响曲已经写好了”。 1850年,他匿名撰写了反犹太主义作品“犹大审判音乐”,其中他指责犹太人,尤其是梅耶贝尔和门德尔松,以阻止浪漫音乐。 瓦格纳对其竞争对手有如此明显的负面评论是不典型的。 尽管威尔第(下面讨论过)对瓦格纳有很多看法,但没有发现任何陈述,除了瓦格纳妻子的日记中的笔记,只有非常微不足道的理智,来自瓦格纳关于威尔第,现在更为人所知还有更多上市。

然而,瓦格纳的主要观点是他错过了以德国为主题的德国歌剧,因为网络的猎人面包在很大程度上已经成为省级和无趣的。 瓦格纳与飞翔的荷兰人和Tannhäuser一起成功,当李斯特于1847年在魏玛创作时,他很快就作为歌剧作曲家回归,正如瓦格纳于1850年在魏玛所写的那样。罗恩林成功地预言了瓦格纳未来对中世纪传说和德国民间的迷恋冒险,经常是道德化和象征性的。 在开幕式中,它指的是其中一位英雄击败了丹麦人,而故事也是关于与匈牙利人李斯特执导的打破停火的匈牙利人发动战争。

瓦格纳始于1848年,他的主要作品是Nibelungenring,这是一个由四部分组成的歌剧循环。 第一部分,Rhingullet,直到1854年才准备好,下一部分,两年后的Valkyria。 他们都使用搜索动机,即一个不时重复的旋律部分,以强调作为歌剧主题的情绪或人物。 旋律可以出现在管弦乐队,歌曲或合唱团中,以尽可能地说明这一点。 因此,瓦格纳对搜索主题的使用提醒了柏辽兹的想法。 不同之处在于,瓦格纳可以在同一部歌剧中使用其中的几首,就像他对特里斯坦和伊索尔德一样,并且他也经常使用它们,动机使得解释动作的程序变得多余。 旋律进一步引导动作,并可在歌剧中创造同时,冲突和强化的情感。 瓦格纳的戏剧也受到了莫扎特,贝多芬,凯鲁比尼,韦伯以及梅耶贝尔的影响,他因此受到了影响。 尽管瓦格纳对前作曲家贝多芬和格鲁克持怀疑态度,但他与过去有着密切的联系。

音乐上,瓦格纳的歌剧经常是复杂的和弦变化,如特里斯坦和伊索尔德。 只有至少三百年历史的全音阶(无符号)和彩色(带有标志性)音乐以及稳定和不稳定的段落之间的混合才是瓦格纳音乐的重要组成部分。 这通常会产生长度和不满足需求的感觉。 只有长度和通往目标的道路都是来自韦伯的浪漫理想,瓦格纳经常使用这些理想。 此外,瓦格纳还成功地使用管弦乐队与管弦乐队进行最终解决,因此有意识地管弦乐队和歌手可以给出相互矛盾的印象。 瓦格纳的想法是完整的歌剧,歌唱,管弦乐,舞台剧和戏剧相互碰撞,以提供强大的戏剧表达。

朱塞佩威尔第
Wagner在Rienzi的突破中创作了10部歌剧,在Nabucco取得突破后写下了威尔第26,以及Wagner最着名的导演主题和管弦乐队的使用,Giuseppe Verdi最出名的是能够写出好的旋律和捕捉角色中的角色,情感和情境。 价值也是一个现实主义者,他的行为应该经常与这个世界联系在一起,而不是神与怪物的神话世界。 与瓦格纳形成鲜明对比的是,威尔第也担心管弦乐不应该压倒歌手,而应该增加色彩和氛围。 瓦格纳自己写了他的剧本,经常有许多不同来源的混合,威尔第热衷于选择威廉·莎士比亚,弗里德里希·冯·席勒,拜伦勋爵,维克多·雨果,伏尔泰和亚历山大·杜马斯这些年轻人的知名戏剧。

