文艺复兴全盛期（High Renaissance）是一个术语，通常指的是16世纪初期在意大利制作的艺术品，当时伟大的文艺复兴大师达芬奇，拉斐尔和米开朗基罗的职业重叠。 他们在工作中取得的技术精湛和优雅的和谐被Vasari等作家的理想所支持。

在艺术史上，高文艺复兴时期是意大利文艺复兴时期视觉艺术高峰期的时期。 传统上这个时期始于十九世纪九十年代，莱昂纳多的米兰最后的晚餐的壁画和佛罗伦萨的洛伦佐德梅第奇的死亡，并于1527年由查理五世的军队解雇罗马而结束。这个词在19世纪早期首次在德国使用（Hochrenaissance），起源于Johann Joachim Winckelmann描绘的绘画和雕塑的“高风格”。 在过去的二十年里，这个术语的使用经常被学术艺术史家批评为过分简化艺术发展，忽视历史背景，只关注几个标志性的作品。

高文艺复兴时期是指从1500年到1530年罗马教皇，佛罗伦萨和威尼斯共和国的艺术。随着高复兴的绘画，西方艺术达到顶峰，带来了艺术作品的范围普遍。

这个时期的大师包括达芬奇（1452-1519），米开朗基罗（1475-1564）和拉斐尔（1483-1520）。
列奥纳多·达·芬奇在他的绘画中将技巧运用于精湛技艺。

概观
自十八世纪后期以来，高复兴被认为是意大利各州，主要是教皇朱利叶斯二世统治下的教皇国首都罗马的一段短暂的（约30年）的艺术创作。 关于这段时期何时何地开始和结束的断言各不相同，但总的来说，文艺复兴时期最着名的绘画代表人物包括达芬奇，早期的米开朗基罗和拉斐尔。 延续文艺复兴时期文化的一般标准，高文艺复兴时期的视觉艺术标志着对古典传统的重新强调，赞助网络的扩展，以及逐渐将形象形式逐渐衰减成后来称为矫饰主义的风格。

米开朗基罗和拉斐尔在梵蒂冈的作品被斯蒂芬弗里德伯格等学者称为代表高级文艺复兴风格在绘画中的高潮，因为这些作品的宏大规模，加上其构图的复杂性，密切观察人物形象，并指出对古典古代的图像和装饰参考，可以被看作是文艺复兴时期的象征。 近年来，艺术史家把高文艺复兴时期描绘成一个运动而不是一个时期，这是一个对十五世纪末和十六世纪早期对艺术的不同实验态度中的一个。 这种运动的特点是保守的; 反映出对美的新态度; 综合折衷模式的故意过程，与文学文化中的时尚相关联; 并反映出新的关注与解释和意义。

之前的时期是文艺复兴早期或初期的时期; 而延续的是文艺复兴时期的晚期或终结。 “文艺复兴时期”一词在其使用上具有误导性，即使是在专门书目中，也指定了这两者。 有时候，第二个文艺复兴时期的表达方式等同于“高”（即最初的文艺复兴时期是“第一次文艺复兴”）。

文艺复兴时期在意大利
在意大利文艺复兴时代，佛罗伦萨被罗马取代为最负盛名的艺术中心（通常使用佛罗伦萨 – 罗马文艺复兴式的表达方式）。 3佛罗伦萨被暴力的社会和政治运动所震撼，其中包括萨沃纳罗拉的兴衰和驱逐美第奇。 在罗马，梵蒂冈雄心勃勃的艺术项目（圣彼得大教堂，西斯廷教堂，Estancias de Rafael）吸引了一流的艺术家：Bramante，Sangallo，前述的Rafael和MiguelÁngel; 其中那些将在下一个时期脱颖而出的，被认为是风格主义者（Giulio Romano，Benvenuto Cellini等）。 在意大利的其他艺术中心之中，由于威尼斯画派的独特特点，威尼斯只有威尼斯画派的独特特征，而威尼斯在这些年来参加了贝里尼，乔尔乔涅和提香的最佳制作。

欧洲其他国家已经受到第一次文艺复兴或意大利的四千年的艺术革命的影响，但实际上，直到后期，五十年（千年）的结束，意大利文，意大利文，意大利文，意大利文，意大利文，意大利文，意大利文，意大利文，西班牙文，意大利文） 这在很大程度上归功于诸如Vite（1550）的作者Vasari这样的学者在他自己之前给这代人的天才，甚至准他们（他们实际上，拉斐尔被称为“divo – “神圣的” – ）。

关于15世纪中叶的文艺复兴时期，以线性视角进行实验为特征，高文艺复兴时期的特点是达芬奇的成熟和平衡; 在Michelangelesqueterribilitá的大理石卷中; 在威尼斯人或拉斐尔Madonnas的颜色，纹理和明暗对比中，给光线和阴影带来新的突出; 超越人像中的手臂（如Gioconda）; 在构图上尤其是三角形，以数字与外观和姿势的关系为标志，特别是在手中。