威尔第斯从政治和布塞托市退休后取得了重大突破。 在那里,他有时间编写三部曲Rigoletto,基于一部基于西班牙剧作家安东尼奥·加西亚·古铁雷斯的维克多·雨果,伊尔·特罗瓦托雷,以及以亚历山大·杜马斯为基础的“茶花女”。 每个人都成功地将传统的钟表歌剧与旋律的运用结合起来,以强调主要人物的个性和主导情绪。 这意味着音乐和歌曲风格成为角色的标志。 与此同时,他还用动机提醒观众过去的事件。 这与瓦格纳的“搜索动机”同时引入了威尔第,但与瓦格纳的原则相反,威尔第的动机并不是为了推动行动或制造冲突或建立不同的动机,而是更多地将行动联系在一起。 威尔迪斯的主题也不是什么新鲜事,例如,多尼采蒂已经在1835年使用过了。威尔第的歌剧也离罗西尼和多尼采蒂的贝尔坎托歌剧不远,他也借用罗西尼的歌剧标准。

在威尔第变得富有他的歌剧之后,他更加努力地使用最新的歌剧,借用大歌剧的技巧,引入喜剧角色和异国情调的主题和声音图像(阿依达)。 威尔第写的最后两部歌剧是莎士比亚歌剧,奥特罗和福斯塔夫,更为精美的第一版麦克白,这两部歌都是悲剧(奥特罗)和喜剧(法斯塔夫)歌剧的杰出典范。 后者是威尔第唯一的喜剧,他们也有一些瓦格纳的特征,除其他外,因为它具有戏剧性的人物和情境特征,而不是在总统职位上与白羊座一起调用粤剧。

其他歌剧和轻歌剧作曲家
有更多才华横溢的法国歌剧作曲家。 Georges Bizet写了来自锡兰(今天的斯里兰卡)(珍珠鱼)和塞维利亚(卡门)的异国情调作品。 Camille Saint-Saëns使Samson成为Dalila(圣经歌剧),LéoDelibes制作了Lakmé,并将此行动添加到了印度。 其中,卡门在即时和回顾性成功方面都给予了区分,并给出了行动的现实性。 Carm的感性和自由的生活与她是一个吉普赛男孩有关,因此在社会之外的各个方面。 在俄罗斯和捷克共和国也有歌剧,为此,请看民族主义。

拿破仑三世上台后,严肃的歌剧受到严密监视,而喜剧歌剧,歌剧院的歌剧变得更加自由。 这尤其是轻歌剧,也就是说,歌剧的演讲比传统的歌剧演奏要多得多。 漫画和讽刺歌剧中最重要的作曲家是Jacques Offenbach。 奥芬巴赫的突破伴随着奥菲斯在黑社会,奥菲斯(男高音)真的爱上了另一个人,但与伊夫里迪克(女高音)结婚并犯了一个错误并娶了她,因为他害怕“舆论”(女中音)。 他安排了她的死亡,因为冥王星爱上了她,幸福地生活 – 这是Evrydike在冥王星作为丈夫的死囚中所做的事情 – 直到公众舆论要求他拯救她。 奥芬巴赫也听到了良好的旋律,包括当颓废的舞蹈跳舞(一种舞蹈)时,旋律后来与罐头有着千丝万缕的联系。 与此同时,他的歌剧本身取笑歌剧,从18世纪早期的艺术家歌曲数字,当代当代数字,bolersos,fangangos,quadrill和roller – 以及can-can和gallop中收集了很多东西。

奥芬巴赫的受欢迎程度在这部戏剧后大幅增加,并且凭借美丽的海伦娜和拉维拉巴黎人,他还激励了许多国家的其他轻歌剧作曲家和喜剧歌剧作曲家。 其中一位是约翰·施特劳斯(Johann Strauss)在1874年尝试并与蝙蝠取得巨大成功,后来成为HMS Pinafore中的亚瑟·沙利文(Arthur Sullivan)和WS吉尔伯特(WS Gilbert)以及其后的一系列喜剧歌剧。 这意味着自从亨利·珀塞尔(Henry Purcell)在17世纪后期以来,英国(和英国出生的)作曲家首次演唱音乐。

交响乐
交响曲在19世纪50年代开始变得异常,主要是为音乐学生保留。 例如,巴黎的主要音乐厅被用来演奏海顿,莫扎特和贝多芬的古典交响曲,以及与门德尔松和舒曼的早期浪漫故事。 安排音乐会的Pasdeloup最终被说服演奏法国音乐学生Gounonds和SaintSaëns交响乐团,但他回归的时间与Bach被重新发现并且Händel一直很受欢迎。 与此同时,1848年至1857年的弗兰斯·利兹斯特的交响诗中出现了一种新的音乐形式。这些是以哲学,文学或绘画为特征的管弦乐团的独奏作品。 这是与柏辽兹一致的节目音乐,但更具描述性而非叙事性。 Lizst成功地实现了开创性的和谐,以及19世纪剩余时间的管弦乐效应。 除其他外,作品的交响曲表现在声音形式的轮廓中。

当约翰内斯·勃拉姆斯摆脱了现代音乐与通过旧交响乐的品味之间的顽固局面时,交响乐作为一种流派强烈回归。 他选择将两者结合起来,写出落后的交响乐,同时又是现代的。 勃拉姆斯受到舒曼的启发,因此他属于古典分支,而不是李斯特和柏辽兹。 然而,勃拉姆斯写作音乐时也可能受到瓦格纳的特里斯坦和伊索尔德的影响,尽管事实上他几乎没有留下瓦格纳的音乐。 这意味着他的交响曲既不完全也不完全是程序化的,而是更接近绝对的风格。 勃拉姆斯也受到贝多芬第五交响曲的影响很大,这也强调了这一点。 它的灵感来自于贝多芬在决赛中的第9交响曲。 它主要是全音阶和悠扬的,但他的声音中有彩色线条。 这部交响曲写于19世纪60年代,但直到1876年才出版。

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所有勃拉姆斯交响曲的特色在于它们绝对是绝对的音乐形状而没有任何节目音乐。 像贝多芬一样,勃拉姆斯选择在语调中保持浪漫,但却表现出对第一部分的奏鸣曲形式的尊重,第二部分中的拉戈,以及第三部分中的诙谐曲。 然而,勃拉姆斯也受到当代音乐的关注和影响,从而在某些方面将这些联系起来。

当勃拉姆斯在19世纪60年代早期创作他的交响曲时,他并不孤单,安东布鲁克纳也写了九首交响曲,第一部是在1865年。然而,他经常改写它们,而他在与布拉姆斯同时并没有完全击败。 与勃拉姆斯不同,布鲁克纳对瓦格纳的友好程度要高得多,而且他在节目音乐方面的表现远远超过勃拉姆斯。 然而,布鲁克纳也关注贝多芬,特别是第九交响曲。

Tshechkovsky也写了交响曲,他的第一部作品发生在1867年。与想要重新发现俄罗斯民族音乐的“强大的五人”(下文进一步讨论)不同,Tsjkovsky以西方为导向。 只有在它的第四交响曲时,Tsjovkovsky才能到达交响乐团的前线。 然后他已经在芭蕾舞和钢琴音乐会上取得了成功。 1878年的Tshechkovsky交响曲4号成为一个突破,部分是因为他有手续,部分是因为他成功地使用了强大的谐波乐器。 然而,他无数的曼弗雷德交响曲最为着名。

交响乐也在法国写成。 1871年,CésarFranck,Camille Saint-Saëns和其他几位作曲家决定推广法国音乐。 在“Ars Gallia”的座右铭下,Franck曾经在很大程度上是一位令人印象深刻的组织者,他开始创作。 起初它是交响诗,但在高位转换结束时,他开始写交响乐。 他的交响曲部分因为他们的阴郁而辞职,但也因为他把主题从一种速度转到另一种速度而不是将四个句子视为分开。 此外,与约翰·塞巴斯蒂安·巴赫相比,弗兰克在作品中也善于使用对位。