矫饰主义，尽管目前史学界本身将其定义为一种独立的风格，但最初这是一个贬义词，指定缺乏原创性的艺术家，谁画或雕刻了米格尔·安赫尔或拉斐尔的雕塑。 当然，高文艺复兴时期的艺术家所取得的威望使他们都想与自己相提并论：一位标志着丁托列托的个性艺术家宣称要用“提香的色彩和米开朗基罗的绘画”。

在十七世纪，由巴洛克式的破裂美学主持，一直延续到18世纪的学院和新古典主义风格的工作仍然保留着古典主义风格（法国古典主义，博洛尼亚学派，古典主义绘画）专注于古代艺术形式的纯粹考古复原），以及通过学术主义的当代艺术，直到二十世纪上半叶，它才是抵制前卫创新的官方艺术范式。 在十九世纪中叶，拉斐尔前运动假装在拉斐尔之前恢复了绘画的工匠纯度。

在欧洲其他地区高文艺复兴
整个十五世纪，意大利文艺复兴时期的形式一直很缓慢而且不均匀。 但到十六世纪中叶，文艺复兴时期的作品得到了广泛的传播，由于雕刻和文本，治疗师（Vasari，Serlio，Vignola，Palladio）使他们成为经典佳作。

北欧文艺复兴（特别是佛兰德复兴 – 佛兰德原始艺术 – 和德国文艺复兴 – 丢勒，阿尔多弗，格鲁内瓦尔德，多瑙河学校）虽然与意大利有着密切的流动关系，但它已经发展成为一个自治的重点，也标志着一个古典时期，印刷业允许的真正的社会和知识革命（古腾堡，1453年）改变了15世纪的最后十年和16世纪的前两年（在马克西米利安一世的崛起中，在政治上主导了佛兰德 – 勃艮第和德国）哈布斯堡）在超越社会，政治和意识形态变化的情景下，最终导致新教改革（路德论文，1517）。

对于天主教君主和西班牙头两个哈布斯堡王朝（菲利普博览会和查尔斯一世 – 查尔斯五世皇帝）的君主制，史学通常指十五世纪最后四分之一和十六世纪前三分之二西班牙文艺复兴时期高，而在十六世纪的后三分之一，由菲利普二世雄心勃勃的艺术节目主导，它保留了在西班牙文艺复兴时期的术语。 西班牙知识产业的所有领域都进入了真正的黄金时代。

另见：西班牙文艺复兴时期，西班牙文艺复兴文学，西班牙科学技术史和西班牙基督教史。
法国文艺复兴和英国文艺复兴也有其独特的特征。

建筑
文艺复兴时期的高级建筑风格通常以Donato Bramante开始，其在1510年在罗马蒙托里奥的S. Pietro的Tempietto开始建造。Tempietto标志着古罗马纪念建筑的全面复兴。 大卫·沃特金写道，像拉斐尔在梵蒂冈的作品（1509-11）那样，“临时主义是一种尝试调和基督教和人文主义理想的尝试”。

绘画
传统上，文艺复兴时期被认为是创意天才的一次巨大爆炸，遵循佛罗伦萨乔治瓦萨里首次提出的艺术史模型。 即使是这个时期的相对较小的画家，如Fra Bartolomeo和Mariotto Albertinelli，也为他们的设计和技术的和谐而创作出了令人赞叹的作品。 在米开朗基罗，安德烈亚德尔萨托和科雷吉奥的后期作品中，细长的比例和夸张的姿势预示着所谓的“矫饰”，作为后来的文艺复兴风格在艺术史中被提到。

乔尔乔涅和早期的提香画作的宁静气氛和明亮的色彩，充分体现了威尼斯实践的高复兴风格。 这一时期其他着名的作品包括达芬奇的蒙娜丽莎和拉斐尔的雅典学派。 拉斐尔的壁画镶嵌在拱门下面，是一个视角，构图和心灵的杰作。

雕塑
文艺复兴时期的高级雕塑，如米开朗基罗的皮埃塔和标志性的大卫所展示的，其特点是在静止和运动之间达到“理想”平衡。 文艺复兴时期的高级雕塑通常由公众和国家委托进行雕塑，这对于雕塑而言更为流行，是一种昂贵的艺术形式。 雕塑通常用于装饰或装饰建筑，通常在其他人能够研究和欣赏委托艺术作品的庭院内进行。 像红衣主教，统治者和银行家这样的富有人士更可能是私人赞助人以及非常富有的家庭; 教皇朱利叶斯二世还光顾了许多艺术家。 在高文艺复兴时期，为私人顾客开发小型小雕像，创作萧条和陵墓也在发展。 与雕塑相关的主题大多是宗教信仰，但也有一些古典人物以墓雕塑和绘画的形式以及大教堂的天花板。