民族浪漫主义
在欧洲的不同地方,音乐中出现了强烈的民族浪漫主义浪潮。 原因可能更多,例如,人们可能希望调整在越来越多的国家收集的流行报纸,找到该国特有的音乐风格或用歌曲和音乐喊国家。 在高度统治下,特别是在俄罗斯,捷克共和国和斯堪的纳维亚国家的浪漫出现了,而有一段时间它出现在德国音乐中,如果不是直接的话。 然而,在法国,一群作曲家反对像Franck和Delibes这样的作曲家,他们受到贝多芬和瓦格纳等德国人的启发。 他们宁愿在自己的场所写一首法国音乐。 其中一位作曲家是Camille Saint-Saëns,他以戏剧中的器官交响曲而闻名,以及漫画动物的狂欢节,其中乌龟进入奥芬巴赫的地狱疾驰的非常惊人的版本。

俄国
在米哈伊尔·格林卡(Mikhail Glinka)在1830年代登顶之前,俄罗斯创作了很少的作曲 他的第一部歌剧,为沙皇的生活,除了高喊沙皇和政府之外,还有明显的俄罗斯特色。 音乐在时间模式上被使用,在很大程度上取代了西方的主要和次要规模,但仍然在俄罗斯使用。 然而,他的另一部歌剧,Russlan和Lyudmila(1842年)过去常常使用赫尔顿音阶,色彩,不和谐和民族歌曲的变化,这些都是真正的国家焦点,沙皇的生活更加适合他们。

西方的歌剧只是因为他是如此典型的俄罗斯人而在西方演出,但跟随他的俄罗斯作曲家分为两大类:那些寻求更现代和西方音乐风格的人(Tsjajkovsky)和那些想要为自己学习俄罗斯音乐的人。部分(通常称为“五个”或“强大的少数”)。 柴可夫斯基的音乐非常西方,属于个别小组,五位作曲家对俄语的搜索非常重要,他们的作品在这里被讨论,主要是歌剧和交响乐的情况。

Tsjaijkovsky芭蕾舞剧和交响乐已经被提及,但他也写过歌剧,如Eugen Onegin和Spar Dame。 其中,前者已经清楚地知道,之后它已经获得了一种让人想起俄罗斯国家歌剧的地位。 车臣最着名的作品之一是1812年的Overture,这是一部独立的作品,而不是作为一个传统的奸夫,与一部歌剧有关。 这只鸵鸟庆祝俄罗斯人对拿破仑·波拿巴的胜利,充满了俄罗斯哥萨克人,民间旋律和反对马赛人的沙皇。 后者虽然事实上是在1812年之后长期写的tsarhym并且拿破仑波拿巴在1805年禁止了Marseillais。

五人包括Milij Balakirev,Alexander Borodin,Cesar Cui,Modest Musorgsky和Nikolaj Rimskij-Korsakov。 这五个人反对德国和意大利对俄罗斯音乐的影响,但他们也被柏辽兹和李斯特的音乐所占据。 崔在回忆录中写道,他们的批评是年轻残酷,不尊重莫扎特和门德尔松,对舒曼的抵抗,对李斯特和柏辽兹以及肖邦和格林卡女神的热情。

在五位作曲家中,崔和巴拉基列夫对后来的作曲都没有更大的意义。 鲍罗丁在他的音乐中使用了白种人和中亚主题,特别是在歌剧第一伊戈尔(未完成)和他的交响乐中,更不用说他的交响诗“中亚的台阶”。 然而,他是一个忙碌的人(他是化学教授)并没有多少时间撰写。 尽管如此,他的两部交响曲仍然很特别,因为他用贝多芬的小额贷款来写这些交响曲,因此比其他大多数交响乐作曲家的影响要小得多。

Musorgskij有乌克兰的背景,但他大部分时间都留在圣彼得堡,从未离开过国外。 他最着名的两部作品是交响诗“布洛克斯贝格的一夜”(1867年,他去世后演出)和钢琴作品“图片”(1874年)。 除了节目音乐,Musorgsky的音乐可能被称为更多的现实主义而不是浪漫,尽管对异国情调有着迷恋。 因此,他的音乐,如SalambôOpera,可能会让你想起卡门。 此外,Musorgsky认为音乐和艺术应该有助于人类的言语,而不是自己的目的。 音乐法则,无论何时重要,都应该随时改变和打破。 基于亚历山大·普希金(Alexander Pushkin)的歌剧鲍里斯·戈杜诺夫(Boris Godunov)强调穆索尔斯基模仿俄语演讲模式时对演讲的迷恋。 Boris Godunov与Borodin的First Igor和Tsjajkovsky的Eugen Onegin一起,是俄罗斯最具戏剧性的歌剧。

Nikolaj Rimskij-Korsakov是五个接受过音乐教育的人中唯一一个,具有讽刺意味的是因为他在1871年成为教授并且不得不学习比他的学生领先一步。 即使是五人也对音乐教育持怀疑态度,因为它是以西方为导向的,正是Rimskij-Korsakov的教育在此过程中拯救了大量的俄罗斯音乐,而在其他地方,他编辑了Glinka,Musorgskij和Borodin以确保他们的音乐生存。 作为俄罗斯和西欧的指挥,他也成功地将音乐出口到这些地区。 Rimskij-Korsakov写了歌剧,但没有一个像Borodin,Tsjovkovsky和Musorgsky的作品那么受到关注。 Rimskij-Korsakov的优势在于他可以演奏管弦乐队中的所有乐器,因此非常擅长编排。 他的Capriccio espagnol和Scheherazade变得特别有名,具有讽刺意味的是,因为一个人拥有法国冠军和西班牙灵感,另一个以1001晚的主角命名。

捷克共和国
捷克作曲家在曼海姆学校的标志下,但后来主要与德国音乐有关。 然而,在19世纪下半叶,由BedřichSmetana和AntonínDvořák主导的民族主义浪潮。

首先是斯美塔那。 他被认为是捷克音乐的创始人。 斯美塔那关注捷克共和国的独立,同时也忙于音乐。 普拉哈是一个重要的音乐中心,他遇到了柏辽兹,李斯特以及罗伯特和克拉拉舒曼,他们都对他产生了很大的影响。 在哥德堡逗留后,他回到了波希米亚。 在这里,他写下了他的第二部歌剧“The Sold Bride”(1866年),这是一部带有许多民族浪漫动作的喜剧歌剧。 就像后来斯拉夫舞蹈中的德沃夏克一样,斯美塔那选择了民间曲调和自己的舞蹈,而不是直接从民间音乐中激发灵感。

这次选举的背景可能是与专制政治家的讨论,他们认为一部严肃的歌剧很容易就可以在捷克民间曲调的基础上写作,但是不可能写出一部具有捷克特色的喜剧。 斯美塔那认为,这将以不同曲调的大杂烩结束。 尽管出售新娘取得了成功,但斯美塔那在其他歌剧中脱离了这种风格。 他尝试过严肃的歌剧,在最后四部歌剧中,风格明显不同,无论是出售新娘还是彼此。 SmetanasMávlast(“我的祖国”)是一个交响诗歌循环,其中特别是二流的伏尔塔瓦(德国的Die Moldau)取得了巨大的成功。

Smetana的灵感来自Lizst和节目音乐,Dvořák是一位更像勃拉姆斯的绝对音乐家。 他很快从瓦格纳的魅力中恢复过来,并释放了几首受勃拉姆斯启发的交响曲。 不可否认,前四部交响曲在德沃夏克去世时并不为人所知,但最后五部交响曲越来越多。 然而,在勃拉姆斯被指责为老式和回归的地方,德沃夏克是一位更具前瞻性和创新性的交响乐团。 然而,德沃夏克并不像布拉姆斯那样渴望和神秘,而是俏皮而新鲜的作曲家。 然而,他作为交响乐可能取得的最大成功来自于高无所畏惧的加速,当他写下他的9号交响曲,来自新世界,受到美国之旅的启发,但也融合了捷克音乐。 此外,他的Stabat Mater和他的安魂曲取得了巨大的成功,他在H-Moll的鼹鼠和小区音乐会上的小提琴音乐会在欧洲也很受欢迎。

北欧国家
北欧国家,尤其是挪威,受到民族浪漫的影响。 来自北欧的一些作曲家根据民间音乐定义了他们国家的音乐,就像在俄罗斯那样,或者像在布拉格那样写作。 特别是斯堪的纳维亚国家在高转换率方面表现出色。 芬兰的让·西贝柳斯(Jean Sibelius)与来自丹麦的卡尔·尼尔森(Carl Nielsen)一起首次参加了senromantics。

在丹麦,“北欧音调”的概念最早出现在19世纪中叶。 特别是Niels Wilhelm Gade和Jens Peter Emilius Hartmann开始了这一发展。 其中,交响乐家盖德对北欧国家影响最大,而舞台音乐家哈特曼在他的作曲中更像是北欧人,也许就是这样,加德在欧洲得到了更多的认可。 在瑞典,特别是弗兰兹·伯瓦尔德(Franz Berwald)占主导地位。 他写过室内乐和歌剧,但作为加德,他最出名的是他的交响曲。 伯瓦尔德的交响曲是非常原始的,积极使用休息和节奏。 对他来说不幸的是,斯德哥尔摩并不像他写的那样为现代音乐做好准备,而且他并没有生活在他的音乐中。

在挪威,这三个斯堪的纳维亚国家中唯一不独立的公共音乐生活至少存在于1765年,当时音乐公司“和谐”在卑尔根成立。 这使它成为世界上最古老的音乐公司之一。 在Christiania(今天的奥斯陆),Lyceum在1810年作为替代品出现,创造了更大的竞争和专业性。 当挪威作曲家出现在19世纪初期时,他们被民族思想和1814年的Eidsvoll事件所感动,因此,从很早开始,就有了一种民族浪漫主义色调。 即将在Harmony中演出的Ole Bull与Myllarguten合作,Myllarguten是一位特别擅长民间音乐的强硬球员。 这种伙伴关系使得流行音乐在挪威流行。 最终出现了几位有前途的作曲家,如Halvdan Kjerulf和Richard Nordraak,但特别是在19世纪下半叶,挪威出现了Edvard Grieg,Johan Svendsen和Christian Sinding,其中Grieg在挪威和北欧国家。

如果在Gade,Hartmann或Berwald寻找北欧人或斯堪的纳维亚人,Grieg首先不是斯堪的纳维亚人而是挪威人。爱德华·格里格并不擅长大型造型,而是依靠较小的作品,如浪漫,割草机和钢琴作品。因此,他反对盖德和贝瓦尔德。例如,格里格没有交响乐,甚至还有很少的交响乐。格里格音乐的另一个特点是,他在找到民族音调并激发了许多民谣时,他找到了源头。与此同时,他给人们的旋律带来了个人风格,因此更容易进入甚至超越国界。格里格的罗马人属于这种类型中最好的。尽管Grieg被认为是一位微型艺术家,但他的管弦乐作品却是最着名的,尤其是Peer Gynt套装,其中包括Morning Mood,Dovregubbens Hall和Anita在第一首歌和Solveig中的舞蹈。另一首歌。同样来自Holberg的时间和A-Moll的钢琴音乐会具有很大的国际吸引力。格里格被朗伊尔称为“19世纪最具个人作曲家之一”。

其他音乐
除了他的交响乐状语从句:交响诗之外,CésarFranck还制作了很多音乐,这些音乐在某种程上已经过时了,如室内乐,定向越野,幻想,华夫格,合唱音乐和风琴音乐。在后者中,他借用了法国音乐和约翰·塞巴斯蒂安·巴赫,后者在门德尔松的努力下越来越受欢迎。弗兰克被认为是现代法国室内乐的创始人,包括他的钢琴五重奏,弦乐四重奏和小提琴儿子 – 都是周期性的形状。

GabrielFauré基本上是Franck的Wagner和德国风格的对立面。他将秩序和约束表现为关键的基石.Fauré 是Saint-Saëns的学生.Fauré也激发了Gounond,旋律更容易,没有演奏家。最终,他专注于音乐类型与一个大团队,也许称为他的安魂曲。接近尾声时,福莱在音乐形式中变得越来越受欢迎,并且很少有旋律经常联系在一起,就像当时可以来的瓦格纳那样远。

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